アメリカの映画

アメリカ合衆国の映画 （ハリウッド）
ハリウッドヒルズにあるハリウッドサインは、アメリカ映画産業のシンボルとしてよく知られています。
スクリーン数​	40,393 (2017) [1]
• 一人当たり	10万人あたり14人（2017年）[1]
主な販売店	ディズニー ウォルト・ディズニー・ピクチャーズ 20世紀スタジオ ソニー コロンビア・ピクチャーズ トライスター・ピクチャーズ コムキャスト ユニバーサル・ピクチャーズ パラマウント・グローバル パラマウント・ピクチャーズ ワーナー・ブラザース・ディスカバリー ワーナー・ブラザース・ピクチャーズ ニュー・ライン・シネマ アマゾン MGM
プロデュースした長編映画（2016年）[2]
架空の	646 (98.5%)
アニメーション	10 (1.5%)
入学者数（2017年）[4]
合計	1,239,742,550
• 一人当たり	3.9（2010）[3]
興行収入（2017年）[4]
合計	111億ドル

アメリカの映画産業は、総称してハリウッドと呼ばれる大手映画スタジオを中心に、 20 世紀初頭から世界の映画産業に大きな影響を与えてきました。

1910年代に開発された映画製作スタイルである古典的なハリウッド映画は、今日でも多くのアメリカ映画に影響を与え続けている。フランスの映画製作者オーギュストとルイ・リュミエールが現代映画の起源であるとされることが多いが、^[5]アメリカ映画製作は急速に世界的優位に立った。2017年現在、アメリカでは年間600本以上の英語映画が公開されており、インド、日本、中国に次いで世界第4位の映画製作国となっている。^[6]イギリス、カナダ、オーストラリア、ニュージーランドでも英語映画が製作されているが、ハリウッドシステムに直接属しているわけではない。この世界的な広がりから、ハリウッドはしばしば国境を越えた映画と見なされており、^[7]スペイン語やフランス語など複数の言語バージョンで公開される映画もある。

現代のハリウッドは、イギリス、カナダ、オーストラリア、ニュージーランドなどの国に制作を外注することが多い。ユニバーサル・ピクチャーズ、パラマウント・ピクチャーズ、ワーナー・ブラザーズ、ウォルト・ディズニー・スタジオ、ソニー・ピクチャーズの5大映画スタジオは、米国の興行収入の大部分を占めるメディア複合企業であり、世界で最も商業的に成功した映画やテレビ番組のいくつかを制作してきた。 ^{[8] [9]}

ハリウッドは映画産業の最古の中心地として広く認識されており、最も古いスタジオや製作会社がここで誕生しました。コメディ、ドラマ、アクション、ミュージカル、ロマンス、ホラー、SF、ミステリー など、数多くの映画ジャンルの誕生の地となっています。 ^[10]

ハリウッドの成功は、映画の誕生後に始まりました。1878 年、写真家のエドワード マイブリッジは、一連の「動く」写真の実験を決意しました。当時、彼は 19 世紀の他の同時代人の中でも注目される存在であり、ヨセミテ国立公園、サンフランシスコのスカイライン、西海岸の灯台、新たに獲得したアラスカ準州など、国宝の風景を撮影したことで知られていました。彼は、12 台の特注カメラを使用して、教授、アスリート、学生、患者、地元住民など、すべて動いている人々を撮影しました。彼は、ロンドンの王立研究所での講演中にこのシリーズを発表し、スクリーンに自分の写真を映し出し、彼の「ズープロキシスコープ」で投影した動く写真を披露しました。

1894年、ニューヨークでトーマス・エジソンのキネトスコープ^[11]とキネトグラフ^[12]を使用した世界初の商業映画上映会が開催された。その後の数十年間で、無声映画の製作は大きく拡大し、新しいスタジオが設立されてカリフォルニアに移転し、映画とそこで語られる物語ははるかに長くなった。米国は1927年に世界初の同期音声 ミュージカル映画『ジャズ・シンガー』^{を製作し[13]}、その後の数十年間、トーキー映画開発の最前線に立った。この映画は1927年10月6日に全面公開された。

20世紀初頭以来、米国の映画産業は主にカリフォルニア州ロサンゼルス郡のハリウッド地区を中心とした30マイル圏内に拠点を置いてきました。映画監督のDWグリフィスは、映画の文法の発展の中心人物でした。オーソン・ウェルズの市民ケーン（1941年）は、批評家の投票で史上最高の映画として頻繁に挙げられています。^[14]

動きを捉えて再現する写真の最初の記録例は、エドワード・マイブリッジがカリフォルニア州パロアルトで一列に並べた一組の静止カメラを使って撮影した走る馬の写真シリーズである。マイブリッジの功績により、世界中の発明家が同様の装置を作ろうと試みた。米国では、トーマス・エジソンがそのような装置であるキネトスコープとキネトグラフを最初に製作した人物の一人である。^{[15] [16]}

アメリカ合衆国の映画の歴史は、東海岸にその起源を遡ることができる。かつてニュージャージー州フォートリーは、アメリカの映画の中心地であった。アメリカの映画産業は、19世紀末、ニュージャージー州ウェストオレンジにトーマス・エジソンが「ブラック・マリア」という最初の映画スタジオを建設したことから始まった。ハドソン川沿いの都市や町、ハドソン・パリセーズは、川向こうのニューヨーク市よりもかなり安い土地を提供し、20世紀初頭の映画産業の驚異的な成長の恩恵を大いに受けた。^{[17] [18] [19] [20]}

映画産業は資本と革新的な労働力の両方を引きつけ始めた。1907年、カレム・カンパニーがフォート・リーをこの地域での撮影場所として使い始めると、他の映画製作者もすぐに後に続いた。1909年、ユニバーサル・スタジオの前身であるチャンピオン・フィルム・カンパニーが最初のスタジオを建設した。^[21]他の映画製作者もすぐに追随し、フォート・リーに新しいスタジオを建設するか、施設を借りた。1910年代と1920年代には、インディペンデント・ムービング・ピクチャーズ・カンパニー、ピアレス・ピクチャーズ・スタジオ、ソラックス・スタジオ、エクレール、ゴールドウィン・ピクチャーズ・コーポレーション、スター・フィルム（ジョルジュ・メリエス）、ワールド・フィルム・カンパニー、バイオグラフ・スタジオ、フォックス・フィルム・コーポレーション、ソシエテ・パテ・フレール、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー・スタジオ、ビクター・フィルム・カンパニー、セルズニック・インターナショナル・ピクチャーズなどの映画会社が、すべてフォート・リーで映画を製作していた。メアリー・ピックフォードのよ​​うな著名人もバイオグラフ・スタジオでキャリアをスタートさせました。^{[22] [23] [24]}

ニューヨークでは、無声映画時代に建てられたクイーンズのカウフマン・アストリア・スタジオは、マルクス兄弟やWCフィールズによって使用されました。エジソン・スタジオはブロンクスにありました。マンハッタンのチェルシーも頻繁に使用されました。

他の東部の都市、特にシカゴとクリーブランドも初期の映画製作の中心地として機能した。^{[25] [26]}

西部では、カリフォルニアが主要な映画製作の中心地として急速に台頭しつつありました。コロラド州では、デンバーにアート・オー・グラフ映画会社の本拠地があり、ウォルト・ディズニーの初期のラフ・オー・グラム・スタジオはミズーリ州カンザスシティに拠点を置いていました。

1908年以降、フロリダ州ジャクソンビルの映画産業では、カレム・スタジオ、メトロ・ピクチャーズ（後のMGM）、エジソン・スタジオ、マジェスティック・フィルムズ、^[27] キングビー・フィルムズ・コーポレーション、ヴィム・コメディー・カンパニー、ノーマン・スタジオ、ゴーモント・フィルム・カンパニー、ルービン・マニュファクチャリング・カンパニーなど30社以上の無声映画会社が市内にスタジオを設立した。

フロリダ州ピクチャーシティは1920年代に映画製作センターの建設予定地だったが、 1928年のオキーチョビーハリケーンにより計画は頓挫し、フロリダ州ピクチャーシティは元の名前であるホーブサウンドに戻った。デトロイトに映画製作センターを設立する試みも失敗に終わった。^[28]

20世紀初頭の映画特許戦争は、映画会社がニューヨーク以外の米国各地に進出するきっかけとなった。多くの映画製作者は、使用権を所有していない機材を使って作業していた。そのため、ニューヨークはエジソンの本社に近く、カメラを押収するために派遣されたエージェントの近くにあったため、ニューヨークでの撮影は危険を伴うことがあった。^[29]

代替地としてロサンゼルスが挙げられた。ロサンゼルスは冬が穏やかで、撮影場所の選択肢も豊富で、何よりもメキシコ国境までわずか90マイルしか離れていないため、エジソンの取り締まり官から逃げる必要が生じた場合に便利だった。1912年までに、ほとんどの大手映画会社は、年間を通じて気候が良好な南カリフォルニア、ロサンゼルス近郊またはロサンゼルス内に制作施設を設置していた。 ^[30]

1908年にセリグ・ポリスコープ・カンパニーが制作した『モンテ・クリスト伯』はフランシス・ボッグス監督、ホバート・ボズワース主演で、1907年にロサンゼルスで撮影された最初の映画とされている。1957年、市はメインストリートと7番街の角にあるディアデンの旗艦店に、中国人洗濯屋だった場所での撮影を記念する銘板を設置。^[31]ボズワースの未亡人は、市が日付と場所を間違えており、実際には当時独立都市だった近くのベニスで撮影されたと主張した。 ^{[32]セリグ・ポリスコープ・カンパニーのボッグス監督、同じくボズワース主演の}『スルタンの権力』は、1909年に7番街とオリーブ通りで撮影され、ロサンゼルスで完全に撮影された最初の映画とされている。^{[33] [32]}

1910年初頭、D・W・グリフィス監督はバイオグラフ社から、ブランシュ・スウィート、リリアン・ギッシュ、メアリー・ピックフォード、ライオネル・バリモアらからなる劇団とともに西海岸に派遣された。彼らはロサンゼルスのダウンタウンにあるジョージア通り近くの空き地で撮影を開始した。滞在中、劇団は新たな領域を開拓することにし、数マイル北にあるハリウッドへと向かった。そこは親しみやすく、映画会社の撮影を快く受け入れてくれた小さな村だった。グリフィスはその後、ハリウッドで初めて撮影された映画『イン・オールド・カリフォルニア』を撮影した。これはバイオグラフによるメロドラマで、19世紀、メキシコ統治下にあったカリフォルニアを描いたものである。グリフィスは数ヶ月そこに滞在し、ニューヨークに戻る前に数本の映画に出演した。同じく1910年には、シカゴのセリグ・ポリスコープ社がロサンゼルス地域のエデンデールに初の映画スタジオを設立し、^[31]ハリウッド初のスタジオは1912年にオープンした。^{[34] : 447} 1913年にハリウッドでのグリフィスの成功を聞いた多くの映画製作者は、映画製作工程の特許を所有していたトーマス・エジソンが課す料金を避けるため西へ向かった。 ^[35] ニュージャージー州ベイヨンのネスター・スタジオは、1911年にハリウッド地区に初のスタジオを建設した。 [疑わしい – 議論する] デビッドとウィリアム・ホースリーが所有するネスター・スタジオは、後にユニバーサル・スタジオと合併した。ウィリアム・ホースリーの別の^{会社、ハリウッド・フィルム}・ラボラトリーは現在ハリウッドで現存する最古の会社であり、現在はハリウッド・デジタル・ラボラトリーと呼ばれている。カリフォルニアのより快適で費用対効果の高い気候により、 1930年代までには事実上すべての映画製作が西海岸に移った。当時、トーマス・エジソンは映画製作に関連するほぼすべての特許を所有しており、エジソンの映画特許会社から独立して活動していた東海岸の映画製作者はエジソンとその代理人から頻繁に訴えられたり差し止め命令を受けたりしていたが、西海岸の映画製作者はエジソンの管理から独立して活動することができた。^[29]

ロサンゼルスでは、スタジオとハリウッドが成長した。第一次世界大戦前は、アメリカのいくつかの都市で映画が作られていたが、映画産業が発展するにつれて、映画製作者は南カリフォルニアに引き寄せられる傾向にあった。彼らは、年間を通じて屋外で撮影できる、確実に日光が当たる、温暖で予測可能な気候に惹かれたのだ。^[36]戦争による被害は、当時優勢だったヨーロッパの映画産業の衰退の一因となり、インフラがまだ整っていたアメリカに取って代わった。 ^[37] 1918年のインフルエンザの大流行に対して、ロサンゼルスは他のアメリカの都市に比べて早期に公衆衛生上の対応を強化したため^[38]、感染者数は減少し、回復も早まり、ニューヨークよりもハリウッドの優位性が増す一因となった。^[37]パンデミックの間、公衆衛生当局は一部の管轄区域で映画館を一時的に閉鎖し、大手スタジオは数週間にわたって製作を中止し、俳優の中にはインフルエンザに罹患した者もいた。これにより、小規模スタジオは大きな経済的損失と厳しい困難に直面したが、業界全体としては狂騒の20年代に回復した。^[39]

20世紀初頭、映画という媒体が新しいものだった頃、多くのユダヤ人移民が米国の映画産業で職を見つけた。彼らは、入場料が5セントだったことからニッケロデオンと呼ばれた店頭の映画館で短編映画を上映するという、まったく新しいビジネスで名を馳せることができた。数年のうちに、サミュエル・ゴールドウィン、ウィリアム・フォックス、カール・レムリ、アドルフ・ズーカー、ルイス・B・メイヤー、ワーナー・ブラザーズ（ハリー、アルバート、サミュエル、ジャック）といった男たちが、映画の制作側に転向した。すぐに彼らは、映画スタジオという新しい種類の企業のトップになった。この初期の頃、米国には少なくとも2人の女性監督、プロデューサー、スタジオのトップがいた。ロイス・ウェバーとフランス生まれのアリス・ギイ＝ブラシェである。彼女たちはまた、業界の国際化の土台を築いた。業界はしばしばアメリカ中心の地方主義だと非難されている。

第一次世界大戦後、ヨーロッパから映画製作者がやってきた。エルンスト・ルビッチ、アルフレッド・ヒッチコック、フリッツ・ラング、ジャン・ルノワールなどの監督、そしてルドルフ・ヴァレンチノ、マレーネ・ディートリッヒ、ロナルド・コールマン、シャルル・ボワイエなどの俳優たちだ。彼らは、トーキー映画の導入後にニューヨークの舞台から西に引き抜かれた地元出身の俳優たちと合流し、20世紀で最も目覚ましい成長を遂げた産業の1つを形成した。1940年代半ばの映画人気の絶頂期には、スタジオは年間約400本の映画を製作し、毎週9000万人のアメリカ人がそれを観ていた。^[40]

1920年代後半には、ハリウッドでも音響が広く使われるようになった。^{[41] 1927年に初めて同期音声付き映画}『ジャズ・シンガー』がヴァイタフォン・トーキーとして公開されて成功を収めた後、ハリウッドの映画会社はワーナー・ブラザースに応え、ワーナー・ブラザースが1928年まで所有していたヴァイタフォンの音響を将来の映画で使い始めた。1928年5月までに、ウェスタン・エレクトリック社の子会社であるエレクトリカル・リサーチ・プロダクト・インコーポレイテッド（ERPI）が映画の音響配給を独占していた。^[40]

これらの「トーキー」の副作用として、無声映画でキャリアを積んだ俳優の多くが突然仕事を失うことになった。彼らの声は悪かったり、セリフを覚えられなかったりするからだ。一方、1922年に米国の政治家ウィル・H・ヘイズは政界を離れ、アメリカ映画製作配給協会（MPPDA）として知られる映画スタジオのボス組織を設立した。^[42]ヘイズが1945年に引退した後、 この組織はアメリカ映画協会となった。

トーキーの初期の頃、アメリカのスタジオは、その音声作品が外国語の市場だけでなく、英語の他の方言を話す人々の間でも受け入れられないことに気付きました。同期技術は、吹き替えにはまだ原始的すぎました。解決策の 1 つは、ハリウッド映画の外国語版を並行して作成することでした。1930 年頃、アメリカの会社^{[ which? ]はフランスの}ジョアンヴィル＝ル＝ポンにスタジオを開設し、そこでは同じセットと衣装、さらには大量のシーンが、異なるタイムシェアリング クルーによって使用されました。

また、失業中の外国人俳優、脚本家、フォトジェニックコンテストの優勝者らが選ばれ、ハリウッドに連れてこられ、英語版映画の並行版を撮影した。これらの並行版は予算が少なく、夜間に撮影され、外国語を話さない二流のアメリカ人監督が監督した。スペイン語のスタッフには、ルイス・ブニュエル、エンリケ・ハルディエル・ポンセラ、ザビエル・クガット、エドガー・ネヴィルらが含まれていた。これらの作品は、以下の理由により、対象市場ではあまり成功しなかった。

• 予算の減少は明らかだった。
• 多くの舞台俳優は映画出演経験がありませんでした。
• スタジオ側はトップクラスの作品は自ずと売れるだろうと期待していたため、オリジナルの映画自体が二流であることが多かった。
• 外国語のアクセント（例えばスペイン語の場合、カスティーリャ語、メキシコ語、チリ語）が混ざり合っているのは、観客にとって奇妙な感じでした。
• 一部の市場には音響設備を備えた劇場がなかった。

クラシック ハリウッド映画、またはハリウッド黄金時代は、1913 年から 1962 年までのアメリカ映画に特徴的な技術および物語のスタイルとして定義され、この期間にハリウッドのスタジオから何千もの映画が制作されました。クラシック スタイルは 1913 年に現れ始め、米国が第一次世界大戦に参戦した 1917 年に加速し、最終的に映画「ジャズ シンガー」が公開された 1927 年に定着しました。これにより無声映画の時代が終わり、長編映画にサウンドが導入されて映画業界の興行収入が増加しました。

ハリウッド映画のほとんどは、西部劇、ドタバタ喜劇、ミュージカル、アニメ、伝記といった定型に忠実に従っており、同じスタジオで制作された映画には同じクリエイティブチームが参加することが多かった。たとえば、セドリック・ギボンズとハーバート・ストットハートは常にMGMの映画に携わり、アルフレッド・ニューマンは20年にわたり20世紀フォックスで働き、セシル・B・デミルの映画はほとんどすべてパラマウントで制作され、ヘンリー・キング監督の映画はほとんどが20世紀フォックスで制作された。

同時に、どのスタジオがどの映画を作ったかは、主に出演俳優から推測できました。たとえば、 MGM は「天国にいるよりも多くのスターと契約した」と主張しました。各スタジオには独自のスタイルと特徴的なタッチがあり、それを知ることができましたが、これは今日ではほとんど見られない特徴です。

たとえば、『抱擁と抱擁』（1944年）は、俳優ハンフリー・ボガート（1899年 - 1957年）とローレン・バコール（1924年 - 2014年）の初めての共演だけでなく、脚本の名目上の元となった小説の著者アーネスト・ヘミングウェイ（1899年 - 1961年）と映画化に携わったウィリアム・フォークナー（1897年 - 1962年）という、将来ノーベル文学賞を受賞した2人によって書かれたことでも有名です。

1927年に『ジャズ・シンガー』が公開された後、ワーナー・ブラザースは大成功を収め、1928年にスタンレー・シアターズとファースト・ナショナル・プロダクションズを買収して自社の映画館群を獲得することができた。対照的に、ロウズ・シアターズは1924年の設立以来MGMを所有し、フォックス・フィルム・コーポレーションはフォックス・シアターを所有していた。RKO （ 1928年にキース・オルフェウム・シアターズとラジオ・コーポレーション・^オブ・アメリカが合併して誕生）も、ウェスタン・エレクトリック/ERPIによる映画の音響独占に対抗し、フォトフォンと呼ばれる独自の方法で映画に音を入れた。^[40]

1926年にバラバン・アンド・カッツを買収したパラマウントは、ワーナー・ブラザースとRKOの成功に応えて1920年代後半に多くの劇場を買収し、ミシガン州デトロイトの劇場を独占することになった。^{[44] 1930年代までには、}米国の大都市で初公開される劇場のほとんどが、MGM、パラマウント・ピクチャーズ、RKO、ワーナー・ブラザース、20世紀フォックスの5大スタジオによって所有されていた。^[45]

映画会社はスタジオ システムで運営されていました。大手スタジオは、俳優、プロデューサー、監督、脚本家、スタントマン、職人、技術者など、何千人もの従業員を雇っていました。彼らは、西部劇やその他の大規模なジャンル映画のロケ撮影のために、南カリフォルニアの田舎に映画牧場を所有または賃借していました。また、大手スタジオは、1920 年代に全国の都市や町に映画館を何百も所有し、そこで自社の映画を上映し、常に新しい素材を必要としていました。

1930年、MPPDA会長ウィル・ヘイズはヘイズ（制作）コードを作成した。これは検閲ガイドラインに従い、1930年までに政府の検閲の脅威が拡大した後に発効した。^[46]しかし、このコードは、後にプ・コード・ハリウッドに分類される時代の挑発的な映画やわいせつな広告に愕然としたカトリックの監視団体レギオン・オブ・デセンシーが、コードが発効しなければ映画をボイコットすると脅したため、1934年まで施行されることはなかった。^[47]制作コード管理局から承認シールを取得していない映画は、25,000ドルの罰金（2023年時点で455,976ドルに相当）を支払わなければならず、劇場で利益を上げることもできなかった。これは、MPPDAがビッグファイブスタジオを通じて国内のすべての劇場を管理していたためである。

1930年代を通じて、そして黄金時代のほとんどを通じて、MGMは映画スクリーンを支配し、ハリウッドのトップスターを抱え、ハリウッドスターシステム全体を作り上げたとも言われています。^[48] MGMのスターには、「ハリウッドの王」クラーク・ゲーブル、ライオネル・バリモア、ジーン・ハーロウ、ノーマ・シアラー、グレタ・ガルボ、ジョーン・クロフォード、ジャネット・マクドナルド、ジーン・レイモンド、スペンサー・トレイシー、ジュディ・ガーランド、ジーン・ケリーなどがいます。^[48]

この時代におけるアメリカ映画のもう一つの偉大な功績は、ウォルト・ディズニーのアニメーション会社によるものである。1937年、ディズニーは当時最も成功した映画『白雪姫』を制作した。^{[49]この栄誉は、1939年にセルズニック・インターナショナルが制作した『}風と共に去りぬ』によってすぐに上回られた。これはインフレ調整後でも、今でも史上最も成功した映画である。^[50]

多くの映画史家は、映画製作が高度に統制されたこの時代に多くの傑作が生まれたことを指摘している。これが可能だった理由の1つは、非常に多くの映画が製作されたため、すべての作品が大ヒットする必要がなかったことだ。スタジオは、優れた脚本と比較的無名の俳優を起用した中予算の長編映画に賭けることができた。オーソン・ウェルズ（1915年 - 1985年）監督の『市民ケーン』は、しばしば史上最高の映画とみなされており、この説明に当てはまる。他の例では、ハワード・ホークス（1896年 - 1977年）、アルフレッド・ヒッチコック（1899年 - 1980年）、フランク・キャプラ（1897年 - 1991年）のような意志の強い監督が、自らの芸術的ビジョンを実現するためにスタジオと戦った。

スタジオ システムの絶頂期は 1939 年だったかもしれません。この年には、『オズの魔法使い』、『風と共に去りぬ』 、『駅馬車』、『スミス都へ行く』、『嵐が丘』、『天使だけが翼を持つ』 、『ニノチカ』、 『真夜中』などの名作が公開されました。黄金時代の作品で現在名作と見なされているものには、他にも、『カサブランカ』、『素晴らしき哉、人生!』、『或る夜の出来事』、オリジナルの『キング コング』、『叛乱』、『トップ ハット』、 『街の灯』、『紅河』、『上海から来た女』、『裏窓』、『波止場』、『理由なき反抗』、『お熱いのがお好き』、『新天地』などがあります。

スタジオ システムとハリウッドの黄金時代は、1940 年代後半に発生した 2 つの勢力に屈しました。

• 映画の製作と上映を分離する連邦反トラスト法の訴訟。
• テレビの出現。

1938年、大手スタジオの映画が冴えない時期だった時期に公開されたウォルト・ディズニーの『白雪姫と七人の小人』^{は、すぐにその時点で公開された映画の中で最高の興行収入を記録した。スタジオにとっては恥ずかしいことに、この映画はスタジオに雇われたスターが出演していない独立制作のアニメ映画だった。 [51]}これにより、スタジオが一度に1年分の映画スケジュールだけを劇場に販売し、そのロックインを利用して質の低い作品の公開を補うという、 すでに広まっていたブロックブッキングの慣行に対する不満がさらに高まった。

ルーズベルト政権の「トラスト・バスター」として知られるサーマン・アーノルド司法次官補は、この機会を利用して、1938年7月にハリウッドの8大スタジオをシャーマン反トラスト法違反で訴えを起こした。^{[52] [53]}連邦訴訟の結果、8つのスタジオのうち5つ（「ビッグ5」：ワーナー・ブラザース、MGM、フォックス、RKO、パラマウント）が1940年10月にアーノルドと和解し、 3年以内に以下のことに同意する同意判決に署名した。

• 「ワンショット」または「フルフォース」ブロックブッキングと呼ばれる方法で、短編映画の主題のブロックブッキングを排除します。
• 劇場で 5 本以上の作品の一括予約を廃止します。
• ブラインドバイイング（事前に映画を見ずに映画館地区が映画を購入すること）をやめ、代わりにトレードショーを実施し、米国の全 31 の映画館地区が映画を劇場で上映する前に 2 週間ごとに映画を見ます。
• これらの要件を施行するために、各劇場地区に管理委員会を設置する。^[52]

映画館を所有していなかった「リトルスリー」（ユニバーサル・スタジオ、ユナイテッド・アーティスツ、コロンビア・ピクチャーズ）は、同意判決への参加を拒否した。 ^{[52] [53]}また、多くの独立系映画プロデューサーもこの妥協案に不満を抱き、独立映画プロデューサー協会と呼ばれる組合を結成し、デトロイトの映画館に対する独占権をめぐってパラマウントを訴えた。パラマウントは、ボブ・ホープ、ポーレット・ゴダード、ヴェロニカ・レイク、ベティ・ハットン、クルーナーのビング・クロスビー、アラン・ラッド、そして長年スタジオの俳優を務めたゲイリー・クーパーなどの俳優を通じて、1942年までに優位に立っていた。ビッグファイブ・スタジオは、第二次世界大戦中に同意判決の要件を満たさなかったが、大きな影響はなかった。しかし、戦争が終わると、リトルスリー・スタジオと同様に、パラマウントとともにハリウッドの反トラスト訴訟の被告となった。^[54]

最終的に、米国最高裁判所は、米国対パラマウント・ピクチャーズ社訴訟において、大手スタジオが映画館と映画配給を所有することはシャーマン反トラスト法に違反するという判決を下しました。その結果、スタジオは俳優や技術スタッフをスタジオとの契約から解放し始めました。これにより、大手ハリウッドスタジオによる映画製作のパラダイムが変わり、各スタジオがまったく異なるキャストとクリエイティブチームを持つことができるようになりました。

この決定の結果、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー、パラマウント・ピクチャーズ、ユニバーサル・スタジオ、コロンビア・ピクチャーズ、RKOピクチャーズ、20世紀フォックスの映画をすぐに識別できる特徴が徐々に失われていった。セシル・B・デミルなどの一部の映画人は、キャリアの最後まで契約アーティストのままでいるか、同じクリエイティブチームを映画に使用したため、デミルの映画は1932年に制作されても1956年に制作されても、同じように見えた。

ポストクラシカル映画とは、ニューハリウッドにおける物語の語り方の変化である。ドラマや登場人物の描写に対する新しいアプローチは、古典時代に培われた観客の期待に応えたものだと主張されてきた。時系列がごちゃ混ぜになったり、ストーリーに「どんでん返し」があったり、敵対者と主人公の境界線が曖昧になったりする。ポストクラシカルな物語のルーツは、フィルム・ノワール、理由なき反抗（1955年）、そしてヒッチコックのストーリー展開を覆すサイコに見ることができる。

ニューハリウッドとは、1960年代にフランスのヌーヴェルヴァーグの結果としてヨーロッパで開発された技術を吸収した、映画学校で訓練を受けた新世代の監督の出現である。1967年の映画『ボニーとクライド』は、アメリカ映画の復活の始まりでもあり、その後、新世代の映画も興行的に成功することになる。^[55]フランシス・フォード・コッポラ、スティーヴン・スピルバーグ、ジョージ・ルーカス、ブライアン・デ・パルマ、スタンリー・キューブリック、マーティン・スコセッシ、ロマン・ポランスキー、ウィリアム・フリードキンなどの映画製作者は、映画の歴史に敬意を表し、既存のジャンルや技術を発展させた作品を制作するようになった。 1969年に公開されたアンディ・ウォーホルの『 ブルー・ムービー』に始まり、成人向けエロティック映画が有名人（ジョニー・カーソンやボブ・ホープなど）によって公に議論され、批評家（ロジャー・イーバートなど）によって真剣に受け止められるという現象が起こり、^{[57] [58]ニューヨーク}・タイムズのラルフ・ブルーメンソールが「ポルノ・シック」と呼び、後にポルノの黄金時代として知られるようになった発展が、近代アメリカ文化で初めて始まった。^{[56] [59] [60]}受賞歴のある作家トニ・ベントリーによると、ジョージ・バーナード・ショーの戯曲『ピグマリオン』 （およびその派生作品『マイ・フェア・レディ』）を基にしたラドリー・メッツガーの1976年の映画『ミスティ・ベートーベンの幕開け』は、ストーリー展開とセットが主流のレベルに達したため、^{[61]この「}黄金時代」の「最高傑作」と考えられている。^{[62] [63]}

1970年代初頭、名声の絶頂期には、チャールズ・ブロンソンは世界一の興行収入を記録し、1本の映画で100万ドルを稼ぎ出していた。^[64] 1970年代、ニューハリウッドの映画製作者たちの映画は、批評家から絶賛され、商業的にも成功することが多かった。 『ボニーとクライド』や『イージー・ライダー』といった初期のニューハリウッド映画は、比較的低予算で、不道徳なヒーローを描き、性と暴力を増大させたものだったが、フリードキンの『エクソシスト』、スピルバーグの『ジョーズ』、コッポラの『ゴッドファーザー』と『地獄の黙示録』、スコセッシの『タクシードライバー』、キューブリックの『2001年宇宙の旅』、ポランスキーの『チャイナタウン』、ルーカスの『アメリカン・グラフィティ』と『スター・ウォーズ』がそれぞれ大成功を収めたことで、現代の「ブロックバスター」が誕生し、スタジオは大ヒット作の製作にこれまで以上に注力するようになった。^[65]

アメリカでは、PG指定とR指定の中間に位置する映画に対応するため、1984年にPG-13指定が導入されたが、これは主にPG指定の映画『インディ・ジョーンズ 魔宮の伝説』と『グレムリン』（ともに1984年）の暴力的な内容をめぐる論争によるものであった。^[66]

1990年代の映画 製作者は、それまでの数十年間にはなかった技術、政治、経済の革新を利用できるようになりました。『ディック・トレイシー』 （1990年）は、デジタルサウンドトラックを採用した初の35ミリ長編映画となりました。『バットマン リターンズ』（1992年）は、その後業界標準となったドルビーデジタルの6チャンネルステレオサウンドを採用した初の映画です。フィルム画像をコンピュータに転送し、デジタルで操作できるようになったことで、コンピュータ生成画像の作成が大幅に容易になりました。その可能性は、ジェームズ・キャメロン監督の『ターミネーター2』（1991年）の形状変化型キャラクターT-1000の画像で明らかになりました。コンピュータグラフィックス、つまりCGは、『ジュラシック・パーク』（1993年）でその技術を使用してリアルな動物を作成できるほどに進歩しました。 『ジャックポット』（2001年）は、完全にデジタルで撮影された初の映画となりました。^[67]映画『タイタニック』では、キャメロンは特殊効果の限界を押し広げようとし、デジタル・ドメイン社とパシフィック・データ・イメージズ社と協力し、監督が『アビス』や『ターミネーター2』で開拓したデジタル技術の開発を継続させた。これまでのタイタニック号を扱った映画の多くはスローモーションで水を撮影していたが、それでは説得力に欠けていた。^[68]キャメロンは、クルーに船の全長45フィート（14メートル）のミニチュアを「ホワイト・スター・ラインのCMを作っている」かのように撮影するよう奨励した。

エドゥアルド・サンチェスとダニエル・マイリックによる低予算のインディーズホラー映画『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』 （1999年）でさえ、興行的には大成功を収めた。わずか3万5000ドルの予算で撮影され、大物スターや特殊効果も使わなかったこの映画は、最新のマーケティング手法とオンラインプロモーションを駆使して2億4800万ドルの興行収入を上げた。ジョージ・ルーカスの10億ドルの『スター・ウォーズ』三部作の前編ほどの規模ではないものの、『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』は興行収入の割合で史上最も利益を上げた映画という名誉を得た。^[67]

しかし、インディーズ映画としての『ブレア・ウィッチ』の成功は数少ない例外であり、映画製作に対するビッグ5 スタジオの支配力は1990年代を通じて強まり続けた。ビッグ6はいずれも1990年代に拡大期を迎えた。各社は映画業界のコスト上昇、特に強力なエージェントによる映画スターの給料上昇に適応するため、それぞれ異なる方法を編み出した。シルベスター・スタローン、ラッセル・クロウ、トム・クルーズ、ニコール・キッドマン、サンドラ・ブロック、アーノルド・シュワルツェネッガー、メル・ギブソン、ケヴィン・ベーコン、ジュリア・ロバーツといった大スターは、1作品あたり1500万～2000万ドルを受け取り、場合によっては映画の利益の一部を受け取ることもあった。^[67]

一方、脚本家は一般的にトップ俳優や監督よりも報酬が低く、1本の映画につき100万ドル以下だった。しかし、コスト上昇の最大の要因は特殊効果だった。1999年までに、大ヒット映画の平均コストはマーケティングとプロモーションを除いて6000万ドルになり、さらに8000万ドルかかった。^[67]

21世紀初頭から、演劇市場は徐々にスーパーヒーロージャンルに支配されてきました。2022年現在^[update]、スーパーヒーロージャンルは俳優にとって最も給料の高い作品です。他のジャンルの給料はトップクラスの俳優でさえも減っているからです。^[70]しかし、2023年と2024年には、ハリウッドの専門家は「スーパーヒーロー疲れ」が新たなトレンドになると指摘しました。^[71]ポール・ダノなどの俳優やマシュー・ヴォーンなどの監督も同様の主張をしています。^{[72] [73]}

2021年、米国でのCOVID-19パンデミックにもかかわらず、 『ブラック・ウィドウ』、『F9』、『ナイル殺人事件』、『ウエスト・サイド物語』などの大ヒット映画が、当初の2020年の公開日から延期された後、劇場で公開されました。^[74]

様々なスタジオがこの危機に対応し、劇場公開を諦めて映画を同時公開するという物議を醸す決定を下した。NBCユニバーサルは4月10日に『トロールズ・ワールドツアー』をビデオオンデマンドで直接レンタルし、 ^[77]同時にドライブインシアターで国内限定の劇場上映を行った。^[78] CEOのジェフ・シェルは、この映画は最初の3週間で1億ドル近くの収益に達したと主張している。^{[79 ] [ 80]}この決定に反対したAMCシアターはユニバーサル・ピクチャーズ映画の上映を直ちに中止すると発表したが、両社は最終的に2週間の劇場公開に合意した。^{[81] [82] [83] [84] [85]} 2020年12月までにワーナー・ブラザース・ピクチャーズは、視聴者を最大化するために、2021年の映画を劇場とストリーミングサイトHBO Maxで1か月間同時に公開する決定を発表した。^[86]しかし、2023年までに全米脚本家組合（WGA）と全米映画俳優組合（SAG-AFTRA）による業界のストライキにより、ストリーミングの残余利益、脚本と演技におけるAI技術、公正な報酬をめぐる論争が激化しており、ハリウッドの進化する経済モデルが直面するより広範な課題を反映している。この動きは様々な業界関係者から激しく批判され、その多くは発表前にこの決定について知らされておらず、スタジオに騙されたと感じていたと伝えられている。^[87]

2019年以降、 Netflix、Disney+、Paramount+、Apple TV+などのアメリカのストリーミングプラットフォームが台頭し、従来の映画に匹敵するようになった。^{[88] [89]}業界評論家は、ストリーミングプラットフォームの人気の高まりと相関して、企業が映画を「コンテンツ」として扱うことが増えていると指摘している。 ^[90]これは、映画、テレビ、その他のメディアの境界が曖昧になり、より多くの人々がさまざまな方法でそれらを一緒に消費するようになり、個々の映画は、その媒体、ストーリー、芸術性よりも、ブランドアイデンティティと商業的可能性によって定義されるようになったことを意味する。^{[88] [91]}評論家のマット・ゾラー・ザイツは、 2019年のアベンジャーズ/エンドゲームの公開を「映画がコンテンツによって決定的に敗北したことを表す」と表現した。これは、連続テレビの特徴を持つ一連の大ヒット映画を集大成した、マーベルブランドによって定義された「エンターテイメント作品」としての大成功によるものである。^[88]

映画『スペース・ジャム2 新たなる遺産』と『レッド・ノーティス』はこうした扱いの例として挙げられており、前者は多くの批評家から「HBO Maxの長々としたインフォマーシャル」と評され、カサブランカ、マトリックス、オースティン・パワーズなどワーナー・ブラザースのさまざまな作品を思い起こさせるシーンやキャラクターが登場する。^{[92] [93] [94] [95]}一方、後者はNetflixの2億ドルの強盗映画で、批評家は「芸術的な意図や、楽しませたいという誠実な願望に近づくものではなく、機械で処理されたように感じられる映画」と評した。^{[96] [97] [98]}スペース・ジャムは、映画を搾取すべき単なる知的財産（IP）として扱う業界のますます冷笑的な扱いを示していると述べる者もいる。批評家のスコット・メンデルソンは、このアプローチを「IPのためのIP」と呼んだ。^{[93] [99] [100] [94]}

マーティン・スコセッシは、芸術形式としての映画が「体系的に価値を下げられ、脇に追いやられ、侮辱され、コンテンツに還元されつつある」と警告し、大作映画の興行収入重視の姿勢を「不快」と呼んだ。^{[101] [102]} クエンティン・タランティーノは、現在の映画の時代はハリウッド史上最悪の時代の一つだと意見を述べている。^{[103] [104]} 2023年のサラエボ映画祭でのマスタークラスで、チャーリー・カウフマンは主流の大作映画を批判し、「現時点で金を儲けられるのはゴミだけだ」と述べ、業界の専門家に「可能な限りスタジオシステムの外で映画を作る」よう奨励した。^{[105] [106]} ジェームズ・グレイはデッドラインのインタビューで「大金を稼ぐだけの映画を1種類だけ作ると、大勢の人が映画を見に行く習慣がなくなり始める」と述べ、観客動員数が減少する原因になるが、「コミック本の映画には問題ない」と明言した。「幅広い層の作品への関与への投資」が不足している状況の解決策として、彼は映画スタジオが「アート映画部門で数年間赤字を覚悟すれば、最終的には幸せになれる」と提案している。^[107]

1930年代から1940年代にかけて、民主党も共和党もハリウッドに政治的チャンスを見出し、フランクリン・ルーズベルト大統領はハリウッドスターを国家キャンペーンに活用した早期導入者であった。^[108] メルヴィン・ダグラスと妻ヘレンは1939年にワシントンDCを訪れ、ニューディール政策の主要人物と会った。^[109]

有名俳優からの推薦状が書かれ、ラジオ出演や印刷広告が行われた。映画スターは、党の政治的見解を大勢の聴衆に伝えるために使われた。1960年代までには、ジョン・F・ケネディはワシントンにとって新しい若い顔となり、フランク・シナトラとの強い友情はこの新しい華やかな時代の典型だった。ハリウッドの最後の大物たちは去り、より若く新しい幹部やプロデューサーがよりリベラルな考えを推進し始めた。^{[110] [111]}

有名人とお金が、政治家を高級できらびやかなハリウッドのライフスタイルに引き寄せた。ロン・ブラウンスタインが著書『権力と輝き』で書いているように、1970年代と1980年代のテレビは政治において極めて重要な新しいメディアであり、ハリウッドは、ベトナム戦争に反対するジェーン・フォンダのように、俳優が自らの政治的信念について演説することで、そのメディアに貢献した。^[112]有名人やプロデューサーの大半が左派で民主党を支持する傾向にあったにもかかわらず、^{[113] [114]}この時代は、クリント・イーストウッドやジェリー・ブラッカイマーなど共和党の俳優やプロデューサーを輩出した。エイブの友人などの支援団体は、保守派に対して偏見があるとみなされているハリウッドで保守的な大義を支援するために設立された。^[115]元俳優のロナルド・レーガンはカリフォルニア州知事になり、その後、アメリカ合衆国第40代大統領となった。2003年にアーノルド・シュワルツェネッガーがカリフォルニア州知事に就任して以降もこの傾向は続いています。^[116]

今日では、ハリウッドからの寄付金は連邦政治の資金に役立っています。^[117]たとえば、2007年2月20日、当時民主党の大統領候補だったバラク・オバマは、ドリームワークスの創設者であるデビッド・ゲフィン、ジェフリー・カッツェンバーグ、スティーブン・スピルバーグが主催し、ビバリーヒルトンで1人2,300ドルのハリウッド・ガラを開催しました。^[117]

ネイティブ広告は、古典的なプロパガンダよりも巧妙な方法で説得するように設計された情報です。米国で一般的な現代の例としては、コパガンダがあります。これは、テレビ番組が警察を非現実的に美化した描写で表示するもので、ロケ地での撮影を容易にするために、機材を借りたり、道路を封鎖するのを手伝ってもらったりする目的もあります。^[118 ] エンターテインメント業界では、マフィアのイメージを美化することなど、他の評判洗浄の告発も行われています。^[119]

タバコ業界が映画の中で喫煙を推奨するなど、商品の配置も批判の対象となっている。^[120]疾病予防管理センターは、喫煙シーンのある映画に自動的に「R」指定が与えられれば、10代の喫煙者の18%が喫煙を始めないとし、100万人の命が救われるとしている。^[121]

ハリウッドのプロデューサーは、2016年時点で世界で2番目に大きい興行収入を誇る中国の制限されたが利益の多い映画市場^{[122]にアクセスするために、}中国政府の検閲要件に従おうとすることがある。これには、映画の中で中国人のキャラクターを好意的に描写することを優先することが含まれており、たとえば『レッド・ドーンの悪役を中国人から北朝鮮人に変更するなどである。^{[122]ダライ・ラマや}くまのプーさんがサウスパークのエピソード「バンド・イン・チャイナ」に関係しているなど、中国では禁止されているトピックが多数あるため、サウスパークはエピソードの放送後、中国で完全に禁止された。^[123] 2018年の映画『クリストファー・ロビン』は、くまのプーさんの新しい映画であるが、中国での公開を拒否された。^[123]

チベットはかつてハリウッドで大々的なテーマであり、 『クンドゥン』や『セブン・イヤーズ・イン・チベット』などの映画で取り上げられていたが、21世紀にはもはやそうではない。^[124] 2016年、マーベル・エンターテイメントは、映画化作品『ドクター・ストレンジ』で「エンシェント・ワン」役にティルダ・スウィントンを起用し、伝統的なチベット人のキャラクターを白人女性で演じさせたことで批判を浴びた。^[125]俳優で著名なチベット支援者のリチャード・ギアは、中国政府を批判し、2008年の北京夏季オリンピックのボイコットを呼びかけたことで、主流のハリウッド映画への出演は歓迎されなくなったと述べた。 ^{[124] [126]}

ハリウッドは1930年代の大半、ドイツの観客の支持を維持するためにナチスの否定的な描写を自主検閲していた。 ^[127]その頃、経済的検閲により、経済的影響力を持つグループを喜ばせるためにコンテンツの自主検閲が行われた。 ^[127]ヘイズ・コードは、特定のコンテンツに対する宗教的反対を和らげ、結果として生じる可能性のある政府による検閲を阻止するために、1930年から1967年にかけて業界が主導した厳格な自主検閲の取り組みであった。^[127]

コミュニケーションの政治経済学の研究者は長い間、ハリウッド映画の国際的または世界的な存在感、力、収益性、人気に焦点を当ててきました。トビー・ミラーとリチャード・マクスウェル^[128] 、ジャネット・ワスコとメアリー・エリクソン^[129] 、ケリー・セグレイブ^[130]、ジョン・トランプ・バー^[131]、タナー・ミルズ^[132]によるグローバルハリウッドに関する本は、ハリウッドの力の国際政治経済学を検証しています。

タナー・ミルズによれば、ハリウッドは「所有権、従属的なサービスプロバイダーとの国境を越えた制作、上映者とのコンテンツライセンス契約、そして世界を旅するように設計された大ヒット映画」という4つの資本主義戦略に依存して、米国以外の映画製作者、興行主、観客をその勢力圏に引き込み統合している。^[133]

1912年、アメリカの映画会社は主に国内市場をめぐる競争に没頭していた。ニコロデオンブームで生まれた映画に対する膨大な需要を満たすのは困難だった。エジソンスタジオなどのモーション・ピクチャー・パテント・カンパニーのメンバーも、フランス、イタリア、その他の輸入映画との競争を制限しようとした。当時、これらの会社にとって映画の輸出は利益をもたらすものとなった。ヴィタグラフスタジオは、ヨーロッパに独自の配給事務所を開設した最初のアメリカ企業であり、1906年にロンドンに支店を設立し、その後すぐにパリに2番目の支店を設立した。^[134]

他のアメリカの映画会社も海外市場に進出し、アメリカの海外配給は1920年代半ばまで拡大し続けた。当初、ほとんどの映画会社は間接的に映画を販売していた。しかし、海外取引の経験がなかったため、映画の海外権利を海外の配給会社や輸出代理店に販売しただけだった。徐々にロンドンはアメリカ映画の国際流通の中心地となっていった。^[134]

多くのイギリスの会社がこのビジネスの代理店として活動することで利益を上げ、そうすることでイギリス市場の大きなシェアをアメリカ映画に譲り渡し、イギリスの映画製作を弱体化させた。1911年までに、イギリスに輸入される映画の約60〜70％はアメリカ映画だった。アメリカはドイツ、オーストラリア、ニュージーランドでも好調だった。^[134]

最近では、20世紀後半から21世紀初頭にかけて、グローバリゼーションが進み、米国政府が積極的に自由貿易政策と文化製品の貿易を推進するにつれて、ハリウッドは世界的な文化の発信源となった。ハリウッドの輸出市場の成功は、世界中でアメリカの多国籍メディア企業が急成長し、さまざまな文化圏の人々の嗜好に訴える大予算の映画を製作する能力に反映されている。^[135]

グローバル化した世界においても、世界の映画製作はハリウッドに集中したままです。その要因としては、米国がドル換算で最大の国内市場を持っていること、娯楽性が高く注目度の高いハリウッド映画が世界的な人気を博していること、そして世界共通語としての英語の役割が、制作の固定費の高騰を補うのに貢献していることなどが挙げられます。

ハリウッドは中国の検閲の影響を受けながらも、中国市場に深く進出している。中国で製作される映画は検閲を受けており、「幽霊、暴力、殺人、恐怖、悪魔」などのテーマは厳しく避けられている。こうしたプロット要素はカットされる恐れがある。ハリウッドは中国の公式基準に準じた「承認済み」映画を製作せざるを得なかったが、興行収入のために美的基準は犠牲にされた。中国の観客でさえ、母国語に吹き替えられた素晴らしいアメリカの映画の公開を待つのは退屈だった。^[136]

統計的に、米国映画産業の中心地であるハリウッドでは、クリエイティブな職に就く女性の割合が低い。この割合の低さは「セルロイド天井」と呼ばれ、雇用差別用語「ガラスの天井」の変形である。2013年、「最も稼いだ俳優」は2+「年上の男性俳優は、年齢的に同等の女性俳優よりも稼いでいる」。「女性映画スターは34歳で平均して1本の映画あたり最も多くのお金を^稼いでいるが、男性スターは51歳で最も稼いでいる。」 ^[138]

サンディエゴ州立大学のテレビ・映画界の女性研究センターが実施した2013年の「セルロイド天井報告書」では、「2012年の国内興行収入上位250本の映画に雇用された2,813人」から収集した統計のリストがまとめられている。^[139]

女性の割合:

• 「監督、エグゼクティブプロデューサー、プロデューサー、脚本家、撮影監督、編集者の18％。これは2011年から変化はなく、1998年からわずか1％の増加です。」^[139]
• 「全取締役の9％。」^[139]
• 「作家の15％。」^[139]
• 「全生産者の25％。」^[139]
• 「全編集者の20％。」^[139]
• 「全撮影監督の2％。」^[139]
• 「検討対象の役柄で女性が0人または1人しか出演していない映画は38％、2人しか出演していない映画は23％、3人から5人しか出演していない映画は28％、6人から9人しか出演していない映画は10％であった。」^[139]

ニューヨークタイムズの記事によると、2013年のトップ映画のうち、女性が主演を務めたのはわずか15%だった。^[140]この研究の著者は、「女性がセリフを言う役柄の割合は、1940年代に25%から28%で推移して以来、あまり増加していない」と指摘している。「1998年以降、監督以外の舞台裏の役割における女性の比率はわずか1%しか増加していない」。「2012年の興行収入上位250本の映画のうち、女性が監督を務めた割合は1998年と同じ9%だった」。^[137]

2021年5月10日、NBCは、ハリウッド外国人記者協会（HFPA）の会員の多様性の欠如に対処するための取り組みが不十分であるとして複数のメディア企業が同協会をボイコットしたことを支持し、2022年の第79回ゴールデングローブ賞の授賞式を放映しないと発表したが、HFPAが改革に成功した場合は2023年の授賞式の放映は検討するとした。^[141]このスキャンダルやその他のスキャンダルの結果、HFPAは2年後に解散した。^{[142] [143]}

アメリカ映画は、外国人や少数民族に対する否定的なステレオタイプを反映し、広めてきた。 ^[144]例えば、ロシア人やロシア系アメリカ人は、通常、残忍なギャング、冷酷なエージェント、悪役として描かれる。^{[145] [146] [147]}ロシア系アメリカ人の教授ニーナ・L・フルシチョワによると、「ロシア人が恐ろしいという言及なしにテレビをつけて映画を見に行くことさえできない」とのこと。^[148] イタリア人やイタリア系アメリカ人は、通常、組織犯罪やアメリカのマフィアと関連付けられる。^{[149] [150] [151]} ヒスパニック系やラテン系アメリカ人は、主にラテン系のマッチョやラテン系の女たらし、ギャングのメンバー、（不法）移民、芸能人などの性的な人物として描かれる。^[152]しかし、近年ハリウッドでの表現は改善され、1990年代に勢いを増し、もはや抑圧、搾取、抵抗を主要なテーマとして強調しなくなりました。チャールズ・ラミレス・バーグによると、第三波映画は「チカーノの抑圧や抵抗を強調していません。これらの映画における民族性は、登場人物の人生を形作り、個性を刻印するいくつかの事実の1つとして存在します。」^[153]エドワード・ジェームズ・オルモスやロバート・ロドリゲスなどの映画製作者は、ヒスパニック系およびラテン系アメリカ人の経験を、それまで誰もスクリーンで表現できなかった方法で表現することができ、ヒラリー・スワンク、ジョーダナ・ブリュースター、ジェシカ・アルバ、カミーラ・ベル、アル・マドリガル、アレクシス・ブレデル、ソフィア・ベルガラ、アナ・デ・アルマス、レイチェル・ゼグラーなどの俳優が成功しました。過去10年間、クリス・ワイツ、アルフォンソ・ゴメス＝レホン、パトリシア・リゲンなどの少数派の映画監督は、より適切な^{[綴り？ ]}物語を与えられてきました。ヒスパニック系およびラテン系アメリカ人を描いた映画には、『ラ・バンバ』（1987年）、『セレナ』（1997年）、『マスク・オブ・ゾロ』（1998年）、『ゴール2』（2007年）、『オーバーボード』（2018年）、『ファーザー・オブ・ザ・ブライド』 （2022年）、ホセフィナ・ロペスの『リアル・ウーマン・ハブ・カーブス』などがあります。は、もともと1990年に初演された演劇で、後に2002年に映画として公開されました。^[153]

ハリウッドにおけるアフリカ系アメリカ人の表現は、スタジオシステムの崩壊後の20世紀末に向けて劇的に改善され、その傾向は21世紀にも続き、少数派の表現は増加し続けています。^{[154] [155] [156] [157]}昔のハリウッドでは、白人俳優が黒塗りをすることは珍しいことではありませんでした。^[158] 2016年の映画「ムーンライト」では、カイロンの10代の仲間内の若い黒人男性の行動に見られるように、男らしさは堅苦しく攻撃的なものとして描かれています。^{[159]黒人男性の間の}超男らしさの表現は、仲間からの受容やコミュニティと関連付けられています。^[160]一方、黒人コミュニティでゲイであることは、社会的疎外や仲間からの同性愛嫌悪的な判断と関連付けられています。映画では、カイロンは黒人のゲイ男性としてこの分断の中に位置づけられ、同性愛は黒人男性としての期待と相容れないものと見なされているため、嘲笑を避ける戦略として男性らしさの表現を変えている。幼い頃、ケビンはカイロンのように差別されるのを避けるために自分のセクシュアリティを隠していた。カイロンは成長するにつれ、虐待や同性愛嫌悪を避けるために黒人男性としての異性愛規範の理想に従う必要があることを認識する。大人になったカイロンは、筋肉質になって麻薬の売人になることで、典型的な黒人男性のジェンダーパフォーマンスを受け入れることを選択する。^[159]

韓国系アメリカ人俳優ダニエル・デイ・キムによると、アジア人とアジア系アメリカ人男性は「不可解な悪役や性的に差別された宦官として描かれてきた」という。^[151]アジア系アメリカ人のためのメディア・アクション・ネットワークは、アロハの監督とスタジオが映画のキャストを白人化していると非難し、監督のキャメロン・クロウは、エマ・ストーンが4分の1中国人と4分の1ハワイ人の血を引くキャラクターに誤って配役されたことについて謝罪した。^{[161] [162] [163]} 20世紀を通じて、映画で俳優が演じる役は比較的少なく、多くの役は限定されたキャラクターだった。21世紀には、若いアジア系アメリカ人のコメディアンや映画製作者はYouTubeに活動の場を見つけ、仲間のアジア系アメリカ人の間で強力で忠実なファン層を獲得している。^[164]最近では映画『クレイジー・リッチ！』が主にアジア系のキャストを起用していることで米国で賞賛されているが、^[165]他国では混血や中国人以外の俳優を中国系の登場人物に起用したことで批判されている。映画『いつか晴れた日に』はおなじみのロマンティック・コメディの要素を取り入れ、巧妙に社会風刺を織り交ぜた作品として賞賛されている。^[166]

9月11日の同時多発テロ以前は、アラブ人やアラブ系アメリカ人はテロリストとして描かれることが多かった。^[151]イギリス人の父とグジャラート系ウガンダ人・インド人の母を持つナオミ・スコットを映画『アラジン』の主役ジャスミン役に起用するという決定も、一部の評論家がアラブ系または中東系の女優にこの役が与えられると予想していたため、批判や色彩差別の非難を招いた。 ^[167] 2018年1月、白人のエキストラが「溶け込む」ために撮影中に茶色のメイクを施していたと報じられ、ファンや批評家の間で激しい抗議と非難が起こり、この慣行は「業界全体に対する侮辱」であると非難されるとともに、プロデューサーが中東や北アフリカの血統を持つ人々を雇用していないと非難された。ディズニーはこの論争に対して、「キャストと背景パフォーマーの多様性は必須条件であり、特殊なスキル、安全性、制御（特殊効果装置、スタントマン、動物の扱い）の問題の場合のみ、クルーが溶け込むように構成された」と答えた。^{[168] [169]}

ハリウッドのワークフローは、その労働者の多くが毎日同じ工場に出勤せず、毎日同じルーチンに従うこともなく、世界中の遠く離れた場所で撮影し、生産性に最も適したスケジュールではなく、撮影されるシーンによってスケジュールが決定されるという点で独特です。たとえば、夜間にロケ地で完全に撮影される都市映画では、スタッフの大部分が夜勤で働く必要がありますが、ロケ地での撮影は週に1、2日のみで、主に舞台で撮影するシチュエーションコメディシリーズでは、より伝統的な勤務スケジュールに従います。西部劇は、スタッフの家から遠く離れた砂漠で撮影されることが多く、ホテルが限られているため、撮影日の前後に長距離ドライブが必要になり、できるだけ多くの日光を利用するため、最終的には労働者は家を出てから帰るまで1日16、17時間働くことになります。^{[170] [171]}

20世紀から21世紀初頭にかけて、アメリカでは労働組合の力が全般的に衰退したが、大手スタジオはすべて、映画スタジオとテレビ局を代表する業界団体である映画テレビプロデューサー連盟（AMPTP）を通じて労働組合との契約を維持し続けた。ハリウッドの雇用は非正規雇用であるため、部門別交渉を通じてのみ、個々の労働者は最低賃金保証や、制作会社から制作会社へと引き継がれる年金や健康保険への加入の権利を表明することができ、スタジオは、高度な技術を要する機器を扱う知識と経験を備え、初日からセットに足を踏み入れることができる訓練を受けた労働力にアクセスすることができる。^[172]

ハリウッドの労働者の大半は、いくつかの労働組合やギルドに代表されている。15万人の会員を擁する国際舞台従業員組合（IATSE）は、グリップ、電気技師、カメラマン、編集者、音響技師、ヘアメイクアップアーティストなど、ほとんどの職種を代表している。映画俳優組合（SAG）は、約13万人の俳優とパフォーマーを代表する次に大きな団体である。全米監督組合（DGA）は監督と製作部長を、全米脚本家組合（WGA）は脚本家を、国際チームスターズ（IBT）は運転手を代表している。^{[173] [174]}

労使関係は、COVID-19の流行中でも仕事を続けるための安全なプロトコルを策定するために州と協力し、税制優遇措置を支持するロビー活動を行うなど、長年にわたって概ね友好的であったが、業界の変化や所得格差の拡大への対応として、契約交渉は論争を呼ぶことで知られている。 1945年には、舞台装置職人による6か月間のストライキが、蒸し暑い10月の日にストライキ参加者、スト破り労働者、スト破り労働者、スタジオ警備員の間で血みどろの乱闘に発展し、労使関係は血なまぐさいものとなった。^{[175] [176] [177] [178]}

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• アーリー、スティーブン C. (1978)。『アメリカ映画入門』。ニュー・アメリカン・ライブラリー。
• フレイザー、ジョージ・マクドナルド(1988)。『ハリウッドによる世界史、紀元前100万年から『地獄の黙示録』まで』 。ロンドン、M. ジョセフ、米国初版、ニューヨーク、ビーチ ツリー ブックス。両版の目次は次の通り。xix、268 ページ、豊富な図解 (白黒写真)。ISBN 0-7181-2997-0 (英国版)、0-688-07520-7 (米国版)。 
• ゲーブラー、ニール（1988年）。ユダヤ人の帝国：ユダヤ人はいかにしてハリウッドを発明したか。クラウン。ISBN 0-385-26557-3。
• スコット、AJ（2000）。都市の文化経済。ロンドン：セージ出版。ISBN 0-7619-5455-4。

• ハレット、ヒラリー A. 『西へ行け、若い女性たちよ! 初期ハリウッドの台頭』 カリフォルニア州バークレー: カリフォルニア大学出版局、2013 年。
• メイ、ラリー（1983年）。『過去のスクリーニング：大衆文化と映画産業の誕生』シカゴ大学出版局。ISBN 9780226511733。
• ラガン、デイヴィッド。『ハリウッドの名士録 1900-1976』。ニューヨーク州ニューロシェル：アーリントンハウス、1976年。

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