インドの音楽

インドの広大さと多様性により、インド音楽は、クラシック音楽、フォーク、ロック、ポップなど、さまざまな種類と形式の多数のジャンルを網羅しています。数千年にわたる歴史があり、インド亜大陸にまたがるいくつかの地理的場所で発展してきました。インドの音楽は、社会宗教生活の不可欠な部分として始まりました。

マディヤ・プラデーシュ州のユネスコ世界遺産であるビンビトカ岩窟住居跡にある3万年前の旧石器時代および新石器時代の洞窟壁画には、ある種の舞踏が描かれている。^[3]ビンビトカの中石器時代および銅石器時代の洞窟壁画には、ゴング、弓奏竪琴、ダフなどの楽器が描かれている。^{[4] [5]}

インドで最古の楽器の一つである、銅石器時代（紀元前4000年以降）の細長い棒状の磨かれた石の楽器のようなケルト人が、オリッサ州アンガル地区のサンカルジャンで発掘されました。^[6]ブヴァネーシュワールのカンダギリとウダヤギリのラニグンパ洞窟には、楽器や乙女の歌や踊りの姿勢など、彫刻の形で歴史的証拠があります。

インダス文明（IVC）の遺跡からは、踊り子の彫刻（紀元前2500年）が発見された。 ^{[7] [8] [9] [10] IVC時代の陶器には、首から}ドルを下げた男性と左腕の下に太鼓を抱えた女性の絵が描かれている。^[11]

ヴェーダ（紀元前1500年頃～紀元前800年頃 ヴェーダ時代）^{[12] [13] [14] [15]}には、芸能や遊びによる儀式が記録されている。^{[16] [17]}例えば、シャタパタ・ブラフマナ（紀元前800年～700年頃）には、第13章2節に2人の俳優による演劇の形式で書かれた詩句がある。 ^[16] ターラまたはタールとは、サマヴェーダやヴェーダ賛歌の歌唱法など、ヒンドゥー教のヴェーダ時代のテキストに由来する古代の音楽概念である。 ^{[18] [19] [20]}スムリティ（紀元前500年から紀元前100年）のヴェーダ後ヒンドゥー教の文献^{[21] [22] [23]}には、ヴァールミーキのラーマーヤナ（紀元前500年から紀元前100年）があり、そこには舞踏と音楽（ウルヴァシ、ランバ、メナカ、ティロッタマ・パンチャプサラスなどのアプサラスや、ラーヴァナの妻たちがヌリティアーギータ（歌と踊り）とヌリタヴァディトラ（楽器の演奏）に秀でていた）、ガンダルヴァによる音楽と歌唱、いくつかの弦楽器（ヴィーナ、タントリ、ビーン、ヴィパンチ、ヴァラキなど、ヴィーナに似た楽器）、管楽器（シャンカ、ヴェヌ、ヴェヌガナ。おそらく複数のフルートを束ねて作った口琴）、ラーガ（カウシカ（ラーグ・カウシク・ドワニなど）、声域（7つのスヴァラ（スール）、アナ（エカシュルティ）ドラッグ・ノート、ムルチャナ（マトラにおける声の規則的な上昇と下降）、トリプラマナ（ドルット（速い）、マディヤ（中間）、ヴィラムビット（遅い）など3つの十代のタール・ラヤ）、バラ・カンダ語、およびルヴとクシャによるマルガ様式のウッタラ・カンダ語の詩の朗読。 [ ^24]

最古の著作 Tholkappiyam (紀元前 500 年) に始まる、サンガム以前およびサンガム以前の古代の文献には、音楽とパンに関する記述が複数あります。サンガム文献の中で、Mathuraikkanci は、出産時に神の慈悲を祈願するために女性がセヴァジ パンを歌うことについて述べています。 Tolkappiyamでは、サンガム文献の 5 つの風景にはそれぞれ関連するパンがあり、それぞれがその風景に関連する歌の雰囲気を表現しています。古代タミル文献に記載されている数多くのパンの中には、フルートで演奏するのに適したAmbal Pann、Yazh (リュート)で演奏するsevvazhi pann 、哀愁を表現するNottiramとSevvazhi、魅惑的なKurinji pann、爽快なMurudappannがあります。パン（タミル語：பண் ）は、古代からタミル人が音楽に使用してきた旋律モードです。古代のパンは何世紀にもわたって最初に5音階に進化し、後に7音のカルナータカサルガムに進化しました。しかし、最も古い時代から、タミル音楽は7音階であり、エジサイ（ஏழிசை）として知られています。^[25]

サンスクリットの聖詩人ジャヤデーヴァは、偉大な作曲家であり、古典音楽の著名な巨匠でもあり、オドラ・マガディ様式の音楽を形作り、オリッシー・サンギータに大きな影響を与えました。^{[26] [27]}

シャールガデーヴァは、インドで最も重要なサンスクリット音楽学テキストの一つであるサンギータ・ラトナカラを作曲しました。 ^{[28] [29]}これは、インド古典音楽のヒンドゥスターニー音楽とカルナータカ音楽の伝統の両方における決定的なテキストと見なされています。^{[30] [31]}

『サプタカンダ・ラーマーヤナ』の著者であるアッサムの詩人マダヴァ・カンダリは、彼のバージョンの『ラーマーヤナ』の中で、マルダラ、クムチ、ベマチ、ダガル、グラタル、ラムタル、タバル、ジャジャール、ジンジリ、ベリ・マハリ、トカリ、ドサリ、ケンダラなどのいくつかの楽器を挙げています。ドタラ、ヴィナ、ルドラ・ヴィパンチ、など（これらの楽器は14世紀以前の彼の時代から存在していたことを意味します）。^[32]インドの表記法はおそらく世界で最も古く、最も精巧なものです。^[33]

14世紀初頭、ハルジー朝の統治下では、ヒンドゥスターニー音楽家とカルナータカ音楽家の間でコンサートや競技会が開催されていた。^[34]

16世紀以降、音楽に関して書かれた論文にはサンギタマヴァ・チャンドリカ、ギータ・プラカシャ、サンギタ・カララタ、ナティア・マノラマなどがある^{[26] [27]}。

1960年代初頭、ジョン・コルトレーンやジョージ・ハリスンなどのジャズの先駆者たちはインドの楽器奏者とコラボレーションし、曲の中でシタールなどのインドの楽器を使い始めた。1970年代後半から1980年代前半にかけて、インド音楽とロックンロールの融合はヨーロッパや北米でよく知られるようになった。1980年代後半には、インド系イギリス人アーティストがインドと西洋の伝統を融合させてアジアン・アンダーグラウンドを作った。新世紀には、アメリカのヒップホップはインドの映画音楽やバングラを取り入れている。主流のヒップホップ・アーティストはボリウッド映画の曲をサンプリングしたり、ティンバランドの「インディアン・フルート」 のようにインドのアーティストとコラボレーションしたりしている。

2010年、ローラ・マーリングとマムフォード・アンド・サンズがダロハール・プロジェクトとコラボレーションした。^[35]

インド古典音楽の2つの主要な伝統は、半島（南部）地域で主に演奏されているカルナータカ音楽と、北部、東部、中央部で見られるヒンドゥスターニー音楽です。この音楽の基本的な概念には、シュルティ（微分音）、スワラ（音符）、アランカール（装飾音）、ラーガ（基本的な文法から即興で作られたメロディー）、ターラ（打楽器で使用されるリズムパターン）が含まれます。その調性システムは、オクターブをシュルティと呼ばれる22のセグメントに分割します。シュルティはすべて同じではありませんが、それぞれが西洋音楽の全音の4分の1にほぼ相当します。両方の古典音楽は、インド古典音楽の7つの音の基礎に基づいています。これらの7つの音は、サプタ・スヴァラまたはサプタ・スールとも呼ばれます。これらの7つのスヴァラは、それぞれサ、レー、ガ、マ、パ、ダー、ニです。これらのサプタスヴァラは、Sa、Re、Ga、Ma、Pa、Dha、Ni と綴られますが、これらはシャジャ (षड्ज)、リシャバ (ऋषभ)、ガンダーラ (गान्धार)、マディヤマ (मध्यम)、パンチャマの短縮形です。それぞれ (पंचम)、ダイヴァタ (धैवत)、ニシャダ (निषाद)。^[36]これらはド、レ、ミ、ファ、ソ、ラ、ティにも相当します。これら 7 つのスヴァラだけがヒンドゥスターニー古典音楽とカルナティック古典音楽を築き上げました。これら 7 つのスヴァラはラーガの基本です。変化のないこの 7 つのスヴァラは、シュッダ スヴァラと呼ばれます。これらのスヴァラのバリエーションにより、コーマル スヴァラやティヴラスヴァラになります。 Sadja(Sa) と Pancham (Pa) を除く他のスヴァラはすべてKomalまたはTivra svara にすることができますが、Sa と Pa は常にShuddhaスヴァラです。したがって、スヴァラ Sa と Pa は元の位置から動かないため、アチャル スヴァラと呼ばれます。一方、スヴァラ Ra、Ga、Ma、Dha、Niは、元の位置から動くため、 チャル スヴァラと呼ばれます。

    サ、レ、ガ、マ、パ、ダ、ニ -シュッダスヴァラス
   
    Re、Ga、Dha、Ni - コマル・スヴァラス 
  
    マ -ティヴラ・スヴァラス

サンギート・ナタック・アカデミーは、バラタナティヤム、カタック、クチプディ、オディッシー、カタカリ、サットリヤ、マニプリ、モヒニヤッタムの8つの古典舞踊と音楽の形式を認定しています。^[37]さらに、インド文化省もチャウを古典舞踊のリストに含めています。

カルナータカ音楽は、14～15世紀以降にまで遡ることができます。南インドのヴィジャヤナガル王国の統治時代に、プランダラ・ダサが作曲したキールタナを通じて生まれました。ヒンドゥスターニー音楽のように旋律的で即興的なバリエーションがありますが、より固定された構成になる傾向があります。それは、ラーガ・アーラパナ、カルパナスワラム、ネラヴァル、そしてより上級の生徒の場合はラーガム・タナム・パッラヴィの形式で、曲に即興の装飾が加えられた作品で構成されています。ほとんどの作品は歌うために書かれており、楽器で演奏する場合でも、歌唱スタイル（ガヤキとして知られる）で演奏されることを意図しているため、主な重点はボーカルにあります。今日では約300のラーガムが使用されています。アンナマーヤは、カルナータカ音楽の最初の作曲家として知られています。彼は、アーンドラ・パダ・カビタ・ピターマハ（テルグ語の作詞作曲のゴッドファーザー）として広く知られています。

プランダラ・ダサはカルナーティック音楽の父とみなされ、後代の音楽家ティヤーガラジャ、シャマ・シャストリ、ムトゥスワミ・ディクシタールはカルナーティック音楽の三位一体とみなされている。^[要出典]

カルナティック音楽の著名なアーティストには 、アリヤクディ ラマヌジャ アイアンガー(現在のコンサート形式の父)、パルガット マニ アイヤー、マドゥライ マニ アイヤー、セマングディ スリニヴァーサ アイヤー、ネドゥヌリ クリシュナムルシー アラサー ブラザーズ、MS スッブラクシュミ、ラルグディ ジャヤラマン、バラムラクリシュナ、TN セシャゴパラン、KJ イェスダス、N. ラマニ、ウマイヤルプラム K. シバラマン、サンジャイ スブラマニャン、TM クリシュナ、ボンベイ ジャヤシュリ、アルナ サイラム、マイソール マンジュナート、

インドのチェンナイ市では毎年12月に8週間にわたるミュージックシーズンが開催され、これは世界最大の文化イベントとなっている。^[38]

カルナータカ音楽は、民俗音楽や祭り音楽など南インドのほとんどの音楽の基礎となっており、過去100～150年ほどの間に映画音楽にもその影響を広げてきました。

ヒンドゥスターニー音楽の伝統は、古代の宗教文書であるサマ・ヴェーダの賛美歌がサマガナとして歌われ、詠唱されなかったヴェーダの時代にまで遡る。主にイスラムの影響により、13～14世紀頃にカルナータカ音楽から分岐した。^[要出典]数世紀にわたって強力で多様な伝統を発展させ、現代の伝統は主にインドで確立されているが、パキスタンやバングラデシュでも確立されている。南部に起源を持つもう1つの主要なインド古典音楽の伝統であるカルナータカ音楽とは対照的に、ヒンドゥスターニー音楽は、古代ヒンドゥー教の音楽の伝統、歴史的なヴェーダ哲学、インド固有の音の影響を受けただけでなく、ムガル帝国のペルシャの演奏慣習によっても豊かになっている。古典的なジャンルには、ドゥルパド、ダマール、キヤル、タラナ、サドラがあり、半古典的な形式もいくつかある。

C(K)arnatic music という名前の語源はサンスクリット語に由来しています。Karnam は耳を意味し、Atakam は甘いもの、長く残るものを意味します。

ライトクラシックまたはセミクラシックのカテゴリに分類される音楽には多くの種類があります。その形式には、トゥムリ、ダドラ、バジャン、ガザル、チャイティ、カジリ、タッパ、ナティヤサンギート、カッワーリなどがあります。これらの形式は、クラシック形式とは対照的に、聴衆から感情を明確に求めることに重点が置かれています。

これはタマン族の音楽ジャンルで、西ベンガル、シッキム、インド、そして世界中でネパール語を話すコミュニティで人気があります。タマン族の楽器であるマダル、ダンプ、トゥンナが伴奏として使われますが、最近ではミュージシャンは現代的な楽器も使っています。タマン・セロはキャッチーで活発なものからゆっくりとしたメロディアスなものまで様々で、悲しみ、愛、幸福、日常の出来事や民間伝承の物語を伝えるために歌われることが多いです。^[39]

ヒラ・デヴィ・ワイバは、ネパール民謡とタマン・セロの先駆者として称賛されています。彼女の曲「Chura ta Hoina Astura」（चुरा त होइन अस्तुरा）は、タマン・セロが初めて録音した曲と言われています。彼女は40年にわたる音楽キャリアを通じて300曲近くを歌ってきました。^{[40] [41]} 2011年にワイバが亡くなった後、彼女の息子サティア・アディティヤ・ワイバ（プロデューサー/マネージャー）とナヴニート・アディティヤ・ワイバ（歌手）が協力して彼女の最も象徴的な曲を再録音し、Ama Lai Shraddhanjali（आमालाई श्रद्धाञ्जली-）というタイトルのアルバムをリリースしました。このデュオは、ネパールの民謡界において^、偽りや現代化を一切行わずに伝統的なネパール民謡を制作している唯一のバンドである。^{[45] [ 46 ]}

バングラ（パンジャブ語：ਭੰਗੜਾ）は、パンジャブのダンス志向の民俗音楽の一種です。現在のミュージカル

このスタイルは、同じ名前で呼ばれるパンジャブのリフの非伝統的な音楽の伴奏から派生したものです。パンジャブ地方の女性のダンスは、ギッダ(パンジャブ語: ਗਿੱਧਾ) として知られています。

ビフ（アッサム語：বিহু ）は、4月中旬に行われるアッサムの新年の祭りである。これは自然と母なる大地の祭りであり、初日は牛と水牛のための祭りである。祭りの2日目は人間のための祭りである。伝統的な太鼓と管楽器の伴奏によるビフの踊りと歌は、この祭りに欠かせないものである。ビフの歌はエネルギッシュで、祭りの春を歓迎するビートがある。アッサムの太鼓（ドール）、ペパ（通常水牛の角で作られる）、ゴゴナが使用される主要な楽器である。^{[47] [48]}

ボルギート（アッサム語：বৰগীত ）は、特定のラーガ（必ずしもどのターラにも当てはまらない）に合わせて作られた叙情的な歌である。15世紀から16世紀にかけてシュリマンタ・サンカルデヴァとマダヴデーヴァによって作曲されたこれらの歌は、エカサラナ・ダルマに関連するサトラやナムガルなどの修道院での祈祷の開始に使用され、宗教的文脈以外ではアッサムの音楽のレパートリーにも属している。これらは、さまざまな状況に反応する詩人の宗教的感情を表現する叙情的な流れであり、エカサラナ・ダルマに関連する他の歌詞とは異なる。

ボルギートで使われる代表的な楽器としては、ネゲラ、タール、コールなどがある。 ^[49]

ダンディヤまたはラースは、棒を使って踊られるグジャラート文化舞踊の一種です。現在の音楽スタイルは、フォークダンスの伝統的な音楽伴奏から派生したものです。主にグジャラート州で行われています。ダンディヤ/ラースに関連する別の種類のダンスと音楽として、ガルバがあります。

ガアナは、ラップ風の「チェンナイのダリットに固有のリズム、ビート、感性の集合体」である。^{[50] [51]}過去2世紀にわたって進化し、古代タミルカムのシッダール（タントラの達人）、タミル・スーフィーの聖人などの影響が組み合わさった。^[50]ガアナの歌は、結婚式、舞台ショー、政治集会、葬儀で演奏される。パフォーマーは幅広いトピックについて歌うが、ガアナの本質は人生の苦悩に基づく「不安と憂鬱」であると言われている。^[50]過去数十年で、このジャンルは主流のタミル映画産業の音楽に入り込み、人気を博した。^{[50] [52]}現代のガアナバンド、ザ・キャステレス・コレクティブは、このジャンルを新しい聴衆に届けるとともに、特にカースト差別に反対する社会運動に使用している。^[50]

ハリヤナ州の民俗音楽には、ハリヤナ州の古典民俗音楽とハリヤナ州のデシ民俗音楽（ハリヤナ州のカントリーミュージック）の2つの主要な形式があります。^[53]これらは、バラードや恋人の別れの苦しみ、勇気と勇敢さ、収穫と幸福の形をとります。^{[54]ハリヤナ州は音楽の伝統が豊かで、場所さえ}ラガにちなんで名付けられています。たとえば、チャルキ・ダドリ県には、ナンディヤム、サランプール、ビラワラ、ブリンダバナ、トーディ、アサヴェリ、ジャイスリ、マラコシュナ、ヒンドラ、バイルヴィ、ゴピ・カリャナという名前の村がたくさんあります。^{[53] [55]}

ヒマーチャルの民族音楽は、イベントや祭りによって異なります。最も人気のある音楽のスタイルの一つはナティ音楽です。ナティとは、曲に合わせて踊られる伝統的なダンスのことです。ナティ音楽は通常、お祝い事で演奏され、フェアや結婚式などの行事で演奏されます。

ジュメールとドムカッハはナグプリの民俗音楽です。民族音楽や民族舞踊で使用される楽器は、ドール、マンダール、バンシ、ナガラ、ダク、シェナイ、ハルタル、ナルシンガなどである^{[56] [57]}

ラヴァニは「美」を意味するラヴァニヤという言葉に由来しています。これはマハラシュトラ州全域で行われている、最も人気のあるダンスと音楽の形態の 1 つです。実際、マハラシュトラ州の民族舞踊公演には欠かせないものとなっています。伝統的に、歌は女性アーティストによって歌われますが、男性アーティストがラヴァニを歌うこともあります。ラヴァニに関連するダンス形式はタマシャとして知られています。ラヴァニは伝統的な歌とダンスを組み合わせたもので、特に「ドーラキ」と呼ばれる太鼓のような楽器の魅惑的なビートに合わせて演奏されます。ダンスは 9 ヤードのサリーを着た魅力的な女性によって演じられます。彼女たちは速いテンポで歌われます。ラヴァニはマハラシュトラ州とマディヤ プラデーシュ州の乾燥地帯で生まれました。

マニプールの音楽とマニプール舞踊はマニプール人の遺産である。インドとビルマを結ぶヒマラヤの麓と谷に住むマニプール人の伝統によれば、彼らはヴェーダの文献の中でガンダルヴァ（天上の音楽家と踊り手）とされており、^[58]マニプール人の歴史的文献ではこの地域をガンダルヴァ・デサと呼んでいる。^[59]ヴェーダの暁の女神ウシャはマニプール女性の文化的モチーフであり、インドの伝統では、ウシャが女性的な舞踊の芸術を創り出し、少女たちに教えたとされている。^[59]この女性の舞踊の口承は、マニプールの伝統ではチンケイロールとして祝われている。 ^[59]

マハーバーラタ叙事詩などの古代サンスクリット文献にはマニプルについて触れられており、そこでアルジュナはチトラガダと出会い恋に落ちる。^{[58]この舞踊は、この地域の主要なメイテイ語で}ジャゴイと呼ばれ、マニプルで長い伝統を辿る。ライ・ハラオバ舞踊はおそらく古代のルーツを持ち、ナタラージャと伝説の弟子タンドゥ（現地ではタンクーと呼ばれる）の舞踊姿勢と多くの類似点がある。^{[59] [58]同様に、平民}カンバと王女トイビに関連した舞踊も、インド全土のシヴァとパールヴァテ​​ィーの役を演じており、マニプルの叙事詩モイラン・パルバに出てくるカンバとトイビの伝説的な悲恋物語に登場する。^{[58] [59] [60]}

ハドラニ・マルファ、または単にマルファ音楽は、18世紀に東アフリカのシッディ族コミュニティによってイエメンのハドラマウトのアフロ・アラブ音楽からハイデラバード州に導入されたもので、ハイデラバードのイスラム教徒の間で祝祭用のリズミカルな音楽とダンスの一種であり、マルファ楽器、ダフ、ドール、棒、^{[61] [62]}鉄鍋、タピと呼ばれる木の板を使って速いテンポで演奏されます。^[63]

ミゾ音楽は、 1300年から1400年の間にビルマのタントランに定住した際に連句が発達したことに端を発し、この時期に発達した民謡には、ダル・フラ（銅鑼の歌）、バウ・フラ（戦争の歌）、フラド（狩猟の歌）、ナウアウィー・フラ（ゆりかごの歌）がある。歌のさらなる発達は、15世紀後半から17世紀と推定されるビルマのレントランの定住から見ることができる。^[64]ミゾ族は17世紀後半から現在のミゾラム州を占領した。植民地化以前の18世紀から19世紀は、ミゾ族の民俗文学の歴史においてもう一つの重要な時代であった。英国政府による併合の前に、ミゾ族は現在のミゾラム州を2世紀にわたって占領した。タントランとレントラン定住地の民謡と比較すると、この時期の歌は数、形式、内容においてより発達している。言語はより洗練され、流れも良くなりました。この時代の作品のほとんどは作曲家にちなんで名付けられています。

12世紀のサンスクリットの聖詩人であり、偉大な作曲家、そして古典音楽の著名な巨匠であるジャヤデーヴァは、オリッシー音楽に多大な貢献をしました。彼の時代に、オドラ・マガディ様式の音楽が形成され、古典音楽としての地位を獲得しました。彼は、当時流行していた古典的なラーガを示し、その中でこれらが歌われるべきであるとしました。それ以前には、音楽の概要が単純なチャンダの伝統がありました。16世紀以降、音楽に関する論文^{[26] [27]には、}サンギタマヴァ・チャンドリカ、ギータ・プラカーシャ、サンギータ・カララタ、ナティヤ・マノラマがありました。19世紀初頭には 、サンギータ・サーラニとサンギ・ナラヤナという論文も書かれました。

オディッシー サンギータは、古代オリヤー音楽のテキストに記載されている、ドゥルヴァパダ、チトラパダ、チトラカラ、パンチャルの 4つの音楽クラスで構成されています。主なオディッシーはショカバラディです。オディッシーサンギータ(音楽) は、上記のテキストに記載されている、ドゥルヴァパダ、チトラパダ、チトラカラ、パンチャルの 4 つの音楽クラスの統合です。

現代におけるオディッシー音楽の偉大な推進者^{[26] [27]は、後期シンハリ・シャマスンダラ・カール、マルカンデーヤ・マハパトラ、カシナート・プジャパンダ、}バラクルシュナ・ダス、ゴパール・チャンドラ・パンダ、ラムハリ・ダス、ブバネーシュワリ・ミスラ、シママニ・デヴィ、スナンダ・パトナイクであり、クラシック音楽の著名人。

ラビンドラ・サンギート（ベンガル語：রবীন্দ্রসঙ্গীত Robindro Shonggit、ベンガル語発音： [ɾobindɾo ʃoŋɡit] ）は、タゴール・ソングとしても知られ、ラビンドラナート・タゴールによって作詞作曲された歌である。ベンガルの音楽の特徴を持ち、インドとバングラデシュで人気がある。^[65]「サンギート」は音楽を意味し、「ラビンドラ・サンギート」はラビンドラの音楽（またはより適切には歌）を意味する。

タゴールは、古典音楽や伝統的な民俗音楽を素材として、現在ラビンドラ・サンギートとして知られるベンガル語の歌を約2,230曲書いた。^{[66] [67]}

タゴールはインドとバングラデシュの国歌を作曲し、スリランカの国歌にも影響を与えた。さらに、ラビンドラ・サンギートのデジタル化はサレガマによって行われ、デジタルアーカイブが作成され、ストリーミングプラットフォームで音楽が利用できるようになっている。さらに、ブレインウェア大学の「タゴールを祝う」イニシアチブには、タゴールの作品を宣伝するためのオンラインアーカイブ、教育リソース、デジタルパフォーマンスなどが含まれている。

ラジャスタン州には、ランガス、サペラ、ボパ、ジョギ、マンガニヤール（文字通り「求める者/懇願する者」）など、非常に多様な音楽カーストの文化的集合体があります。ラージャスターン・ダイアリーは、このカーストを、調和のとれた多様性のある、魂のこもった、力強い音楽だと評しています。ラジャスタンのメロディーは、さまざまな楽器から生まれます。弦楽器には、サランギー、ラヴァナハタ、カマヤチャ、モルシング、エクタラがあります。打楽器には、巨大なナガラやドールから小さなダムルスまで、あらゆる形や大きさのものがあります。ダフとチャンは、ホーリー（色の祭り）のお祭り参加者のお気に入りです。フルートとバグパイプには、シェーナイ、プーンギ、アルゴザ、タルピ、ビーン、バンキアなど、地元の特色があります。

ラージャスターン音楽は、弦楽器、打楽器、管楽器の組み合わせと、フォークシンガーの演奏を組み合わせたもので、ボリウッド音楽でも高い存在感を誇っています。

スーフィー フォーク ロックには、現代のハード ロックとスーフィーの詩を盛り込んだ伝統的なフォーク ミュージックの要素が含まれています。パキスタンのジュヌーンなどのバンドによって開拓され、特に北インドで非常に人気を博しました。

ウッタラーカンド州の民俗音楽は、その地域の自然と丘陵地帯に根ざしています。ウッタラーカンド州の民俗音楽に共通するテーマは、自然の美しさ、さまざまな季節、祭り、宗教的伝統、文化的慣習、民話、歴史上の人物、そして祖先の勇敢さです。ウッタラーカンド州の民謡は、ヒマラヤの文化遺産と人々の暮らしを反映しています。ウッタラーカンド州の音楽で使用される楽器には、ドール、ダモウン、フドカ、トゥリ、ランシンガ、ドールキ、ダウル、タリー、バンコラ、マサクバジャなどがあります。タブラやハルモニウムも、特に 1960 年代以降の録音された民俗音楽で使用されることがあります。モハン・ウプレティ、ナレンドラ・シン・ネギ、ゴパル・バブ・ゴスワミ、チャンドラ・シン・ラヒなどの歌手によって、インドや世界の一般的な楽器が現代のポピュラー民謡に取り入れられています。^{[出典が必要]}

ダンス ミュージックは、一般的に「DJミュージック」と呼ばれ、ナイトクラブ、パーティー、結婚式、その他のお祝い事でよく演奏されます。若者の間で人気があります。ダンス ミュージックは主にインドの映画音楽やインドのポップ ミュージックに基づいており、どちらもクラシックやフォーク ダンスの曲を借用し、現代の楽器やその他の革新的技術で現代風にアレンジする傾向があります。

インドのポピュラー音楽の最大の形態はフィルミ、つまりインド映画の歌であり、インドでの音楽売上の72％を占めています。^[68]インドの映画産業は、西洋のオーケストラを活用してインドのメロディーをサポートしながら、古典音楽に敬意を払うことで音楽を支えてきました。音楽作曲家、RD Burman、Shankar Jaikishan、SD Burman、Laxmikant–Pyarelal、Madan Mohan、Bhupen Hazarika、Naushad Ali、OP Nayyar、Hemant Kumar、C. Ramchandra、Salil Chowdhury、Kalyanji Anandji、Ilaiyaraaja、AR RahmanなどJatin–Lalit、Anu Malik、Nadeem-Shravan、Harris Jayaraj、himesh Reshammiya、Vidyasagar、Shankar–Ehsaan–Loy、Salim–Sulaiman、Pritam、MS Viswanathan、KV Mahadevan、Ghantasala、SD Batish は、古典的で民俗的な風味を保ちながら調和の原則を採用しました。ラヴィ・シャンカール、ヴィラヤット・カーン、アリー・アクバル・カーン、ラム・ナラヤンといったインド古典音楽の著名な人々も映画音楽を作曲しています。インド映画では伝統的に、俳優が歌声を担当することはなく、俳優が画面上で口パクする中、プロのプレイバック・シンガーが歌声を担当し、より発達した、メロディアスでソウルフルなサウンドを実現します。過去には、ほんの一握りの歌手だけが映画で声を担当していました。これらには、キショア・クマール、KJ・イェシュダース、モハメッド・ラフィ、ムケシュ、S・P・バラスブラマニヤム、TM・サウンダラジャン、ヘマント・クマール、マンナ・デイ、P・スシェーラ、ラタ・マンゲシュカル、アーシャ・ボンスル、KS・チトラ、ギータ・ダット、 S・ジャナキ、シャムシャド・ベグム、スライヤ、ヌールジャハーン、スマン・カリヤンプールが含まれます。最近のプレイバックシンガーにはウディット・ナラヤン、クマール・サヌ、カイラス・カー、アリーシャ・チナイ、KK、シャーン、SP チャラン、マドゥシュリー、シュレーヤ・ゴーシャル、ニヒラ・ジョシ、カビタ・クリシュナムルシー、ハリハラン (歌手)、イライヤラージャ、AR ラーマン、ソヌ・ニガム、スクウィンダー・シン、クナル・ガンジャワラ、アヌマリク、スニディ・チョーハン、アヌシュカ・マンチャンダ、ラジャ・ハサン、アリジット・シン、アルカ・ヤグニク。インダス クリード、インディアン オーシャン、シルク ルート、ユーフォリアなどのロック バンドは、ケーブル ミュージック テレビの出現により大衆の魅力を獲得しました。

インドのポップミュージックは、インドの民俗音楽と古典音楽、そして世界各地の現代的なビートが融合したものに基づいている。ポップミュージックは、 1966年にプレイバックシンガーのアハメド・ラシュディの曲「ココ・コリナ」で南アジア地域で始まり、その後1970年代初頭にキショア・クマールによって始まった。 ^[69]

その後、インドのポップミュージックの多くはインド映画産業から生まれ、1990年代までは、映画産業以外ではウシャ・ウトゥップ、シャロン・プラバカール、ピーナズ・マサニなど少数の歌手が人気を博した。それ以降、後者のグループのポップ歌手には、ダレル・メヘンディ、ババ・セーガル、アリーシャ・チナイ、KK、シャーンことシャンタヌ・ムケルジー、サガリカ、コロニアル・カズンズ（ハリハラン、レスル・ルイス）、ラッキー・アリ、ソヌ・ニガム、そしてダレル・メヘンディ、シュバ・ムドガル、ババ・セーガル、シュエタ・シェッティ、ハンス・ラージ・ハンスらとベストセラーアルバムを制作したジラ・カーンやジャワハル・ワッタルなどの作曲家がいた。^[70]

上記に挙げたものに加えて、人気のインディポップ歌手には、サナム^[71] (バンド)、グルダス・マーン、スクウィンダー・シン、パポン、ズビーン・ガーグ、ラーガブ・サチャール・ ラーゲシュワリ、ヴァンダナ・ヴィシュワス、デヴィカ・チャウラ、ボンベイ・バイキングス、アシャ・ボスル、スニディ・チャウハン、アヌシュカが含まれる。マンチャンダ,ボンベイ ロッカーズ,アヌ・マリク、ジャジー・B、マルキット・シン、ラグハブ、ジェイ・ショーン、ジャギー・D、リシ・リッチ、ウディット・スワラジ、シーラ・チャンドラ、バリー・サグー、パンジャブMC、ベノ、バングラ・ナイツ、メナズ、サノバー、ヴァイシャリ・サマント。^[要出典]

最近、インドのポップスは、過去のインド映画の曲を 「リミックス」し、新しいビートを加えるという興味深い展開を見せています。

愛国心は独立運動の時代から音楽を通じてインド人の中に煽られてきた。ラビンドラナート・タゴール作のインド国歌「ジャナ・ガナ・マナ」は音楽を通じてインドを統一した功績が広く認められており^{[72] [73] 、}バンキム・チャンドラ・チャトパディアイ作の「ヴァンデ・マタラム」はインドの国歌となっている。愛国歌はアッサム語の「ビスウォ・ビゾイ・ノ・ズワン」など多くの地方言語でも書かれている。AR・ラーマン作の「アイ・メール・ワタン・ケ・ロゴ」、「マイル・スール・メラ・トゥムハラ」、「アブ・トゥムハレ・ハワレ・ワタン・サーティヨ」、 「マー・トゥジェ・サラーム」などの独立後の歌は、多様性の中での国民の統合と団結の感情を強める役割を果たしてきた。

インドでは西洋音楽が取り入れられ、インドでフュージョン音楽が生まれ、それが西洋音楽の世界的なジャンルを豊かにし、創造してきました。

ゴアトランスは、1980年代後半にインドのゴアで生まれた電子音楽のスタイルで、^[74]ファンキーでドローンのようなベースラインを持ち、21世紀のサイケトランスのテクノミニマリズムに似ています。サイケデリックトランスはゴアトランスから発展しました。^[75] 1960年代後半から1970年代初頭にかけて、ゴアはヒッピーの首都として人気を博し、その結果、1980年代を通じてインドの精神文化とインダストリアルミュージック、ニュービート、エレクトロニックボディミュージック（ EBM）などの西洋の音楽要素が混ざり合ってゴアトランスが進化し、実際のゴアトランスのスタイルは1990年代初頭までに確立されました。^{[74] [76]}

インドのジャズは、 1920年代前半から中頃に、大都市カルカッタとボンベイで初めて定期的に演奏された。 ^{[77] [78]} 1930年代から1950年代はインドのジャズの黄金時代と呼ばれ、レオン・アビー、クリケット・スミス、クレイトン・トンプソン、ケン・マック、ロイ・バトラー、テディ・ウェザーフォード（ルイ・アームストロングとレコーディングした）、ルディ・ジャクソンなどのジャズミュージシャンが、米国で直面した人種差別を避けるためにインドをツアーした。^{[79] [80]} 1930年代、ジャズミュージシャンはタージマハルホテルのボールルームなど、ボンベイのナイトクラブで演奏した。これらのミュージシャンの多くはゴア人で、そのほとんどはボリウッドの映画産業でも働いており、ジャズやスウィングなどのジャンルをヒンディー語の映画音楽に導入した。^[81]

インドでは、ブルースはジャズほど普及していません。インドにおけるブルースへの関心は、ジャズと共通の起源があるため、偶然の産物にすぎません。

インドのロック音楽シーンは、映画音楽やフュージョン音楽シーンに比べると小規模です。インドのロック音楽は、ビートルズなどの国際的スターがインドを訪れ、自分たちの音楽を持ち込んだ1960年代に始まりました。これらのアーティストとラヴィ・シャンカールやザキール・フセインなどのインド人ミュージシャンとのコラボレーションが、ラガロックの発展につながりました。ボイス・オブ・アメリカ、BBC、ラジオ・セイロンなどの国際短波ラジオ局は、西洋のポップ、フォーク、ロック音楽を大衆に届ける上で大きな役割を果たしました。インドのロックバンドが注目を集め始めたのは、ずっと後の1980年代後半になってからでした。

ロックバンドのインダス・クリード（旧名ザ・ロック・マシーン）がRock N Roll Renegadeなどのヒット曲で国際舞台で注目されるようになったのもこの頃で、他のバンドもすぐに後に続いた。1990年代初頭にMTVが導入されると、インド人はグランジやスピードメタルなど様々な形態のロックに触れるようになり、国内のシーンに影響を与えた。北東部地域の都市、主にグワハティとシロン、コルカタ、デリー、ムンバイ、バンガロールは、ロックとメタル愛好家の主なるつぼとして浮上した。バンガロールはインドのロックとメタル運動の中心地となっている。著名なバンドには、 Nicotine、Voodoo Child、Indian Ocean、Kryptos、Thermal and a Quarter、Demonic Resurrection、Motherjane、Avial、Bloodywood、Parikramaなどがある。DogmaTone Records やEastern Fare Music Foundationなどのロック専門レーベルがそれ以来登場し、インドのロックバンドをサポートしている。

インド中部では、インドールを拠点とするメタルバンド「ニコチン」が、この地域における メタル音楽の先駆者として評価されている。

ラガ・ロックは、その構成、音色、シタールやタブラなどの楽器の使用のいずれかにおいて、インドの影響を強く受けたロックまたはポップミュージックである。ラガやその他のインドの古典音楽は、1960年代に多くのロックグループに影響を与え始めたが、最も有名なのはビートルズである。「ラガ・ロック」の最初の痕跡は、キンクスの「 See My Friends」や、その前月にリリースされたヤードバーズの「Heart Full of Soul 」などの曲で聞くことができ、ギタリストのジェフ・ベックによるシタールのようなリフが特徴的であった。^{[82] [83]}ビートルズの曲「Norwegian Wood (This Bird Has Flown)」は、バンドの1965年のアルバムRubber Soulに初めて収録され、実際にシタール（リードギタリストのジョージ・ハリスンが演奏）を取り入れた最初の西洋のポップソングであった。^{[83] [84]}バーズの1966年3月のシングル「エイト・マイルズ・ハイ」とそのB面「ホワイ」も、この音楽のサブジャンルの誕生に影響を与えた。実際、「ラガ・ロック」という用語は、バーズの広報担当者がこのシングルのプレスリリースで作った造語であり、ジャーナリストのサリー・ケンプトンがヴィレッジ・ヴォイス紙の「エイト・マイルズ・ハイ」のレビューで初めて印刷物で使用した。^{[85] [86]}ジョージ・ハリスンのインド音楽への関心により、1960年代半ばには「ラヴ・ユー・トゥモロー・ネバー・ノウズ」 （レノン＝マッカートニー名義）、「ウィズイン・ユー・ウィズアウト・ユー」、「インナー・ライト」などの曲でこのジャンルが普及した。^{[87] [88] [89] 60年代のロックバンドは、イギリスやアメリカのグループやインドのバンドに影響を与え、後の}インドのロックの形態を発展させた。

1世紀以上にわたる西洋のクラシック音楽との関わりと2世紀にわたるイギリスの植民地主義にもかかわらず、インドではクラシック音楽が大きな人気を得ることはなかった。^[要出典]。

しかし、西洋のクラシック音楽教育は、KM音楽院（アカデミー賞受賞作曲家ARラフマーンが設立）、カルカッタ音楽学校、イースタン・フェア音楽財団など、インドの特定の機関の支援により向上してきました。 ^[90] 1930年、メーリ・メータはボンベイ交響楽団を設立しました。^[91]彼の息子ズービン・メータは、長年国際的な指揮者としてのキャリアを楽しんでいます。ボンベイ室内管弦楽団^[92]（BCO）は1962年に設立されました。デリー音楽学校、デリー音楽アカデミー、ギターモンクなど、西洋のクラシック音楽を支援する団体があります。^[要出典]。2006年、ムンバイのNCPAに拠点を置くインド交響楽団が設立されました。今日ではインドで唯一のプロの交響楽団であり、世界的に有名な指揮者とソリストによる年間2回のコンサートシーズンを開催しています。

国連によれば、インド人ディアスポラは世界最大の海外ディアスポラであり、世界中に1,750万人のインド系国際移民がおり、^[93]インドの世界的なソフトパワーの普及に貢献している。^[94]

インド圏の拡大に伴い、大インド圏の文化的影響^[96]、東南アジアへのヒンズー教の伝播^{[97] [98] [99]}とシルクロードを通じた仏教の伝播^{[100] [101]を通じて}、東南アジアのインド化が進み、非インド系の東南アジア土着のインド化王国^[102]が形成され、サンスクリット語^[103]やその他のインドの要素^[104]、例えば敬称、人名、地名、組織や教育機関のモットー、インドの建築、武術、インドの音楽と舞踊、伝統的なインドの衣服、インド料理などが採用された。このプロセスは、現在も続くインド人ディアスポラの歴史的拡大によっても促進されてきた。^[94]

インドネシアとマレーシアの音楽では、ダンドゥットというジャンルの民俗音楽は、ヒンドゥスターニー音楽から派生し、融合したものである。美しい楽器とボーカルで非常に人気がある。ダンドゥットはタブラとゲンダンのビートを特徴とする。^{[105] [106]インドネシア人はダンドゥット音楽を聴きながら}グーマーに似た踊りを踊るが、はるかにゆっくりとしたバージョンである。

タイの文学と演劇は、インドの芸術とヒンドゥー教の伝説から大きなインスピレーションを得ています。タイではラーマーヤナ叙事詩はラーマキエンと同じくらい人気があります。最も人気のあるタイ古典舞踊の2つ、凶暴な仮面をつけた男性が演じるコンと、男女両方の役を演じる女性が演じるラコン（ラコン・ナイ、ラコン・チャトリ、ラコン・ノック）は、主にラーマキエンからインスピレーションを得ています。打楽器とピパット（木管楽器の一種）が舞踊を伴奏します。^[107] 南インドのボンマラッタムに触発されたタイの影絵芝居であるナン・タルンは、牛や水牛の皮を切り取って作った影をスクリーンに投影し、手足を動かして人物を表現し、観客を楽しませます。

• インドのヒンドゥー教の宗教叙事詩『ラーマーヤナ』と『マハーバーラタ』にインスピレーションを受けたフィリピンの叙事詩と聖歌。
  • アリムとフッドフッドは、フィリピンのルソン島コルディリェラ行政区のイフガオ族の口承伝統で、 2001年に人類の口承及び無形遺産の11傑作に指定され、2008年にユネスコの無形文化遺産として正式に登録されました。「フッドフッド - イフガオの叙事詩」も参照してください。
  • 『ビアグ・ニ・ラムアン』（英語: "The Life of Lam-ang"）は、イロコス地方のイロカノ族の叙事詩です。
  • ルソン島南東部のビコル地方のイバロン叙事詩。
  • 「アギニド、バヨク・サ・アトン・タワリク」、セブのビサヤ叙事詩。
  • バヨク、ミンダナオ島北西部のマラーノ族の叙事詩。
• 楽器
  • マラナオ族、マノボ族、マギンダナオ族のフィリピン人ギターであるクジャピは、インドの古典音楽のメロディーと音階の概念に影響を受けています。

インドの音楽は、他の国の伝統的な音楽と融合されることもある。例えば、カナダを拠点とするバンド、デリー・ツー・ダブリンはインド音楽とアイルランド音楽を融合させたことで知られており、バングラトンはバングラ音楽とレゲトンを融合させたものである。^[108]

インドの映画作曲家ARラフマーンはアンドリュー・ロイド・ウェバーの映画『ボンベイ・ドリームス』の音楽を書き、ミュージカル版『Hum Aapke Hain Koun』はロンドンのウエストエンドで上演された。ボリウッドのスポーツ映画 『ラガーン』（2001年）はアカデミー賞外国語映画賞にノミネートされ、他の2本のボリウッド映画（2002年の『Devdas』と2006年の『Rang De Basanti』）は英国アカデミー賞英語圏外映画賞にノミネートされた。

ダニー・ボイル監督の『スラムドッグ・ミリオネア』（2008年）はボリウッド映画にインスピレーションを受けた。^{[109] [110]}

バングラトンはバングラ音楽とレゲトンの融合であり、レゲトン自体はヒップホップ、レゲエ、伝統的なラテンアメリカの音楽の融合である。^[108]

1960年代初頭には、ジョン・コルトレーンなどのジャズの先駆者たちもこの融合を受け入れた。コルトレーンも、1961年11月のアルバム『ライヴ・アット・ザ・ヴィレッジ・ヴァンガード』のセッション中に「インディア」という曲を録音した（この曲は1963年にコルトレーンのアルバム『インプレッションズ』でようやくリリースされた）。1965年、ジョージ・ハリスン（ビートルズ）は「ノルウェイの森（ディス・バード・ハズ・フローン） 」という曲でシタールを演奏し、それがシャンカールの興味を引いた。シャンカールはその後ハリスンを弟子にした。ジャズの革新者マイルス・デイビスは、1968年以降、自身のエレクトリック・アンサンブルでカリル・バラクリシュナ、ビハリ・シャルマ、バダル・ロイなどのミュージシャンと録音や演奏を行った。ジャズ・ギタリストの名手ジョン・マクラフリンは、数年間マドゥライでカルナータカ音楽を学び、著名なインド人ミュージシャンをフィーチャーした『シャクティ』など自身の多くの公演にそれを取り入れた。グレイトフル・デッド、インクレディブル・ストリング・バンド、ローリング・ストーンズ、ムーブ、トラフィックなどの他の西洋アーティストもすぐにインドの影響と楽器を取り入れ、インド人の演奏者を加えるようになりました。

伝説のグレイトフル・デッドのフロントマン、ジェリー・ガルシアは、ギタリストのサンジェイ・ミシュラの名盤CD「Blue Incantation」(1995)に参加しました。ミシュラは、フランスの監督エリック・ヒューマンの映画「Port Djema」 (1996)のオリジナルスコアも書き、ハンプトンズ映画祭で最優秀スコアを受賞し、ベルリンではゴールデン・ベア賞を受賞しました。2000年にはドラマーのデニス・チェンバース(カルロス・サンタナ、ジョン・マクラフリン他)と「Rescue」を、2006年にはゲストDJロジックとケラー・ウィリアムズ(ギターとベース)と「Chateau Benares」をレコーディングしました。

2000年代初頭から、ボリウッドは西洋世界のミュージカル映画に影響を与え始め、アメリカのミュージカル映画の復活に重要な役割を果たした。バズ・ラーマンは、彼のミュージカル映画「ムーラン・ルージュ！」（2001年）はボリウッドのミュージカルにインスピレーションを受けたと語った。 ^{[111]映画には、映画}「チャイナ・ゲート」の曲を使ったボリウッド風のダンスシーンが取り入れられている。 「ムーラン・ルージュ！」の批評的かつ興行的な成功は、 「シカゴ」、「レント」、「ドリームガールズ」などの西洋のミュージカル映画のルネッサンスの始まりとなった。^[112]

サイケデリックトランスはゴアトランスから発展した。^[75]

1970 年代後半から 1980 年代前半にかけて、ロックンロールとインド音楽の融合はヨーロッパや北米でよく知られていました。1955年に米国で行われたアリ・アクバル・カーンの公演は、おそらくこのトレンドの始まりでした。1985 年、アシュウィン・バティッシュによるビート重視のラガ ロックハイブリッド「シタール パワー」が、西洋諸国でシタールを再び紹介しました。シタール パワーは多くのレコード レーベルの注目を集め、ニュージャージーのシャナチー レコードに買収され、ワー​​ルド ビートエトノ ポップ部門の責任者となりました。

映画の影響は世界中のポピュラー音楽に見られる。テクノポップの先駆者であるイエロー・マジック・オーケストラの細野晴臣と坂本龍一は、電子音楽とボリウッドに影響を受けたインド音楽を実験的に融合させた1978年のエレクトロニック・アルバム『 Cochin Moon』を制作した。 ^[113] DJクイックとドクター・ドレーがプロデュースしたトゥルース・ハーツの2002年の曲「Addictive」は、ラタ・マンゲシュカルの『 Jyoti』（1981年）の「Thoda Resham Lagta Hai」から取られている。 ^[114]ブラック・アイド・ピーズの2005年のグラミー賞受賞曲「Don't Phunk with My Heart 」は、1970年代のボリウッドの2曲、 『Don』 （1978年）の「Ye Mera Dil Yaar Ka Diwana」と『 Apradh 』（1972年）の「Ae Nujawan Hai Sub」からインスピレーションを得ている。^{[115]両曲とも}カリンジ・アナンドジが作曲し、アシャ・ボスレが歌い、ダンサーのヘレンが出演した。^[116]

西洋クラシック音楽界で著名なインド人としては、次のような人がいます。

• アンドレ・デ・クアドロス-指揮者、音楽教育者、
• ズービン・メータ（指揮者）
• ズービンの父であり、ヴァイオリニストでボンベイ交響楽団の初代指揮者であるメーリ・メータ
• アニル・スリニヴァサン、ピアニスト
• イライヤラージャはインド人として初めて交響曲全曲を作曲し、ロンドンのウォルサムストウ・タウンホールでロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団によって演奏された。
• ナレシュ・ソーハル、イギリス生まれのインド人作曲家
• パラム・ヴィル、イギリス生まれのインド人作曲家
• インド生まれの作曲家、ベノ

ボリウッドはインドにとって重要なソフトパワーであり、その影響力を高め、海外におけるインドに対する認識を変えてきた。^{[117] [118]}作家のルーパ・スワミナサンによれば、「ボリウッド映画は、新しいインドの最も強力な世界文化大使の一つである。」^{[118] [119]}インドの世界的な影響力を拡大する上でのボリウッドの役割は、アメリカの影響力におけるハリウッドの同様の役割に匹敵する。^[120]

キショア・クマールはエジプトとソマリアで人気がある。^[121]

ヒンディー語映画はもともとレバノンのビジネスマンによってアフリカの一部に配給され、マザー・インディア（1957年）は公開後数十年にわたってナイジェリアで上映され続けた。インド映画はハウサ語の衣服に影響を与え、歌はハウサ語の歌手によってカバーされ、物語はナイジェリアの小説家に影響を与えた。インド映画やスターのステッカーがナイジェリア北部のタクシーやバスを飾り、インド映画のポスターが仕立て屋や自動車整備工場の壁を飾っている。^[122]

南アフリカでは、インドから輸入された映画が黒人やインド人の観客に視聴された。^[123]ボリウッドの有名人数名が映画やオフカメラプロジェクトのためにアフリカを訪れた。Padmashree Laloo Prasad Yadav（2005年）は南アフリカで撮影された。^[124] Dil Jo Bhi Kahey... （2005年）も、インド系住民が多い モーリシャスでほぼ全編撮影された。

エジプトでは、1970年代から1980年代にかけてボリウッド映画が人気を博した。^{[125] [126]} アミターブ・バッチャンは国内で人気を保ち続けており^[127]、エジプトを訪れるインド人観光客は「アミターブ・バッチャンを知っていますか？」と尋ねられる。^[128]

カリブ海のインド系カリブ人のインド系カリブ音楽は、トリニダード・トバゴ、ガイアナ、ジャマイカ、スリナムで最も一般的で、ボジュプールの伝統を反映している。主な楽器は、ダンタル、金属棒、クラッパー、ドーラク、両面太鼓である。女性たちは、人生のさまざまな重要なイベント、儀式、お祝い、パグワやホーリーなどの祭りで、ボジュプール音楽のヒンドゥー教のバジャンや民謡を歌う。インド系カリブ人のポピュラー音楽への貢献は非常に重要である。最もよく知られているのは、インド系トリニダード人のチャツネ音楽の伝統である。チャツネは、20世紀半ばから後半にかけて発展したポピュラーダンス音楽の一種である。バイタックガナは、スリナム発祥の同様のポピュラー音楽である。^{[129] [130]}

スリナム^[131]とガイアナには大きなインド系移民のコミュニティがあり、インド音楽やヒンディー語の映画が人気です。^[132] 2006年、Dhoom 2はリオデジャネイロで撮影された最初のボリウッド映画となりました。^[133]

新世紀に入り、アメリカのヒップホップはインド映画やバングラを取り上げている。主流のヒップホップアーティストはボリウッド映画の曲をサンプリングしたり、インドのアーティストとコラボレーションしたりしている。例としては、ティンバランドの「Indian Flute」、エリック・サーモンとレッドマンの「React」、スラム・ヴィレッジの「Disco」、ラタ・マンゲシュカルの曲をサンプリングしたトゥルース・ハーツのヒット曲「Addictive」、ブラック・アイド・ピーズはヒットシングル「Don't Phunk With My Heart 」でアシャ・ボスレの曲「Yeh Mera Dil」をサンプリングしている。1997年、イギリスのバンド、コーナーショップはアシャ・ボスレに敬意を表した曲「 Brimful of Asha」が世界的ヒットとなった。イギリス生まれのインド人アーティスト、パンジャビ・MCもラッパーのジェイ・Zをフィーチャーした「Mundian To Bach Ke」で米国でバングラヒットを飛ばした。アジアン・ダブ・ファウンデーションは、大した主流のスターではないが、政治的な意味合いを持つラップとパンクロックの影響を受けたサウンドは、母国イギリスで多民族の聴衆に受け入れられている。2008年には、国際的スターのスヌープ・ドッグが映画「Singh Is Kinng」の歌に出演した。2007年には、ヒップホッププロデューサーのマッドリブが、インドの音楽を大量にサンプリングし、影響を受けたアルバム「 Beat Konducta Vol 3–4: Beat Konducta in India 」をリリースした。

文化遺産と言語が共通しているため、インドの音楽やボリウッド映画は、ヒンドゥスターニー語が広く理解されているアフガニスタン、パキスタン、バングラデシュ、ネパールでも人気があります。^{[134] [135]}

東南アジアの音楽ジャンルに対する古代の影響については、前のセクションですでに説明しました。

西アジアにはインド系移民が多く、主にインド音楽を消費している。インド音楽は中東の原住民にも人気がある。カタールの人口の85%、UAEの人口の75%はインド国民である。^{[136]ヒンディー語の映画や音楽は}アラブ諸国で人気があり、^{[137]輸入されたインド映画は通常、公開時にアラビア語の字幕が付けられる。ボリウッドは2000年代初頭から}イスラエルで発展しており、ケーブルテレビにはインド映画専門のチャンネルがある。^[138]

ドイツでは、ボリウッドとIT業界がインドに対する世界の認識を変える以前は、インドのステレオタイプには牛車、物乞い、神聖な牛、腐敗した政治家、大惨事などが含まれていた。 ^[139]

1980年代後半、インド系イギリス人アーティストはインドと西洋の伝統を融合し、アジアン・アンダーグラウンドを生み出した。1990年代以降、人生の大半をインドで過ごしたカナダ生まれのミュージシャン、ナダカは、インド古典音楽と西洋のスタイルをアコースティックに融合させた音楽を生み出してきた。インドのバクティ・サンギートの伝統と西洋の非インド音楽を融合させた歌手の一人がクリシュナ・ダスで、彼は音楽サダナのレコードを販売している。別の例としては、 2013年のアルバム「モノローグ」で西洋音楽を試みたインド系カナダ人ミュージシャン、ヴァンダナ・ヴィシュワスが挙げられる。

インドとイギリスの融合のより最近の例としては、ローラ・マーリングがマムフォード・アンド・サンズと2010年にダロハール・プロジェクトと4曲入りEPでコラボレーションしたことがある。^[35]イギリスのバンド、ボンベイ・バイシクル・クラブもシングル「フィール」で「Man Dole Mera Tan Dole 」をサンプリングしている。^[140]ラクシュミカント＝ピャレラル

インド系移民の人口が多いため、フィジーではインドの音楽や映画が特にインド系フィジー人の間で非常に人気があります。^[141]

オーストラリアとニュージーランドにはインド系人口が2%おり、他にも南アジア系移民が多く、ボリウッドの音楽や映画は国内の非アジア系の人々の間でも人気がある。^[141]

サンギート・ナタック・アカデミーは、1952年にインド政府によって設立された国立の舞台芸術アカデミーであり、インド政府が現役の芸術家に与える最高の公式認定であるサンギート・ナタック・アカデミー賞を授与しています。 ^[142]インパールのマニプール・ダンス・アカデミー、^[143]ラビンドラ・ランシャラ・センター、^[144]サットリヤ・センター、ニューデリーのカタック・ケンドラ（国立カタック舞踊研究所） 、ティルヴァナンタプラムのクティヤッタム・センター、ジャムシェドプルのバリパダのチャウ・センター、バラナシのバナーラス音楽アカデミー、ノースイースト・センターなど、いくつかの機関を設立しました。アキル・バーラティヤ・ガンダルヴァ・マハヴィディヤラヤ・マンダル（अखिल भारतीय गान्धर्व महाविद्यालय मंडल ) は、インドの古典音楽とダンスの促進と普及を目的とした機関です。

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• BBCラジオ3オーディオ（60分）：リキ・ラムと息子たち、ニザミ兄弟。2010年11月25日にアクセス。
• BBCラジオ3オーディオ（60分）：ラジャスタン、ボンベイ、トリロック・グルトゥ。2010年11月25日にアクセス。
• BBCラジオ3オーディオ（45分）：グジャラート - プラフル・デイブ。2010年11月25日にアクセス。
• BBCラジオ3オーディオ（45分）：娼婦の歌とバウルの音楽。2010年11月25日にアクセス。
• BBCラジオ3オーディオ（60分）：アムリトサルの黄金寺院の音楽。2010年11月25日にアクセス。
• （英語とフランス語）ヒンドゥスターニー・ラグ・サンギート・オンライン – 1902年からの800以上のオーディオとビデオのアーカイブの貴重なコレクション
• ラビンドラ・サンギート - タゴールを祝う