バロック

バロック

上:ピーテル・パウル・ルーベンス作「ヴィーナスとアドニス」 (1635-1640年)、中央:ベルニーニ作「聖テレサの法悦」 (1651年)、下:フランスのヴェルサイユ宮殿( 1660年頃-1715年)
活動年数	17世紀～18世紀

バロック様式（英: / b ə ˈ r ɒ k / bə- ROK 、米: / - ˈ r oʊ k / -⁠ ROHK、仏: [baʁɔk]）は、17世紀初頭から1750年代まで栄えた西洋の建築、音楽、舞踏、絵画、彫刻、詩、その他の芸術の様式である。 ^[1]ルネサンス美術とマニエリスムに続き、ロココ（かつては「後期バロック」と呼ばれることが多かった）と新古典主義様式に先立つもの。カトリック教会は、プロテスタントの建築、美術、音楽の簡素さと質素さに対抗する手段としてバロック様式を奨励したが、ルター派のバロック美術もヨーロッパの一部で発展した。^[2]

バロック様式は、コントラスト、動き、豊かなディテール、深い色彩、壮大さ、驚きを用いて、畏敬の念を抱かせました。この様式は 17 世紀初頭にローマで始まり、その後イタリア、フランス、スペイン、ポルトガルの他地域、オーストリア、南ドイツ、ポーランドに急速に広まりました。1730 年代までには、ロカイユまたはロココと呼ばれるさらに華やかな様式に進化し、18 世紀半ばから後半にかけてフランスと中央ヨーロッパに現れました。イベリア半島を含むスペイン帝国とポルトガル帝国の領土では、新しい様式とともに 19 世紀最初の 10 年間まで続きました。

装飾芸術では、このスタイルは豊富で複雑な装飾を採用しています。ルネサンス古典主義からの逸脱は、各国で独自の方法があります。しかし、一般的な特徴は、どこでも出発点はルネサンスによって導入された装飾要素であるということです。古典的なレパートリーは、衝撃的な効果を引き起こすために、混雑し、密集し、重なり合い、満載です。バロックによって導入された新しいモチーフは、カルトゥーシュ、戦利品や武器、果物や花のバスケットなどであり、寄木細工、スタッコ、または彫刻で作られています。^[3]

英語の「バロック」という単語は、フランス語から直接来ています。一部の学者は、このフランス語の単語はポルトガル語の「傷のある真珠」を意味する「barroco 」に由来しており、ラテン語の「 verruca」を意味する「いぼ」を指していると述べています。 ^{[4]または、}ロマンス語の接尾辞-ǒccu（ローマ以前のイベリア半島で一般的）を持つ単語を指しています。 ^{[5] [6]}他の資料では、論理学で使用された中世ラテン語「baroco」が最も可能性の高い語源であると示唆しています。^[7]

16世紀には、中世ラテン語の「バロッコ」がスコラ哲学の域を超え、不条理に複雑と思われるものすべてを表すために使われるようになった。フランスの哲学者ミシェル・ド・モンテーニュ（1533年 - 1592年）は、バロッコ（モンテーニュ自身は「Barroco 」と綴った）という用語に「奇妙な、無駄に複雑な」という意味を与えるのに貢献した。^[8]他の初期の文献では、バロッコは魔法、複雑さ、混乱、過剰と関連づけられている。^[7]

バロックという言葉は、18世紀以前は不規則な真珠にも関連付けられていました。フランス語のbaroqueとポルトガル語のbarrocoは、宝石に関連する用語としてよく使われていました。1531年の例では、フランス国王シャルル5世の宝物目録の中で、真珠を説明するためにこの用語が使われています。 ^[9]その後、この言葉は1694年版のアカデミー・フランセーズ辞典に登場し、baroqueは「不完全な丸みを持つ真珠にのみ使用される」と説明されています。^[10] 1728年のポルトガル語の辞書も同様に、barrocoを「粗く不均一な真珠」と説明しています。^[11]

バロックという言葉の別の語源は、イタリアの画家フェデリコ・バロッチ（1528年 - 1612年）の名前に由来している。 ^[12]

18世紀には、この言葉が音楽を表現するのに使われるようになったが、お世辞を言う意味ではなかった。 1733年10月にジャン＝フィリップ・ラモーの『イポリットとアリシー』の初演に対する匿名の風刺的な批評が1734年5月の『メルキュール・ド・フランス』に掲載され、批評家は、このオペラの新しさは「バロック風」であると書き、音楽に一貫した旋律がなく、不協和音が容赦なく、調性や拍子が絶えず変わり、あらゆる作曲技法が素早く実行されていると不満を述べた。^[13]

1762年にアカデミー・フランセーズの辞書には、この用語は「不規則、奇妙、不平等」なものを比喩的に表すことができると記録されている。^[14]

音楽家、作曲家、哲学者でもあったジャン＝ジャック・ルソーは、1768年に百科全書に次のように記している。「バロック音楽は、ハーモニーが混乱し、変調や不協和音に満ちている。歌声は耳障りで不自然、イントネーションは難しく、動きは限られている。この用語は、論理学者が使う「バロコ」という言葉に由来しているようだ。」^{[8] [15]}

1788年、カトルメール・ド・カンシーは『方法百科全書』の中でこの用語を「非常に装飾的で複雑な建築様式」と定義した。^[16]

フランス語の「スタイル・バロック」と「ミュージック・バロック」という用語が、1835年にアカデミー・フランセーズ辞典に掲載された。 ^[17] 19世紀半ばまでに、美術評論家や歴史家は、ルネサンス以降の芸術を嘲笑する手段として「バロック」という用語を採用した。これは、1855年に著名な美術史家ヤコブ・ブルクハルトが使用した用語の意味であり、彼はバロック芸術家は「伝統への敬意」を欠いていたため「細部を軽蔑し、乱用した」と書いている。^[18]

1888年、美術史家ハインリヒ・ヴェルフリンは、ルネサンスとバロックの絵画、彫刻、建築の違いを解説した、この様式に関する最初の本格的な学術書『ルネサンスとバロック』を出版した。 ^[19]

バロック様式の建築は、プロテスタントの宗教改革に応えて、1545年から1563年にかけてのトレント公会議でカトリック教会が採用した教義の結果である。対抗宗教改革の第一段階では、宗教建築に厳格でアカデミックなスタイルが課され、知識人には受け入れられたが、教会に通う大衆には受け入れられなかった。トレント公会議は、代わりにより大衆的な聴衆にアピールすることを決定し、芸術は宗教的なテーマを直接的かつ感情的に伝えるべきだと宣言した。^{[21] [22]同様に、ルター派のバロック芸術は、}カルヴァン派の大偶像破壊に応えて、信仰告白のアイデンティティのマーカーとして発展した。^[23]

バロック教会は中央に大きな空間を設けて設計され、参拝者が祭壇の近くにいられるようにし、頭上にはドームやクーポラが高く、光が下の教会を照らすようにした。ドームはバロック建築の中心的な象徴的特徴の一つで、天と地の結合を表している。クーポラの内側は天使や聖人の絵画や天使のスタッコ小像で贅沢に飾られ、下にいる人々に天を見上げているような印象を与えた。^[24]バロック教会のもう一つの特徴はクアドラトゥーラである。これはスタッコの枠の中に描かれたトロンプ・ルイユの天井画で、本物か塗りのもので、聖人や天使の絵画で埋め尽くされ、建築的ディテールによって手すりやコンソールとつながっている。コーニスの下のクアドラトゥーラのアトランティスの絵画は、教会の天井を支えているように見える。システィーナ礼拝堂のミケランジェロの天井画は、それぞれ独自の視点を持つさまざまなシーンを組み合わせて 1 つずつ鑑賞するように作られていましたが、バロックの天井画は、教会の床にいる鑑賞者が、人物が本物であるかのように、天井全体を正しい視点で鑑賞できるように注意深く作成されました。

バロック教会の内部は盛期バロックになるとますます華麗になり、通常はドームの下に置かれる祭壇を中心に装飾されるようになった。盛期バロックの最も有名なバロック装飾作品は、ローマのサン・ピエトロ大聖堂にあるジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作の『サン・ピエトロの椅子』（1647年 - 1653年）と『サン・ピエトロの天蓋』（1623年 - 1634年）である。『サン・ピエトロの天蓋』は、バロック芸術における相反するもののバランスの一例であり、作品の巨大なプロポーションと天蓋の軽快な印象、そして作品のねじれた頑丈な柱、青銅、金、大理石と天蓋の天使のたなびく布とのコントラストが際立っている。^[25]ドレスデンのフラウエン教会は、ドレスデンのルター派市議会の委託を受けて1743年に完成し、「18世紀の観察者からはローマのサン・ピエトロ大聖堂に匹敵する」ルター派バロック芸術の代表的な例である。^[2]

教会内部のねじれた柱は、バロック様式の特徴的な特徴の 1 つです。ねじれた柱は動きを感じさせると同時に、光を反射する新しいドラマチックな方法も与えます。

カルトゥーシュはバロック装飾のもう一つの特徴です。カルトゥーシュは大理石や石で彫られた大きな板で、通常は楕円形で表面は丸みを帯びており、金箔文字で絵や文章が描かれていました。室内装飾として、または建物の出入り口の上に設置され、下の階の人々にメッセージを伝えました。カルトゥーシュには多種多様な創意工夫が見られ、大聖堂や宮殿から小さな礼拝堂まで、あらゆる種類の建物に見られました。[ ^26]

バロック建築家は、錯覚を演出するために、強制遠近法を使うことがありました。ローマのスパダ宮殿では、フランチェスコ・ボッロミーニは、徐々に小さくなる柱、狭くなる床、そしてその向こうの庭にある小さな彫像を使って、実際には 7 メートルしかない通路が 30 メートルあるかのような錯覚を演出しました。通路の端にある彫像は、高さが 60 センチメートルしかないのに、実物大のように見えます。ボッロミーニは、数学者の助けを借りてこの錯覚をデザインしました。

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  ローマのサン・ピエトロ大聖堂、ドナート・ブラマンテ、ミケランジェロ、カルロ・マデルノら作、1615年完成^[27]
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  サンタ・マリア・デッラ・サルーテ、ヴェネツィア、バルダッサーレ・ロンヘナ作、1631–1687 ^[28]
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  サン・カルロ・アッレ・クアトロ・フォンターネ、ローマ、フランチェスコ・ボロミーニ作、1638–1677
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  クワトロ・フィウミの泉、ローマ、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作、1648–1651 ^[29]
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  サン・ピエトロ広場、ローマ、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作、1656-1667年^[27]
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  サンタ・マリア・デッラ・パーチェ、ローマ、ピエトロ・ダ・コルトーナ作、1656–1667 ^[30]

ローマで最初にバロック様式のファサードを持つ建物は、1584 年に建てられたジェズ教会です。この教会は、後のバロック様式の基準からすると質素なものでしたが、それ以前の伝統的なルネッサンス様式のファサードとは一線を画していました。この教会の内部は、盛期バロック様式になるまで非常に質素なままでしたが、その後、豪華な装飾が施されました。

1605年、ローマではパウロ5世が、形態の多様化、色彩の豊かさ、劇的な効果によって感動と畏敬の念を喚起するように設計されたバジリカや教会建築を発注した一連の教皇の最初の人物となった。 ^[31]初期バロックの最も影響力のある建造物の中には、サン・ピエトロ大聖堂（1606-1619）のファサードと、ファサードを以前の教会のミケランジェロのドームとつなぐ新しい身廊とロッジアがあった。新しいデザインは、そびえ立つドームと不釣り合いに広いファサード、そしてファサード自体のドーリア式の柱と巨大な柱廊の間のコントラストを劇的に生み出した。 ^[32]

17世紀中期から後半にかけて、この様式はピークを迎え、後に盛期バロックと呼ばれるようになった。多くの記念碑的な作品が教皇ウルバヌス8世とアレクサンデル7世によって発注された。彫刻家で建築家のジャン・ロレンツォ・ベルニーニは、サン・ピエトロ広場の周囲に新しい4連の列柱を設計した（1656年～1667年）。巨大な楕円形の3つの柱廊は特大のドームとバランスが取れており、教会と広場に一体感と巨大劇場のような雰囲気を与えている。^[33]

イタリア盛期バロックのもうひとりの大きな革新者はフランチェスコ・ボッロミーニで、彼の主な作品はサン・カルロ・アッレ・クアトロ・フォンターネ教会（1634-1646年）である。動きの感覚は装飾ではなく、波打つ壁自体と、凹面と凸面の要素、凹面のトラバースに挿入された楕円形の塔とバルコニーによってもたらされる。内部も同様に革新的で、教会のメインスペースは楕円形で、楕円形のドームの下にある。^[33]

天使や聖人、トロンプ・ルイユの建築的効果で埋め尽くされた天井画は、イタリア盛期バロックの重要な特徴であった。主な作品には、ローマのサンティグナツィオ教会にあるアンドレア・ポッツォ（1685-1695）の『聖イグナチオの天国への入場』や、ローマのジェズー教会にあるジョヴァンニ・バッティスタ・ガウッリ（1669-1683）の『イエスの名の勝利』などがあり、額縁から溢れ出る人物像とドラマチックな斜めの照明、明暗のコントラストが特徴的であった。^[34]

この様式はローマからイタリアの他の地域に急速に広まった。ヴェネツィアではバルダッサーレ・ロンゲーナによるサンタ・マリア・デッラ・サルーテ教会（1631年 - 1687年）に、巨大なキューポラを載せた非常に独創的な八角形の教会が登場した。またトリノでも、グアリーノ・グアリーニによる聖骸布礼拝堂（1668年 - 1694年）に登場した。この様式は宮殿にも使われるようになり、グアリーニはトリノのカリニャーノ宮殿を設計し、ロンゲーナは大運河沿いのカ・レッツォーニコ（1657年）を設計した。これはジョルジョ・マッサーリが完成させ、ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロの絵画で装飾された。^[35]シチリア島では大地震が相次ぎ、ほとんどの宮殿の再建が必要となり、いくつかは華やかな後期バロック様式やロココ様式で建てられた。

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  サン テルモ宮殿、アンダルシア、セビリア、レオナルド デ フィゲロア作、1682 ～ 1754 年
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  メルセド宮殿、コルドバ、アンダルシア、1245 ～ 1760 年
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  マドリード王宮、ジャン・バウティスタ・サケッティ作、1735-1764年^[36]
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  スペイン、サンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂のファサード、フェルナンド・デ・カサス・ノボア作、1738年^[37]
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  カタルーニャ州バルセロナのヴィレイナ宮殿、1772 年から 1778 年にかけてジョゼップ・アウシッチによって建てられました。
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  カタルーニャ州バルセロナにある慈悲の聖母大聖堂。1765年から1775年にかけてホセ・マス・ドルダルによって建てられた。
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  カスティーリャ イ レオン州サラマンカのラ クレレシア、1617 年から 1754 年にかけて建設されました。
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  サンタ テレサ修道院、カスティーリャ イ レオン州アビラにあり、17 世紀初頭に建てられました。
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  カスティーリャ ラ マンチャ州クエンカにあるカサ コンストリアル デ クエンカ、1760 年から 1788 年にかけてロレンソ デ サンタ マリアとマテオ ロペスによって建てられました。
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  サントス フアネス教会、バレンシア、1240 年から 1702 年にかけて建設

スペインのカトリック教会、特にイエズス会は、スペイン・バロック建築の原動力であった。この様式の最初の主要作品は、1643年にペドロ・デ・ラ・トーレによって着工されたマドリードのサン・イシドロ礼拝堂である。この礼拝堂は、外部の極めて豪華な装飾と内部のシンプルさとを対比させ、複数の空間に分割し、光の効果を利用して神秘的な感覚を生み出した。^[38]サンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂は、17世紀末から一連のバロック様式の増築によって近代化され、最初は非常に華やかな鐘楼（1680年）で、次に1738年から1750年の間にフェルナンド・デ・カサス・ノボアによって追加された、さらに高くてより華やかな2つの塔、オブラドリオが隣接した。スペイン・バロックのもう1つのランドマークは、レオナルド・デ・フィゲロアによるセビリアのサン・テルモ宮殿の礼拝堂の塔である。^[39]

グラナダは15 世紀にムーア人から征服されたばかりで、独特のバロック様式を誇っていました。画家、彫刻家、建築家のアロンソ・カーノは、1652 年から 1657 年に亡くなるまでの間、グラナダ大聖堂のバロック様式の内装を設計しました。巨大な白い柱と金色の装飾のドラマチックなコントラストが特徴です。

スペイン・バロック建築の中で最も装飾的で豪華な装飾が施されたものは、サラマンカとマドリードで主に活動したチュリゲラ兄弟にちなんでチュリゲレスク様式と呼ばれています。彼らの作品には、サラマンカのメイン広場であるマヨール広場（1729年）の建物が含まれます。 ^[39]この非常に装飾的なバロック様式は、スペイン人がアメリカ大陸に建てた多くの教会や大聖堂に影響を与えました。

後期バロック時代の他の著名なスペインのバロック建築家には、マドリードの王立サンフェルナンド病院を設計したチュリゲラの弟子ペドロ・デ・リベラや、光の加減によっては上空に浮かんでいるように見えるトレド大聖堂（1729-1732）の有名な祭壇画「エル・トランスパレンテ」を設計したナルシソ・トメがいる。^[39]

スペイン・バロックの建築家の影響はスペインをはるかに超え、彼らの作品はラテンアメリカやフィリピンのスペイン植民地に建てられた教会に大きな影響を与えました。テポツォトランのサンフランシスコ・ハビエル大学のためにイエズス会が建てた教会は、華やかなバロック様式のファサードと塔を備えており、その好例です。^[40]

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  ポズナン・ファラ、ポーランド、ポズナン、バルトロミェイ・ナタニエル・ウォソフスキー、ジョバンニ・カテナッツィ、ポンペオ・フェラーリ作、1651–1732
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  ヴィラヌフ宮殿、ワルシャワ、ポーランド、建築家不明、1677-1679年^[41]
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  ペスト記念柱、オーストリア、ウィーン、マティアス・ラウフミラーとヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ作、1682年と1694年^[42]
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  聖ニコラス教会、プラハ、チェコ共和国、クリストフ・ディエンツェンホーファー作、1703-1711年^[43]
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  ウィーン、カールス教会の外観、ヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ作、1715–1737 ^[44]
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  カールス教会の内部、ヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ作、1715～1737年^[44]
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  ウィーン、ベルヴェデーレ宮殿上部、ヨハン・ルーカス・フォン・ヒルデブラント作、1717–1723 ^[45]
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  ロガリン宮殿、ロガリン、ポーランド、建築家不明、1768 ～ 1774 年^[46]

1680年から1750年にかけて、中央ヨーロッパ、オーストリア、ボヘミア、ポーランド南西部に、非常に華やかな大聖堂、修道院、巡礼教会が数多く建てられました。その中には、バロック様式から生まれた、より華やかで非対称な独特のロココ様式のものもありました。18世紀前半に中央ヨーロッパでバロック様式に取って代わり、その後古典主義に取って代わられました。^[47]

その地域の多くの国の君主たちも宮殿や邸宅にバロック様式やロココ様式を選び、その建設にはイタリアで教育を受けた建築家を使うことが多かった。^[48]

注目すべき例としては、プラハの聖ニコラス教会（マラー・ストラナ） （1704-1755年）が挙げられます。これはクリストフ・ディエンツェンホーファーと息子のキリアン・イグナーツ・ディエンツェンホーファーによって建てられました。教会の内部の壁全体が装飾で覆われています。祭壇は中央のドームの下の身廊に置かれ、礼拝堂に囲まれています。光は上のドームと周囲の礼拝堂から降りてきます。祭壇はアーチ、柱、湾曲した手すり、有色石の柱で完全に囲まれており、彫像で豊かに装飾されており、実際の建築と装飾の間に意図的な混乱を生み出しています。建築は光と色と動きの劇場に変身しています。^[25]

ポーランドでは、イタリアの影響を受けたポーランド・バロック様式が17世紀初頭から18世紀半ばまで続き、細部と色彩の豊かさを強調しました。現在のポーランドで最初のバロック建築であり、おそらく最もよく知られているものの一つは、ジョヴァンニ・バッティスタ・トレヴァーノが設計したクラクフの聖ペトロ・パウロ教会です。 1644年に建てられたワルシャワのジギスムント記念柱は、円柱の形で建てられた世界初の世俗的なバロック様式の記念碑です。^[49]宮殿のような住居様式は、1677年から1696年にかけて建設されたヴィラヌフ宮殿によって例示されています。 ^[50]ポーランドで活躍した最も有名なバロック建築家はオランダ人のティルマン・ファン・ガメレンであり、彼の注目すべき作品にはワルシャワの聖カジミエシュ教会とクラシンスキ宮殿、クラクフの聖アンナ教会、ビャウィストクのブラニツキ宮殿などがあります。^[51]しかし、ポーランドのバロックの最も有名な作品は、ポンペオ・フェラーリが細部を手がけたポズナン・ファラ教会です。三十年戦争後、ウェストファリア条約の協定に基づき、ヤヴォルの平和教会とヨーロッパ最大の木造バロック寺院 であるシフィドニツァの聖三位一体平和教会という、2つのユニークなバロック様式の編み枝細工の建造物が建設されました。

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  ツヴィンガー宮殿、ドレスデン、ドイツ、マテウス ダニエル ペッペルマンとバルタザール ペルモーザー作、1710 ～ 1728 年
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  ヴュルツブルク邸宅、ドイツ、ヴュルツブルク、バルタザール・ノイマン、1720 ～ 1744 年
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  聖母教会、ドレスデン、ドイツ、ジョージ ベーア作、1726 年と 1743 年

今日のドイツ領土にあった神聖ローマ帝国の多くの国々は、いずれも印象的なバロック様式の建物で自らを表現しようとした。 ^[52] 著名な建築家としては、バイエルンのヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ、ルーカス・フォン・ヒルデブラント、ドミニクス・ツィンメルマン、ブリュールのバルタザール・ノイマン、ドレスデンのマテウス・ダニエル・ペッペルマンなどがいた。プロイセンでは、プロイセン王フリードリヒ2世がヴェルサイユ宮殿の大トリアノンに触発され、それをモデルにポツダムの夏の離宮サンスーシを建てた。サンスーシはゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・クノーベルスドルフ（1745年 - 1747年）が設計した。バロック様式の宮殿建築のもうひとつの作品は、18世紀のザクセン選帝侯宮殿のかつてのオランジェリーであったツヴィンガー宮殿（ドレスデン）である。

ロココ様式の教会の最も優れた例の1つは、ドイツ南部のバイエルン州バンベルク近郊のバート・シュタッフェルシュタインの町近くにある巡礼教会、バシリカ・フィアツェンハイリゲン（十四聖助聖堂）である。この聖堂はバルタザール・ノイマンによって設計され、1743年から1772年の間に建設された。そのプランは、中央の楕円形の周囲に一連の連結した円があり、祭壇が教会のちょうど中心に置かれていた。この教会の内部は、ロココ装飾の頂点を示している。^[53] この様式のもう一つの注目すべき例は、ヴィースの巡礼教会（ドイツ語：Wieskirche）である。これはJBとドミニクス・ツィンメルマン兄弟によって設計された。ドイツ、バイエルン州ヴァイルハイム＝ショーンガウ郡シュタインガーデン自治体のアルプスの麓に位置している。建設は1745年から1754年にかけて行われ、内部はウェッソブランナー派の伝統に則ったフレスコ画とスタッコ細工で装飾されています。現在はユネスコの世界遺産に登録されています。

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  シャトー・ド・メゾン、フランス、フランソワ・マンサール作、1630–1651 ^[54]
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  ギャラリー・ダポロン、パリ、ルーブル宮殿、ルイ・ル・ヴォーとシャルル・ルブラン作、1661年以降^[55]
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  ルーブル宮殿東正面、パリ、クロード・ペローとルイ・ル・ヴォー作、1665-1680年^[56]
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  ヴェルサイユ宮殿礼拝堂、ヴェルサイユ、フランス、1696-1710年^[57]
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  パリ、ポルト・サン・ドニ、フランソワ・ブロンデル作、1672年^[58]
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  アンヴァリッドのドーム、パリ、ジュール・アルドゥアン＝マンサール作、1677–1706 ^[59]
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  ヴェルサイユ宮殿の鏡の間、1678-1684年^[60]
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  ヴェルサイユ宮殿の庭園ファサード、ジュール・アルドゥアン＝マンサール作、1678-1688年^[61]
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  ヴェルサイユ宮殿の大理石の中庭、1680年^[62]
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  ヴァンドーム広場、パリ、ジュール・アルドゥアン・マンサール作、1699–1706 ^[63]
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  オテル・ド・ロトラン・シャロレー、パリ、ピエール・カイユトー作、1700–1704 ^[64]

フランスのバロックは、イタリア、スペイン、その他のヨーロッパ諸国の華麗でドラマティックな地方のバロックとは全く異なる形で発展した。比較すると厳格で、より冷静で抑制された印象で、新古典主義や啓蒙主義の建築を先取りしている。イタリアの建物とは異なり、フランスのバロック建築には破風や曲線のファサードはない。宗教的な建物でさえ、ボッロミーニの作品に見られるような強烈な空間ドラマを避けている。このスタイルはルイ14世（在位1643-1715）のために建てられた作品と密接に関連しており、このためルイ14世様式としても知られている。ルイ14世はバロックの巨匠ベルニーニにルーブル美術館の新しい東翼のデザインを提案するよう依頼したが、クロード・ペローとルイ・ル・ヴォーによるより古典的なデザインを支持して却下した。^{[65] [66]}

この様式の主な建築家には、フランソワ・マンサール（1598年 - 1666年）、ピエール・ル・ミュエ（ヴァル・ド・グラース教会、1645年 - 1665年）、ルイ・ル・ヴォー（ヴォー・ル・ヴィコント教会、1657年 - 1661年）がいる。マンサールは、主に応用オーダーと重厚なラスティケーションを多用したバロック様式をフランスの建築用語に取り入れた最初の建築家である。マンサール屋根はマンサールが発明したものではないが、彼が頻繁に使用したことから、彼と結び付けられるようになった。^[67]

この時期の王室の主要な事業は、1661年にル・ヴォーが着手し、画家のシャルル・ルブランが装飾を担当したヴェルサイユ宮殿の拡張工事であった。庭園は、建築を引き立て、さらに美しく見せることを目的に、アンドレ・ル・ノートルが設計した。ルブランの絵画が飾られた、城の目玉である鏡の間は、1678年から1686年にかけて建設された。マンサールは1687年にグラン・トリアノンを完成させた。ロベール・ド・コットの設計による礼拝堂は、1710年に完成した。ルイ14世の死後、ルイ15世は、より親密な雰囲気のプチ・トリアノンと、非常に華やかな劇場を増築した。庭園の噴水は、内部から見えるように設計され、劇的な効果を増している。この宮殿はヨーロッパの他の君主たち、特にロシアのピョートル大帝に賞賛され、模倣された。ピョートル大帝はルイ15世の治世初期にヴェルサイユを訪れ、1705年から1725年の間にサンクトペテルブルク近郊のペテルゴフ宮殿に独自の宮殿を建てた。 ^[68]

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  ポルトガル、コインブラ大学、コインブラ大学図書館、ガスパール・フェレイラ作、1716-1728年^[69]
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  マフラ宮殿、ポルトガル、マフラ、ジョアン・フレデリコ・ルドヴィツェ作、1717–1755 ^[70]
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  ポルトガル、リスボンのサン・ヴィセンテ・デ・フォーラ修道院の回廊にあるアズレージョ。ジャン・ル・ポートル（建築家または職人不明、1730年-1735年）の版画に基づく風景画。^[71]
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  ボン・ジェズス・ド・モンテ聖域の大階段、ポルトガル、ブラガ、カルロス・ルイス・フェレイラ・アマランテ他作、c.  1784年^[72]

ポルトガルのバロック建築は約 2 世紀 (17 世紀後半から 18 世紀) 続きました。ジョアン 5 世とジョゼフ 1 世の統治下では、王権絶​​対主義と呼ばれる時代に金とダイヤモンドの輸入が増加し、ポルトガルのバロック様式が繁栄しました。

ポルトガルのバロック建築は、ヨーロッパの他の地域とは異なる特別な状況と異なる歴史を持っています。

ポルトガルの建築は、政治的、芸術的、経済的要因によって条件付けられ、さまざまな段階とさまざまな外部の影響を生み出し、その結果、独特のブレンドが生まれます。^[73]イタリアの芸術を探している人は、しばしば誤解しますが、代わりにポルトガル独自の多様性を与える特定の形式と特徴を見つけます。もう1つの重要な要因は、イエズス会の建築の存在です。これは「プレーンスタイル」（Estilo ChãoまたはEstilo Plano）^[74]とも呼ばれ、名前が連想させるように、よりシンプルでやや厳格に見えます。

建物は、1 部屋のバシリカ、深い主礼拝堂、側面礼拝堂 (コミュニケーション用の小さなドア付き)、内部および外部の装飾なし、シンプルなポータルと窓で構成されています。実用的な建物で、帝国全体にわずかな調整を加えるだけで建てることができ、後で、または経済的資源が利用可能になったときに装飾できるように準備されています。

実際、ポルトガル初期のバロック様式は、建物に欠けているところがありません。なぜなら、「シンプルなスタイル」は装飾（絵画、タイルなど）によって簡単に変形でき、空きスペースを豪華で手の込んだバロック様式のシナリオに変えることができるからです。同じことが外装にも当てはまります。その後、建物を時代や場所の好みに合わせて調整し、新しい機能や詳細を追加するのは簡単です。実用的で経済的です。

住民が増え、経済資源も豊富になったことで、北部、特にポルトとブラガの地域では^{[75] [76] [77]}建築の刷新が見られ、貴族によって建てられた多数の教会、修道院、宮殿がその証拠である。

ポルトはポルトガルのバロック都市です。その歴史的中心部はユネスコの 世界遺産に登録されています。^[78]

市内の歴史的地区やその周辺にあるバロック建築の多くは、ポルトガル在住のイタリア人建築家ニコラウ・ナゾーニの作品であり、クレリゴスの教会と塔^[79]、ポルト大聖堂のロジア、ミゼリコルディア教会、サン・ジョアン・ノヴォ宮殿^[80]、フレイショ宮殿[ ^81]、司教宮殿（ポルトガル語：Paço Episcopal do Porto）^[82]など、舞台装置を備えた独創的な建物を設計しました。

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  ペテルゴフ庭園、サンクトペテルブルク、ロシア、建築家不明、1746-1758年^[83]
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  スモーリヌイ修道院、サンクトペテルブルク、フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリ作、1748年^[84]
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  ツァールスコエ・セロー、プーシキン、ロシア、フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリ作、1749–1756 ^[85]

ロシア・バロック、あるいはピョートル・バロックの始まりは、ピョートル大帝が1697年から1698年にかけて西ヨーロッパを長期訪問したことに続くもので、大帝はフォンテーヌブロー宮殿やヴェルサイユ宮殿、その他の建築記念碑を訪れた。大帝はロシアに帰国後、 1712年にロシアの新首都となったサンクトペテルブルクに同様の記念碑を建設することを決意した。ピョートル・バロックの初期の主要な記念碑には、ペトロパヴロフスク大聖堂やメンシコフ宮殿などがある。

アンナとエリザベートの治世中、ロシア建築はイタリア生まれのフランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリの豪華なバロック様式が主流となり、それがエリザベス朝バロックへと発展した。ラストレッリの代表的な建築物には、冬宮殿、エカテリーナ宮殿、スモーリヌイ大聖堂などがある。エリザベス朝バロックのその他の特徴的な建造物には、トロイツェ・セルギエフ大修道院の鐘楼と赤門がある。^[86]

モスクワでは、17世紀後半に東方正教会の建築を中心に、ナルイシュキン・バロック様式が広まりました。これは西ヨーロッパのバロック様式と伝統的なロシアの民俗様式を組み合わせたものでした。

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  アッシジの聖フランシスコ教会 (オウロ プレト)、ミナス ジェライス州、ブラジル、アレイジャジーニョ作、1765 ～ 1788 年
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  サンフランシスコ・デ・アシス大聖堂、ハバナ、キューバ、建築家不明、1548 – 1738 ^[87]
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  サン・フランシスコ・アカテペック教会、サン・アンドレス・チョルーラ、プエブラ、メキシコ、建築家不明、17～18 世紀
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  キト大聖堂、エクアドル、キト、アントニオ・ガルシア他作、1535-1799年
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  ボリビア、スクレのスクレ大大聖堂、1551-1712年
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  サントドミンゴ教会、サンティアゴ、チリ、建築家不明、1747-1808年^[88]
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  サンタ・プリスカ・デ・タスコ教会、メキシコ、タスコ、ディエゴ・デュランとカエタノ・シグエンサ作、1751年 - 1758年^[89]
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  ラ・レコレシオン教会、レオン、ニカラグア、1786 ～ 1788 年

ヨーロッパ諸国によるアメリカ大陸の植民地化により、バロックは自然に新世界へと移り、特にスペインとポルトガルが支配する地域で好ましい地盤を見つけました。両国は中央集権的で不可逆的なカトリックの君主制であり、ひいてはローマとバロック対抗宗教改革の信奉者の支配下に置かれていました。ヨーロッパの芸術家はアメリカに移住して流派を作り、その多くが熟練した芸術家であったカトリック宣教師の広範な浸透とともに、大衆の嗜好に影響されることの多い多様なバロックを生み出しました。クリオーリョ族と先住民の職人は、このバロックに独特の特徴を与えるのに大きく貢献しました。現在も残っているアメリカのバロック文化の中心地は、（この順で）メキシコ、ペルー、ブラジル、キューバ、エクアドル、コロンビア、ボリビア、グアテマラ、ニカラグア、プエルトリコ、パナマです。

特に注目すべきは、いわゆる「宣教師のバロック」である。これは、メキシコと現在のアメリカ合衆国の南西部から、はるか南はアルゼンチンとチリにまで及ぶ地域におけるスペインの支配の枠組みの中で発展した。この地域で先住民の居住地は、スペインのカトリック宣教師によって組織され、彼らをキリスト教に改宗させ、西洋の生活に同化させようとした。先住民文化の影響を受けたハイブリッドなバロックを形成し、クリオーリョや多くの先住民の職人や音楽家が栄え、中には読み書きができる者もおり、彼ら自身も非常に優れた能力と才能を持っていた。宣教師の記述では、西洋の芸術、特に音楽が森林管理人に催眠効果をもたらし、聖人の像は大きな力を持つと考えられていたとよく述べられている。多くの先住民が改宗し、新しい信仰の形が生み出された。それは情熱的で、神秘主義、迷信、演劇性に満ち、祝祭のミサ、神聖なコンサート、神秘を喜ぶものであった。^{[94] [95]}

スペイン領アメリカのコロニアル・バロック建築は、豊富な装飾（メキシコシティのラ・プロフェサ教会の玄関、サン・アンドレス・チョルーラのサン・フランシスコ・アカテペック教会やプエブラのサン・フランシスコ修道院教会などのプエブラ様式のアズレージョで覆われたファサード）を特徴としており、いわゆるチュリゲレスク様式（ロレンソ・ロドリゲス作、メキシコシティ大聖堂の聖櫃のファサード、テポツォトラン のサン・フランシスコ・ハビエル教会、サンタ・プリスカ・デ・タスコ教会）でそれがさらに強調されることになる。ペルーでは、1650 年以降、主にリマ、クスコ、アレキパ、トルヒーリョの都市で開発された建築物は、クッション付きの壁やソロモニック柱の使用など、ヨーロッパのバロック様式にすら進歩した独自の特徴を示しています(クスコのヘスス教会、リマのサンフランシスコ大聖堂と修道院)。^[96]他の国には、ボリビアのスクレメトロポリタン大聖堂が含まれます。グアテマラのエスキプラス大聖堂。ホンジュラスのテグシガルパ大聖堂。ニカラグアのレオン大聖堂。エクアドル、キトのヘスス教会。コロンビア、ボゴタのサン・イグナシオ教会。ベネズエラのカラカス大聖堂。アルゼンチンのブエノスアイレス市議会。チリ、サンティアゴのサント ドミンゴ教会。キューバのハバナ大聖堂も同様である。ボリビアのスペイン・イエズス会宣教団、パラグアイのスペイン・イエズス会宣教団、メキシコのスペイン・宣教団、カリフォルニアのスペイン・フランシスコ会宣教団の教会の質の高さも忘れてはならない。^[97]

ブラジルでは、大都市ポルトガルと同様、建築にイタリアの影響が見られ、通常はボロミネスク様式で、レシフェ大聖堂（1784年）やリオデジャネイロのノッサ・セニョーラ・ダ・グロリア・ド・オウテイロ教会（1739年）にそれが表れています。ミナスジェライス州では、アレイジャジーニョの作品が際立っています。彼は、曲線の平面図、凹凸のダイナミックな効果のあるファサード、すべての建築要素の造形的な処理で際立つ一連の教会の作者です（サン・フランシスコ・デ・アシス教会、オウロ・プレット、1765年～1788年）。

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  中国マカオのサンパウロ、建築家不明、1601年^[98]
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  インド、ディウのサンパウロ、建築家不明、1601年^[99]
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  1792 年に描かれたマニラ大聖堂（フィリピン、マニラのイントラムロス）
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  インド、ゴアのボン・ジェズス聖堂、1594-1605年

インドのポルトガル植民地（ゴア、ダマン・ディーウ）では、セー大聖堂や、聖フランシスコ・ザビエルの墓があるゴアのボン・ジェズス教会など、バロック様式とヒンドゥー教の要素が融合した建築様式が栄えました。ゴアの教会と修道院群は、1986年に 世界遺産に登録されました。

3 世紀以上にわたってスペインの植民地であったフィリピンには、多数のバロック建築が保存されています。これらのうち 4 つの建物と、バロック様式と新古典主義の都市ビガンは、どちらもユネスコの 世界遺産に登録されています。また、正式な分類はありませんが、マニラの城壁都市とタヤバスの街には、スペイン・バロック時代の建築がかなり多く残っています。

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  ゴリア修道院教会、ヤシ、ルーマニア、建築家不明、1650-1660 年
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  ホレズ修道院、ルーマニア、ホレズ、ソロモンの柱がある、建築家不明、17-18世紀^[100]
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  聖コンスタンティノスと聖エレナ教会の扉とピサニエ、ホレズ修道院、建築家または彫刻家不明、1692-1694年
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  ポトロギ宮殿のマキシマリスト様式の手すり、ポトロギ、建築家不明、1698年
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  モゴショアヤ宮殿のねじれた柱と手すり、モゴショアヤ、建築家不明、18世紀初頭^[101]
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  ブカレストのアンティム修道院の中庭にある傷んだ石に刻まれたカルトゥーシュ。彫刻家不明、17 世紀後半から 18 世紀初頭。

すでに述べたように、バロックはイタリアで生まれた西洋様式です。イタリア人とモルダビアやワラキアを含むバルカン半島諸国との商業的、文化的関係を通じて、バロックの影響が東ヨーロッパに伝わりました。これらの影響は、通常、建築物や石の彫刻装飾に見られ、ビザンチン美術やイスラム美術から取り入れた細部と強く混ざり合っているため、それほど強いものではありませんでした。

ビザンチン帝国の崩壊の前後、ワラキアとモルダヴィアの芸術はすべて、主にコンスタンティノープルの芸術の影響を受けていた。16世紀末まで、教会や修道院の設計、壁画、石に彫られた装飾品は、ほとんど変更されずに以前と同じままだった。マテイ・バサラブ（1632年 - 1654年）とヴァシレ・ルプー（1634年 - 1653年）の治世に始まる時期から、イタリアのバロック様式の普及と時期が重なり、新しい装飾が追加され、宗教家具のスタイルが変化した。これは決して偶然ではなかった。装飾的な要素と原理は、イタリア、ヴェネツィア、ダルマチア地方を通じてもたらされ、東方の建築家や職人によって採用された。窓枠やドア枠、献呈されたピサニエ、墓石、柱や手すり、青銅製、銀製、木製の家具の一部は、以前よりも重要な役割を担うようになりました。これらはビザンチンの伝統に触発されて以前にも存在していましたが、より写実的な外観になり、繊細な花のモチーフが描かれました。以前にも存在したレリーフは、ボリュームと一貫性を備え、より強調されました。この時期以前は、ワラキアやモルダビアのレリーフは、東方のものと同様に、表面と奥にわずかな距離を置いて 2 つのレベルしかありませんでした。バラ、シャクヤク、アザミなどの大きな花や、アカンサスなどの厚い葉が柱に絡みついていたり、ドアや窓を囲んでいたりしました。バロックの影響が強くあったのは、柱と手すりです。柱頭は以前よりも葉で飾られました。柱には、ソロモンの柱を地元で再解釈した、ねじれた軸が付いていることがよくあります。これらの柱の間には、ランソーで飾られたマキシマリストの手すりが置かれています。モゴショアイア宮殿のものには、イルカで飾られたものもあります。カルトゥーシュも時々使用され、主にコンスタンティン・ブランコヴェアヌの墓石に使用されています。この運動は、ワラキアの統治者コンスタンティン・ブランコヴェアヌにちなんでブランコヴェネスク様式と呼ばれています。彼の統治期間 (1654-1714) は、この種の建築とデザインと深く結びついています。この様式は、18 世紀にも存在し、19 世紀の一部にも見られます。ボヤールとヴォイヴォダによって建てられた教会や邸宅の多くは、これらの時代を代表するのがブランコ​​ヴェネスクです。バロックの影響がはっきりと見られますが、ブランコヴェネスク様式は地元の伝統からより多くのインスピレーションを得ています。

18世紀が過ぎると、ファナリオット家（イスタンブールのファナルの著名なギリシャ人一族）がワラキアとモルダビアを統治し、イスタンブールからもバロックの影響がもたらされた。バロックの影響は17世紀にも及んだが、ファナリオット家によってオスマン帝国にもたらされたより西洋的なバロックのモチーフは、最終的に現在のルーマニアにたどり着いた。モルダビアでは、イタリア美術の影響が強かったロシアからもバロックの要素がもたらされた。^[102]

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  キリストの復活;アンニーバレ・カラッチ作; 1593年 ; キャンバスに油彩 ; 217 x 160 cm ;ルーブル美術館^[103]
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  バッカスとアドリアーネの勝利（神々の恋の一部）；アンニーバレ・カラッチ作； 1597年頃-1600年；フレスコ画；長さ（ギャラリー）：20.2メートル；ローマ、ファルネーゼ宮殿^[104]
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  聖マタイの召命;カラヴァッジョ作; 1602年頃-1604年; キャンバスに油彩 ; 3 x 2 m ;サン・ルイジ・デイ・フランチェージ教会、ローマ^[105]
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  ホロフェルネスを殺すユディット;アルテミジア・ジェンティレスキ作; 1611–1612年 ; キャンバスに油彩 ; 163 x 126 cm ;ウフィツィ美術館、フィレンツェ、イタリア^[106]
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  四大陸;ピーテル・パウル・ルーベンス作; 1615年頃; キャンバスに油彩 ; 209 x 284 cm ;美術史美術館、ウィーン、オーストリア
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  サビニの女たちの略奪;ニコラ・プッサン; 1634-1635年 ; キャンバスに油彩 ; 1.55 × 2.1 m ;メトロポリタン美術館、ニューヨーク市^[107]
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  夜警；レンブラント；1642年；キャンバスに油彩；3.63 × 4.37 m；アムステルダム国立美術館、オランダ^[108]
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  シバの女王の乗船;クロード・ロラン作; 1648年 ; キャンバスに油彩 ; 149.1 × 196.7 cm ;ロンドン・ナショナル・ギャラリー
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  ラス・メニーナス;ディエゴ・ベラスケス著; 1656年。キャンバスに油彩。 3.18cm×2.76m;プラド美術館、マドリッド、スペイン^[109]
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  バッカスの勝利;ミヒャエリーナ・ワウティエ作; 1659年以前 ; キャンバスに油彩 ; 270 x 354 cm ; 美術史美術館^[110]
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  ヴァニタスの静物画;マリア・ヴァン・オースターワイク著; 1668年。キャンバスに油彩。 73×88.5cm。美術史美術館^[111]

バロックの画家たちは、ルネサンスやその後のマニエリスム時代の画家たちとは意図的に一線を画した。彼らのパレットでは、強烈で暖色系の色彩が用いられ、特に赤、青、黄の原色が多く用いられ、これら3色が近接して描かれることが多かった。^[112]彼らはルネサンス絵画のような均一な照明を避け、画面の特定部分に明暗の強いコントラストを用いて、中心となる動作や人物に注意を向けさせた。また、構図においても、ルネサンス絵画のような静かな場面を避け、最も動きとドラマチックな瞬間を選んだ。ルネサンス絵画の静かな顔とは異なり、バロック絵画の顔は感情をはっきりと表現していた。彼らはしばしば非対称性を用い、動作が画面の中心から離れて描かれ、垂直でも水平でもなく、左か右に傾いた軸を作り出して、不安定さと動きの感覚を与えた。彼らは、登場人物の衣装を風になびかせたり、身振りで動かしたりすることで、この動きの印象を高めました。全体的な印象は、動き、感情、ドラマでした。^[113]バロック絵画のもう一つの重要な要素は寓話です。すべての絵画は物語を語り、メッセージを持っていました。それはしばしばシンボルや寓話的な文字で暗号化されており、教養のある鑑賞者はそれを知り、読むことが期待されていました。^[114]

絵画におけるイタリアのバロック思想の初期の証拠はボローニャで見られ、アンニーバレ・カラッチ、アゴスティーノ・カラッチ、ルドヴィコ・カラッチは視覚芸術をルネッサンスの秩序ある古典主義に戻そうとした。しかし、彼らの芸術には対抗宗教改革の中心となる思想も取り入れられており、これには知性よりも心に訴える激しい感情や宗教的イメージが含まれていた。^[115]

バロック時代のもう一人の影響力のある画家は、ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジョである。実物から直接描き、暗い背景に対して劇的にスポットライトを当てた人物像に対する彼の写実的なアプローチは、同時代の人々に衝撃を与え、絵画の歴史に新たな一章を開いた。バロック様式と密接な関連のある他の主要な画家には、イタリアではアルテミジア・ジェンティレスキ、エリザベッタ・シラーニ、ジョヴァンナ・ガルツォーニ、グイド・レーニ、ドメニキーノ、アンドレア・ポッツォ、パオロ・デ・マッテイス、スペインではフランシスコ・デ・スルバラン、バルトロメ・エステバン・ムリーリョ、ディエゴ・ベラスケス、ドイツではアダム・エルスハイマー、フランスではニコラ・プッサンとジョルジュ・ド・ラ・トゥールがいる（プッサンは制作生活のほとんどをイタリアで過ごした）。プッサンとラ・トゥールは、感情よりも色彩よりも絵画の人物の線を重視した「古典的な」バロック様式を採用した。

ピーテル・パウル・ルーベンスは、フランドルのバロック様式の最も重要な画家でした。ルーベンスの非常に力強い作品は、古典とキリスト教の歴史の学識ある側面を引用しています。彼のユニークで非常に人気の高いバロック様式は、動き、色彩、官能性を強調し、対抗宗教改革で推進された即時的で劇的な芸術スタイルを踏襲しました。ルーベンスは、神話や寓話を題材にした祭壇画、肖像画、風景画、歴史画の制作を専門としていました。

バロック絵画の重要な分野の一つは、文字通り「目を騙す」クアドラトゥーラ、つまりトロンプ・ルイユの絵画であった。これらは通常、天井や上部の壁、手すりの漆喰に描かれ、地上で見上げると、描かれた空や想像上の建築物を背景に、天使、聖人、その他の天上の人物が群れをなして空に浮かんでいるかのような印象を与えた。^[47]

イタリアでは、芸術家が建築家と共同で室内装飾を行うことが多かった。ピエトロ・ダ・コルトーナは、この幻想的な絵画技法を採用した17世紀の画家の一人である。彼の最も重要な作品の中には、教皇ウルバヌス8世の治世を讃えるためにバルベリーニ宮殿（1633年 - 1639年）のために描いたフレスコ画がある。ピエトロ・ダ・コルトーナの作品は、ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂の作品以来、ローマで制作された最大の装飾フレスコ画である。^[116]

フランソワ・ブーシェは、バロック後期に登場した、より繊細なフランス・ロココ様式の重要人物であった。彼は絵画だけでなく、タペストリー、カーペット、劇場の装飾もデザインした。彼の作品はルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人に非常に人気があった。彼の絵画は、神話的でロマンチック、そしてややエロティックなテーマを特徴としていた。^[117]

スペイン系アメリカ大陸では、セビリアの テネブリズム、主にスルバランの影響が最初に現れた。スルバラン作品の一部は今もメキシコとペルーに保存されており、メキシコ人のホセ・フアレスやセバスティアン・ロペス・デ・アルテアガ、ボリビアのメルチョール・ペレス・デ・オルギンの作品にその影響を見ることができる。クスコ派の絵画は、アメリカ大陸にマニエリスムを紹介したイタリア人画家ベルナルド・ビッティが1583年に到来した後に生まれた。この派では、アンダワイリャスのサン・ペドロ教会の壁画を描いたイタリア人アンジェリーノ・メドーロの弟子、ルイス・デ・リアーニョの作品が際立った。また、インド (ケチュア) の画家ディエゴ・キスペ・ティトとバシリオ・サンタ・クルス・プマッカジャオ、そしてクスコ大聖堂の高いアーチを覆う 50 枚の大きなキャンバスの作者マルコス・サパタにも焦点を当てました。エクアドルでは、主にメスティーソのミゲル・デ・サンティアゴとクリオロ・ニコラス・ハビエル・デ・ゴリバルを代表とするキト学派が形成された。

18世紀には、彫刻の祭壇画は絵画に取って代わられ始め、アメリカ大陸ではバロック絵画が顕著に発展した。同様に、主に貴族階級や聖職者階級の肖像画などの民間作品の需要が高まった。主な影響はムリルスク様式であり、場合によっては、クリオーリョのクリストバル・デ・ビリャルパンドのように、フアン・デ・バルデス・レアルの影響を受けていた。この時代の作品は、より感傷的なトーンと、甘く柔らかな形をしている。その支持者には、コロンビアのグレゴリオ・バスケス・デ・アルセ・イ・セバージョス、メキシコの フアン・ロドリゲス・フアレス、ミゲル・カブレラがいる。

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  聖ヴェロニカ;フランチェスコ・モキ作; 1629-1639年;カラーラ大理石; 高さ: 5 m;サン・ピエトロ大聖堂、ローマ
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  Ecstasy of Saint Teresa; by Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; marble; height: 3.5 m; Santa Maria della Vittoria, Rome^[118]
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  The King's Fame Riding Pegasus; by Antoine Coysevox; 1698–1702; Carrara marble; height: 3.15 m; Louvre^[119]
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  Venus Giving Arms to Aeneas; by Jean Cornu; 1704; terracotta and painted wood; height: 108 cm; Metropolitan Museum of Art, New York City
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  The Death of Adonis; by Giuseppe Mazzuoli; 1710s; marble; height: 193 cm; Hermitage Museum, Saint Petersburg, Russia

The dominant figure in baroque sculpture was Gian Lorenzo Bernini. Under the patronage of Pope Urban VIII, he made a remarkable series of monumental statues of saints and figures whose faces and gestures vividly expressed their emotions, as well as portrait busts of exceptional realism, and highly decorative works for the Vatican such as the imposing Chair of St. Peter beneath the dome in St. Peter's Basilica. In addition, he designed fountains with monumental groups of sculpture to decorate the major squares of Rome.^[120]

Baroque sculpture was inspired by ancient Roman statuary, particularly by the famous first century CE statue of Laocoön and His Sons, which was unearthed in 1506 and put on display in the gallery of the Vatican. When he visited Paris in 1665, Bernini addressed the students at the academy of painting and sculpture. He advised the students to work from classical models, rather than from nature. He told the students, "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."^[121] That Antinous statue is known today as the Hermes of the Museo Pio-Clementino.

Notable late French baroque sculptors included Étienne Maurice Falconet and Jean Baptiste Pigalle. Pigalle was commissioned by Frederick the Great to make statues for Frederick's own version of Versailles at Sanssouci in Potsdam, Germany. Falconet also received an important foreign commission, creating the famous Bronze Horseman statue of Peter the Great found in St. Petersburg.

In Spain, the sculptor Francisco Salzillo worked exclusively on religious themes, using polychromed wood. Some of the finest baroque sculptural craftsmanship was found in the gilded stucco altars of churches of the Spanish colonies of the New World, made by local craftsmen; examples include the Chapel del Rosario, Puebla, (Mexico), 1724–1731.

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  Four-poster bed from the Château d'Effiat; c.1650; natural walnut, chiselled Genoa silk velvet and embroidered silks; 295 cm; Louvre^[122]
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  Cabinet with caryatids; c.1675; ebony, kingwood, marquetry of hard stones, gilt bronze, pewter, glass, tinted mirror and horn; unknown dimensions; Musée des Arts décoratifs, Strasbourg, France^[123]
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  Pier table; 1685–1690; carved, gessoed, and gilded wood, with a marble top; 83.6 × 128.6 × 71.6 cm; Art Institute of Chicago, US^[124]
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  Cupboard; by André Charles Boulle; c.1700; ebony and amaranth veneering, polychrome woods, brass, tin, shell, and horn marquetry on an oak frame, gilt-bronze; 255.5 x 157.5 cm; Louvre^[125]
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  Armchair; by Andrea Brustolon; c.1700–1715; wood and upholstery; unknown dimsensions; Ca' Rezzonico, Venice
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  Throne; c.1700–1720; gilded wood and upholstery; unknown dimsensions; Ca' Rezzonico
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  Commode; by André-Charles Boulle; c.1710–1732; walnut veneered with ebony and marquetry of engraved brass and tortoiseshell, gilt-bronze mounts, antique marble top; 87.6 x 128.3 x 62.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)^[126]
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  German slant-front desk; by Heinrich Ludwig Rohde or Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry with maple, amaranth, mahogany, and walnut on spruce and oak; 90 × 84 × 44.5 cm; Art Institute of Chicago^[127]

The main motifs used are: horns of plenty, festoons, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female faces surrounded by garlands, oval cartouches, acanthus leaves, classical columns, caryatids, pediments, and other elements of Classical architecture sculpted on some parts of pieces of furniture,^[128] baskets with fruits or flowers, shells, armour and trophies, heads of Apollo or Bacchus, and C-shaped volutes.^[129]

During the first period of the reign of Louis XIV, furniture followed the previous Louis XIII style, and was massive, and profusely decorated with sculpture and gilding. After 1680, thanks in large part to the furniture designer André-Charles Boulle, a more original and delicate style appeared, sometimes known as Boulle work. It was based on the inlay of ebony and other rare woods, a technique first used in Florence in the 15th century, which was refined and developed by Boulle and others working for Louis XIV. Furniture was inlaid with plaques of ebony, copper, and exotic woods of different colors.^[130]

New and often enduring types of furniture appeared; the commode, with two to four drawers, replaced the old coffre, or chest. The canapé, or sofa, appeared, in the form of a combination of two or three armchairs. New kinds of armchairs appeared, including the fauteuil en confessionale or "Confessional armchair", which had padded cushions ions on either side of the back of the chair. The console table also made its first appearance; it was designed to be placed against a wall. Another new type of furniture was the table à gibier, a marble-topped table for holding dishes. Early varieties of the desk appeared; the Mazarin desk had a central section set back, placed between two columns of drawers, with four feet on each column.^[130]

The term Baroque is also used to designate the style of music composed during a period that overlaps with that of Baroque art. The first uses of the term 'baroque' for music were criticisms. In an anonymous, satirical review of the première in October 1733 of Jean-Philippe Rameau's Hippolyte et Aricie, printed in the Mercure de France in May 1734, the critic implied that the novelty of this opera was "du barocque," complaining that the music lacked coherent melody, was filled with unremitting dissonances, constantly changed key and meter, and speedily ran through every compositional device.^[131] Jean-Jacques Rousseau, who was a musician and noted composer as well as philosopher, made a very similar observation in 1768 in the famous Encyclopédie of Denis Diderot: "Baroque music is that in which the harmony is confused, and loaded with modulations and dissonances. The singing is harsh and unnatural, the intonation difficult, and the movement limited. It appears that term comes from the word 'baroco' used by logicians."^[15]

Common use of the term for the music of the period began only in 1919, by Curt Sachs,^[132] and it was not until 1940 that it was first used in English in an article published by Manfred Bukofzer.^[131]

The baroque was a period of musical experimentation and innovation which explains the amount of ornaments and improvisation performed by the musicians. New forms were invented, including the concerto and sinfonia. Opera was born in Italy at the end of the 16th century (with Jacopo Peri's mostly lost Dafne, produced in Florence in 1598) and soon spread through the rest of Europe: Louis XIV created the first Royal Academy of Music. In 1669, the poet Pierre Perrin opened an academy of opera in Paris, the first opera theatre in France open to the public, and premiered Pomone, the first grand opera in French, with music by Robert Cambert, with five acts, elaborate stage machinery, and a ballet.^[133] Heinrich Schütz in Germany, Jean-Baptiste Lully in France, and Henry Purcell in England all helped to establish their national traditions in the 17th century.

Several new instruments, including the piano, were introduced during this period. The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padua, Italy, who was employed by Ferdinando de' Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.^[134][135] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("a keyboard of cypress with soft and loud"), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.^[136]

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (from Symphoniae sacrae book 2, 1615)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580–1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567–1643), L'Orfeo, favola in musica (1610)
• Heinrich Schütz (1585–1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)

  

• Johann Jacob Froberger (1616–1667), Complete Music for Harpsichord and Organ, Simone Stella
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704), Te Deum (1688–1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704), Mystery Sonatas (1681)
• John Blow (1649–1708), Venus and Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653–1706), Canon in D (1680)
• Arcangelo Corelli (1653–1713), 12 concerti grossi, Op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656–1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido and Aeneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660–1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668–1733), Les barricades mystérieuses (1717)
• Tomaso Albinoni (1671–1751), Didone abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678–1741), The Four Seasons (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Johann David Heinichen (1683–1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764), Dardanus (1739)
• George Frideric Handel (1685–1759), Water Music (1717), Messiah (1741)
• Domenico Scarlatti (1685–1757), Sonatas for harpsichord
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata and Fugue in D minor (1703–1707), Brandenburg Concertos (1721), St Matthew Passion (1727)
• Nicola Porpora (1686–1768), Semiramide riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736), Stabat Mater (1736)

The classical ballet also originated in the Baroque era. The style of court dance was brought to France by Marie de' Medici, and in the beginning the members of the court themselves were the dancers. Louis XIV himself performed in public in several ballets. In March 1662, the Académie Royale de Danse, was founded by the King. It was the first professional dance school and company, and set the standards and vocabulary for ballet throughout Europe during the period.^[133]

Heinrich Wölfflin was the first to transfer the term Baroque to literature.^[137] The key concepts of Baroque literary theory, such as "conceit" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), and "wonder" (meraviglia), were not fully developed in literary theory until the publication of Emanuele Tesauro's Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) in 1654. This seminal treatise - inspired by Giambattista Marino's epic Adone and the work of the Spanish Jesuit philosopher Baltasar Gracián - developed a theory of metaphor as a universal language of images and as a supreme intellectual act, at once an artifice and an epistemologically privileged mode of access to truth.^[138]

The Baroque period was a golden age for theatre in France and Spain; playwrights included Corneille, Racine and Molière in France; and Lope de Vega and Pedro Calderón de la Barca in Spain.

During the Baroque period, the art and style of the theatre evolved rapidly, alongside the development of opera and of ballet. The design of newer and larger theatres, the invention the use of more elaborate machinery, the wider use of the proscenium arch, which framed the stage and hid the machinery from the audience, encouraged more scenic effects and spectacle.^[139]

The Baroque had a Catholic and conservative character in Spain, following an Italian literary model during the Renaissance.^[140] The Hispanic Baroque theatre aimed for a public content with an ideal reality that manifested fundamental three sentiments: Catholic religion, monarchist and national pride and honour originating from the chivalric, knightly world.^[141]

Two periods are known in the Baroque Spanish theatre, with the division occurring in 1630. The first period is represented chiefly by Lope de Vega, but also by Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente or Juan Pérez de Montalbán. The second period is represented by Pedro Calderón de la Barca and fellow dramatists Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, and Francisco Bances Candamo.^[142] These classifications are loose because each author had his own way and could occasionally adhere himself to the formula established by Lope. It may even be that Lope's "manner" was more liberal and structured than Calderón's.^[143]

Lope de Vega introduced through his Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) the new comedy. He established a new dramatic formula that broke the three Aristotle unities of the Italian school of poetry (action, time, and place) and a fourth unity of Aristotle which is about style, mixing of tragic and comic elements showing different types of verses and stanzas upon what is represented.^[144] Although Lope has a great knowledge of the plastic arts, he did not use it during the major part of his career nor in theatre or scenography. The Lope's comedy granted a second role to the visual aspects of the theatrical representation.^[145]

Tirso de Molina, Lope de Vega, and Calderón were the most important play writers in Golden Era Spain. Their works, known for their subtle intelligence and profound comprehension of a person's humanity, could be considered a bridge between Lope's primitive comedy and the more elaborate comedy of Calderón. Tirso de Molina is best known for two works, The Convicted Suspicions and The Trickster of Seville, one of the first versions of the Don Juan myth.^[146]

Upon his arrival to Madrid, Cosimo Lotti brought to the Spanish court the most advanced theatrical techniques of Europe. His techniques and mechanic knowledge were applied in palace exhibitions called "Fiestas" and in lavish exhibitions of rivers or artificial fountains called "Naumaquias". He was in charge of styling the Gardens of Buen Retiro, of Zarzuela, and of Aranjuez and the construction of the theatrical building of Coliseo del Buen Retiro.^[147] Lope's formulas begin with a verse that it unbefitting of the palace theatre foundation and the birth of new concepts that begun the careers of some play writers like Calderón de la Barca. Marking the principal innovations of the New Lopesian Comedy, Calderón's style marked many differences, with a great deal of constructive care and attention to his internal structure. Calderón's work is in formal perfection and a very lyric and symbolic language. Liberty, vitality and openness of Lope gave a step to Calderón's intellectual reflection and formal precision. In his comedy it reflected his ideological and doctrine intentions in above the passion and the action, the work of Autos sacramentales achieved high ranks.^[148] The genre of Comedia is political, multi-artistic and in a sense hybrid. The poetic text interweaved with Medias and resources originating from architecture, music and painting freeing the deception that is in the Lopesian comedy was made up from the lack of scenery and engaging the dialogue of action.^[149]

The best known German playwright was Andreas Gryphius, who used the Jesuit model of the Dutch Joost van den Vondel and Pierre Corneille. There was also Johannes Velten who combined the traditions of the English comedians and the commedia dell'arte with the classic theatre of Corneille and Molière. His touring company was perhaps the most significant and important of the 17th century.

The foremost Italian baroque tragedian was Federico Della Valle. His literary activity is summed up by the four plays that he wrote for the courtly theater: the tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) and especially his three tragedies, Judith (1627), Esther (1627) and La reina di Scotia (1628). Della Valle had many imitators and followers who combined in their works Baroque taste and the didactic aims of the Jesuits (Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani, etc.)

In the Tsardom of Russia, the development of the Russian version of Baroque took shape only in the second half of the 17th century, primarily due to the initiative of tsar Alexis of Russia, who wanted to open a court theatre in 1672. Its director and dramatist was Johann Gottfried Gregorii, a German-Russian Lutheran pastor, who wrote, in particular, a 10-hour play The Action of Artaxerxes. The dramaturgy of Symeon of Polotsk and Demetrius of Rostov became key contribution to the Russian Baroque.^[150]

Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.^[151]

The corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the league"), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.^[151] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery, and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.^[151]

Born in the Viceroyalty of New Spain^[152] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.^[151] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramental El divino Narciso and the comedy Los empeños de una casa.

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  Gardens at Vaux-le-Vicomte, France, by André Le Nôtre, 1657–1661^[153]
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  Gardens of Versailles, by André Le Nôtre, begun in 1661^[154]
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  Gardens of the Het Loo Palace, Netherlands, unknown architect, 1689^[155]
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  Garden of the Tessin Palace, Stockholm, Sweden, by Nicodemus Tessin the Younger, 1692–1700^[156]
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  Garden of the Schwerin Castle, Schwerin, Germany, unknown architect, unknown date

The Baroque garden, also known as the jardin à la française or French formal garden, first appeared in Rome in the 16th century, and then most famously in France in the 17th century in the gardens of Vaux le Vicomte and the Palace of Versailles. Baroque gardens were built by Kings and princes in Germany, the Netherlands, Austria, Spain, Poland, Italy and Russia until the mid-18th century, when they began to be remade into by the more natural English landscape garden.

The purpose of the baroque garden was to illustrate the power of man over nature, and the glory of its builder, Baroque gardens were laid out in geometric patterns, like the rooms of a house. They were usually best seen from the outside and looking down, either from a château or terrace. The elements of a baroque garden included parterres of flower beds or low hedges trimmed into ornate Baroque designs, and straight lanes and alleys of gravel which divided and crisscrossed the garden. Terraces, ramps, staircases and cascades were placed where there were differences of elevation, and provided viewing points. Circular or rectangular ponds or basins of water were the settings for fountains and statues. Bosquets or carefully trimmed groves or lines of identical trees, gave the appearance of walls of greenery and were backdrops for statues. On the edges, the gardens usually had pavilions, orangeries and other structures where visitors could take shelter from the sun or rain.^[157]

Baroque gardens required enormous numbers of gardeners, continual trimming, and abundant water. In the later part of the Baroque period, the formal elements began to be replaced with more natural features, including winding paths, groves of varied trees left to grow untrimmed; rustic architecture and picturesque structures, such as Roman temples or Chinese pagodas, as well as "secret gardens" on the edges of the main garden, filled with greenery, where visitors could read or have quiet conversations. By the mid-18th century most of the Baroque gardens were partially or entirely transformed into variations of the English landscape garden.^[157]

Besides Versailles and Vaux-le-Vicomte, celebrated baroque gardens still retaining much of their original appearance include the Royal Palace of Caserta near Naples; Nymphenburg Palace and Augustusburg and Falkenlust Palaces, Brühl in Germany; Het Loo Palace, Netherlands; the Belvedere Palace in Vienna; Royal Palace of La Granja de San Ildefonso, Spain; and Peterhof Palace in St. Petersburg, Russia.^[157]

16th through 19th century European cities witnessed a large change in urban design and planning principals that reshaped the landscapes and built environment. Rome, Paris, and other major cities were transformed to accommodate growing populations through improvements in housing, transportation, and public services. Throughout this time, the Baroque style was in full swing, and the influences of elaborate, dramatic, and artistic architectural styles extended into the urban fabric through what is known as Baroque urban planning. The experience of living and walking in the cities aims to complement the emotions of the Baroque style. This style of planning often embraced displaying the wealth and strength of the ruling powers, and the important buildings served as the visual and symbolic center of the cities.^[158]

The replanning of the city of Rome under the rule of Pope Sixtus V revived and expanded the city in the 16th century. Many grand piazzas and squares were added as public spaces to contribute to the dramatic effect of the Baroque style. The piazzas featured fountains and other decorative features to embody the emotions of the time. An important factor in Baroque style planning was to connect churches, government structures, and piazzas together in a refined network of axis'. This allowed the important landmarks of the Catholic Church to become the focal points of the city.^[159]

As another example of Baroque urban planning, Paris was in desperate need for an urban revival in the 19th century. The city underwent a dramatic change within its urban fabric through the help of Baron Haussmann. Under the rule of Napoleon III, Haussmann was appointed to reconstruct Paris by adding a new network of streets, parks, trains, and public services. Some of the characteristics of Haussmann's design include straight, wide boulevards lined with trees, and short access to parks and green spaces.^[160] The plan highlights some important buildings, such as the Paris Opera House.

More characteristics of Baroque urban planning are embodied in Barcelona. The Eixample district, designed by Ildefons Cerdà, showcases wide avenues in a grid system with a few diagonal boulevards. The intersections are unique with octagonal blocks, which provide the streets with great visibility and light.^[161] Many works in this district come from architect Antoni Gaudí, who displays a unique style. Centered in the Eixample district design is the Sagrada Família by Gaudí, which poses great significance to the city.

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  Meudon Observatory, Château de Meudon, Meudon, France, an example of an early Rococo building from the last years of Louis XIV, unknown architect, 1706–1709^[162]
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  Chest of drawers; by Charles Cressent; c.1730; various wood types; gilt-bronze mounts and a Brèche d'Aleps marble top; height: 91.1 cm; Waddesdon Manor, Waddesdon, UK
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  Amalienburg, Nymphenburg Palace Park, Munich, Germany, by François de Cuvilliés, 1734–1739^[163]
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  Salon Oval de la Princesse of the Hôtel de Soubise, Paris, by Germain Boffrand, Charles-Joseph Natoire and Jean-Baptiste Lemoyne, 1737–1739
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  The Triumph of Venus; by François Boucher; 1740; oil on canvas; 130 × 162 cm; Nationalmuseum, Stockholm, Sweden
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  Vieux-Laque Room, Schönbrunn Palace, Vienna, Austria, decorated with Chinese black lacquerware panels, by Nikolaus Pacassi, 1743–1763^[164]
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  Gate with two statues and elaborate wrought-iron grilles, Würzburg, Germany, grilles by Johann Georg Oegg, 1752
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  Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, an example of Chinoiserie, by Johann Gottfried Büring, 1755–1764^[165]
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  Coffeepot, decorated with foliage; 1757; silver; height: 29.5 cm; Metropolitan Museum of Art, New York
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  The Music Lesson; by the Chelsea porcelain factory; c.1765; soft-paste porcelain; 39.1 × 31.1 × 22.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Pagod, based on Asian figures of Budai, an example of Chinoiserie; by Johann Joachim Kändler; c.1765; hard paste porcelain; Metropolitan Museum of Art^[166]
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  Cartouche from the Second Livre de Cartouches, an example of asymmetry; c.1710–1772; engraving on paper; 23 x 19.8 cm; Rijksmuseum, Amsterdam, the Netherlands

The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.

There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.^[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.

One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th century aristocrats had for East Asia. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."^[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.^[168]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.^[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.^{[citation needed]}

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  Cabinet; c.1850-1870; Boulle marquetry; unknown dimensions; Musée départemental de l'Oise, Beauvais, France
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  Large console with central projection; by Benjamin Deguil and Benjamin-Paul Ramillon; 1850–1875; gilt wood and marble; 100 x 283 x 77 cm; Napoleon III Apartments, Louvre Palace, Paris^[170]
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  The Grand Salon of the apartments of the minister of state, currently known as the Napoleon III Apartments, designed by Hector Lefuel and decorated with paintings by Charles Raphaël Maréchal, 1859-1860^[171]
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  Jewelry toilet of Empress Eugénie; by Jules Fossey; c.1860; unknown materials; unknown dimensions; Château de Compiègne, Compiègne, France
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  Candelabrum with eleven lights; by Ferdinand Barbedienne; 1861; gilt bronze; height: 83.7 cm, length: 49.4 cm; Napoleon III Apartments^[172]
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  Exterior of the Palais Garnier, Paris, an example of Beaux Arts architecture, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
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  Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
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  Table; 2nd half of the 19th century; Boulle marquetry; unknown dimensions; in a temporary exhibition called "Dress Code Parfum de Secol XIX" at the Suțu Palace, Bucharest, Romania
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  Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900^[174]
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  Rue Guynemer no. 2, Paris, with a facade made up from a mix of detailed stone elements and big simple brick surfaces like what is in Place des Vosges from Paris, by Louis Périn, 1914
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  Door of Rue Guynemer no. 2, Paris, with palmettes, shells, volutes, garlands, proportions and other elements seen on wrought iron, furniture, textiles and ceramics from the reign of Louis XIV

Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.^[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.^[176]

This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.^[177]

Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.

The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.^[178]

The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volues on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like the one of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.^[179]

Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.

At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.

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  550 Madison Avenue, New York, with a top broken pediment, reminiscent of those found in Baroque highboys, by Philip Johnson, 1981-1984^[180]
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  Broken pediment of San Marcello al Corso, Rome, by Carlo Fontana, 1682-1683^[181]
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  Basilica of Our Lady of Peace, Yamoussoukro, Ivory Coast, by Pierre Fakhoury, 1985–1990
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  St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615^[27]
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  Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989^[182]
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  Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c. 1660–1715^[183]
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  Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010^[184]
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  Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625^[185]
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  Box, part of the Le Jardin de Versace collection, with complex rinceaux that are reminiscent of the Baroque ones from the 17th and very early 18th centuries, but also similar to the ones from the reign of Napoleon; designed by Versace and produced by Rosenthal; c.2015; porcelain; unknown dimensions or location
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  Baroque rinceaux with putti painted on the boiserie of a room from the Hôtel Colbert de Villacerf, now in the Musée Carnavalet, Paris, unknown architect, sculptor and painter, c.1650^[186]
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  Baroque rinceaux on an armoire, attributed to Nicolas Sageot, c.1710, oak, marquetry of tortoiseshell on a brass background, Museum of Decorative Arts, Paris
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  Empire style rinceaux on a vase, by the Sèvres Porcelain Manufactory, 1814, hard-paste porcelain with platinum background and gilt bronze mounts, Louvre^[187]

Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.

More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthus rinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.

Wikimedia Commons has media related to Baroque art.

• The baroque and rococo culture
• Webmuseum Paris
• barocke in Val di Noto – Sizilien (archived 2 September 2018)
• Baroque in the "History of Art" Archived 30 October 2010 at the Wayback Machine
• The Baroque style and Luis XIV influence (archived 24 June 2007)
• Melvyn Bragg's BBC Radio 4 program In Our Time: The Baroque
• "Baroque Style Guide". British Galleries. Victoria and Albert Museum. Archived from the original on 19 August 2007. Retrieved 16 July 2007.