映画産業

中国映画は、香港映画、台湾映画と並んで、中国語映画の3つの明確な歴史的流れの1つです。映画は1896年に中国に導入され、最初の中国映画である『定君山』は1905年に製作され、最初の数十年間は映画産業は上海を中心としていました。中国は世界最大級の映画スタジオである横店影視城の本拠地であり、2010年には年間長編映画製作本数で世界第3位の映画産業を擁していました。次の10年間は​​、製作会社は主に外国資本であり、国内映画産業は繁栄する交易拠点であり極東最大の都市である上海を中心としていました。1913年には、鄭正秋と張世川によって上海で最初の中国独立脚本『難夫婦』が撮影されました。^{[ 7 ]}

第六世代が国際的に注目されるようになると、その後の多くの映画は国際的な出資者との共同事業やプロジェクトとなったが、依然として非常に控えめで低予算のままだった。ジャ・ジャンクーの『プラットフォーム』（2000年）は北野武の制作会社から一部資金提供を受けており^{[ 8 ]} 、彼の『スティルライフ』はHDビデオで撮影された。 『スティルライフ』はサプライズ作品となり、2006年のヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を受賞した。三峡周辺地域の地方労働者を題材にした『スティルライフ』は、当時『LOVERS』（2004年）や『約束』 （2005年）を制作していた張芸謀や陳凱歌といった第五世代の中国人監督の作品とは大きく異なっている。国際的に有名なスターは出演しておらず、ほとんどが素人俳優が演じている。2012年、中国は興行収入で世界第2位の市場となった。 2014年の中国の興行収入総額は296億元（48億2000万米ドル）で、国内映画が55%を占めた。^{[ 9 ]}中国はハリウッドスタジオにとっても主要なビジネス拠点となっている。^{[ 10 ] [ 11 ]}  

2018 年、中国の興行収入総額は 89 億米ドルでした^{[ 12 ]} 2013 年、中国の興行収入総額は 218 億元 (36 億米ドル ) で、興行収入で世界第 2 位の映画市場でした^{[ 13 ]} 2014 年、興行収入総額は 48 億米ドルに増加し、映画業界でトップとなりました^{[ 14 ]} COVID-19 パンデミックの影響で、2020 年に中国は北米を追い抜き、世界最大の興行収入市場となり、この地位を獲得した最初の国となりました^{[ 15 ]}中国は 2021 年にもこの地位を維持しました。しかし、2022 年に北米が再び中国を追い抜き、世界最大の興行収入市場となりました^{[ 16 ]}

一般的にハリウッドと呼ばれるアメリカ合衆国の映画は、20 世紀初頭から世界中の映画に大きな影響を与えてきました。アメリカ合衆国の映画 (ハリウッド) は、世界で最も古い映画産業の 1 つですが、収益の面でも最大の映画産業です。ハリウッドは、アメリカ映画協会、LA フィルム スクール、NYFAなどの確立された映画研究施設がこの地域に設立された、アメリカ映画産業の主要な中心地です。 ^{[ 17 ]}しかし、6 つの主要な映画スタジオのうち 4 つは東海岸の企業が所有しています。メトロ ゴールドウィン メイヤー、20 世紀スタジオ、パラマウント ピクチャーズなどのハリウッドの主要な映画スタジオは、サウンド オブ ミュージック( 1965 年)、スター ウォーズ(1977 年)、タイタニック(1997 年)、^{アバター(} 2009^年)などの映画を含む、世界で最も商業的に成功した映画の主要な供給源です。^{[ 18 ]} [ 19 ]

アメリカの映画スタジオは現在、毎年数百本の映画を共同で製作しており、米国は世界で最も多くの映画を製作している国となっている。^{[ 20 ]}現在、撮影のほとんどはカリフォルニア、ニューヨーク、ルイジアナ、ジョージア、ノースカロライナで行われている。ニューメキシコ、特にアルバカーキとサンタフェ周辺は、撮影地としてますます人気が高まっている州であり、テレビドラマ「ブレイキング・バッド」はそこで撮影され、「ノーカントリー」や「ラスト」などの映画もそこで撮影された。2009年から2015年の間、ハリウッドは毎年100億ドル（またはそれ以上）の興行収入を上げていた。^{[ 21 ]}ハリウッドの授賞式であるアカデミー賞（正式名称はオスカー）は、映画芸術科学アカデミー（AMPAS）によって毎年開催され、2019年までに3,000以上のオスカーが授与されている。^{[ 22 ]} 

1911年10月27日、ネスター・フィルム・カンパニーはハリウッド初の常設映画スタジオを設立した。カリフォルニアの気候のおかげで、年間を通して撮影が可能となった。1912年には、ネスター社とインディペンデント・ムービング・ピクチャーズ（IMP）を含む複数の映画会社が合併し、ユニバーサル・スタジオが設立された。

インドは世界最大の映画製作国であり、世界で2番目に古い映画産業です。^{[ 23 ]}この国には、ムンバイ（旧ボンベイ）、ハイデラバード、チェンナイ（マドラス）など、世界の映画産業で最も重要な都市がいくつかあります。2009年、インドはセルロイドで合計2,961本の映画を製作しました。この数字には、長編映画1,288本が含まれています。^{[ 24 ]}インドは世界最大の映画製作国であるだけでなく、入場者数も世界最多です。^{[ 25 ]}インドの映画産業は多言語で、チケット販売数では世界最大ですが、収益では3番目に大きく、これは主に世界で最も低いチケット価格の1つであるためです。^{[ 26 ]}この産業は主に、膨大な数の映画鑑賞のインド国民によって見られています。インドの映画産業は、南アジアの近隣諸国における映画と娯楽の主要な供給源でもあります。インドの三大映画産業は、ヒンディー語映画、テルグ語映画、タミル語映画である。ヒンディー語映画産業は主にムンバイ（ボンベイ）に集中しており、ボンベイとハリウッドを組み合わせた造語であるボリウッドと呼ばれている。テルグ語映画は主にハイデラバードに集中しており、トリウッドと呼ばれている。タミル語映画産業、すなわちコリウッドは主にチェンナイに集中している。

インドでは、主流の商業映画とは別に、パラレルシネマという別の映画製作手法も存在します。パラレルシネマ運動は、 1950年代頃に西ベンガルで始まりました。この運動は当初ベンガル映画が主導し、後にインドの他の映画産業でも注目を集めるようになりました。パラレルシネマとは、大衆的な主流映画の慣習から逸脱した特定のタイプの映画を指す包括的な用語です。パラレルシネマは長年にわたって様々な形態をとってきました。パラレルシネマに関連する映画監督には、サタジット・レイ、ムリナル・セン、リトウィク・ガタクなどがいます。パラレル映画は、歌やアクションシーンなどの大衆的な形式を拒否し、田園風景を好んで使用し、メソッド俳優を起用し、色彩を抑えたパレットを使用していることが特徴です。パラレルシネマの最高の例は、レイ監督の最も有名な作品である『パテール・パンチャリ』（1955年）、『アパラジト』（1956年）、『アプーの世界』（1959年）で、これらは「アプー三部作」を構成しています。こうした映画の他の例としては、Raincoat、Dhobi Ghat、Mithya などがあります。インド映画は国内市場だけでなく国際市場でも人気を集めており、Dangal は海外で 2 億 6000 万ドルの興行収入 、Secret SuperstarとBajrangi Bhaijaanは 8040 万ドルの興行収入 、Baahubali: The BeginningとBaahubali 2: The Conclusion (テルグ語映画の大ヒット二部作) は 世界中で 3 億 7000 万ドル以上の興行収入を上げています。^{[ 27 ]}インドには 400 を超える制作会社と 32 の企業があり、600 万人以上の生計を支えています 。^{[ 28 ]}

その他の主要な映画産業は、マラヤーラム語映画、カンナダ語映画、ベンガル語映画（西ベンガル州の映画）、マラーティー語映画で、それぞれ主にトリバンドラム、コーチ、ベンガルール、コルカタ、ムンバイに拠点を置いています。残りの大部分は、北インド、東インド、西インド、南インドに広がっています（グジャラート語、パンジャブ語、オリヤー語、ボージュプリー語、アッサム語の映画を含む）。ただし、地域言語のインド映画産業の小規模な中心地が、それらの言語が話されている州を中心にいくつか存在します。インド映画には、インド古典音楽、全国各地の民俗音楽、インド古典舞踊、民俗舞踊など、さまざまな芸術形式が含まれています。ボリウッド、コリウッド、トリウッドはインド映画産業の大部分を占め、インド亜大陸全体で視聴されており、オーストラリア、英国、米国、ニュージーランド、東南アジア、アフリカ、湾岸諸国、ヨーロッパ諸国、東アジア、中国でますます人気が高まっています。世界最大の映画スタジオ複合施設は、インドのハイデラバードにあるラモジ・フィルムシティで、1996年にオープンし、面積は674ヘクタール（1,666エーカー）です。47のサウンドステージがあり、鉄道駅から寺院まで、常設のセットがあります。^{[ 29 ]}

1986年までに、インドの年間映画製作本数は年間741本から833本に増加し、インドは世界最大の映画製作国となった。^{[ 30 ]} 2014年現在ボリウッドはインドの純興行収入の45%を占め、タミル語とテルグ語の映画を合わせると36%を占め、その他の地域映画産業はインド映画の21%を占めている。^{[ 31 ]} 2021年までに、テルグ語映画（トリウッド）はヒンディー語映画（ボリウッド）とタミル語映画（コリウッド）の両方を追い抜き、興行収入の点でインド最大の映画産業となった。2023年には、ボリウッドが再びインド最大の映画産業となった。^{[ 32 ] [ 33 ]}

ロシア映画とは、ロシア語で映画を製作するロシアの映画産業を指します。ロシア帝国時代に始まり、ソビエト連邦で広く発展し、その後崩壊後も続きました。ロシア映画産業は国際的に認知され続けています。21世紀には、『ハードコア・ヘンリー』（2015年）、『リヴァイアサン』（2014年） 、 『ナイト・ウォッチ』（2004年） 、 『ブラザー』（1997年）などの作品で国際的に知られるようになりました。モスクワ国際映画祭は1935年にモスクワで始まりました。ニカ賞は、ロシアの主要な年間映画賞です。

ロシア帝国で初めて映画が上映されたのは、1896年5月にモスクワとサンクトペテルブルクで映画を上映したリュミエール兄弟によるものだった。同じ月、リュミエール兄弟のカメラマン、カミーユ・セルがロシアで最初の映画を製作し、クレムリンでニコライ2世の戴冠式を記録した。^{[ 34 ]}アレクサンドル・ドランコフは、民謡で語られた出来事を基に、ウラジーミル・ロマシュコフ監督によるロシア初の劇映画『ステンカ・ラージン』 （1908年）を製作した。この時代の著名なロシアの映画製作者には、1912年に『セヴァストポリの防衛』を製作したアレクサンドル・ハンジョンコフとイワン・モズジュヒンがいる。ヤコフ・プロタザノフは、レフ・トルストイの伝記映画『偉大な老人の出発』 （1912年）を製作した。

アニメーションのパイオニアであるラディスラフ・スタレビッチは、1910年にロシア初のアニメーション映画（そして物語のある初のストップモーション人形劇）である『ルカヌス・セルヴス』を制作した。アレクサンドル・ハンジョンコフのために制作された彼の他のストップモーション短編『美しきレウカニダ』（1912年）と『カメラマンの復讐』（1912年）も、初期のアニメーション映画に数えられる。その後、スタレビッチは『イナゴとアリ』（1913年）などの寓話に基づいた短編や、第一次世界大戦のプロパガンダ映画を制作した。

英国は1世紀以上にわたり重要な映画産業を擁してきた。映画製作は1936年に史上最高を記録したが^{[ 36 ]} 、英国映画の「黄金時代」は一般的に1940年代に起こったと考えられており、この時代にはデヴィッド・リーン[ ^{37 ] 、}マイケル・パウエル（エメリック・プレスバーガーと共同）^{[ 38 ]} 、キャロル・リード^{[ 39 ]}といった監督たちが最も高く評価された作品を製作した。マギー・スミス、ロジャー・ムーア、マイケル・ケイン^{[ 40 ]} 、ショーン・コネリー^{[ 41 ]} 、ダニエル・デイ＝ルイス、ゲイリー・オールドマン、ケイト・ウィンスレット^{[ 42 ]}など、多くの英国人俳優が世界的な名声と批評的な成功を収めている。史上最大の興行収入を記録した映画のいくつかは英国で製作されており、興行収入第3位と第4位の映画シリーズ（ハリー・ポッターとジェームズ・ボンド）も含まれる。^{[ 43 ]}

最初の動画は1888年にルイ・ル・プランスによってリーズで撮影され、^{[ 44 ] [ 45 ]}セルロイドフィルムに現像された最初の動画は1889年にイギリスの発明家ウィリアム・フリーズ・グリーンによってロンドンのハイドパークで作られ、^{[ 46 ]}彼は1890年にそのプロセスの特許を取得しました。

全世界で歴代興行収入上位8作品のうち2作品には、イギリスの歴史的、文化的、または創造的な側面が見られる。『タイタニック』（1997年）、『ハリー・ポッターと死の秘宝 PART2』（2011年）、『ロード・オブ・ザ・リング/王の帰還』（2003年）、『パイレーツ・オブ・カリビアン/デッドマンズ・チェスト』 （2006年）である。さらにハリー・ポッターシリーズ4作品とロード・オブ・ザ・リングシリーズ1作品、そしてティム・バートン版『不思議の国のアリス』（2010年）を加えると、興行的に最も成功した上位20作品の半分以上が、イギリスの要素を強く持っていることになる。^{[ 47 ]}

イギリスの影響は、ディズニーのアニメーション映画の「イングリッシュ・サイクル」にも見られ、これには『ふしぎの国のアリス』 （1951年）、『ピーター・パン』（1953年）、『101匹わんちゃん』（1961年）、『王様の剣』（1963年）、『ジャングル・ブック』（1967年）が含まれる。^{[ 48 ]}ディズニーが実写映画に興味を持ったのは、イギリスで蓄積された資金準備金が為替管理のために本国に送還できなかったため、スコットランドとイングランドの資料を基にした2本の映画を製作したのが最初だった。これらは『宝島』（1950年）と『ロビン・フッドとその愉快な仲間たち』（1952年）で、どちらも興行的に成功した。ウォルト・ディズニーが1967年に亡くなった後も、スタジオはアニメーション映画の原作としてイギリスの素材を使い続け、長編アニメーション映画『ロビン・フッド』（1973年）、 『くまのプーさん』と『ビアンカの大冒険』 （いずれも1977年）は、 A・A・ミルンのキャラクターを基にした数多くのディズニー作品の一つである。

1970年代と1980年代、イギリスのスタジオは『スーパーマン』（1978年）、『エイリアン』（1979年）、『バットマン』 （1989年）などの映画で優れた特殊効果の評判を確立しました。この評判の一部は、『2001年宇宙の旅』 （1968年）の撮影のために集められた才能ある人材によって築かれ、彼らはその後、ジェリー・アンダーソンのシリーズや長編映画で共に仕事をしました。ブリストルを拠点とするアードマン・アニメーションズは、ストップモーション・アニメーションで知られています。

1998年後半、チャンネル4は無料放送の映画専門チャンネル「Film4」を開設した。Film4は映画を放送するために特別に設計されたチャンネルで、英国夏時間午前11時から放送され、有料テレビ映画ネットワークのSky Cinema と競合している。

ロンドンを拠点とする視覚効果会社Framestoreは、視覚効果スーパーバイザーのティム・ウェバーと共に、映画『ダークナイト』（2008年）と『ゼロ・グラビティ』 （2013年）に携わっており、『ゼロ・グラビティ』では新しい技術が用いられ、完成までに3年を要した。^{[ 49 ]}

フランスは映画の発祥地であり、映画という芸術形式と映画製作プロセスそのものに多くの重要な貢献をしてきた。^{[ 50 ]}ヌーヴェルヴァーグを含むいくつかの重要な映画運動は、この国で始まった。フランス政府による保護もあって、特に強力な映画産業があることで知られている。^{[ 50 ]}

フランス映画は、時に外国映画と密接に結びついている。ポーランド（ロマン・ポランスキー、クシシュトフ・キェシロフスキ、アンジェイ・ズラウスキー）、アルゼンチン（ギャスパー・ノエ、エドガルド・コザリンスキー）、ロシア（アレクサンドル・アレクセイエフ、アナトール・リトヴァク）、オーストリア（ミヒャエル・ハネケ）、ジョージア（ゲラ・バブルアニ、オタル・イオセリアーニ）といった国々の監督は、フランス映画界で重要な地位を占めている。逆に、リュック・ベッソン、ジャック・トゥルヌール、フランシス・ヴェベールのように、フランス人監督がアメリカで活躍するなど、他国でキャリアを築いた例もある。

この事実を裏付けるもう 1 つの要素は、パリが人口あたりの映画館数で測ると世界で最も映画館密度が高いこと^{[ 51 ]}、そしてほとんどの「パリ中心部」の映画館では、他の場所では「アートハウス」映画館に隔離される外国映画が「主流」作品と並んで上映されていることです。フィリップ・ビナンは、2000 年 2 月 2 日に、テキサス インスツルメンツが開発した DLP CINEMA 技術を使用して、ヨーロッパで最初のデジタル映画上映をパリで実現しました。^{[ 52 ]}パリには、市の北部にある主要な映画スタジオであるシテ・デュ・シネマと、ディズニーランドとパルク・アステリックスに次ぐ市内で 3 番目のテーマパークである映画専門のテーマパークであるディズニー・スタジオもあります。^{[ 53 ]}

2015年、フランスでは記録的な300本の長編映画が製作された。^{[ 54 ]} 2014年の総入場者数のうち、米国と英国の映画が占める割合はわずか44.9%だった。これは主に国内作品の商業的な強さによるもので、2014年の入場者数のうち44.5%を占めた（2015年は35.5%、2016年は35.3%）。^{[ 55 ]} 2000年代半ば、フランス映画産業は「ヨーロッパのどの国よりも完全に自給自足に近い」と評され、予算の約80～90%を国内市場からの収益で回収していた。^{[ 56 ]} 2018年、フランス映画の国際興行収入は2億3700万ユーロ、入場者数は4000万人（2017年比52%減）で、イタリアが最大の海外市場だった。^{[ 57 ]}

日本は世界で最も古く、最も規模の大きい映画産業の一つであり、2010年時点では長編映画の製作本数で世界第4位だった。^{[ 58 ]}映画は、最初の外国人カメラマンが到着した1897年から日本で製作されている。

『Sight & Sound』誌が選ぶアジアで製作された最高の映画リストでは、上位12作品のうち8作品が日本の作品で、『東京物語』（1953年）が1位にランクインした。『東京物語』は、2012年の『Sight & Sound』誌の監督投票による「史上最高の映画トップ50」でも『市民ケーン』を抑えて1位を獲得した^{[ 59 ] [ 60 ]。}一方、黒澤明監督の『七人の侍』（1954年）は、2018年にBBCが43カ国の批評家209人を対象に行った投票で、史上最高の外国語映画に選ばれた^{[ 61 ]} 。日本はアカデミー外国語映画賞を4回受賞しており（『羅生門』、 『地獄門』、『宮本武蔵』、『おくりびと』）、これはアジアのどの国よりも多い。

イランの映画（ペルシア語: سینمای ایران ）またはペルシアの映画とは、イランの映画産業を指し、毎年さまざまな商業映画を製作している。イランのアート映画は国際的な名声を得ており、現在では世界的なファンを獲得している。^{[ 62 ]}

中国と並んで、イランは1990年代に最も優れた映画輸出国の一つとして称賛されてきた。^{[ 63 ]}現在、一部の批評家は、イランを芸術的に世界で最も重要な国民映画と位置づけており、その重要性はイタリアのネオリアリズムや過去数十年の同様の運動と比較されるに値する。^{[ 62 ]}ドイツの映画監督ヴェルナー・ヘルツォークは、イラン映画を世界で最も重要な芸術映画の一つとして称賛している。^{[ 64 ]}イランはアカデミー賞を 2回受賞し、3回ノミネートされており、世界映画ランキングでは11位、アジアでは日本に次いで2位、中東では1位となっていることは注目に値する。

トルコ映画市場は、国内映画が定期的に米国映画を上回る唯一の市場として、汎ヨーロッパの状況の中で際立っています。^{[ 65 ]} 2013年には、 入場者数は120万人で、87本の長編映画が公開されました。^{[ 66 ]} 2004年から2014年の間に、非国内のヨーロッパ市場で発生した推定1290 万人の入場者数は、ヨーロッパ（トルコを含む）におけるトルコ映画の総入場者数のわずか7%を占めるにすぎませんでした。これは、そのようなデータが入手可能な30のヨーロッパ市場の中で3番目に低い割合であり、トルコ映画が国内市場に強く依存していることを明確に示しており、これはポーランド映画やロシア映画にも共通する特徴です。^{[ 67 ]}

2014年、Kış Uykusu (冬の眠り) はカンヌ国際映画祭で最優秀作品賞を受賞しました。^{[ 68 ]} 2013年、トルコは興行収入でオランダに次ぐ2億ユーロ強で、ヨーロッパで8番目に大きな興行収入市場となり、スウェーデンとスイスを上回り、上位6市場とは明確な差がありました。上位6市場はすべて、5億400万ユーロ (スペイン) からフランス、イギリス、ドイツ、ロシア連邦 の10億ユーロを超える興行収入を記録しました。^{[ 69 ]}トルコでは映画鑑賞は比較的安価です。2013年、トルコの映画チケットの平均価格は4.0ユーロで、これはヨーロッパで最も低い平均チケット価格 (ユーロで測定) と推定され、クロアチア、ルーマニア、リトアニア、ブルガリアなどのいくつかの中央および東ヨーロッパの市場よりもわずかに安価でした (為替レートによります)。^{[ 70 ]} 

カリム・アブデル・アジズ

アフメド・エズ

モナ・ザキ

メンナ・シャラビ

1896年からエジプトで少数のサイレント映画が製作され、1927年の『ライラ』は初の長編映画として注目されました。カイロの映画産業は、トーキー映画の登場とともに地域的な勢力となりました。1930年から1936年の間に、さまざまな小規模スタジオが少なくとも44本の長編映画を製作しました。1936年、実業家タラート・ハルブの資金援助を受けたスタジオ・ミスルが、ハリウッドの大手スタジオに匹敵するエジプトの大手スタジオとして台頭し、同社は30年間その地位を維持しました。^{[ 71 ]} 1908年以降、 MENA地域で製作された4,000本以上の短編および長編映画のうち、4分の3以上がエジプト映画でした。エジプト映画は通常、エジプトアラビア語の方言で話されます。^{[ 72 ] [ 73 ]}

1976年以来、カイロでは毎年カイロ国際映画祭（CIFF）が開催されており、国際映画製作者連盟から認定を受けている。1996年には、カイロ南部の10月6日市にエジプト・メディア・プロダクション・シティ（EMPC）が開設されたが、2001年までに計画された29のスタジオのうち稼働していたのは1つだけだった。^{[ 74 ]かつて表現の自由の障害となっていた検閲は、2012年までに著しく減少しており、エジプト映画は性的な問題[ 75 ]から政府への厳しい批判[ 76 ]}まで、大胆に様々な問題に取り組み始めていた 。

1940年代、1950年代、1960年代は、一般的にエジプト映画の黄金時代と考えられています。西洋と同様に、映画は大衆の想像力に応え、ほとんどが予測可能なジャンル（ハッピーエンドが一般的）に分類され、多くの俳優が型にはまった役を演じることでキャリアを築きました。ある批評家は、「大衆向けのエジプト映画がこれらの前提条件のいずれかを欠いている場合、それは観客との暗黙の契約の裏切りであり、その結果は興行収入に現れる」と述べています。^{[ 77 ]} 1990年代以降、エジプト映画は異なる方向へと進んでいます。小規模なアート映画は国際的に注目を集めていますが、国内での観客動員数はまばらです。大衆映画、多くは『嘘つき！』のような大衆向けコメディや、コメディアンのモハメド・サードの非常に収益性の高い作品は、西洋映画に惹かれる観客、あるいはますます映画の不道徳さを警戒する観客を引き留めようと奮闘しています。^{[ 78 ]}

韓国映画（または朝鮮映画）という用語は、北朝鮮と韓国の映画産業を包括する。過去100年間の韓国のあらゆる側面と同様に、映画産業も朝鮮王朝末期から朝鮮戦争、そして国内の政府介入に至るまで、政治的な出来事に翻弄されてきた。現在、両国とも比較的堅調な映画産業を有しているが、国際的に広く評価されているのは韓国映画のみである。北朝鮮映画は、共産主義や革命をテーマにしたものが多い。

韓国映画は1950年代後半から1960年代にかけて「黄金時代」を迎えた。2005年までに、韓国は劇場で上映される外国映画の数に年間制限を設ける法律のおかげで、輸入映画よりも国内映画を多く観る数少ない国の1つとなった^{[ 79 ] 。 [ 80 ]}劇場では、2006年以降、韓国映画は年間73日間上映されなければならない。ケーブルテレビでは、韓国映画枠の25%が米韓自由貿易協定締結後に20%に削減される予定である^{[ 81 ]} 。韓国の映画館は 2015年に国内で8840億ウォンの興行収入を上げ、入場者数は1億1300万人で、入場者総数の52%を占めた。 

ポーランド映画の歴史は、映画撮影技術の歴史とほぼ同じくらい長く、世界的に認められた功績を数多く残している。しかしながら、ポーランド映画は他のヨーロッパ諸国の映画に比べて商業的に流通する機会が少ない傾向にある。

第二次世界大戦後、共産主義政権は作家主義に基づくポーランド映画を築き上げ、数百人の新人監督を育成し、彼らに映画製作の権限を与えた。ロマン・ポランスキー、クシシュトフ・キェシロフスキ、アグニエシュカ・ホランド、アンジェイ・ワイダ、アンジェイ・ズワフスキ、アンジェイ・ムンク、イェジー・スコリモフスキといった映画監督たちは、ポーランド映画の発展に大きな影響を与えた。近年では、映画製作はプロデューサー主導となり、資金が映画製作の鍵となっている。また、あらゆるジャンルの独立系映画製作者が多数存在するため、ポーランド映画はアメリカ映画からより大きな影響を受けている。

ポーランド映画学校はイタリアのネオリアリズムの影響を強く受けていた。1956年のポーランド十月革命後のポーランドにおける自由化の波に乗って、第二次世界大戦中とドイツ占領下のポーランド史の複雑さを描き出した。最も重要なテーマの中には、元国内軍兵士の世代と戦後ポーランドにおける彼らの役割、そしてドイツの強制収容所やワルシャワ蜂起といった国家的な悲劇が含まれていた。政治的な変化によって、このグループはポーランドの近現代史についてより率直に語ることができるようになった。しかし、1945年以降の歴史に関しては検閲が依然として厳しく、現代の出来事を扱った映画はごくわずかだった。これが、ポーランド映画学校のメンバーとイタリアのネオリアリズムの映画製作者たちとの大きな違いであった。

ポーランド映画学校は、ポーランド人の国民性を強調した最初の学校であり、中央ヨーロッパで社会主義リアリズムの公式指針に公然と反対した最初の芸術運動の一つでした。この運動のメンバーは、集団主義よりも個人の役割を強調する傾向がありました。運動内には2つの潮流がありました。アンジェイ・ワイダのような若い監督たちは概して英雄主義の概念を研究し、もう一方のグループ（最も有名なのはアンジェイ・ムンク）は、皮肉、ユーモア、そして国民的神話の解剖を通してポーランド人の国民性を分析しました。

東南アジア最大の映画スタジオが、2011年11月5日にインドネシアのバタム島ノンサにある10ヘクタールの土地でソフトオープンした。インフィニット・フレームワークス（IFW）はシンガポールに拠点を置く会社（バタム島に近い）で、コンソーシアムが所有しており、その90%はインドネシアの実業家で映画プロデューサーのマイク・ウィルアンが所有している。^{[ 82 ]} 2010年から2011年にかけて、外国映画に適用される付加価値税が大幅に増加したため、映画館はオスカー受賞作品を含む多くの外国映画を入手できなくなった。外国映画には、欧米の主要な興行収入作品や世界の他の主要な映画製作者が含まれる。これは国の経済に大きな波及効果をもたらした。これにより、無許可のDVDの購入が増加したと考えられている。しかし、著作権を侵害するDVDでさえ入手するのに時間がかかった。地元で上映されていない外国映画を見るための最低費用は100万ルピアだった。これはシンガポール行きの航空券が含まれているため、100米ドルに相当した。^{[ 83 ]}

パキスタンの映画、または単にパキスタン映画（ウルドゥー語: پاکستانی سنیما ）とは、パキスタンの映画産業を指します。パキスタンで撮影される長編映画のほとんどは国語であるウルドゥー語ですが、公用語である英語や、パンジャブ語、パシュトゥー語、バローチ語、シンド語などの地域言語で制作された映画も含まれます。ラホールはパキスタン映画の中心地とされており、ラホールとハリウッドを組み合わせた造語「ロリウッド」という言葉が生まれました。

バングラデシュ分離以前、パキスタンにはラホール、カラチ、ダッカの3つの主要な映画製作拠点があった。ムハンマド・ジアウル・ハク政権、VCR、映画の海賊版、娯楽税の導入、超保守的な法理に基づく厳格な法律が、業界の成長の障害となった。^{[ 84 ]}かつて繁栄していたパキスタンの映画は1980年代に突然崩壊し、2000年代には「かつて年間平均80本の映画を製作していた業界が、今では数本の映画を製作することさえ困難になっていた」。しかし、カラチのテレビ業界のブームにより、より大きな民間メディアハウスが生まれ、2010年代初頭にパキスタン映画産業が復活した。現在、パキスタン映画産業最大の製作拠点であるカラチでは、ウルドゥー語、英語、シンド語のパキスタン映画が製作されている。ラホールは現在、2番目に大きな映画製作地（主にパンジャブ語映画）であり、それに続くのがペシャワールで、主にパシュトー語映画が製作されています。イスラマバード（ウルドゥー語と英語の映画）とクエッタ（バローチ語の映画）でもごく小規模に映画が製作されています。パキスタン映画は、国内市場だけでなく、湾岸諸国、英国・ヨーロッパ、米国・北米、極東などの国際市場でも市場を獲得しています。多くのパキスタン映画がアカデミー賞外国語映画部門にノミネートされており、例えば『夜明け』（1959年）、『ベール（グーンガット）』（1963年）、『ジンダ・バーグ』 （2013年）、 『ドゥフタル』（2014年）、『ムーア』（2015年）、『マハ・エ・ミール』（2016年）、『サワン』（2017年）、『ケーキ』（2018年）、『ラル・カブータル』（2019年）などがあります。パキスタンのドキュメンタリー映画2本がアカデミー賞最優秀ドキュメンタリー映画賞を受賞しました。それらは『Saving Face』（2012年）と『A Girl in the River』（2016年）です。パキスタンの映画、特にウルドゥー語の映画は、家族ドラマ、ロマンス、ラブストーリー、コメディ、スリラー、社会問題、政治問題を中心に展開します。現代では、いくつかのパキスタン映画が国際的に高い評価を得ており、これには『Khuda Kay Liye（神の名において）』、『Bol』、『Verna』、『Zinda Bhaag』、『Load-Wedding』、『Wrong No.』、『Cake』、『Teefa in Trouble』、『Lal Kabootar』、『Mah-e-Meer』、『Moor』、『The Legend of Maula Jatt』などがあります。

パンジャブ映画は主に恋愛、家族ドラマ、アクションをテーマとしているのに対し、パシュトー映画はアクションと部族間の抗争を中心に展開する。

主な映画賞には、ラックス・スタイル・アワード、ARY映画賞、ニガール賞、国家映画賞などがあります。

フィリピンの映画は、1897年8月31日にマニラのサロン・デ・ペルティエラで国内初の動画が上映されたことから始まった。翌年、スペイン人のアントニオ・ラモスがリュミエール・シネマトグラフを使って初めて現地の風景をフィルムに収めた。^{[ 85 ]}国内の初期の映画製作者やプロデューサーのほとんどは裕福な外国人や駐在員だったが、1919年9月12日、人気ミュージカル劇を基にした映画『ダラガン・ブキッド（田舎の乙女） 』が、フィリピン人映画製作者ホセ・ネポムセノによって製作・上映された最初の映画となった。^{[ 86 ]}「フィリピン映画の父」と呼ばれる彼の作品は、フィリピンにおける映画が芸術形式として始まったことを示している。^{[ 87 ]}

イスラエルでは1948年の独立以前から映画が製作されてきた。^{[ 88 ]}映画産業は経済的には比較的小規模だが、イスラエル映画は中東のどの国よりも多くのアカデミー外国語映画賞にノミネートされている。政府は製作費への補助金を提供することで、外国企業をイスラエルでの映画製作に誘致しようとしている。^{[ 89 ]}

香港は中国語圏（世界各地のディアスポラを含む）および東アジア全体の映画製作の中心地である。数十年にわたり、世界第3位の映画産業（インドと米国に次ぐ）であり、映画輸出量では世界第2位を誇っていた。^{[ 90 ]} 1990年代半ばに始まった業界危機や、1997年7月の香港の中国への返還にもかかわらず、香港映画は独自のアイデンティティを多く維持し、世界の映画界で重要な役割を果たし続けている。多くの映画産業とは異なり、香港は補助金や輸入割当といった政府からの直接的な支援をほとんど、あるいは全く受けていない。香港映画は常に徹底的に商業主義的な映画であり、コメディやアクションといった大衆受けするジャンルに重点を置き、定型的な作品、続編、リメイクに大きく依存している。典型的な商業映画と同様に、香港映画の中核は高度に発達したスターシステムであり、この場合はポップミュージック業界との重複も大きい。

トリニダード・トバゴ映画会社は、映画産業の発展を促進するために2006年に設立された国の機関です。トリニダード・トバゴでは、さまざまな委員会や団体が主催する映画祭が数多く開催されています。その中には、トリニダード・トバゴ映画会社が主催する中等学校短編映画祭やスマートフォン映画祭などがあります。また、毎年9月後半の2週間にわたって開催されるトリニダード・トバゴ映画祭もあります。

トリニダード・トバゴの映画産業は1950年代後半から1960年代初頭にかけて台頭し始め、1970年代後半には長編映画とテレビ番組の両方で少数の地元作品が制作されるようになった。^{[ 91 ]}トリニダード・トバゴで制作された最初の長編映画は、インド人監督/脚本家/プロデューサーのハーバンス・クマールによる『 The Right and the Wrong 』（1970年）である。脚本はトリニダードの劇作家フレディ・キッスーンが執筆した。^{[ 92 ]} 20世紀の残りの期間には、同国でさらに数本の長編映画が制作され、ブルース・パディントンは『Bim』  （1974年）を「トリニダード・トバゴで制作された最も重要な映画の1つであり、カリブ映画の古典の1つ」と評した。 ^{[ 93 ]}これは、ほぼ完全にトリニダード出身のキャストとスタッフを起用した最初の映画の1つである。^{[ 94 ]} 2000年代にはトリニダード・トバゴの映画製作が増加した。『イヴァン雷帝』（2004年）、『シスタゴッド』（2006年）、『アイム・サンタナ：ザ・ムービー』（2012年）、『ゴッド・ラブズ・ザ・ファイター』（2013年）などの映画が国内外で公開された。『シスタゴッド』は2006年のトロント国際映画祭でワールドプレミア上映された。^{[ 95 ]}

ネパール映画の歴史はそれほど長くはないが、この産業は国の文化遺産の中で重要な位置を占めている。しばしば「ネパール映画」（英語では「Nepali films」と訳される）と呼ばれる。「Kathmandu」と「Hollywood」を組み合わせた造語として「Kollywood」や「Kallywood」という用語も使われるが、「Kollywood」はタミル映画を指す場合によく使われる。ネパール映画史上、興行収入が最も高かった映画は「Chhakka Panja」 、2番目に高かった映画は「Kohinoor」とされている。ネパール映画「The Black Hen」（2015年）と「Kagbeni」（2006年）は国際的に高い評価を受けた。ネパール映画「White Sun 」（Seto Surya）は、2016年の第27回シンガポール国際映画祭（SGIFF）で最優秀作品賞を受賞した。

スリランカの映画産業は比較的新しい産業で、1947年の映画『カダウヌ・ポロンドゥワ』から始まり、特に1971年の国営映画公社の設立以降、成長と発展を遂げてきた。

スリランカ映画は通常、 同国の主要言語であるシンハラ語 と タミル語で制作される。

スリランカ映画の「父」と称されることが多いレスター・ジェームズ・ペリエスは、 『レカヴァ』（1956年）や『ゴッド・キング』（1974年）といった影響力のある作品を監督した。

ヴィムクティ ジャヤスンダラ監督の『 スランガ エヌ ピニサ』は、2005 年のカンヌ国際映画祭 で最優秀処女作としてカメラ ドールを受賞しました 。

アソカ・ハンダガマ監督とプラサンナ・ヴィタナゲ監督は、国際的な賞を受賞しています。ハンダガマの映画『アサンディミッタ』と『アルボラーダ』、ヴィサナージの映画『ガーディ』と『パラダイス』は高く評価され、国際映画祭に選出されました。

近年、 シンハラ語の叙事詩的な歴史物語を題材にした『Aloko Udapadi』、  『Aba』  、  『Maharaja Gemunu 』といった高予算映画が大きな成功を収めている。さらに、現在進行中のCOVID-19パンデミック が映画業界に深刻な影響を与えているにもかかわらず 、  『Adaraneeya Prarthana』 は2022年の興行収入上位作品の一つとなり、『Gajaman』は2023年のスリランカ映画興行収入上位作品となった。

チャナカ・ペレラ監督の映画『ガジャマン』は、モーションキャプチャ技術を用いたスリランカ初の3次元（3D）アニメーション映画である。

スリランカのイランゴ・ラム監督の映画『テンティゴ』は、スペイン語、イタリア語、英語、ヒンディー語、テルグ語、マラヤーラム語など、他の言語でリメイクされる初のスリランカ映画であり、将来的には フランスとベルギーでもリメイクされる予定です。複数の映画祭で批評家から高い評価を得た後、本作は 2023年の タリン・ブラック・ナイツ映画祭で審査員特別賞を受賞し、2024年にはグラスゴー映画祭 とモストラ で上映されました。また、2025年の第2回エイコイギ・インパール国際映画祭 の国際コンペティション：フィクション部門に選出されました。

スリランカで撮影された国際映画：スリランカは、『戦場にかける橋』をはじめとする国際映画のロケ地として利用されてきました。

1900年、シャルル・パテはパテ・フレールというブランド名で映画製作を開始し、フェルディナン・ゼッカが映画製作のために雇われた。1905年までにパテは世界最大の映画会社となり、第一次世界大戦までその地位を維持した。レオン・ゴーモンは1896年にアリス・ギイの監督のもとで映画製作を開始した。^{[ 97 ]}

1904年から第一次世界大戦まで、パテグループは映画産業の世界的リーダーであり、アメリカの企業をはるかに凌駕していた。最盛期には、シャルル・パテの会社は、アメリカを含む世界の映画市場のほぼ50%を占めていた。^{[ 98 ] [ 99 ]}

アメリカン・ミュートスコープ以外にも、アメリカには数多くの小規模な映画製作会社があり、その中には21世紀に入ってからも長期にわたって事業を継続した会社もあった。こうした小規模製作会社の1つであるアメリカン・ヴィタグラフは、ブルックリンにスタジオを建設し、1905年に事業を拡大した。

映画のみを上映する最初の成功した常設映画館は、1905年にピッツバーグにオープンした「ニッケルオデオン」でした。^{[ 100 ]}当時、少なくとも30分間のプログラムを埋めるのに十分な数分間の映画が用意されており、地元の観客が飽きたら毎週変更することができました。米国の他の興行主もすぐにこれに倣い、2年以内に、米国全土で8,000ものニッケルオデオンが営業していました。このアメリカの経験は、1906年以降、世界的な映画の製作と上映のブームにつながりました。

映画館は、キャバレーや他の劇場と同様に、20世紀初頭に人気の娯楽施設および社交の中心地となった。^{[ 101 ]}

1907年までに、映画専用の映画館がアメリカ、イギリス、フランス各地にオープンし始めた。映画はピアニストによる伴奏付きで上映されることが多かったが、複数のミュージシャンが参加することもあった。また、大都市でも大型映画館はごく少数だった。当初、上映作品の大部分はパテ社の映画だったが、アメリカの映画会社が製作を本格化させると、状況はすぐに変化した。上映作品は数本で、上映時間は約30分だった。最大長さ1,000フィート（300メートル）のフィルムリール（通常は1本のフィルムを収録）が、この時期の映画製作と上映の標準単位となった。上映作品は週に2回以上変更されていたが、数年後には週に5回変更されるようになった。一般的に、映画館は都市の既存の娯楽地区に設置された。1907年、パテ社は映画を直接販売するのではなく、映画交換を通じて映画館に映画を貸し出すようになった。^{[ 102 ]} 

アメリカの主要映画製作会社間の特許をめぐる訴訟は続いており、1908年末、各社は特許を統合し、それらを利用してアメリカの映画ビジネスを支配する信託会社を設立することを決定した。関係企業は、パテ、エジソン、バイオグラフ、ヴィタグラフ、ルービン、セリグ、エッサネイ、カレム、そしてヨーロッパ映画の主要輸入業者であるクライン・オプティカル社であった。アメリカで唯一のフィルム原紙製造会社であるジョージ・イーストマン社も、モーション・ピクチャー・パテント・カンパニー（MPPC）と呼ばれるこの連合体の一員であり、イーストマン・コダック社は加盟企業にのみフィルム原紙を供給することに同意した。映画の配給と上映のライセンス料は、すべての配給会社と興行会社から徴収された。信託会社に加盟した製作会社には、ライセンスを受けた興行会社のプログラムを埋めるのに十分な量となるはずだった製作割当量（最大規模の会社は1週間に2巻、小規模な会社は1週間に1巻）が割り当てられた。しかし、市場はそれよりも大きく、6,000の興行主がMPPCと契約したものの、約2,000の興行主は契約しなかった。少数の興行主（つまり配給業者）はMPPCに加盟せず、1909年にはこれらの独立系興行主がすぐに新しい映画製作会社への資金提供を開始した。1911年までに、独立系興行主のすべての上映をプログラムするのに十分な独立系映画と外国映画が利用可能になり、1912年には独立系が市場のほぼ半分を占めるようになった。MPPCは米国市場全体を支配しようとする計画において事実上敗北し、MPPCに対して始まったばかりの政府の反トラスト法は、MPPCを倒すために必要ではなかった。^{[ 102 ]}

20世紀初頭、ハリウッド以前のアメリカの映画産業は、主にニューヨーク市からハドソン川を挟んだニュージャージー州フォートリーに拠点を置いていました。 ^{[ 103 ] [ 104 ] [ 105 ]}冬の拠点が必要だった映画製作者たちは、温暖な気候、エキゾチックなロケーション、優れた鉄道アクセス、そして安価な労働力に惹かれ、フロリダ州ジャクソンビルに集まり、同市は「世界の冬の映画首都」という称号を得ました。^{[ 106 ]}ニューヨークを拠点とするカレム・スタジオは、1908年にジャクソンビルに常設スタジオを開設した最初の会社でした。^{[ 107 ]}その後10年間で、メトロ・ピクチャーズ（後のMGM）、エジソン・スタジオ、マジェスティック・フィルムズ、キングビー・フィルム・カンパニー、ヴィム・コメディ・カンパニー、ノーマン・スタジオ、ゴーモン・スタジオ、ルービン・マニュファクチャリング・カンパニーなど、30以上のサイレント映画会社が同市にスタジオを設立しました。テクニカラーで製作された最初の映画であり、アメリカで製作された最初の長編カラー映画である『ザ・ガルフ・ビトウィーン』も、1917年にジャクソンビルでロケ撮影された。

ジャクソンビルは、アフリカ系アメリカ人の映画産業にとって特に重要な場所でした。この点で注目すべき人物の一人は、ヨーロッパ系アメリカ人のプロデューサー、リチャード・ノーマンです。彼は、オスカー・ミショーやリンカーン・モーション・ピクチャー・カンパニーの流れを汲む、黒人俳優を主演とする一連の映画を製作しました。^{[ 106 ]}『国民の創生』のような一部の白人映画で提供される屈辱的な役柄とは対照的に、ノーマンと彼の同時代人は、彼が「見事に異なる役割を担う」と表現した、アフリカ系アメリカ人をフィーチャーした肯定的な物語を作ろうとしました。^{[ 108 ] [ 109 ]}

しかし、ジャクソンビルの保守的な住民は、初期の映画産業の特徴である、路上でのカーチェイス、公共の場所での模擬銀行強盗や火災警報、さらには時折起こる暴動などに反対した。1917年、保守派民主党員のジョン・W・マーティンが、市の映画産業を規制するという公約を掲げて市長に選出された。^{[ 106 ]}その頃には、南カリフォルニアが主要な映画製作の中心地として台頭しており、その大きな要因は、ウィリアム・セリグやD・W・グリフィスといった映画のパイオニアたちがこの地域に移住してきたことにある。これらの要因により、ジャクソンビルは主要な映画製作地としての地位を急速に失った。

映画産業が西へ移転したもう一つの要因は、1913年まではアメリカの映画製作のほとんどがニューヨーク周辺で行われていたが、トーマス・A・エジソン社の映画特許の独占と、それを維持するための訴訟の試みにより、1909年のセリグを皮切りに多くの映画製作者が南カリフォルニアへ移ったことである。 ^{[ 110 ] [ 111 ]}日差しと風景は西部劇の製作にとって重要であり、西部劇は最初のカウボーイスターであるGMアンダーソン（「ブロンコ・ビリー」）とトム・ミックスによってアメリカの主要な映画ジャンルを形成するようになった。セリグは、動物に脅かされたり助けられたりする一連のエキゾチックな冒険のために動物園の（か​​なり）野生の動物を使用する先駆者となった。カレム社は、実際に起こったとされる場所で物語を撮影するために、アメリカや海外の各地に撮影クルーを派遣した。^{[ 112 ]}カレムは1912年から女性アクションヒロインの先駆けとなり、ルース・ローランドが西部劇で主役を演じた。^{[ 113 ]}

フランスでは、パテが支配的な地位を維持し、その後ゴーモンが続き、さらに映画ブームに対応するために現れた他の新しい会社が続いた。異なるアプローチをとった映画会社がフィルム・ダールであった。フィルム・ダールは、芸術性の高い映画を作るために1908年初頭に設立された。彼らの公言したプログラムは、最高の劇作家、芸術家、俳優のみを使用して映画を作ることであった。^{[ 114 ]}その最初の作品は、アンリ3世の宮廷を舞台にした歴史劇『ギーズ公の暗殺』であった。この映画にはコメディ・フランセーズの主役俳優が起用され、カミーユ・サン＝サーンスが特別に作曲した伴奏音楽が使用された。他のフランスの大手映画会社もこれに倣い、この波は、洗練された観客を対象とした芸術的な気取りのある映画を英語で「アート映画」と呼ぶようになった。 1910年までに、フランスの映画会社は2巻、あるいは3巻にも及ぶ長さの映画を作り始めていたが、ほとんどはまだ1巻の長さだった。この傾向はイタリア、デンマーク、スウェーデンでも見られた。^{[ 115 ]}

イギリスでは、1909年の映画法が映画産業を具体的に規制する最初の主要な法律でした。映画の上映はしばしば仮設の会場で行われ、可燃性の高い硝酸セルロースをフィルムに使用し、石灰光照明と組み合わせることで、重大な火災の危険性が生じました。この法律は、とりわけ映写機を耐火性の囲いの中に収めることを義務付ける厳格な建築基準を規定しました。^{[ 116 ]}

ドイツのベルリン近郊にあるバーベルスベルク・スタジオは、1912年に設立された世界初の大型映画スタジオであり、 20世紀初頭にハリウッドが数々の大型スタジオを設立する先駆けとなった。

ハリウッド地区で最初の映画スタジオであるネスター・スタジオは、1911年にアル・クリスティがデビッド・ホースリーのために設立した。東海岸の他のスタジオはすでにロサンゼルスに制作拠点を移していた。時が経つにつれ、ハリウッドは映画産業と非常に強く結びつくようになり、今では「ハリウッド」という言葉はアメリカ映画産業全体を指す口語表現として使われるようになった。

1913年、セシル・B・デミルはジェシー・ラスキーと共同で、ハリウッドにあるスタジオ設備を備えた納屋を借り上げ、そこで映画『スクォー・マン』（1914年）を製作した。現在はハリウッド・ヘリテージ・ミュージアムとなっている。

チャーリー・チャップリン・スタジオは1917年に建設されました。この場所は、テレビシリーズ「スーパーマン」の撮影にクリング・スタジオが使用したり、CBSのバラエティ番組でサウンドステージを使用したレッド・スケルトンや、テレビシリーズ「ペリー・メイスン」を撮影したCBSにも使用されていました。1967年から1999年までは、ハーブ・アルパートのA&Mレコードとティファナ・ブラス・エンタープライズの本拠地でした。1969年、ロサンゼルス文化遺産委員会はここを歴史的文化遺産に指定しました。2000年には、マペットの本拠地であるジム・ヘンソン・カンパニーの本拠地となりました。

有名なハリウッドサインは、元々は「Hollywoodland」と書かれていました。これは1923年に、ハリウッドを見下ろす丘陵地帯に開発された新しい住宅地を宣伝するために建てられました。1949年、ハリウッド商工会議所が介入し、最後の4文字を取り外し、残りの文字を修復しました。これは登録商標であり、ハリウッド商工会議所の許可なく使用することはできません。

第1回アカデミー賞授賞式は1929年5月16日に開催された。

1927年（サイレント映画時代の事実上の終焉）から1948年までの期間は、「ハリウッド・スタジオ・システム」の時代、あるいはハリウッドの黄金時代とみなされている。1948年の画期的な裁判判決で、最高裁判所は映画スタジオが映画館を所有し、自社のスタジオやスターの映画のみを上映することはできないと判決を下し、こうしてハリウッドの歴史における一つの時代が幕を閉じた。

ボリウッドは、インドのマハラシュトラ州ムンバイ（旧ボンベイ）を拠点とするヒンディー語映画産業です。この用語は、インド映画全体を指すものとして誤って使用されることがよくありますが、実際には、複数の言語で映画を制作する他の制作拠点を含むインド映画産業全体のほんの一部にすぎません。 ^{[ 117 ]}ボリウッドはインド最大の映画プロデューサーであり、世界最大の映画制作拠点の1つです。^{[ 118 ] [ 119 ] [ 120 ]}

ボリウッドは正式にはヒンディー語映画と呼ばれています。^{[ 121 ]}言語的には、ボリウッド映画はヒンディー語とウルドゥー語の両方を話すと自認する人々にとって相互に理解可能なヒンドゥスターニー語を使用する傾向がありますが、^{[ 122 ] [ 123 ] [ 124 ]}現代のボリウッド映画はヒングリッシュの要素もますます取り入れています。^{[ 122 ]}

ハリシュチャンドラ・サカラム・バタウデカール（HS バタウデカール）が監督・製作した『レスラー』（1899年）と『男と猿』（1899年）は、インド人映画製作者による最初の2本の短編映画である。彼はまた、インド人映画製作者として初めてドキュメンタリーおよびニュース映画『サー・M・M・バウヌグリーの上陸』を監督・製作した。

1930年代と1940年代は激動の時代だった。インドは世界恐慌、第二次世界大戦、インド独立運動、そして分割の暴力に翻弄された。ボリウッド映画のほとんどは露骨に現実逃避的なものだったが、一部の映画製作者は困難な社会問題に取り組んだり、インド独立闘争を物語の背景として利用したりした。^{[ 125 ]}

1937年、 『アラム・アラ』で有名なアルデシール・イラニは、ヒンディー語初のカラー映画『キサン・カンヤ』を製作した。翌年には、『マザー・インディア』のカラー版を製作した。

インド独立後、1940年代後半から1960年代初頭にかけての時期は、映画史家によってヒンディー語映画の「黄金時代」とみなされている。^{[ 126 ] [ 127 ] [ 128 ]}この時期を代表する主要人物には、ラージ・カプール、グル・ダット、^{[ 129 ]}メーブーブ・カーン、^{[ 130 ] [ 131 ] [ 132 ]}ディリップ・クマールなどがいる。^{[ 133 ] [ 134 ]}

1970年代は「ボリウッド」という名前が造語された時代であり、^{[ 135 ] [ 136 ]}商業ボリウッド映画の典型的な慣習が確立された時代でもある。^{[ 137 ]}この鍵となったのは、複数のジャンル（アクション、コメディ、ロマンス、ドラマ、メロドラマ、ミュージカル）の要素を組み合わせたマサラ映画ジャンルの出現である。マサラ映画は、1970年代初頭に映画監督のナシル・フセイン^{[ 138 ]}と脚本家コンビのサリム＝ジャベドによって開拓され、ボリウッドのブロックバスター形式の先駆けとなった。^{[ 137 ]}

トリウッドはインドのベンガル語映画産業です。1898年にヒララル・センがマティラル・セン、デボキ・ラル・セン、ボラナート・グプタと共にロイヤル・バイオスコープ・カンパニーで設立しました。俳優の生身の舞台パフォーマンスを組み合わせたベンガル映画産業は、西洋のサイレント映画とは全く異なる映画言語であるバイオスコープ形式で、ドラマの重要な部分として音声を使用していることで知られています。これに続いて、エルフィンストーン・バイオスコープ・カンパニーのジャムシェジ・フラムジ・マダンがマダン劇場会社も支配しました。JJマダンは1923年に父親が亡くなった後、マダン劇場のマネージングディレクターになり、マダン劇場は1920年代後半にピークを迎え、127の劇場を所有し、国内の興行収入の半分を支配しました。マダン劇場は1937年まで数々の人気作や画期的な映画を製作し、1918年にインド・ブリティッシュ・フィルム・カンパニー（ベンガル人所有初の製作会社）を設立したディレンドラ・ナート・ガングリーのような1920年代のベンガル人スターの作品と並行して製作した。1930年代から1940年代にかけて、多様な映画が製作され、映画産業は隆盛を極めた。多くのプリントが火災で焼失した。1937年から1947年までの映画のプリントや記録は大部分が焼失したが、この時期のベンガルはインド独立運動に極めて大きな影響を与えたインドの政治映画の時代となった。1947年以降、映画産業はアグラドゥートという名で映画を製作したクリエイティブなスタジオシステムの協力者たちの新たな時代を迎えた。これにより、ウッタム・クマールやスチトラ・センといったスターが、その魅力的な存在感と抑制の効いた演技で観客を魅了した商業映画やミュージカルが復活を遂げた。リトウィック・ガタク、サタジット・レイ、タパン・シンハ、ムリナル・セン、リトゥパルノ・ゴーシュといった著名な監督たちの作品は、比類のないほど世界映画に影響を与えた。この業界の名前は、ハリウッドへのちょっとしたオマージュでもあるトリーガンジという地名に由来している。

エジプトの映画とは、 MENA地域のハリウッドとして知られるカイロを拠点とする繁栄した映画産業を指します。 ^{[ 139 ]} 1896年にエジプトで 少数のサイレント映画が製作され始めました。1927年のライラは、最初の長編映画として注目されました。カイロの映画産業は、トーキーの登場とともに地域の勢力となりました。1930年から1936年の間に、さまざまな小規模スタジオが少なくとも44本の長編映画を製作しました。1936年、実業家タラート・ハルブが出資したスタジオ・ミスルが、ハリウッドの大手スタジオに匹敵するエジプトの大手スタジオとして台頭し、同社は30年間その地位を維持しました。^{[ 140 ]}

エジプトにおける映画の始まりについては、歴史家の間で意見が分かれている。エジプトで最初の映画が上映された1896年を始まりとする説もあれば、1907年6月20日にヘディーヴ・アッバース・ヒルミ2世がアレクサンドリアのムルシ・アブル・アッバース研究所を訪問した際の短編ドキュメンタリー映画を起源とする説もある。1917年、監督のモハメド・カリムはアレクサンドリアに制作会社を設立した。同社は『デッド・フラワーズ』と『ベドウィンの栄誉』の2本の映画を制作し、1918年初頭にアレクサンドリアで上映された。

1976年以来、首都カイロでは毎年カイロ国際映画祭が開催されており、国際映画製作者協会連盟から認定を受けている。^{[ 141 ]}また、他にも12の映画祭がある。1908年以降、 MENA地域で製作された4,000本以上の短編および長編映画のうち、4分の3以上がエジプト映画である。^{[ 72 ] [ 142 ] [ 143 ]}

エジプト映画は通常、エジプトアラビア語の方言で話されます。それ以来、エジプトでは4,000本以上の映画が製作され、これはアラブ全体の製作本数の4分の3を占めています。歴史家のサミール・カシールは（2004年） 、特にミスル・スタジオは「浮き沈みはあったものの、カイロをハリウッドとボンベイに次ぐ、イタリアのチネチッタを上回る世界第3の映画産業の中心地にした」と述べています。^{[ 144 ]}エジプトは中東で映画製作の分野で最も生産性の高い国であり、最も発達したメディアシステムを持つ国です。^{[ 145 ]}

ノリウッドは、もともとナイジェリアの映画産業を指す愛称です。^{[ 146 ]}この用語の起源は2000年代初頭に遡り、ニューヨーク・タイムズの記事に由来します。^{[ 147 ] [ 148 ]}意味や文脈が変化してきた歴史があるため、この用語には明確な合意された定義がなく、いくつかの論争の対象となっています。 「ノリウッド」という用語の起源は不明です。ジョナサン・ヘインズは、この言葉の最も初期の使用例を、2002年にニューヨーク・タイムズに掲載されたマット・スタイングラスの記事に遡り、そこでナイジェリア映画を説明するために使用されました。^{[ 147 ] [ 148 ]}チャールズ・イグウェは、 2002年9月にニューヨーク・タイムズに書いた大西憲光もこの名前を使用したと指摘しています。^{[ 149 ] [ 150 ]}この用語はメディアでナイジェリアの映画産業を指すために引き続き使用されており、その定義は後に「ナイジェリア」とアメリカの主要映画拠点である「ハリウッド」の合成語であると想定された。^{[ 151 ] [ 152 ] [ 153 ] [ 154 ]}

どの映画がノリウッドとみなされるかという定義は、常に議論の対象となってきた。アレックス・エエンゴは、ノリウッドを「英語、ヨルバ語、ハウサ語、イボ語、イツェキリ語、エド語、エフィク語、イジョ語、ウルホボ語、その他300を超えるナイジェリアの言語のいずれであっても、ナイジェリアの映画産業で行われている活動の総体」と定義した。さらに彼は、「ノリウッドの歴史的軌跡は、独立前と独立後のナイジェリアから始まり、チーフ・ヒューバート・オグンデ、チーフ・アマタ、ババ・サラ、アデ・ラブ、エディ・ウグボマなどの演劇（舞台）と映画（セルロイド）の努力から始まった」と述べた。[ 152 ]非公式^{にノリウッドと}呼ば れることが多いナイジェリアの映画産業の影響は、すべてのアフリカ諸国に影響を与えている。

2013年末までに、映画産業は1兆7200億ナイラ （41億米ドル ）という記録的な収益を達成したと報じられている。2014年時点で、同産業の価値は8539 億ナイラ（51億米ドル ）に達し、米国とインドに次いで世界で3番目に価値の高い映画産業となった。^{[ 155 ]}これはナイジェリアのGDPの約1.4%を占めており、これは質の高い映画製作数の増加とより正式な配給方法の導入によるものとされている。^{[ 156 ]}

以下は、長編映画の製作本数上位国の一覧です。

MPA（映画協会）のTHEMEレポート2022によると、以下の国々は興行収入総額で最大の興行市場である。 ^{[ 173 ]}

以下の国々は、2022年に販売されたチケット数で最大の興行収入市場です。^{[ 181 ] [ 182 ]}

平均チケット価格（ATP）とは、特定の年に映画館で映画チケットを購入する際の平均費用です。ユネスコ統計研究所によると、ATPは「チケット販売から得られた総収入を、基準年中に販売された長編映画のチケット数で割った値」として計算されます。^{[ 189 ]}

興行収入は、総収入または配給会社のレンタル料のいずれかの形で報告されますが、後者は特に古い映画に当てはまります。レンタル料は、ホームビデオの収益と混同されがちですが、映画の劇場興行収入、つまり興行収入から上映館の取り分を差し引いた金額に対する配給会社の取り分です。^{[ 252 ] [ 253 ]}歴史的に見ると、配給会社が映画館チェーンを所有していた時代には、レンタル料は平均30～40%で、総収入の3分の1強が配給会社に支払われていました。^{[ 254 ]} 1997年現在レンタル料は多くの要因によって大きく異なり、大手スタジオの映画では平均して総収入の43%だった。^{[ 252 ]}

経済的検閲とは、企業、業界、または国が収益性を確保するために、通常は経済的影響力を行使する集団を喜ばせるためにコンテンツを自主検閲する措置を講じる場合に発生する。その集団は、個人に対するボイコットや、政府による特定の製品の禁止または課税など、政治的なものである可能性がある。この手段は、純粋な政治的検閲よりも政府の国境を越えてより広範囲に及ぶ傾向がある。例としては、ハリウッドがドイツの観客へのアクセスを維持し、国内の反ユダヤ主義者を怒らせないようにするために、1930年代のほとんどの間、ナチスの否定的な描写を自主検閲したこと、または大手スタジオが中国の観客へのアクセスを維持するために、1997年以降、中国またはその支配政党の否定的な描写を自主検閲したことが挙げられる。^{[ 256 ]}

ネイティブ広告は、古典的なプロパガンダよりも巧妙な方法で説得することを目的とした情報です。米国でよく見られる現代の例としては、コパガンダがあります。これは、テレビ番組が法執行機関を非現実的に美化して描写するもので、その目的の一つは、機材を借りたり、ロケ撮影を容易にするために道路を封鎖するのを手伝ってもらうことです。^{[ 257 ]}エンターテインメント業界では、マフィアのゴッドファーザーのイメージを美化するなど、評判洗浄の疑惑が他にも提起されています。^{[ 258 ]}

タバコ業界がスクリーン上で喫煙を宣伝していることも批判の的となっている。[ ^{259 ]疾病}対策センターは、喫煙シーンのある映画に自動的に「R」指定が与えられれば、10代の喫煙者の51％が喫煙を始めず、100万人の命が救われると述べている。^{[ 260 ]}