ジョン・コルトレーン

コルトレーンは、1926年9月23日、ノースカロライナ州ハムレットのハムレット・アベニュー200番地にある両親のアパートで生まれた。^{[ 7 ]}彼の父親はジョン・R・コルトレーン^{[ 8 ]}、母親はアリス・ブレア^{[ 9 ]}だった。彼はノースカロライナ州ハイポイントで育ち、ウィリアム・ペン高校に通った。高校時代、コルトレーンはレスター・ヤングやジョニー・ホッジスなどの影響を受けてサックスに転向する前は、地域のバンドでクラリネットとアルトホルンを演奏していた^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]}。1938年12月から、彼の父親、叔母、祖父母が数ヶ月の間に相次いで亡くなり、彼は母親と親しい従兄弟に育てられた。^{[ 13 ]} 1943年6月、高校を卒業して間もなく、コルトレーンは家族とともにフィラデルフィアに移り住み、そこで製糖工場で仕事を得た。同年9月、17歳の誕生日に、母親から初めてのサックス、アルトサックスを買ってもらった。^{[ 9 ]} 1944年から1945年にかけて、コルトレーンはオルンスタイン音楽学校でマイク・ゲラにサックスのレッスンを受けた。^{[ 14 ]} 1945年の初めから中頃にかけて、彼はピアノとギターとの「カクテルラウンジトリオ」でミュージシャンとしての最初の仕事を得た。^{[ 15 ]}

コルトレーンの音楽的発展における重要な転機は、1945年6月5日、彼が初めてチャーリー・パーカーの演奏を観た日に訪れた。1960年のダウンビート誌の記事で、彼はこう回想している。「初めてバードの演奏を聴いた時、まさに衝撃を受けた。」

陸軍に徴兵されるのを避けるため、コルトレーンは1945年8月6日、アメリカが日本に最初の原子爆弾を投下した日に海軍に入隊した。^{[ 16 ]}彼はニューヨーク州北部のサンプソン海軍訓練所で見習い水兵として訓練を受けた後、真珠湾に送られ、^{[ 16 ]}マナナ兵舎に配属された。 ^{[ 17 ]}マナナ兵舎は、当時世界最大のアフリカ系アメリカ人兵士の駐屯地だった。^{[ 18 ]} 1945年後半にハワイに到着する頃には、海軍は規模縮小を進めていた。コルトレーンの音楽的才能は認められ、基地のスウィングバンドであるメロディ・マスターズに加わったとき、彼は音楽家としての資格を与えられずに音楽家として勤務した数少ない海軍兵士の一人となった。^{[ 16 ]}メロディ・マスターズは全員白人のバンドだったため、コルトレーンは上官にバンドへの参加を知られないように、ゲストパフォーマーとして扱われた。^{[ 19 ]}彼はバンドで演奏していない時は、厨房や警備などの他の任務も続けていました。兵役の終わりまでに、彼はバンドのリーダー的役割を担うようになりました。彼の最初のレコーディングは、1946年7月13日にハワイで海軍の音楽家たちと行った非公式のセッションでした。^{[ 20 ]}彼はジャズのスタンダード曲やビバップの曲をアルトサックスで演奏しました。^{[ 21 ]}彼は1946年8月8日に正式に海軍を除隊しました。彼はアメリカ戦役メダル、アジア太平洋戦役メダル、第二次世界大戦勝利メダルを授与されました。

1946年8月に海軍を一等水兵として除隊した後、コルトレーンはフィラデルフィアに戻り、活気あふれるジャズシーンで多くの学びと演奏の機会を得た。^{[ 22 ]}コルトレーンはGI法を利用してグラノフ音楽学校に入学し、ジャズギタリスト兼作曲家のデニス・サンドールから音楽理論を学んだ。^{[ 23 ]}彼は1946年から1950年代初頭までサンドールの指導を受け続けた。^{[ 24 ]}コルトレーンはまた、グラノフのサックス教師であるマシュー・ラステリから週に1回、2、3年ほどサックスのレッスンを受けた。しかし、コルトレーンのGI法の資金が尽きるとレッスンは中断された。^{[ 25 ]}キング・コラックスとのツアーの後、彼はジミー・ヒース率いるバンドに加入した。ヒースは、コルトレーンとメロディ・マスターズで共演した元海軍の友人でトランペット奏者のウィリアム・マッセイからコルトレーンの演奏を紹介された。^{[ 26 ]}彼はアルトサックスから始めたが、1947年にエディ・ヴィンソンと共演する際にテナーサックスに転向した。^{[ 27 ]}

コルトレーンはこの時期を「私にとってより広いリスニング領域が開かれた時期」と呼んだ。ホーク・コールマン・ホーキンスやベン・ウェブスター、タブ・スミスが40年代にやっていたことは理解できなかったが、感情的に感じていた」^{[ 28 ]}テナーサックス奏者のオディーン・ポープによれば、大きな影響を与えたのはフィラデルフィアのピアニスト、作曲家、理論家のハサン・イブン・アリだった。「ハサンは... トレーンが使うシステムの鍵だった」ハサンは、コルトレーンのメロディーのコンセプトに大きな影響を与えた。」^{[ 29 ]}コルトレーンは、練習と技術の向上に熱中し、ジミー・ヒースによれば「1日に25時間」練習していた。ヒースは、サンフランシスコのホテルで苦情が出た後、コルトレーンが口からサックスを外し、1時間ずっとフィンガリングの練習をしたという出来事を覚えている。^{[ 30 ]}彼の献身ぶりはそれほどで、サックスを口にくわえたまま眠ってしまったり、1つの音を何時間も練習したりすることはよくあった。^{[ 31 ]}

コルトレーンは海軍入隊前に初めてチャーリー・パーカーの演奏を聴き、以来パーカーを崇拝するようになり、1940年代後半には二人は時折共演した。また、1950年代前半から中頃にかけては、ディジー・ガレスピー、アール・ボスティック、ジョニー・ホッジスらが率いるグループにも参加していた。

1955年、コルトレーンはフィラデルフィアでフリーランスとして活動しながらサンドールに師事していたところ、トランペット奏者のマイルス・デイヴィスから電話を受けた。デイヴィスは1940年代に成功を収めていたが、ヘロイン中毒によって名声と作品に傷がついていた。彼は再び音楽活動を再開し、クインテットを結成しようとしていた。コルトレーンはこのデイヴィス・バンド、通称「ファースト・グレート・クインテット」に参加した。メンバーはピアノのレッド・ガーランド、ベースのポール・チェンバース、ドラムのフィリー・ジョー・ジョーンズだった。彼らは1955年10月から1957年4月まで、数回の休止を挟みながら演奏した。この期間、デイヴィスはコルトレーンの才能の開花を示す最初の兆候を示す、影響力のある録音をいくつかリリースした。1956年にプレスティッジ・レコードで行われた2回の長時間のレコーディング・セッションで代表されるこのクインテットは、アルバム『Cookin'』をリリースした。リラックス​、仕事中、そしてスティーミン「ファースト・グレート・クインテット」は、コルトレーンのヘロイン中毒も一因となって解散した。^{[ 32 ]}

1957 年後半、コルトレーンはニューヨークのファイブ・スポット・カフェでセロニアス・モンクと共演し、1957 年 7 月から 12 月までモンクのカルテットで演奏した。しかし、契約上の問題により、コルトレーンはこのグループとの公式スタジオ録音セッションに 1 回しか参加しなかった。コルトレーンはこの時期にプレスティッジで自身の名義で多くのセッションを録音したが、モンクは以前のレーベルで録音することを拒否した。^{[ 33 ]} 1957 年夏の終わりに行われたこのグループの再結成をフアニータ・ナイマ・コルトレーンが録音したプライベート録音は、1993 年にブルーノート・レコードからLive at the Five Spot—Discovery!としてリリースされた。1957年 11 月にこのカルテットが行ったコンサートの高音質テープが後に発見され、2005 年にブルーノートからリリースされた。ボイス・オブ・アメリカによって録音された演奏は、このグループの評判を裏付けている。その結果生まれたアルバム『セロニアス・モンク・カルテット・ウィズ・ジョン・コルトレーン・アット・カーネギー・ホール』は、非常に高い評価を受けている。

ジョン・コルトレーンがブルーノート・レコードでリーダーとして唯一残したアルバム『ブルー・トレイン』は、トランペット奏者のリー・モーガン、ベーシストのポール・チェンバース、トロンボーン奏者のカーティス・フラーをフィーチャーしており、この時期の彼の最高傑作と評されることが多い。収録曲5曲のうち4曲はコルトレーンのオリジナル曲で、タイトル曲「ブルー・トレイン」をはじめ、「モーメンツ・ノーティス」や「レイジー・バード」はスタンダードナンバーとなっている。

コルトレーンは薬物依存から回復した後、1957年12月にデイヴィスと再会した。^{[ 34 ]}同年10月、ジャズ評論家のアイラ・ギトラーは、コルトレーンがモンクと共に開発し、デイヴィスのグループ^{（当時はセクステット}）で完成させつつあったスタイルを表現するために「音のシート」という言葉を作り出した。[35 ^]彼の演奏は圧縮されており、1分間に非常に多くの音符が高速で流れ落ちる。コルトレーンは次のように回想している。「一定の時間内に演奏できるコード進行の数が決まっていることに気づいたのですが、8分音符、16分音符、または3連符ではうまくいかない場合がありました。すべての音符を収めるために、5つや7つといった不均等なグループに音符を配置する必要がありました。」^{[ 36 ]}

コルトレーンは1960年4月までデイヴィスのもとに滞在し、アルトサックス奏者のキャノンボール・アダレイ、ピアニストのレッド・ガーランド、ビル・エヴァンス、ウィントン・ケリー、ベーシストのポール・チェンバース、ドラマーのフィリー・ジョー・ジョーンズ、ジミー・コブらと共演した。この間、彼はデイヴィスのセッション作品『マイルストーンズ』と『カインド・オブ・ブルー』、そしてコンサート録音『マイルス＆モンク・アット・ニューポート』（1963年）と『ジャズ・アット・ザ・プラザ』（1958年）に参加した。

この時期の終わりに、コルトレーンはアトランティック・レコードからリリースされた初のリーダー作で、自身の作曲のみを収録したアルバム『ジャイアント・ステップス』（1960年）を録音した。 ^{[ 37 ]}アルバムのタイトル曲は、広く演奏されているジャズ曲の中で最も難しいコード進行の1つ​​であると一般的に考えられており、^{[ 38 ]}後にコルトレーン・チェンジと呼ばれるようになった。^{[ 39 ]}これらのサイクルの発展は、即興のメロディーとハーモニーのさらなる実験につながり、彼はキャリアを通じてそれを続けた。^{[ 40 ]}

コルトレーンは、1960年にニューヨーク市のジャズ・ギャラリーでの公演のために、ライブ演奏用の初のカルテットを結成した。^{[ 41 ]}スティーブ・クーン、ピート・ラ・ロカ、ビリー・ヒギンズなど、さまざまなメンバーを経て、ピアニストのマッコイ・タイナー、ベーシストのスティーブ・デイヴィス、ドラマーのエルヴィン・ジョーンズが残った。^{[ 42 ] [ 43 ]}フィラデルフィア出身のタイナーは、コルトレーンとは数年来の友人であり、タイナーが準備ができたらバンドに加わるという了解があった。^{[ 44 ] [ 45 ]}『マイ・フェイバリット・シングス』（1961年）はこのバンドが録音した最初のアルバムである。^{[ 46 ]}これはコルトレーンがソプラノサックスで演奏した最初のアルバムであり、^{[ 47 ]}マイルス・デイヴィスといるときに練習を始めた。^{[ 48 ]}この楽器は初期のジャズとより関連付けられていたため、これは型破りな動きと見なされた。^{[ 49 ]}

1961年5月、コルトレーンのアトランティックとの契約はインパルス!に買収された。^{[ 50 ]}インパルス!への移籍により、コルトレーンはプレスティッジで彼とデイヴィスのセッションを録音したエンジニア、ルディ・ヴァン・ゲルダーとのレコーディング関係を再開した。コルトレーンはインパルス!のアルバムのほとんどを、ニュージャージー州イングルウッド・クリフスにあるヴァン・ゲルダーのスタジオで録音した。

1961年初頭までに、ベーシストのデイヴィスはレジー・ワークマンに交代し、エリック・ドルフィーが2人目のホーン奏者としてグループに加わった。このクインテットはヴィレッジ・ヴァンガードで名高い長期公演を行い、数多くの録音を残したが、これはコルトレーンの新たな方向性を示すものであった。この公演では、インドのラーガ、モーダル・ジャズ、フリー・ジャズの影響を受けた、彼がこれまで演奏した中で最も実験的な音楽が披露された。ミュージシャンのサン・ラと長年サックス奏者として活動していたジョン・ギルモアは特に影響力があり、ギルモアの演奏を聴いたコルトレーンは「彼は分かっている！ギルモアはコンセプトを理解している！」と言ったと伝えられている^{[ 51 ]。}ヴァンガードでの演奏の中で最も有名な15分間のブルース「チェイシン・ザ・トレーン」は、ギルモアの音楽に強く影響を受けている^{[ 52 ] 。}

1961年、コルトレーンはワークマンに2人目のベーシスト、通常はアート・デイヴィスかドナルド・ギャレットを組ませるようになった。ギャレットは、コルトレーンにテープを聴かせた時のことを回想している。「別のベーシストと演奏していたんだ。リズミカルなことをやっていたら、コルトレーンはその音に興奮した。東インドのウォータードラムから出る音と同じような音だった。1本のベースは低音域にとどまり、安定感と脈動感を与え、もう1本のベースはドラムの右手のように自由に即興演奏する。それでコルトレーンはそのアイデアを気に入ったんだ。」^{[ 53 ]}コルトレーンも回想している。「もう1本のベースが、あの独特のリズミカルな音を加えてくれると思ったんだ。1本のベースが1点を中心に一連の音を演奏するような、一種のサスペンデッド・リズムで演奏していたんだけど、もう1本のベースがその隙間を埋めてくれるように思えたんだ。」^{[ 54 ]}ドルフィーによると、ある晩「ウィルバー・ウェアがやって来てスタンドに上がったので、3本のベースが演奏していた。ジョンと私はスタンドから降りて聴いたんだ。」^{[ 54 ]}コルトレーンは1961年のアルバム『Olé Coltrane』と『Africa/Brass』、そして後に『The John Coltrane Quartet Plays』と『Ascension』で2本のベースを使用した。レジー・ワークマンとジミー・ギャリソンは、1961年のヴィレッジ・ヴァンガードの録音「India」と「Miles' Mode」でベースを演奏している。^{[ 55 ]}

この時期、コルトレーンはスタイルを根本的に変えたため、批評家の間では評価が分かれていた。聴衆も困惑し、フランスではデイヴィスとの最後のツアー中にブーイングを浴びた。1961年、ダウンビート誌はコルトレーンとドルフィーを「反ジャズ」の演奏家と呼び、ミュージシャンたちを困惑させ、動揺させた。^{[ 52 ]}コルトレーンは、初期のソロのいくつかは主に技術的なアイデアに基づいていたことを認めた。さらに、ドルフィーの角張った、声のような演奏は、オーネット・コールマンが率いたフリージャズとしても知られるニューシングの代表的人物としての名声を得たが、このムーブメントは（デイヴィスを含む）一部のジャズミュージシャンや批評家から軽蔑されていた。しかし、コルトレーンのスタイルが発展するにつれて、彼はすべての演奏を「自分の存在の完全な表現」にすることを決意した。^{[ 56 ]}

1962年、ドルフィーが脱退し、ジミー・ギャリソンがワークマンの後任としてベーシストに就任した。それ以降、タイナー、ギャリソン、ジョーンズを加えた「クラシック・カルテット」は、探求心に満ちた、精神性に溢れた作品を生み出した。コルトレーンは、リズム、メロディー、そして動機において即興演奏を拡張できる、よりハーモニー的に静的なスタイルへと移行しつつあった。ハーモニー的に複雑な音楽も存在したが、ステージ上ではコルトレーンは「インプレッションズ」「マイ・フェイバリット・シングス」「アイ・ウォント・トゥ・トーク・アバウト・ユー」といった定番レパートリーを繰り返し演奏することを好んだ。

ドルフィーとのクインテットに対する批判は、コルトレーンに影響を与えたかもしれない。ヴィレッジ・ヴァンガードでの1961年の録音の過激さとは対照的に、その後の2年間のスタジオ・アルバムは（ハロルド・アーレンの「Out of This World」の強烈なバージョンを収録した1962年の『Coltrane』を除いて）はるかに保守的だった。彼はバラードのアルバムを録音し、デューク・エリントンやバラードを専門とするバリトン歌手ジョニー・ハートマンとのアルバムでのコラボレーションに参加した。アルバム『Ballads』（1961～62年録音）はコルトレーンの多才さを象徴しており、カルテットは「It's Easy to Remember」などのスタンダードに新たな光を当てた。スタジオではより洗練されたアプローチが取られたにもかかわらず、コンサートではカルテットは定番レパートリーと、より探求的で挑戦的な音楽とのバランスを取り続け、アルバム『インプレッションズ』（1961～63年録音）、『ライブ・アット・バードランド』、そして『ニューポート'63』（いずれも1963年録音）で聴くことができる。 『インプレッションズ』には、タイトル曲を含む2つの長尺ジャムに加え、「ディア・オールド・ストックホルム」、「アフター・ザ・レイン」、そしてブルースが収録されている。コルトレーンは後に「バランスの取れたカタログ」を持つことを楽しんでいたと語った。^{[ 57 ]}

1963年3月6日、グループはニュージャージー州のヴァン・ゲルダー・スタジオに入り、セッションを録音したが、マスターテープが保管スペース削減のためインパルス！レコードによって破棄されたため、数十年間失われていた。2018年6月29日、インパルス！は、コルトレーンが妻に渡した予備のコピーから作られた7曲で構成された『Both Directions at Once: The Lost Album』をリリースした。 ^{[ 58 ] [ 59 ]} 1963年3月7日、彼らはスタジオでハートマンと合流し、同年7月にリリースされたアルバム『 John Coltrane and Johnny Hartman 』のために6曲を録音した。

Impulse!は、成功を収めた「幻のアルバム」のリリースに続き、2019年に『Blue World』をリリースした。これは、1964年6月に録音された映画『The Cat in the Bag 』のサウンドトラックで構成されている。

クラシック・カルテットは、1964年12月にベストセラー・アルバム『ア・ラヴ・シュプリーム』をリリースした。コルトレーンのそれまでの作品の集大成とも言えるこの4部構成の組曲は、神への信仰と愛を讃える頌歌である。こうした精神的な関心は、この後コルトレーンの作曲と演奏の多くを特徴づけるようになり、『アセンション』、『オーム』、『メディテーションズ』といったアルバムのタイトルからもそれがうかがえる。 『ア・ラヴ・シュプリーム』の第4楽章「詩篇」は、コルトレーンが神に捧げたオリジナル詩に曲をつけたもので、その詩はアルバムのライナーノーツに掲載されている。コルトレーンは詩の各音節にほぼ正確に1音ずつ演奏し、フレーズを詩の言葉に基づいて構成している。このアルバムは、ロングアイランドのディックス・ヒルズにあるコルトレーンの自宅で作曲された。

カルテットは「A Love Supreme」をライブで演奏したのはわずか3回で、そのうち2回は録音されている。1回目は1965年7月にフランスのアンティーブで行われたコンサート、2回目は1965年10月にワシントン州シアトルで行われたコンサートである。^{[ 60 ]}アンティーブ公演の録音は、2002年にImpulse!から「 A Love Supreme 」のリマスター版デラックス・エディションに収録され、^{[ 61 ]} 2015年には「The Complete Masters」の「スーパー・デラックス・エディション」に収録された。^{[ 62 ]}最近発見された2つ目のアマチュア録音「A Love Supreme: Live in Seattle」は2021年にリリースされた。^{[ 63 ]}

「A Love Supreme」は、コルトレーン生誕100周年を記念して2026年にデンマークのハーモニカ奏者兼編曲家マティアス・ハイゼがデンマーク放送ビッグバンドと共に再解釈、編曲、演奏し、アルバム「A Love Supreme Revisited」がリリースされた。 ^{[ 64 ]}

コルトレーンは晩年、オーネット・コールマン^{[ 65 ]}、アルバート・アイラー[ ^{66 ] 、}サン・ラのアヴァンギャルド・ジャズに興味を示した。特に、ポール・ブレイと共演経験のあるベーシストのゲイリー・ピーコック^{[ 67 ]}と、セシル・テイラーをリーダーとして演奏技術を磨いたドラマーのサニー・マレーとのトリオによるアイラーの不協和音に影響を受けた。コルトレーンはアーチー・シェップ[ ^{68 ]}など多くの若いフリージャズ・ミュージシャンを擁護し、彼の影響下でインパルス！は主要なフリージャズ・レーベルとなった^。

『A Love Supreme』の録音後、コルトレーンの音楽においてアイラーのスタイルがより顕著になった。1965年前半のクラシック・カルテットとの一連の録音では、コルトレーンの演奏が抽象的になり、マルチフォニックス、倍音の使用、アルティッシモ・レジスターでの演奏といった手法がより多く取り入れられ、コルトレーンのサウンド・シートが変容して復活したことが示されている。スタジオでは、彼はテナーに集中するためにソプラノ・サックスをほとんど放棄した。カルテットは、より自由な演奏で応えた。グループの進化は、『The John Coltrane Quartet Plays』、『Living Space』、『Transition』、『New Thing at Newport』、『Sun Ship』、『First Meditations』といったアルバムを通して辿ることができる。

1965年6月、彼は他の10人のミュージシャン（シェップ^{[ 69 ]} 、ファラオ・サンダース^{[ 69 ]} 、フレディ・ハバード^{[ 69 ]} 、マリオン・ブラウン、ジョン・チカイ^{[ 69 ]}を含む）と共にヴァン・ゲルダーのスタジオに入り、若き前衛ミュージシャンによるソロを含む38分の作品『アセンション』を録音した^{[ 68 ]} 。このアルバムは、ソロを区切る集団即興演奏のセクションが主な理由で物議を醸した。コルトレーンはその後数ヶ月間カルテットとレコーディングを行った後、1965年9月にサンダースをバンドに招いた。コルトレーンは感情の強調としてオーバーブローイングを頻繁に用いたが、サンダースは「楽器で『人間的な』音を探求することに専念し」 ^{[ 70 ]} 、マルチフォニックス、グロウル、そして「人間の歌だけでなく人間の叫び声や悲鳴も模倣できる高音域の金切り声」[ ^{71 ]を}用いることで、ホーンの語彙を大幅に拡張した。コルトレーンがサンダースをバンドに加えるという決定について、評論家のゲイリー・ギディンスは次のように書いている。「銀河の果てまでコルトレーンについてきた人々は、地球との接触がほとんどないように見えるプレイヤーという新たな課題に直面した。」^{[ 72 ]}

1965年末までに、コルトレーンは定期的にサンダースや他のフリージャズミュージシャンをグループに加えるようになった。ラシード・アリが2人目のドラマーとしてグループに加わった。これがカルテットの終焉を意味した。2人のドラマーのせいで自分の音が聞こえないと主張し、タイナーは『メディテーションズ』の録音後まもなくバンドを去った。ジョーンズは1966年初頭にアリとドラムを分担することに不満を抱き、コルトレーンの最新の音楽について「詩人だけが理解できる」と述べてバンドを去った。^{[ 73 ]}インタビューで、タイナーとジョーンズは共に音楽の方向性に不満を表明したが、彼らはフリージャズの激しさをソロ作品に取り入れた。後に、両ミュージシャンはコルトレーンに多大な敬意を表した。彼の晩年の音楽について、ジョーンズは「まあ、もちろんそれはとんでもないことだ。だって、そこにはとてつもない頭脳が関わっているんだから。アインシュタインがジャックを演奏しているなんて思わないだろう？」と述べた。^{[ 74 ]}タイナーはこう回想している。「彼は常に前進し続けていた。彼は決して現状に満足せず、常に次のものを探していた…彼は常に、まるで研究所の科学者のように、何か新しいもの、異なる方向性を探し求めていた…彼は頭の中でこれらの音を聞き続けていた」。^{[ 75 ]}ジョーンズとタイナーはどちらもコルトレーンへのトリビュートを録音しており、タイナーは『Echoes of a Friend』（1972年）と『Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane』（1987年）、ジョーンズは『Live in Japan 1978: Dear John C. 』 （1978年）と『Tribute to John Coltrane "A Love Supreme"』（1994年）を録音している。

1965年にコルトレーンがLSDを使い始めたという憶測があり、^{[ 76 ] [ 77 ]}後期の「宇宙的」超越性に影響を与えたと考えられている。ナット・ヘントフは次のように書いている。「まるで彼とサンダースが『異言の賜物』で話しているかのようだ。彼らの洞察力は非常に説得力があり、彼らが触れた存在の本質の一部を伝えるために、通常の音楽表現や通常のテクスチャを超越しなければならないかのようだ。」^{[ 78 ]}タイナーとジョーンズの脱退後、コルトレーンはサンダースがテナーサックス、2番目の妻アリス・コルトレーンがピアノ、ギャリソンがベース、アリがドラムのクインテットを率いた。ツアー中、このグループはレパートリーの長いバージョンを演奏することで知られており、多くは30分から1時間を超えていた。コンサートでは、バンドメンバーのソロが15分を超えることも多かった。

このグループは、1966 年のいくつかのコンサート録音で聴くことができ、その中にはLive at the Village Vanguard Again!やLive in Japanも含まれる。 (後者では、コルトレーンとサンダースは、ヤマハから贈られたアルトサックスを珍しく演奏した。) ^{[ 79 ]} 1967 年、コルトレーンは何度かスタジオに入った。サンダースとの共演曲も出回っているが (珍しい「To Be」では両者がフルートを演奏している)、録音のほとんどは、サンダースを除くカルテット ( ExpressionとStellar Regions ) またはアリとのデュオによるものだった。後者のデュオは、アルバムInterstellar Spaceに収録されている 6 つの演奏を制作した。コルトレーンはまた、亡くなる 2 か月前まで第 2 カルテットでツアーを続け、彼の最後から 2 番目のライブ演奏と最後の録音は、ニューヨーク市のオラトゥンジ アフリカ文化センターのラジオ放送で、最終的に2001 年にアルバムとしてリリースされた。

コルトレーンは1967年7月17日、ロングアイランドのハンティントン病院で肝臓癌のため40歳で亡くなった。葬儀は4日後、ニューヨーク市のセント・ピーターズ・ルーテル教会で行われた。式典はアルバート・アイラー・カルテットによって始まり、オーネット・コールマン・カルテットによって締めくくられた。^{[ 80 ]}コルトレーンはニューヨーク州ファーミングデールのパインローン記念公園に埋葬されている。

伝記作家のルイス・ポーターは、コルトレーンの病気の原因は肝炎だと推測したが、同時に、コルトレーンが以前ヘロインを使用していたことも原因だと考えていた。^{[ 81 ]}フレデリック・J・スペンサーは、コルトレーンの死は注射針の使用、「あるいは酒瓶、あるいはその両方」が原因かもしれないと書いた。^{[ 82 ]}彼は、「コルトレーンの肝臓病は、彼が薬物を注射するために使用した注射針と関係があったかもしれない」と述べ、「もし注射針が適切な肝炎ウイルスに汚染されていたら、慢性感染症を引き起こし、肝硬変や癌につながった可能性がある」と付け加えた。^{[ 82 ]}彼は、1957年にコルトレーンが「精神的な目覚め」を迎えたにもかかわらず、[]その頃には、彼は慢性肝炎と肝硬変を患っていた可能性があると指摘した。「彼が晩年に別のところに主要な関心を向け、それが肝臓に広がったのでなければ、ジョン・コルトレーンの癌の種は、彼が薬物中毒だった時代に蒔かれたのだ。」^{[ 83 ]} 

コルトレーンの死は、彼の病状を知らなかった音楽界の多くの人々を驚かせた。マイルス・デイヴィスは、「コルトレーンの死は皆を驚かせ、皆を驚かせた。彼の容態があまり良くないことは知っていたが 、彼がそれほど重病だったとは、あるいはそもそも病気だったことさえ知らなかった」と語った。^{[ 84 ]}

コルトレーンはキリスト教の家庭で生まれ育ちました。彼は幼少期から宗教と精神性に影響を受けていました。彼の母方の祖父であるウィリアム・ブレア牧師は、ノースカロライナ州ハイポイントのアフリカ・メソジスト監督教会ザイオン教会の牧師でした^{[ 96 ] [ 97 ]。}また、彼の父方の祖父であるウィリアム・H・コルトレーン牧師は、ノースカロライナ州ハムレットのAMEザイオン教会の牧師でした^{[ 96 ]}。評論家のノーマン・ワインスタインは、コルトレーンの音楽と、彼が若い頃にそこで音楽を練習していた南部教会での経験との類似性を指摘しました^{[ 98 ]}。

1955年、コルトレーンはナイマ（旧姓フアニータ・グラブス）と結婚した。イスラム教に改宗したナイマ・コルトレーンは、彼の精神性に大きな影響を与えた。結婚当時、ナイマにはアントニアという名の5歳の娘がおり、後にサイーダと名付けられ、コルトレーンは彼女を養子にした。コルトレーンはフィラデルフィアのベーシスト、スティーヴ・デイヴィスの家でナイマと出会った。妻を称えて書いたラブバラード「ナイマ」は、コルトレーンのお気に入りの曲だった。1956年、夫妻は娘を連れてフィラデルフィアを離れ、ニューヨーク市に移り住んだ。1957年8月、3人はニューヨークの103丁目とアムステルダム通りのアパートに引っ越した。数年後、ジョンとナイマはクイーンズ区セント・オールバンズのメキシコ通り116-60番地に家を購入した。^{[ 99 ]}この家は、1963年に彼らが別れることになる家である。^{[ 100 ]}

別れについて、ナイマはJCトーマスの伝記『チェイシン・ザ・トレーン』の中でこう語っている。「遅かれ早かれこうなるだろうと思っていたので、1963年の夏にジョンが家を出て行った時も、特に驚きませんでした。彼は何も説明してくれず、ただやらなければならないことがあると言って、服と楽器だけを持って出て行きました。ホテルに泊まることもあれば、フィラデルフィアの母親の家に泊まることもありました。彼が言ったのは、『ナイマ、僕は変わるつもりだ』ということだけでした。そうなるだろうとは思っていましたが、それでも辛く、少なくともあと1年は立ち直れませんでした。」それにもかかわらず、コルトレーンはナイマと親密な関係を保ち、1964年には彼女に電話をかけ、自分の演奏の90%は祈りになると伝えたほどだった。二人は1967年にコルトレーンが亡くなるまで連絡を取り合っていた。ナイマ・コルトレーンは1996年10月に心臓発作で亡くなった。

1957年、コルトレーンは宗教的な体験をし、それが1948年から苦しんでいたヘロイン中毒^{[ 101 ] [ 102 ]}とアルコール中毒^{[ 102 ]を克服するのに役立った可能性がある[ 103 ]。}『A Love Supreme』のライナーノーツで、コルトレーンは1957年に「神の恵みにより、より豊かで充実した、より生産的な人生へと導いてくれる霊的な目覚めを経験した。その時、感謝の気持ちを込めて、音楽を通して他人を幸せにする手段と特権を与えてくださるよう謙虚に願った」と述べている^{[ 104 ]。}この普遍的な見解のさらなる証拠は、『 Meditations』 （1965年）のライナーノーツに見出すことができ、そこでコルトレーンは「私はすべての宗教を信じている」と宣言している^{[ 105 ] 。}

1963年、彼はピアニストのアリス・マクラウドと出会った。^{[ 106 ]}彼とアリスは同棲し、2人の息子をもうけた後、1966年にナイマと正式に離婚し、その直後にアリスと結婚した。^{[ 105 ]}ジョン・ジュニアは1964年、ラヴィは1965年、オラニャン（「オラン」）は1967年に生まれた。 ^{[ 105 ]}音楽家のピーター・ラヴェッツォーリによれば、「アリスは、子供ができただけでなく、多くの同じ精神的信念、特にインド哲学への共通の関心を共有していたため、ジョンの人生に幸福と安定をもたらした。アリスはまた、プロの音楽家であることの意味も理解していた。」^{[ 105 ]}

『A Love Supreme』以降、彼のアルバムや曲のタイトルの多くは精神的な意味合いを持つようになった。『Ascension』、 『 Meditations』、『Om』、 『 Selflessness』、『Amen』、『Ascent』、『Attaining』、『Dear Lord』、『Prayer and Meditation Suite』、『The Father and the Son and the Holy Ghost』などである。^{[ 105 ]}彼の蔵書には、『The Gospel of Sri Ramakrishna』、『Bhagavad Gita』、パラマハンサ・ヨガナンダの『Autobiography of a Yogi』などがあった。最後の一つは、ラヴェッツォーリの言葉を借りれば、「普遍的な真理の探求、コルトレーンもまた歩んだ旅」を描写している。ヨガナンダは、東洋と西洋のどちらの精神的な道も有効であると信じ、クリシュナとキリストの類似点について書いた。この異なる伝統に対する開放性は、コーラン、聖書、カバラ、占星術を等しく真摯に研究したコルトレーンの心に響いた。^{[ 107 ]}彼はまた、ヒンドゥー教、ジッドゥ・クリシュナムルティ、アフリカの歴史、プラトンとアリストテレスの哲学的教え、^{[ 108 ]}そして禅仏教を探求した。^{[ 109 ]}

1965年10月、コルトレーンはヒンドゥー教の聖なる音節である「オーム」を録音した。この音節は無限または宇宙全体を象徴している。コルトレーンは「オーム」を「最初の音節、原始の言葉、力の言葉」と表現した。^{[ 110 ]} 29分間の録音には、ヒンドゥー教のバガヴァッド・ギーター^{[ 111 ]}と仏教のチベット死者の書^{[ 112 ]}からの詠唱、そしてすべてのものにおける宇宙的かつ精神的な共通項として原始的な言語表現「オーム」を説明する一節の朗読が含まれている。

コルトレーンの精神的な旅は、世界音楽の探求と密接に結びついていた。彼は民族の違いを超越する普遍的な音楽構造だけでなく、音楽そのものの神秘的な言語を操ることができると信じていた。インド音楽の研究を通して、彼は特定の音や音階が「特定の感情的な意味を生み出す」ことができると信じるようになった。コルトレーンによれば、音楽家の目標は、これらの力を理解し、制御し、聴衆から反応を引き出すことだった。彼はこう言った。「私は人々に幸福のようなものをもたらしたい。雨を降らせたいと思ったらすぐに雨が降り出すような方法を見つけたい。友人が病気になったら、ある曲を演奏すれば治るだろう。友人がお金に困ったら、別の曲を演奏すればすぐに必要なお金が手に入るだろう。」^{[ 113 ]}

• コルトレーン（ソロデビューLP；1957年）
• 青い列車(1958)
• ジョン・コルトレーンとレッド・ガーランド・トリオ（1958年）
• ソウルトレーン（1958年）

• ジャイアント・ステップス（1960年）
• コルトレーン・ジャズ（1961年）
• 私のお気に入り（1961年）
• オレ・コルトレーン(1961)

• アフリカ/ブラス(1961)
• コルトレーン「ライブ」アット・ザ・ヴィレッジ・ヴァンガード（1962年）
• コルトレーン（1962年）
• デューク・エリントン＆ジョン・コルトレーン（1963年）
• バラード（1963年）
• ジョン・コルトレーンとジョニー・ハートマン（1963年）
• 印象（1963年）
• ライブ・アット・バードランド（1964年）
• クレセント（1964年）
• ラブ・シュープリーム（1965年）
• ジョン・コルトレーン・カルテット・プレイズ（1965年）
• アセンション（1966年）
• ニューポートでの新たな出来事（1966年）
• 瞑想録（1966年）
• ヴィレッジ・ヴァンガードでのライブ・アゲイン！（1966年）
• クル・セ・ママ（1967年）
• 表現（1967年）