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ワーナー・レコード社（ 2019年まではワーナー・ブラザース・レコード社として知られていた）はアメリカのレコードレーベルである。ワーナー・ミュージック・グループの子会社であり、カリフォルニア州ロサンゼルスに本社を置いている。[ 1 ] 1958年3月19日にアメリカの映画スタジオ、ワーナー・ブラザース・ピクチャーズの録音音楽部門として設立された。[ 2 ]
サイレント映画時代の終わりに、ワーナー・ブラザース・ピクチャーズは、映画用の低コストの音楽コンテンツを入手できるように、出版と録音の分野に進出することを決定した。1928年、同スタジオは、M. Witmark & Sons 、Harms Inc.、New World Music Corp.の一部株式を含むいくつかの小規模音楽出版社を買収し、それらを合併してMusic Publishers Holding Companyを設立した。この新しいグループは、ジョージとアイラ・ガーシュウィン、ジェローム・カーンのスタンダード曲の貴重な著作権を管理しており、この新しい部門はすぐに年間最大200万ドルの堅実な利益を上げるようになった。[ 3 ]
1930年、ミュージック・パブリッシャーズ・ホールディング・カンパニー（MPHC）は、デューク・エリントン、レッド・ニコルズ、ニック・ルーカス、アル・ジョルソン、アール・バートネット、エセル・ウォーターズ、エイブ・ライマン、リロイ・カー、タンパ・レッド、メンフィス・ミニーといったアーティストを擁するブランズウィック・レコード（ヴォカリオンを含む）を2800万米ドルで買収し、ワーナー・ブラザーズへの売却後まもなく、ビング・クロスビー、ミルズ・ブラザーズ、ボズウェル・シスターズといった新進気鋭のラジオおよびレコーディング・スターと契約を結んだ。ワーナー・ブラザーズにとって残念なことに、大恐慌とラジオ放送の導入という二重の影響でレコード業界は大きな打撃を受けた。売上は激減し、1927年の1億枚以上から1932年には1000万枚未満に約90%も減少した[ 4 ] [ 5 ]。大手企業はレコードの価格を75セントから35セントに半額にせざるを得なかった[ 6 ] 。
1931年12月、ワーナー・ブラザーズはブランズウィックをアメリカン・レコード・コーポレーション（ARC）に、かつての価値のほんの一部で売却した。このリース契約にはブランズウィックのプレス工場は含まれていなかった。技術的には、ワーナーはブランズウィックの実際の所有権を保持していたが、1939年にARCがCBSに売却され、CBSがコロンビア・レーベルの復活を優先してブランズウィックを廃止することを決定したため、ブランズウィックはワーナー・ブラザーズに戻った。ワーナー・ブラザーズは1941年にブランズウィックを2度目に売却した（1931年までのブランズウィックのバックカタログも含む）。今回はワーナーが所有していたブランズウィックのプレス工場も一緒に、デッカ・レコード（1934年にアメリカ事業を開始）に売却し、デッカの財務上の利益を得た。[ 7 ]ブランズウィックの取引で被った巨額の損失により、ワーナー・ブラザーズはレコード事業からほぼ20年間遠ざかり、この間、映画音楽を他の会社にライセンス供与してサウンドトラック・アルバムとしてリリースした。[ 4 ]
ワーナー・ブラザースは、1958年3月19日に自社のレコード部門であるワーナー・ブラザース・レコードを設立し、レコード事業に復帰した。この頃には、ハリウッドの老舗スタジオは、かつての支配力に対する数々の挑戦に苦戦していた。中でも最も顕著なのは、1940年代後半にテレビが登場したことである。法改正も事業に大きな影響を与えた。1940年代後半には、大スターによる訴訟によって旧来のスタジオ契約制度は事実上崩壊し、1949年からは、米国政府による独占禁止法訴訟によって、5大スタジオは映画館チェーンを売却せざるを得なくなった。
1956年、ハリー・ワーナーとアルバート・ワーナーはスタジオの持ち分を売却し、取締役会には音楽ビジネスへの再拡大を支持する新たなメンバーが加わった。投資銀行チャールズ・アレン＆カンパニーのチャールズ・アレン、ボストン第一国立銀行のセルジュ・セメネンコ、そして投資家のデビッド・ベアードである。特にセメネンコはエンターテインメントビジネスに強い職業的関心を持っており、ジャック・ワーナーに「社内」レコードレーベルの設立を強く働きかけ始めた。レコードビジネスが活況を呈し、1958年までに売上高が5億ドルを超えたことを受け、セメネンコは、ワーナー・ブラザースが映画1本分の費用よりも少ない費用で自社レーベルを設立し、無期限に継続できる新たな収入源を生み出し、契約俳優を活用・宣伝するための新たな手段を提供できるのに、他社と契約してサウンドトラックをリリースするのは愚かなことだと主張した。[ 8 ]
レーベル設立のもう一つのきっかけは、ワーナー・ブラザースの俳優タブ・ハンターの音楽キャリアだった。ハンターはスタジオと専属俳優契約を結んでいたが、それがレコーディング契約を結ぶことを妨げることはなく、当時パラマウント・ピクチャーズが所有していたドット・レコードと契約を結んだ。ハンターはドットで全米ナンバーワン・シングル「ヤング・ラブ」（1957年）を含む数々のヒット曲を生み出し、ワーナー・ブラザースにとっては残念なことに、記者たちはハンターの最新のワーナー映画よりもヒットレコードについてばかり質問していた。1958年、スタジオはハンターを新設のレコード部門の最初のアーティストとして契約したが、その後のレーベルでのレコーディングはドットでの成功を再現することはできなかった。[ 9 ]
ワーナー・ブラザーズは1956年にインペリアル・レコードを買収することに合意したが、この取引は破談に終わったものの、心理的な壁を打ち破った。「会社が別のレーベルを買収する気があるなら、なぜ自社でレーベルを立ち上げないのか？」レーベル設立のため、同社は元コロンビア・レコード社長のジェームズ・B・コンクリングを雇い、創設時のA&Rディレクターはハリス・アッシュバーン、ジョージ・アヴァキアン、ボブ・プリンスであった。[ 9 ]コンクリングは業界で豊富な経験を持つ有能な管理者であり、コロンビアでLPフォーマットの立ち上げに尽力し、前年には全米録音芸術科学アカデミーの設立に重要な役割を果たしていた。 [ 10 ]しかし、コンクリングは明らかに中庸な音楽の趣味を持っており（彼はボーカルカルテット、キング・シスターズのドナ・キングと結婚していた）、そのため、業界の新たなトレンド、特に急速に成長していたロックンロール音楽市場にはややそぐわないものであった。[ 11 ]
ワーナー・ブラザーズ・レコードは1958年3月19日に営業を開始した。[ 12 ]初期のアルバムリリース（1958年～1960年）は、主流層の上流階級をターゲットとしており、ワーナー・ブラザーズは、新しい「ハイファイ」市場を狙ったステレオLPの録音において、先駆的な役割を果たした（ただし、大部分は成功しなかった）。この時期のカタログには以下が含まれる。
アルバムの中には、次のような冗談めいた、あるいは自虐的なタイトルが付けられているものもあった。
ほとんどすべてが商業的に失敗に終わった。[ 13 ]ワーナー・ブラザーズの最初の2年間でチャートインした唯一のアルバムは、同スタジオの人気シリーズ「77サンセット・ストリップ」のウォーレン・バーカーの「サウンドトラック」アルバムで、1959年に3位に達した。[ 14 ]タブ・ハンターの「Jealous Heart」（WB 5008）は62位に達し、ワーナー・ブラザーズの最初の1年間でチャートインした唯一のシングルだった。[ 15 ]
初期のワーナー・ブラザーズのシングル盤には、特徴的なピンク色のレーベルが付いており、上部中央にWBのロゴ、WBの盾の左側に白いヘレニックフォントで「WARNER」、右側に同じ色とスタイルのフォントで「BROS.」と書かれていました。盾の下には白いロックウェルフォントで「VITAPHONIC HIGH FIDELITY」と書かれており、この45回転盤のレーベルは1958年から1960年の2年間使用されました。この最初の45回転盤のレーベルはすぐに、9時の位置にWBの盾のロゴがあり、中央の穴を囲んでそこから外側を向いているさまざまな色の矢印（青、黄緑、黄色）が多数ある、すべて赤色の新しいレーベルに置き換えられました。最初のヒットは、アーヴィング・テイラーが作詞作曲したノベルティレコード「Kookie, Kookie (Lend Me Your Comb) 」で、ビルボードホット100で4位にランクインしました。名目上はワーナー契約俳優のエド・バーンズが歌った。彼はワーナーのテレビ探偵シリーズ「77サンセット・ストリップ」で、皮肉屋のヒップスター、ジェラルド・ロイド「クッキー」クックソン3世を演じていた。このレコーディングの裏話は、大手レコード会社がしばしば用いる悪質な商法を如実に示している。女優で歌手のコニー・スティーブンス（ワーナーのテレビシリーズ「ハワイアン・アイ」に出演）は、この曲のコーラスで歌声を披露したが、彼女のレコード契約では印税率5%を受け取る権利があったにもかかわらず、レーベルは彼女の貢献をバーンズへの好意と恣意的に解釈し、シングルのレーベルに彼女の名前が大きく表示されているにもかかわらず、彼女にはわずか1%の印税しか割り当てなかった。ワーナー・ブラザーズはまた、彼女にレコーディング費用の一部を請求し、その費用は大幅に減額された印税から回収されることになっていた。 1960年にスティーブンスが「 Sixteen Reasons 」でヒットシングルを出した際、ワーナー・ブラザーズはMPHCが出版していないという理由でハワイアン・アイでの演奏を許可せず、エド・サリバン・ショーでの歌唱も阻止したため、全国的なプロモーション（および5000ドルの出演料）を奪われた。[ 16 ]
2年間でヒット曲が2曲しか出なかったため、レーベルは1960年までに少なくとも300万ドルの損失を出し、深刻な財政難に陥った。[ 16 ] [ 17 ]音楽史家のフレドリック・ダネンは、レーベルが閉鎖されなかった唯一の理由は、ワーナーの取締役会が未払いの売掛金と在庫としてレーベルに支払われるべき追加の200万ドルを償却することに消極的だったためだと報告した。再編後、コンクリングはハーマン・スターに報告する義務を負った。彼はコンクリングと他のレコード会社の従業員グループによる買収提案を拒否したが、大幅なコスト削減と引き換えにレーベルの運営を続けることに同意した。スタッフは100人から30人に削減され、コンクリングは自主的に自分の給料を1000ドルから500ドルに減らした。[ 18 ]
ワーナー・ブラザーズは、売上を伸ばすためにロックンロール・アクトに目を向けたが、最初に契約したビル・ヘイリーは当時すでに全盛期を過ぎており、ヒット曲を出すことができなかった。レーベルは、次に契約したエヴァリー・ブラザーズの方が幸運だった。ワーナー・ブラザーズは、ケイデンス・レコードとの以前の契約が終了した後に彼らを獲得した。ハーマン・スターは、音楽史上初の100万ドル契約と言われる契約を承認することで、事実上会社の将来を賭けた。[ 19 ]この契約では、エヴァリー・ブラザーズに52万5000ドルが保証され、ロイヤリティ率は最大7%まで上昇し、当時の業界標準をはるかに上回っていた。[ 18 ]デュオはケイデンスとの契約が終了する頃にはすべての大手レーベルからオファーを受けていたが、兄弟が映画界に進出したいという野望を抱いており、ワーナーが映画スタジオとつながりがあったため、最終的にワーナーが勝ち残った。幸運なことに、エヴァリー・ブラザーズからの最初のシングル「キャシーズ・クラウン」は大ヒットとなり、全米チャートで1位を獲得し、800万枚以上を売り上げた。また、ワーナー・ブラザーズからのデビュー・アルバム『イッツ・エヴァリー・タイム』はアルバム・チャートで9位にランクインした。
1959年後半、ワーナー・ブラザースは、当時ほとんど無名だったシカゴを拠点とするコメディアン、ボブ・ニューハートと契約を結び、同レーベルのコメディへの継続的な関与の始まりとなった。ニューハートは同レーベルにとって次の大きな商業的成功をもたらした。1960年5月、「キャシーのピエロ」の成功から3か月後、ニューハートのデビューアルバム「ボブ・ニューハートのボタンダウン・マインド」は予想外にも全米チャートで1位を獲得し、14週間トップの座を維持し、2年以上チャートインし、60万枚以上を売り上げた。[ 18 ]この商業的成功を締めくくる形で、ニューハートは1961年のグラミー賞で3つの主要部門で歴史的な勝利を収めた。彼は『Button-Down Mind』で年間最優秀アルバム賞を受賞し、すぐにリリースされた次のアルバム『The Button-Down Mind Strikes Back』（1960年）は最優秀コメディ・パフォーマンス賞（スポークンワード部門）を受賞、そしてニューハート自身も最優秀新人賞を受賞した。これはグラミー賞史上初めてコメディ・アルバムが年間最優秀アルバム賞を受賞したことであり、コメディアンが最優秀新人賞を受賞した唯一の例である。
2008年にワーナー・ブラザーズ・レコードの公式歴史のインタビューを受けたニューハートは、レーベルと契約した当時、シカゴ以外では全く無名で、まだ会計士としてフルタイムで働いており、地元のラジオやテレビに数回出演しただけだったと回想している。彼のブレイクは、ワーナーのCEOジム・コンクリングを知っていた地元のDJダン・ソーキンの友人のおかげだった。ソーキンはニューハートに、彼のオリジナルスケッチをいくつかデモテープに録音するよう手配し、コンクリングはそれを聴いて気に入った。同様に驚くべきことに、ニューハートはアルバムを録音するまでクラブで演奏したことが一度もなかったことを明かした。ワーナーは、テキサス州ヒューストンのザ・タイドランズというクラブで彼の録音を手配し、1960年2月12日から2週間のオープニングアクトとして出演することになっていたが、ニューハートは初日の夜は「恐ろしかった」と率直に認めている。彼はすぐに、アルバムの片面分の素材しかないことに気づいたが、ワーナーのA&Rマネージャーであるジョージ・アヴァキアンがレコーディングのために到着する頃には、ニューハートはLPの両面を埋めるのに十分な新曲を急いで書き上げていた。ニューハートが4月にワーナーに連絡してアルバムの発売時期を尋ねたところ、ミネアポリスのラジオDJたちがこのアルバムを大ヒットさせ、地元紙がオンエア時間を掲載するほど人気になったため、レーベルが在庫すべてをミネアポリスに急いで送っていると聞いて驚いた。彼は、このアルバムの成功がほぼ瞬時に彼のキャリアをスタートさせ、すぐにエド・サリバン・ショーを含む出演オファーが殺到したことを回想している。数か月後、ニューハートが夕食の席でコンクリングとジャック・ワーナーに会ったとき、ワーナーが彼を「ワーナー・ブラザーズ・レコードを救った男」と熱烈に歓迎したことを覚えている。
1960年代初頭にレーベルの商業的、批評的な評価が好転したにもかかわらず、ジム・コンクリングは1961年にCEOを解任されるという予期せぬ事態に見舞われた。表向きの解任理由は、コンクリングがワーナー・ブラザーズの株を売却して約100万ドルもの利益を得ていたことが発覚し、ワーナーとスタジオ幹部が彼のレーベルへの献身を疑ったためとされた。しかし、レーベルの伝記作家ウォーレン・ゼーンズと元WBR幹部スタン・コーニンは、これは単なる口実であり、スタジオはコンクリングをレーベルの過去の失敗のスケープゴートにしたに過ぎないと指摘し、コンクリングの後任は解任されるずっと前に選ばれていたという事実を挙げた。コンクリングはその年の秋に辞任し、キャピトル・レコードの元幹部マイク・メイトランドが後任となった。ほぼ同時期に、ジョー・スミスがプロモーション部門の責任者に任命された。
ワーナー・ブラザーズは、フォークグループのピーター、ポール＆マリーと契約するという、またもや先見の明のある契約を結んだ。このトリオはアトランティック・レコードと契約寸前だったが、契約が完了する前にワーナー・ブラザーズに引き抜かれた。ワーナー・ブラザーズの出版会社の一つであるウィットマーク・ミュージックに勤務していたアーティ・モーグルが、彼らのマネージャーであるアルバート・グロスマンをハーマン・スターに紹介し、その結果、グループはワーナー・ブラザーズとレコーディングおよび出版契約を結んだ。グロスマンがグループのために結んだ契約は、レコーディング・アーティストにとって新たな地平を切り開いた。3万ドルの多額の前払い金が含まれており、最も重要なのは、トリオが音楽のレコーディングとパッケージングに関して完全なクリエイティブ・コントロールを持つことを規定することで、レコーディング契約の新たな基準を確立したことである。[ 20 ]
その後まもなく、グロスマンとモーグルは出版契約を結び、ウィットマークは最も収益性の高いクライアントの1人であるボブ・ディランを獲得した。グロスマンはディランのリーズ・ミュージックとの以前の契約を買い取り、当時無名だったシンガーソングライターを5000ドルの前払い金でウィットマークと契約させた。2年後の1963年、ピーター、ポール＆マリーはディランの曲で2曲連続トップ10ヒットを記録し、ディランのキャリアをスタートさせた。その後、ディランの曲をカバーするアーティストによるヒットが数多く生まれ、ディラン自身の商業的成功も高まっていった。グロスマンは、ディランのマネージャーとして25％の手数料を受け取っただけでなく、ディランの出版契約を、ディランの出版収入のウィットマークの取り分の50％を受け取るように構成したため、両方の契約から莫大な利益を得た[ 20 ] 。この戦術は後に、デヴィッド・ゲフィンなどの他の著名なアーティストマネージャーによって模倣された。
一方、同レーベルはコメディレコードでも大きな成功を収めた。ジョージ・バーンズの個人的な推薦で契約したコメディアンのアラン・シャーマンは、1962年にワーナーから初のLP『My Son, the Folk Singer』をリリースした。フォークブームを風刺したこのアルバムは、100万枚以上を売り上げ、ゴールドディスク賞を受賞する大ヒットとなり、当時アメリカでリリースされたLPの中で最速の売り上げを記録したとされている。シャーマンはまた、1963年後半にワーナー・ブラザースから3枚目のアルバム『My Son, The Nut』に収録された「Hello Muddah, Hello Faddah」（アメリカのサマーキャンプの伝統を風刺した曲）が予想外のヒットとなり、最高2位を記録した。
ビル・コスビーはその後すぐにブレイクし、1960年代後半までワーナー・ブラザーズからコメディLPを次々とリリースし、レーベルの快進撃を支え続けた。テレビ俳優としての画期的なキャリアと並行して、彼はその後6年間でワーナー・ブラザーズから数々の大ヒットアルバムを発表した。
レーベルの運命は、エヴァリー・ブラザーズ、ニューハート、フォークスターのピーター、ポール＆マリー、ジャズとポップのクロスオーバーヒットのジョアニー・ソマーズ、コメディアンのアラン・シャーマンのおかげで、1962年までにようやく好転し、ワーナー・ブラザーズ・レコードは設立以来初めて1961～62会計年度を黒字で終えた。[ 21 ]
1963年8月、ワーナー・ブラザースは、フランク・シナトラの経営難に陥っていたリプリーズ・レコードを「救済買収」し、シナトラをレコーディング・アーティストおよびワーナー・ブラザース・ピクチャーズの俳優として獲得する契約を結んだ。この契約の総額は約1000万米ドルと評価され、シナトラは合併後のレコード会社の3分の1の株式とワーナー/リプリーズの取締役会の席を得た。ワーナー・ブラザース・レコードの社長マイク・メイトランドが新会社の社長に就任し、モー・オースティンはリプリーズ・レーベルのマネージャーとして留任した。[ 18 ] [ 22 ]
リプリーズは買収当時多額の負債を抱えており、ワーナー・レコードの経営陣は買収によってバランスシートが再び赤字になることに落胆したと伝えられているが、彼らに選択の余地はなかった。ワーナー・ブラザーズの取締役でジャック・ワーナーの側近であるベン・カルメンソンは、レーベルの取締役をニューヨークでの会議に招集し、彼とワーナーの両方がこの取引を望んでおり、賛成票を投じることを期待していると明言した。[ 23 ]
こうした懸念にもかかわらず、この買収は最終的にワーナーグループにとって非常に有益であることが証明された。リプリーズは、シナトラの有名なカムバックとシナトラと娘のナンシーのヒットのおかげで1960年代後半に繁栄し、レーベルはキンクスとジミ・ヘンドリックスの録音の米国配給権も獲得した。会社の将来にとって最も重要なことは、合併によってリプリーズのマネージャーであるモー・オースティンがワーナーの傘下に入り、「ワーナー・ブラザーズにとっての彼の最終的な価値はシナトラをはるかに凌駕するだろう」[ 24 ]ということである。オースティンのビジネスと音楽の直感、そしてアーティストとの良好な関係は、その後の20年間のワーナーレーベルの成功にとって極めて重要であることが証明された。
1964年、ワーナー・ブラザーズはR&Bアーティストに特化したレーベル、ロマ・レコードを立ち上げた。キング・レコードの元プロモーション担当者ボブ・クラスノウが運営するこのレーベルは、 100枚以上のシングルと5枚のアルバムをリリースしたが、成功は限定的で、1968年に解散した。[ 25 ]
この時期にワーナー・ブラザーズのスタッフに加わった重要な人物の一人がエド・スラッシャーで、彼は1964年にコロンビア・レコードからワーナー/リプリーズに移籍し、アートディレクターに就任した。ワーナー系列レーベルで彼が手がけた作品には、ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスの『Are You Experienced』、ヴァン・モリソンの『 Astral Weeks 』 、グレイトフル・デッドの『Anthem of the Sun』、ドゥービー・ブラザーズの『Toulouse Street』、タイニー・ティムの『God Bless Tiny Tim』、そしてジョニ・ミッチェルの『Clouds』などがあり、後者はミュージシャン自身がレコードジャケットのアートワークを制作するというトレンドのきっかけとなった。1973年、フランク・シナトラがカムバック・アルバムで引退から復帰した際、スラッシャーはジャケット用に自然な写真を撮影し、アルバムタイトル『Ol' Blue Eyes Is Back 』も考案した。このタイトルは、シナトラのレコーディングとツアーへの復帰を宣伝するために広く使われた。アルバムカバーの仕事に加えて、スラッシャーは1964年から1979年にかけてワーナー・ブラザースの広告やポスターの多くをアートディレクションした。[ 26 ]
1964年、ワーナー・ブラザーズはフランスのレーベルであるディスク・ヴォーグとワーナー・ブラザーズのイギリスの配給会社であるパイ・レコードと交渉し、ペトゥラ・クラークの米国でのレコード配給権を獲得した（この権利は以前はローリー・レコードが保有していた）。[ 9 ]クラークはすぐに「ダウンタウン」で全米ナンバーワンヒットを記録した。ワーナーはパイの他のアーティストも米国市場でリリースし、その見返りとして、パイは1964年から1970年までワーナーが英国でリリースしたレコードを配給した。[ 27 ]
レーベルの歴史におけるもう一つの重要な出来事は、1966年にオースティンが若き独立系プロデューサーのレニー・ワロンカーをA&Rマネージャーとして雇い、二人の間に強力で永続的な師弟関係が始まったことである。リバティ・レコードの創設者サイモン・ワロンカーの息子であるワロンカーは、以前はリバティのプロデューサー、スナッフ・ギャレットのアシスタントとして働いていた。[ 28 ]その後、彼はディスクジョッキーのトム・ドナヒュー、ボビー・ミッチェル、シルベスター・スチュワート（後にスライ・ストーンという芸名でミュージシャンとして有名になる）によって設立されたサンフランシスコの小規模レーベル、オータム・レコードで働いた。
ウォーロンカーは、オータムのいくつかのアーティスト、例えばティキーズ（後にハーパーズ・ビザールとなる）、ボー・ブラメルズ、モジョ・メンなどのフリーランスのプロデューサーとして雇われており、これらのレコーディングセッションのために、当時ロサンゼルスの音楽シーンで地位を確立しつつあった数人のミュージシャンの友人、作曲家/ミュージシャンのランディ・ニューマン（幼なじみ）、レオン・ラッセル、ヴァン・ダイク・パークスを招き入れた。彼らは共に、ワーナー・ブラザーズでウォーロンカーを中心としたクリエイティブサロンの基盤となり、オースティンの継続的な支援により、ワーナー・レコードがロック音楽レーベルとしてその後成功を収めるきっかけとなった。[ 29 ]当初、ウォーロンカーはワーナー・ブラザーズが1万ドルでオータム・レコードを買収した際に引き継いだアーティストの面倒を見ていたが、その年、彼はロサンゼルスで台頭しつつあったバンド、バッファロー・スプリングフィールドにも熱心にアプローチした。 （彼とオースティンにとっては残念なことに）バンドは最終的にアトランティック・レコードと契約したが、アトランティックがワーナー・ブラザース・レコードに買収された後、彼らはワーナー・ブラザースのカタログの一部となった。
1967年、ワーナー・ブラザーズはヴァリアント・レコードを買収し、ヒット曲を連発するハーモニー・ポップ・グループ、アソシエーションをワーナーの所属アーティストに加えた。[ 30 ]この買収はワーナー・ブラザーズにとってまたしても大きな利益を生むものとなった。アソシエーションは1960年代後半に数々の大ヒットを飛ばし、1967年のヒット曲「ネヴァー・マイ・ラブ」は20世紀にアメリカのラジオとテレビで2番目に多く放送された曲となった。[ 31 ]同年、ワーナー・ブラザーズはサンフランシスコを代表するサイケデリック・ロック・グループ、グレイトフル・デッドと契約し、急成長するロック市場への最初の慎重な一歩を踏み出した。ワーナー・ブラザーズはサンフランシスコのノースビーチにあるフガジ・ホールでバンドのリリース・パーティーを開催した。コンサート中、ワーナーのA&Rマネージャーであるジョー・スミスがステージに上がり、「グレイトフル・デッドとその音楽を世界に紹介できることは、私にとって大変光栄なことです」と発表すると、皮肉屋のジェリー・ガルシアが「グレイトフル・デッドがワーナー・ブラザーズ・レコードを世界に紹介できることは、私にとって大変光栄なことです」と冗談めかして返した。[ 32 ]
また、1967年にはワーナー/リプリーズがカナダ事業会社ワーナー・リプリーズ・カナダ社を設立し、コンポ社との配給契約を解消した。これがワーナー・ミュージック・カナダの起源である。[ 33 ]
1966年11月、ワーナー・グループ全体がエリオット・ハイマンが所有するニューヨークを拠点とするセブン・アーツ・プロダクションズに買収され、合併した。セブン・アーツは古い映画やアニメをテレビに配給することを専門としており、スタンリー・キューブリックの『ロリータ』をはじめとする数々の重要な長編映画を他のスタジオのために独自に製作し、著名なイギリスのスタジオであるハマー・フィルムズとも成功した製作提携を築いていた。ハイマンがジャック・L・ワーナーのワーナー・グループの支配株を3200万ドルで買収したことは映画界に衝撃を与えた。ワーナー・レコードの幹部ジョー・スミスは後にこう冗談を言った。
…まるでパサデナ・スター・ニュースがニューヨーク・タイムズを買収したかのようだ。それほどばかげている。」[ 34 ]
新たに合併したグループはワーナー・ブラザース・セブン・アーツと改名された（業界誌では、新しいロゴに採用した略称「W7」で呼ばれることが多かった）。ワーナー・ブラザース・ピクチャーズは経営難に陥っていたものの、買収は音楽業界の著しい成長期と重なり、ワーナー・リプライズは業界の主要プレーヤーへと成長し始めた。ハイマンの投資銀行家であるチャールズ・アレン・アンド・カンパニーのアラン・ハーシュフェルドは、同社のレコード保有を拡大するよう彼に促し、大手独立系レーベルであるアトランティック・レコードの共同オーナーであるジェリー・ウェクスラー、アーメット・エルテガン、ネスヒ・エルテガンとの会合をアレンジし、最終的に1968年のアトランティック買収につながった。
1967年6月、モー・オースティンは、アソシエーションがオープニングセットを演奏した歴史的なモントレー国際ポップフェスティバルに参加した。オースティンは、ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスの録音を実際に見ることなく、すでに米国での権利を取得していたが、ヘンドリックスの今や有名なパフォーマンスには感銘を受けなかったと言われている。滞在中、彼はフェスティバルプロモーターのルー・アドラーのアシスタントとしてモントレーに来ていたアンディ・ウィッカムと出会った。ウィッカムはロンドンで商業アーティストとして働き、その後アンドリュー・ルーグ・オールダムのイミディエイト・レコードで働いた後、ロサンゼルスに移り、アドラーのダンヒル・レーベルで働いていた。オースティンは当初、ウィッカムをワーナーの「ハウス・ヒッピー」として、週200ドルの高額な報酬で雇った。ローレル・キャニオン周辺で活動していたウィッカムは、新しい才能を発掘し、ワーナー・ブラザーズが契約しようとしていた若いミュージシャンたちと親交を深めた。レニー・ワロンカーと同様に、ウィッカムの若さ、知性、そしてヒップな姿勢は、彼が「若いパフォーマーとワーナーの旧世代の「体制」との間の世代間のギャップ」を埋めることを可能にした。[ 35 ]彼は、エリック・アンダーセン、ジェスロ・タル、ヴァン・モリソン、そしてジョニ・ミッチェル（リプリーズと契約）の契約において重要な役割を果たし、ウィッカムは入社後最初の週にオースティンに彼らを推薦することに成功した。[ 36 ]その後30年間、ウィッカムはワーナーで最も影響力のあるA&Rマネージャーの一人となり、エミルー・ハリス、バック・オーウェンズ、ノルウェーのポップトリオa-haなどの著名なアーティストと契約した。
この形成期には、ワーナー・ブラザーズはランディ・ニューマンやヴァン・ダイク・パークスなど、他にも注目すべき新人アーティストを何人も契約した。ニューマンは1970年代半ばまで商業的なブレイクスルーを果たせなかったが、スリー・ドッグ・ナイトやアラン・プライスなどのアーティストにカバーされた自身の楽曲のおかげで業界で高い知名度を獲得した。ワーナー・ブラザーズは売れ行きの悪いアルバムに多額の費用を費やし、プロモーション戦略にもいくつかの失敗があったものの、グレイトフル・デッドのような型破りなアーティストや、ニューマンやパークスのような批評家から高く評価された「カルト」アーティストの存在、そしてレーベルが彼らに与えた芸術的自由が相まって、ワーナー・ブラザーズの評判と信頼性を築く上で重要な役割を果たした。ワーナー・ブラザーズの社長を短期間務めたボブ・クラスノウは、短命に終わった「黒人」レーベルのロマ・レコードは後に、グレイトフル・デッドが「まさに飛躍台だった。人々は『彼らがデッドと契約するなら、正しい方向に向かっているに違いない』と言った」とコメントした。[ 37 ]
当時一般にはあまり知られていなかったものの、ヴァン・ダイク・パークスはセッション・ミュージシャンやソングライターとしての活動（特にザ・バーズやハーパーズ・ビザールとの共作）や、伝説的な未発表のビーチ・ボーイズのアルバム『スマイル』でのブライアン・ウィルソンとのコラボレーションで有名になったことから、ロサンゼルスの音楽シーンでは高い評価を得ていた。1967年、レニー・ワロンカーはパークスのワーナー・デビュー・アルバム『ソング・サイクル』をプロデュースしたが、録音費用は3万5000ドル以上かかったと言われており、当時としては最も高額な「ポップ」アルバムの一つとなった。批評家からは絶賛されたにもかかわらず売れ行きは芳しくなかったため、広報担当のスタン・コーニン（グレイトフル・デッドとの契約をレーベルに持ち込んだ人物）は、このアルバムを宣伝するために悪名高い皮肉たっぷりの広告を書いた。その広告は、レーベルが「『年間最優秀アルバム』で35,509ドルも損した（ちくしょう）」と生意気に宣言し、アルバムを購入した人は何度も繰り返し聴いておそらくコピーが擦り切れたのだろうと示唆し、リスナーは擦り切れたと思われるコピーをワーナー・ブラザーズに送り返せば、新しいコピー2枚と交換し、そのうち1枚は「友人を教育するため」に使えると申し出た。この戦術に憤慨したパークスは、コーニンが自分のキャリアを潰そうとしていると非難した。コーニンはジョニ・ミッチェルでも同様のトラブルに見舞われた。ミッチェルはまだ市場で大きな成功を収めていないというメッセージを伝えるための広告を書いたが、「ジョニ・ミッチェルは90％処女」というキャッチフレーズがミッチェルを泣かせたと言われており、コーニンはそれを掲載から撤回せざるを得なかった。[ 38 ]
ワーナー・ブラザーズも、看板ロックバンドであるグレイトフル・デッドで苦労していた。グレイトフル・デッドは、ピーター、ポール＆マリーと同様に、自分たちの音楽のレコーディングとパッケージングに関して完全な芸術的コントロールを交渉していた。[ 37 ]デビューアルバムはわずか4日間でレコーディングされ、大ヒットとはならなかったものの、全米トップ50アルバムチャートにランクインし、着実に売れ、最終的に1971年にゴールドディスクを獲得した。セカンドアルバムでは、グレイトフル・デッドははるかに実験的なアプローチを取り、1967年9月から1968年3月までの7ヶ月に及ぶマラソンレコーディングセッションに着手した。彼らはファーストアルバムをプロデュースしたデヴィッド・ハッシンガーと共にアルバム制作を開始したが、ハッシンガーは1967年12月にニューヨーク市でレコーディング中に不満を抱きプロジェクトを離脱した（ただし、アルバムではバンドと共同でクレジットされている）。その後、グループとコンサートのサウンドエンジニアであるダン・ヒーリーがアルバムの制作を引き継ぎ、スタジオ素材とコンサートのマルチトラック録音を混ぜ合わせるという異例の措置を取った。『Anthem of the Sun』はグレイトフル・デッドの1960年代のアルバムの中で最も売れなかった作品となった。売れ行きは悪く、長期間のレコーディングセッションによりバンドはレーベルに10万ドル以上の負債を抱えることになった[ 38 ]。ワーナー・ブラザーズの重役ジョー・スミスは後にこれを「我々がこれまで関わった中で最も非合理的なプロジェクト」と評した[ 39 ] 。
グレイトフル・デッドとワーナー・ブラザーズ・レコードの関係は、3枚目のアルバム『Aoxomoxoa』（1969年）の制作によってさらに悪化した。このアルバムもレコーディングに約7ヶ月かかり、制作費は18万ドルと前作のほぼ2倍だった。売れ行きは悪く、ゴールドディスク認定を受けるまでに30年近くかかった。[ 40 ] 1971年には、バンドがワーナー・ブラザーズに『Skull Fuck』というタイトルのライブ・ダブル・アルバムの企画を持ち込んだ際にも、さらなる困難が生じたが、オースティンは外交的にこの問題に対処した。彼は、リリースをきっぱりと拒否するのではなく、グレイトフル・デッドがワーナーに多額の負債を抱えており、返済されるまで印税を受け取れないことを彼らに思い出させた。また、挑発的なタイトルはシアーズなどの大手小売店が取り扱いを拒否するため、売上に悪影響を与えることは避けられないと指摘した。収入が減ることを悟ったバンドは、自主的にバンド名をグレイトフル・デッド（通称スカル・アンド・ローゼズ）に変更した。[ 37 ]
この時期のワーナー・ブラザーズの最大の商業的成功のいくつかは、「サンシャイン・ポップ」のアーティストによるものだった。ハーパーズ・ビザールは、 1967年4月にサイモン＆ガーファンクルの「59番街橋の歌（フィーリン・グルーヴィー）」のカバーでビルボードチャート13位を獲得し[ 41 ] 、その1か月後にはアソシエーションが「ウィンディ」で全米1位を獲得、ワーナー・ブラザーズからのファースト・アルバム『インサイト・アウト』でアルバムチャート8位にランクインした。彼らの次のシングル「Never My Love」も1967年秋にチャートのトップに立ち（ビルボード2位、キャッシュボックス1位）、ワーナー・ブラザーズのレコーディングの中で最も成功した曲の1つとしてランクインしている。この曲はラジオの定番となり、BMIによって20世紀のアメリカのラジオで2番目に多く放送された曲として認定されており、ビートルズの「 Yesterday 」とベン・E・キングの「Stand by Me」の両方を上回っている。[ 42 ]グループの1968年のベストアルバムも大ヒットし、アメリカのアルバムチャートで4位に達した。1968年には、メイソン・ウィリアムズのインストゥルメンタル曲「Classical Gas 」がビルボードチャートで2位に達し、100万枚以上を売り上げ、ウィリアムズはその年に3つのグラミー賞を受賞した。
この時期のワーナー・レコードからの注目すべきリリース作品としては、ヴァン・モリソンの2枚目のソロ・アルバム『アストラル・ウィークス』（1枚目は『バング』）が挙げられる。モリソンは1968年にワーナーと契約を結んだ。発売当初の売れ行きは比較的悪く（ゴールドディスク認定を受けたのは2001年）、しかしながら世界中のミュージシャンや評論家から広く称賛され、数々の「史上最高のアルバム」リストに名を連ね、1968年以来ほぼ途切れることなくリリースされ続けている。
1968年、W7はワーナー/リプリーズの利益を使って、アトランティック・レコードを1750万ドルで買収した。これには、レーベルの貴重なアーカイブ、増え続ける新人アーティスト、そしてジェリー・ウェクスラー、ネスヒ・エルテガン、アーメット・エルテガンの3人の著名な幹部のサービスが含まれていた。しかし、この買収は再びワーナー/リプリーズの経営陣の間で不満を引き起こした。彼らは、苦労して得た利益がアトランティックの買収に流用されたこと、そしてアトランティックの幹部がワーナー・セブン・アーツの大株主になったことに憤慨した。この取引により、エルテガン兄弟とウェクスラーは合わせてワーナー・ブラザーズの普通株6万6000株を取得した。[ 43 ]
1968年6月1日、ビルボード誌は、ワーナー・ブラザース・レコードのスターコメディアン、ビル・コスビーが5年間で350万ドルの契約更新オファーを断り、同年8月にレーベルを離れて自身のテトラグラマトン・レコードでレコーディングを行うと発表した。[ 44 ] 1か月強後（7月13日）、ビルボード誌はワーナー・セブン・アーツ音楽部門全体の大規模な再編成を報じた。マイク・メイトランドは録音音楽と出版事業の両方のエグゼクティブ・バイスプレジデントに昇進し、ジョージ・リーがビクター・ブラウの後任としてレコーディング部門の運営責任者に就任した。この再編成により、1960年に導入された報告体制も変更され、この時点からワーナーの出版部門はメイトランドの指揮下にあるレコード部門に報告することになった。ビルボードの記事では、W7の音楽事業の驚異的な成長と極めて重要な意義についても言及されており、当時、音楽事業はワーナー・セブン・アーツの収益の大部分を占めていた。その会計年度の最初の9か月間で、録音部門と出版部門は同社の総利益の74%を生み出し、出版部門だけでもASCAPの音楽利用者からの徴収額のうち200万ドル以上を占めていた。[ 45 ]
1969年、ワーナー・ブラザース・セブン・アーツは、ニューヨークの実業家スティーブ・J・ロスが率いるキニー・ナショナル・カンパニーに買収された。ロスは1992年に亡くなるまで、ワーナー・グループを成功裏に率いた。4億ドルの買収により、ワーナーの映画、テレビ、レコード、音楽出版部門とキニーの多角的な事業を統合した新たな複合企業が誕生した。ロスは1950年代後半、家族経営の葬儀社で働きながらキニーを設立した。夜間に使われていない会社の車を活用する機会に着目した彼は、レンタカー事業を立ち上げ、成功を収めた。この事業は後にキニーの駐車場会社と合併した。ロスは1962年に同社を株式公開し、この基盤から1966年から1968年にかけて急速に拡大し、1966年にナショナル・クリーニング・サービスと合併してキニー・ナショナル・カンパニーを設立し[ 46 ]、その後、今後ワーナー・グループにとって非常に価値のある企業となる一連の企業を買収した。ナショナル・ピリオディカル・パブリケーションズ（ DCコミックスとオール・アメリカン・コミックスを含む）、アシュリー・フェイマス・タレント・エージェンシー、パナビジョンなどである[ 47 ]。
1969年の夏、アトランティック・レコードはワーナー・ブラザーズ・レコードの海外部門設立を支援することに同意したが、ワーナーの幹部フィル・ローズがオーストラリアに到着し、現地子会社の設立を開始したところ、わずか1週間前にアトランティックがワーナー・ブラザーズに知らせずに地元のレーベルであるフェスティバル・レコードと4年間の新たな制作・配給契約を結んでいたことが判明した。
1969年、マイク・メイトランドとアーメット・アーティガンのライバル関係は急速に全面的な経営権争いに発展したが、スティーブ・ロスはアーティガンを支持し、この対立は1970年1月25日にメイトランドが解任されるという結果に終わった。彼はワーナー・ブラザース・ピクチャーズからの仕事のオファーを断り、同社を去り、その後MCAレコードの社長となった。モー・オースティンがワーナー・ブラザース・レコードの社長に任命され、ジョー・スミスが副社長に就任した。[ 48 ]
1970年に「セブン・アーツ」という名称は廃止され、WBシールドが再びワーナー・ブラザース・レコードのロゴとなった。[ 49 ]
1967年のグレイトフル・デッドとの契約を皮切りに、ワーナー・ブラザーズ・レコードとその関連レーベルは、1970年代を通じて多様で名声のあるロックやポップ・アーティストのラインナップを着実に築き上げ、「アーティスト第一」のレコード会社として確固たる評判を確立した。 1973年にワーナー・ブラザース・レコード社の副社長を務めたエドワード・ウェストと、モー・オースティン、チェイソン・サミュエル、デヴィッド・ゲフィン、ジョー・スミス、スタン・コーニン、レニー・ワロンカー、アンディ・ウィッカム、ラス・ティテルマン、そして元ワーナー・ブラザース所属のレコーディング・アーティスト（ハーパーズ・ビザール所属）テッド・テンプルマンなどの幹部、A&Rマネージャー、スタッフ・プロデューサーの指導の下、売上は10年間を通して着実に伸び、1970年代末にはワーナー・ブラザースとその姉妹レーベルは、フリートウッド・マック、ジェームス・テイラー、ヴァン・モリソン、アメリカ、アリス・クーパー、カーリー・サイモン、ヴァン・ヘイレン、ドゥービー・ブラザーズ、ボニー・レイット、チャカ・カーン、アンブロージア、リッキー・リー・ジョーンズといったスターが名を連ねる、世界有数のレコーディング・グループとなった。この成功は、同グループの貴重なバックカタログと、サイアー、ヴァーティゴ、アイランド・レコード（1975～1982年）などのアメリカおよび国際的なレーベルとの収益性の高いライセンス契約によってさらに強化された。これらの契約により、ワーナー・ブラザースはディープ・パープル、ジェスロ・タル、ブラック・サバス、ロキシー・ミュージック、キング・クリムゾン、クラフトワークなどのイギリスおよびヨーロッパの主要ロック・アーティストのアメリカでの配給権を獲得した。FMラジオの普及とアルバム指向のロック・フォーマットの発展に後押しされ、LPは1970年代を通じてワーナー・ブラザースの売上成功の主要な手段となったが、ドゥービー・ブラザーズやアメリカなどのアーティストもアメリカおよび国際的に多くのヒット・シングルを生み出した。
1970年代初頭にワーナー・ブラザーズからリリースされたアルバムの中で、批評的にも商業的にも成功を収めた最初の作品の一つが、ヴァン・モリソンの3枚目のソロ・アルバム『ムーンダンス』だった。このアルバムは、彼独特のロック、ジャズ、R&Bの融合を確固たるものにし、批評家から絶賛され、売れ行きも好調だった。アメリカとイギリスの両方でアルバム・チャートのトップ40入りを果たし、シングル「カム・ランニング」はアメリカのトップ40ヒット（ビルボード誌で39位）となり、タイトル曲はラジオで定番曲となった。
イギリスのバンド、ブラック・サバスは、母国でフィリップス・レコードのプログレッシブ・レーベルであるヴァーティゴと契約した。イギリスでEMIのパーロフォンとハーベスト・レーベルでレコーディングを行ったディープ・パープルは、当初アメリカで独立系レーベルのテトラグラマトン・レコードと契約したが、同レーベルはワーナー・ブラザーズが配給し、1970年に倒産した後、ワーナー・ブラザーズが買収した。ブラック・サバスのセルフタイトルのデビュー・アルバム（わずか2日間でレコーディング）は、全英アルバム・チャートで8位、ビルボード200で23位にランクインし、1年以上その順位を維持した[ 50 ] [ 51 ]。一部の否定的なレビューにもかかわらず、売れ行きは好調だった[ 52 ] 。その後、アメリカではRIAA（レコード産業協会）、イギリスではBPI（英国レコード産業協会）によってプラチナ認定を受けた。[ 53 ] [ 54 ]サバスのセカンドアルバムは当初「ウォー・ピッグス」というタイトルになる予定だったが、ワーナー・ブラザーズ・レコードは消費者の反発を恐れてタイトルを「パラノイド」に変更した。1971年に全米アルバムチャートでトップ10入りを果たし、ラジオでのオンエアはほとんどなかったにもかかわらず、米国だけで400万枚を売り上げた。[ 55 ] [ 51 ]
1970年までに、「セブン・アーツ」は社名から削除され、WBの盾のマークが再びワーナー・ブラザース・レコードのロゴとなった。1972年、駐車場事業における財務スキャンダルにより、キニー・ナショナルはエンターテインメント以外の資産を分離せざるを得なくなり、ワーナーのレコーディング、出版、映画部門は、新たに設立された統括会社であるワーナー・コミュニケーションズの一部となった。
1970年7月、ワーナー・レコードはジャック・ホルツマンのエレクトラ・レコードを1000万ドルで買収し、またもや名声ある資産を手に入れた。アトランティックと同様、この買収によってドアーズ、ラブ、ポール・バターフィールド・ブルース・バンド、ティム・バックリー、ストゥージズ、MC5、ブレッドといった非常に価値の高いバックカタログが手に入ったが、エレクトラはすぐにワーナー傘下でより多くの大ヒット曲を生み出し始めた。最近契約したカーリー・サイモンは1971年に「That's the Way I've Always Heard It Should Be」と「Anticipation」で2曲連続でトップ20入りを果たし、最初の2枚のアルバムはどちらもビルボード・トップ50入りしたが、翌年には国際的な大ヒット曲「You're So Vain」とアルバム「No Secrets 」でシングルとアルバムのチャートでトップに立ち、どちらもアメリカで1位を獲得した。ジャック・ホルツマンは1972年までレーベルを運営し、その後デヴィッド・ゲフィンが後任となり、エレクトラはゲフィンのレーベルであるアサイラム・レコードと合併した。ゲフィンは1975年に健康上の理由で辞任を余儀なくされ、ジョー・スミスが後任の社長に任命されたが、その後レーベルの業績は著しく悪化し、スミスの在任期間の最後の2年間でエレクトラ・アサイラムは約2700万ドルの損失を出したと伝えられている。[ 56 ]
3つのレコード会社を共同所有するにあたり、次のステップは、製品の流通をより適切に管理し、新人アーティストのレコードが確実に手に入るようにするため、当初はキニー・レコード・ディストリビューティング・コーポレーションと呼ばれたグループ内の流通部門を設立することだった。[ 57 ]
1971年、イギリスを拠点とするポップロックトリオ、アメリカは、当時設立されたばかりのワーナー・ブラザーズのイギリス支社と契約を結んだ。同年後半にリリースされたデビューアルバムは、当初はそこそこの成功にとどまったが、1972年初頭にシングル「 A Horse with No Name」が世界的な大ヒットとなり、アメリカで1位を獲得した。ワーナーは急遽この曲を収録したアルバムを再発売し、これもまた大ヒットとなり、アメリカのアルバムチャートで1位を獲得、最終的にはプラチナレコードの認定を受けた。ニール・ヤングとの類似性から批判されたものの（実際、ヤングが匿名でこの曲を録音したという噂がハリウッドで広まった[ 58 ]）、アメリカはその後3年間でさらに5曲の全米トップ10シングルを出し、1975年には「Sister Golden Hair」で2度目の全米ナンバーワンを獲得した。アルバムもチャートで非常に好調で、最初の7枚のアルバムはすべて全米トップ40入りを果たし、そのうち5枚はトップ10入り、1枚（「Hat Trick」、1973年）を除いてすべてゴールドまたはプラチナ認定を受けた。1975年のベストアルバムはロングセラーとなり、現在では4×プラチナ認定を受けている。
1972年、ディオンヌ・ワーウィックはセプター・レコードを離れ、ワーナー・ブラザーズ・レコードと契約を結んだ。これは当時、女性レコーディング・アーティストとしては最大の契約だったが、ワーナー・ブラザーズでの5年間は、セプター時代の華々しいヒット曲の連発に比べると、比較的成功とは言えなかった。
出だしは遅かったものの、ドゥービー・ブラザーズはワーナー・ブラザーズが契約したアーティストの中で最も成功したグループの一つとなった。デビュー・アルバムは大きな反響を呼ばなかったが、セカンド・アルバム『トゥールーズ・ストリート』（1972年）は全米チャート21位にランクインし、「Listen to the Music」と「Jesus is Just Alright 」という2曲の全米トップ40シングルを生み出し、その後5年間にわたってヒット・アルバムやシングルを連発した。サード・アルバム『キャプテン・アンド・ミー』はさらに成功を収め、全米チャート7位にランクインし、「China Grove」（15位）と「Long Train Runnin'」（8位）という2曲のヒット・シングルを生み出した。このアルバムはコンスタントに売れ続け、現在ではRIAAからダブル・プラチナ認定を受けている。 『 What Were Once Vices Are Now Habits 』（1974年）は全米チャート4位にランクインし、初の全米1位シングル「 Black Water 」（1975年）を含む2曲のヒットを生み出した。スタンピードは全米チャートで4位にランクインし、モータウンのカバー曲「テイク・ミー・イン・ユア・アームズ（ロック・ミー・ア・リトル・ホワイル）」でヒットシングルを生み出した（全米11位）。
ワーナー・ブラザーズ・レコードが新人アーティストを育成することで知られていたことは、アリス・クーパー（元々はバンド名だったが、後に歌手でメインソングライターのヴィンス・ファーニアのステージネーム／ペルソナとして使われるようになった）のキャリアによって証明された。アリス・クーパー・バンドは、フランク・ザッパのワーナー配給レーベルであるストレート・レコードで2枚のアルバムを録音したが、いずれも成功しなかった。その後、プロデューサーのボブ・エズリンと組んだが、彼は長年のコラボレーターとなった。3枚目のLP『Love it to Death』（元々はストレートからリリースされ、後にワーナー・ブラザーズから再リリースされた）はビルボード・アルバム・チャートで35位にランクインし、ヒットシングル「I'm Eighteen」を生み出し、21位にランクインした。1971年のヨーロッパ・ツアーが大成功を収めた後、ワーナー・ブラザーズ・レコードはバンドに複数枚のアルバム契約を提示した。ワーナー・ブラザーズからの最初のアルバム『Killer』はよく売れ、シングル「Halo of Flies」はオランダでトップ10入りを果たしたが、彼らを本当に有名にしたのは次のアルバム『School's Out』（1972年）だった。タイトル曲はアメリカでトップ10ヒットとなり、イギリスでは1位を獲得し、ラジオの定番曲となった。アルバムはアメリカで2位となり、100万枚以上を売り上げた。『Billion Dollar Babies』（1973年）は彼らの最大のヒットとなり、アメリカとイギリスの両方で1位を獲得した。続く『Muscle of Love』（1973年）はそれほど成功しなかったが、シングル「Teenage Lament '74」はイギリスでトップ20ヒットとなった。ファーニエは1974年にバンドを脱退し、ワーナー・ブラザーズの姉妹レーベルであるアトランティックとソロアーティストとして契約し、ソロアルバムやシングルでさらに成功を収めた。
1973年、フランク・ザッパとマネージャーのハーブ・コーエンはストレート・レコードとビザール・レコードを閉鎖し、ワーナー・ブラザーズとの配給契約を維持したまま、ディスクリート・レコードという新しいレーベルを設立した。ザッパの次のアルバム『アポストロフィ（'）』 （1973年）は彼のキャリアで最大の商業的成功を収め、ビルボード・アルバム・チャートで10位にランクインし、シングル「ドント・イート・ザ・イエロー・スノー」は小ヒットとなり、（当時）ホット100チャートにランクインした唯一のシングルとなった。ザッパはまた、ライブ・ダブル・アルバム『ロキシー・アンド・エルスウェア』（1974年）と次のスタジオ・アルバム『ワン・サイズ・フィッツ・オール』（1975年）でもそこそこの商業的成功を収め、どちらもビルボード・アルバム・チャートでトップ30入りを果たした。
WBRは1973年半ばにLPとシングルの新しいレーベルデザインを導入した。このデザインは1978年半ばまで使用され、ヤシとユーカリが並ぶバーバンクの通りを多色で理想化した水彩画で描き、「バーバンク、ワーナー・ブラザーズ・レコードの本拠地」というスローガンが添えられていた。レーベルの公式の歴史によると、このデザインは1920年代に無名の商業アーティストが制作した、同様のスタイルの「オレンジ箱アート」の果物会社のレーベルイラストからコピーされたものだという。[ 59 ]
数年間「カルト」アーティストとして活動した後、ランディ・ニューマンは1974年のアルバム『Good Old Boys 』でソロアーティストとして初の大きな商業的成功を収め、全米トップ40入りを果たした。1977年の物議を醸したシングル「Short People」は、その年のサプライズヒットの1つとなり、ビルボードホット100で2位にランクインした。1974年10月12日、WBRとフィル・スペクターはワーナー・スペクター・レコードを設立したが、このレーベルは短命で1977年に解散した。リリースのほとんどは1960年代のフィレス・レコードの録音の再発であり、リリースされた唯一の新曲はディスコグループCalhoonのシングル2枚[ 60 ]とシェールのシングル1枚[ 61 ]だった。
1975年、デヴィッド・ゲフィンは末期疾患と診断された後（後に誤診であることが判明）、健康上の理由で会社を去らざるを得なくなった[ 62 ] 。彼の代わりに、ジョー・スミスが合併したエレクトラ/アサイラム・レーベルの社長に昇進した。この頃、ワーナー・ブラザースはリプリーズ・レーベルの縮小を開始した[ 63 ] 。1976年から77年にかけて、フリートウッド・マック、ゴードン・ライトフット、ライ・クーダー、マイケル・フランクスを含むリプリーズ所属アーティストのほぼ全員がワーナー・ブラザースに移籍し、ニール・ヤング（移籍を拒否）と創設者のフランク・シナトラだけが残った。これらのアーティストといくつかの再発盤を除いて、リプリーズ・レーベルは1986年にドリーム・アカデミーのシングル「ザ・ラブ・パレード」がリプリーズ28750でリリースされるまで休眠状態だった。
リプリーズからワーナー・ブラザーズに移籍したアーティストの中で、最も成功を収めたのはフリートウッド・マックだった。彼らの大成功により、ワーナー・ブラザーズはメジャーレーベルの第一線に確固たる地位を築いたが、バンドの波乱に満ちた歴史からそれを予測できた人はほとんどいなかっただろう。1970年から1975年の間にメンバーチェンジが何度も行われ（1974年までにオリジナルメンバーは2人しか残っていなかった）、アルバムの売上は激減し、グループ名をめぐる法廷闘争で1年以上ツアーができなかった。しかし、1975年にフリートウッド・マックがレーベルを移籍したまさにその時、リンジー・バッキンガムとスティーヴィー・ニックスという新メンバーの加入により、グループは再び活力を取り戻した。「新生」フリートウッド・マックはアメリカと海外で数々のヒット曲を生み出し、リプリーズからリリースされたセルフタイトルのデビューアルバムは大成功を収め、アメリカで1位を獲得し、30週間以上チャートインし、500万枚以上を売り上げた。 1977年、彼らの今や伝説となっているアルバム『噂』は、グループとワーナー・ブラザーズ・レーベルの両方をさらに高みへと押し上げた。このアルバムは数々の国際的なヒットシングルを生み出し、レーベル史上最も成功したアルバムとなった。現在、史上11番目に売れたアルバムにランクインしており、2009年の時点で4000万枚以上を売り上げたと推定されている。[ 64 ]
1970年代初頭にフェイセズやマーキュリー・レコードのソロ・アーティストとして数々のアルバムをリリースした後、イギリスの歌手ロッド・スチュワートは1974年にワーナー・ブラザーズと契約し、アメリカ市民権を申請してアメリカに移住した。その後も成功を続け、ワーナーでのデビュー・アルバム『アトランティック・クロッシング』（1975年）は国際的な大ヒットとなり、ビルボード・アルバム・チャートで9位、オーストラリアでは1位を獲得し、シングル「アイ・ドント・ウォント・トゥ・トーク・アバウト・イット」はイギリスで1位となった。ワーナー・ブラザーズでの2枚目のアルバム『ア・ナイト・オン・ザ・タウン』（1976年）はアメリカで2位、オーストラリアで1位となり、アメリカでトップ40入りしたシングルを3曲生み出し、その中には初の全米1位獲得シングル「トゥナイト・ザ・ナイト」も含まれている。『Foot Loose & Fancy Free』（1977年）はビルボード・ポップ・アルバム・チャートで2位、オーストラリアでは1位を獲得し、全米トップ40シングルを3曲生み出した。その中には4位を獲得した「 You're in My Heart (The Final Acclaim) 」も含まれる。 『Blondes Have More Fun』（1978年）は全米とオーストラリアで1位を獲得し、さらに2曲のトップ40シングルを生み出した。その中には2曲目の全米1位獲得曲「Da Ya Think I'm Sexy?」も含まれる（ただし、スチュワートと共作者のカーマイン・アピスは後に、ブラジルの作曲家ホルヘ・ベンの「 Taj Mahal 」からこの曲のキャッチーなメロディーのフックを盗用したとして訴えられ、勝訴した）。スチュワートのベストアルバム『 Greatest Hits』（1979年）はイギリスとオーストラリアで1位を獲得し、オーストラリアでは5作連続でアルバムが1位を獲得するという記録を打ち立てた。
ワーナー・ブラザーズ・レコードは、1970年代半ばに、もう一つの「伝統」的な存在であるベテラン・ボーカル・グループ、フォー・シーズンズでも予想外の成功を収めた。1975年初頭、彼らはカーブ・レコード（WBRが配給）と契約を結んだが、ちょうどその頃、リード・シンガーのフランキー・ヴァリが自主制作のソロ・シングル「 My Eyes Adored You 」で思わぬヒットを飛ばしていた。その後間もなく、ヴァリとフォー・シーズンズはディスコ調の「Who Loves You」でチャートに返り咲き、全米チャートで3位にランクインし、100万枚以上を売り上げた。アルバム「Who Loves You」も100万枚以上を売り上げた。彼らの次のシングル「December 1963 (Oh, What a Night)」は、1976年初頭にイギリスとアメリカの両国でチャート1位を獲得し、1967年以来となるグループ初の全米ナンバーワンとなった。リミックス版は1994年に再びヒットし、チャートイン期間が合計54週間となり、ビルボード・ホット100における最長記録を樹立した。
ドゥービー・ブラザーズの1976年のアルバム『Takin' It to the Streets』の頃には、創設メンバーのトム・ジョンストンは事実上バンドを脱退しており、代わりにスティーリー・ダンのセッション・ミュージシャンだったマイケル・マクドナルドが加入した。彼の独特な歌声は、グループをさらに大きな成功へと押し上げるのに貢献した。この新しいアルバムは好調な売れ行きを見せ、全米チャートで8位にランクイン。タイトル曲はビルボード・ホット100で13位にランクインし、ラジオの定番曲となった。ワーナー・ブラザーズはまた、大ヒットとなった『Best of the Doobies』（1976年）もリリースした。このアルバムは史上最も売れたアルバムの一つとなり、現在では10×プラチナ認定を受けている。 1978年の『Minute by Minute』は彼らのキャリアの頂点を極めた作品となった。アルバムとリードシングル「What A Fool Believes」は全米チャート1位を獲得し、アルバムのタイトル曲も全米トップ20入りを果たした。しかし、このアルバムは創設メンバーであるドラマーのジョン・ハートマンと長年ギタリストを務めたジェフ・“スカンク”・バクスターが参加した最後のアルバムとなった。
1970年代後半、ワーナー・ブラザーズの「アーティスト第一」レーベルとしての評判は、フランク・ザッパとの激しく長期にわたる紛争によって揺らいだ。1976年、ザッパとマネージャーのハーブ・コーエンの関係は訴訟で決着した。『ズート・アリュールズ』では、ザッパはマスター音源をワーナー・ブラザーズ・レコードに直接持ち込み、同レーベルはアルバムのリリースに同意したため、コーエンとディスクリートを介さずに済んだ。しかし、コーエンの訴訟を受けてワーナー・ブラザーズは方針を変えた。ザッパはその後、ディスクリートでリリースするためにさらに4枚のアルバムをワーナー・ブラザーズに納品する義務を負った。ザッパはダブル・ライブ・アルバム1枚とスタジオ・アルバム3枚を並べたが、ワーナー・ブラザーズはこれらの録音の一部または全部に異議を唱え、ディスクリート配給契約で義務付けられている制作費をザッパに払い戻すことを拒否した。ザッパはその後、その素材を再編集して『Läther』 （「レザー」と発音）という4枚組LPセットにし、フォノグラムと契約を結び、 1977年のハロウィーンに『Läther』をリリースする予定だった。しかし、ワーナー・ブラザーズが法的措置を取ると脅迫したため、ザッパはリリースを中止せざるを得なくなった。激怒したザッパは、カリフォルニア州パサデナのKROQ-FMでラジオ番組を主催し、 『Läther』アルバム全曲を順番に流し、ワーナー・ブラザーズを繰り返し批判し、リスナーに放送を録音するよう公然と勧めた。ワーナー・ブラザーズはザッパに対してさらに法的措置を取り、ザッパは1年以上もの間、いかなる作品もリリースできなくなった。1978年と1979年に、ワーナー・ブラザーズは問題の素材を4枚のアルバムに収録してリリースした。『Zappa in New York』（1977年のオリジナル・ライブ2枚組アルバムの編集・検閲版）、『Studio Tan』、『Sleep Dirt』、『Orchestral Favorites』である。ザッパは最終的に『 Straight』、『Bizarre』 、『DiscReet』、そしてワーナー・ブラザーズの楽曲の権利を獲得したが、生涯を通じてワーナー・ブラザーズによる自身の扱いを厳しく批判し続けた。ザッパの録音はその後、ライコディスク（皮肉なことに後にワーナー・ミュージックに買収された）によってCDで再発売され、その中には1996年に死後リリースされた『Läther 』も含まれている。
ライ・クーダーもまた、1977年にワーナー・ブラザーズに移籍したリプリーズ所属アーティストの一人である。ワーナーからの最初のリリースは1977年のライブアルバム『Showtime』で、彼は1980年代後半に契約が満了するまで同レーベルに在籍した。1979年のアルバム『Bop 'Til You Drop』は、メジャーレーベル初のデジタル録音によるロックアルバムとして特筆すべき作品であり、彼のキャリアの中で最も売れたアルバムとなった。
カーブ・レコードとの配給契約のおかげで、WBRは1977年に同社史上最大のヒットシングルを獲得した。バラード「You Light Up My Life 」（ジョー・ブルックス作詞・作曲・プロデュース）は、元々は故ケイシー・シシックが同名の映画のサウンドトラック用に録音したもので、映画では女優のディディ・コンがシシックの録音に合わせて口パクをしていた。10代のデビー・ブーン（俳優兼歌手パット・ブーンの娘）がシングルリリース用に新バージョンを録音するために起用され、大成功を収め、ビルボード・ホット100で記録的な10週連続1位を獲得し、RIAAからプラチナ認定を受けた。これは1970年代の米国で最も成功したシングルとなり、米国で1位を最長で獲得した新記録を樹立し、エルヴィス・プレスリーの「Hound Dog」を上回った。ブーンの成功は、グラミー賞の「最優秀女性ポップ・ボーカル・パフォーマンス賞」と「年間最優秀レコード賞」へのノミネートをもたらし、1977年のグラミー賞「最優秀新人賞」と1977年のアメリカン・ミュージック・アワード「フェイバリット・ポップ・シングル賞」を受賞した。この曲は、ジョー・ブルックスに1977年のグラミー賞「年間最優秀楽曲賞」（「エバーグリーン（スター誕生の愛のテーマ） 」と同率）と、1977年のゴールデングローブ賞とアカデミー賞の両方で「最優秀オリジナル歌曲賞」をもたらした。
1970年代を通じて、ワーナー・ブラザーズは、ストレート・レコード、ディスクリート・レコード、イギリスのレーベルであるクリサリス（1972～1976年）とアイランド（1974～1982年）[ 65 ] 、ビザール・レコード、ベアーズビル・レコード（1970～1984年）[ 65 ]、ゲフィン・レコード（1990年にMCAに売却） [ 65 ]などの独立系レーベルとの米国/カナダ配給契約からも恩恵を受けた。
70年代には主に主流の白人アーティストと関連付けられていたワーナー・ブラザーズだが、小規模レーベルとの配給契約により、1970年代後半から1980年代初頭にかけてディスコ、ソウル、ファンクのジャンルでも一定の成功を収めた。これらの分野で注目すべき配給レーベルには、シーモア・スタインのサイアー・レコード（ワーナー・ブラザーズがすぐに買収）、カーティス・メイフィールドのカートム、ノーマン・ホイットフィールドのホイットフィールド・レコード、クインシー・ジョーンズのクエスト、プリンスのペイズリー・パーク、RFCレコード（レイ・カヴィアーノがワーナーのディスコ部門のエグゼクティブ・ディレクターになった1978年12月に設立）、トム・シルバーマンのトミー・ボーイ・レコード（ワーナー・ブラザーズが最終的に買収した別のレーベル）などがある。[ 65 ]
1970年代後半まで、ワーナー・ブラザーズ自体には黒人アーティストがほとんどいなかったが、ジョージ・ベンソンやプリンスなどのアーティストと契約したことで状況は変わり始めた。ベンソンは1960年代にジャズ界で頭角を現したが、一般大衆にはまだあまり知られていなかった。しかし、1976年にワーナー・ブラザーズに移籍し、プロデューサーのトミー・リピューマと組んだことで、ジャンルをまたいで人気を博し、メインストリームのR&Bおよびポップ・アーティストとして大成功を収めた。ワーナー・ブラザーズからの最初のアルバム『Breezin'』（1976年）は、1970年代で最も成功したジャズ・アルバムの1つとなり、大ヒットの「クロスオーバー」となった。このアルバムはアメリカのポップ、R&B、ジャズのアルバム・チャートで1位を獲得し、タイトル曲（ジャズのスタンダードとなり、ラジオで人気を博した）と「This Masquerade」という2つのヒット・シングルを生み出した。「This Masquerade」はポップとR&Bでトップ10入りを果たした。ベンソンはその後もワーナーからリリースしたアルバムで大成功を収めた。ワーナーからリリースされた彼のアルバムはすべて、全米ジャズアルバムチャートでトップ20入りを果たし、ブリージンを皮切りに、7枚連続で全米ナンバーワンジャズアルバムを獲得した。これらのうち最初の5枚は、ポップチャートとR&Bチャートの両方でトップ20ヒットとなった。リーバー＆ストーラーの「オン・ブロードウェイ」のライブバージョン（1978年のライブアルバム『ウィークエンド・イン・LA』収録）は、ドリフターズのオリジナルバージョンを上回り、ビルボードホット100で7位にランクインし、ボブ・フォッシー監督の1979年の映画『オール・ザット・ジャズ』の有名なオーディションシーンで印象的に使用されたことで、さらに注目を集めた。ベンソンの最も成功したシングル「ギヴ・ミー・ザ・ナイト」（1980年）は、彼にとって初の全米ナンバーワンR&Bヒットとなり、ポップチャートで4位、ホットディスコシングルチャートで2位にランクインした。
プリンスは1977年にワーナー・ブラザーズと契約した。彼の最初のアルバム『For You』は、シングル「Soft and Wet」がビルボードR&Bチャートで12位にランクインしたものの、大きな反響は得られなかった。2枚目のセルフタイトルアルバム（1979年）は、R&Bアルバムチャートで3位にランクインし、ゴールドディスクを獲得するなど、かなり好調だった。このアルバムからの最初のシングル「I Wanna Be Your Lover」は、プリンスにとって初のクロスオーバーヒットとなり、R&Bチャートで1位、メインポップチャートで11位を獲得した。続くシングル「Why You Wanna Treat Me So Bad?」は、R&Bチャートで13位にランクインした。この時点では、アメリカ国外ではまだあまり知られていなかったが、この初期の成功が、1980年代の彼の商業的大ブレイクへの足がかりとなった。
1970年代後半に発掘されたもう一つの貴重なバンドは、メタルポップバンドのヴァン・ヘイレンだ。彼らは1977年にハリウッドのクラブでモー・オースティンとテッド・テンプルマンに見出された。セルフタイトルのデビューアルバムはビルボードアルバムチャートで19位にランクインするなど大きな成功を収め、セカンドアルバム『ヴァン・ヘイレンII』（1979年）は6位にランクインし、初のヒットシングル「ダンス・ザ・ナイト・アウェイ」（19位）を生み出した。
ワーナー・ブラザーズも1970年代後半に勃興しつつあったニューウェーブ・ムーブメントを慎重に受け入れ始め、カルト的な人気を誇るバンド、デヴォやB-52'sと契約を結んだ。この分野における重要な買収であり、後に同社にとって非常に重要なものとなるのが、シーモア・スタインとリチャード・ゴッテラーが1966年に設立したニューヨークを拠点とするサイアー・レコードだった。ワーナー・ブラザーズは1977年にABCレコードからサイアーの配給を引き継ぎ、1978年にレーベルを買収し、スタインを社長として留任させた。サイアーのアーティストが加わったことで、ワーナー・ブラザーズはこの分野で重要な足がかりを得た。スタインは、自身が嫌っていた「パンク」という言葉に代わるジャンル名を考案した人物としてしばしば挙げられる。[ 66 ]サイアーがアメリカで契約したアーティストには、ラモーンズ、デッド・ボーイズ、トーキング・ヘッズ、そして何よりも重要なマドンナがいた。マドンナはすぐに音楽史上最も成功した女性アーティストとなり、ワーナーに数十億ドルをもたらした。[ 67 ]サイアーはミュート、ラフ・トレード、コロヴァ、フィクションなどのイギリスの独立系レーベルと配給契約を結び、デペッシュ・モード、ザ・スミス、ザ・ビート、マッドネス、エコー＆ザ・バニーメン、ザ・キュアーなどのイギリスを拠点とする重要なニューウェーブバンドのアメリカでの権利をWEAにもたらした。1990年代に入っても、シール、kdラング、トミー・ペイジ、アイス・T、ミニストリーでレーベルは成功を収め続けた。
1970年代後半、ワーナー・ブラザーズは歌手兼俳優のショーン・キャシディと共にメインストリームのポップヒットも獲得した。彼の「Da Doo Ron Ron」は1977年に全米1位を獲得し、続く2枚のシングル（どちらもエリック・カーメン作詞）は全米トップ10ヒットとなり、キャシディはグラミー賞にノミネートされた。1970年代末には、新たなアーティストによるブレイクスルーがさらに増えた。リッキー・リー・ジョーンズのセルフタイトルのデビューアルバムは全米3位、オーストラリア1位、イギリス18位となり、「Chuck E.'s In Love 」（全米4位）と「Young Blood」（全米40位）の2つのヒットシングルを生み出した。ヴァーティゴとのアメリカでの配給契約のおかげで、イギリスのグループ、ダイアー・ストレイツは1970年代後半から1980年代にかけて、ヒットアルバムとシングルを次々とリリースし続けた。彼らの同名のデビューアルバム（1978年）は、予想外の国際的なヒットとなり、アメリカで2位になり、RIAAからゴールドレコード賞を受賞し、シングル「Sultans of Swing」はアメリカで4位になった。彼らの2枚目のアルバム「Communiqué」（1979年）は多くの国でトップ20入りし、アメリカで再びゴールドレコード賞を受賞した。WBRはこの時期にコメディのレコーディングでも再び成功を収め、リプリーズからリチャード・プライヤーを移籍させ、新進気鋭のスティーヴ・マーティンと契約した。マーティンのワーナーでの2枚目のアルバム「A Wild and Crazy Guy」（1978年）は、レーベル最大のコメディヒットの1つとなり、ポップアルバムチャートで2位になり、1979年のグラミー賞「最優秀コメディアルバム」を受賞し、マーティンのノベルティシングル「King Tut」はアメリカのトップ20ヒットとなった。
1970年代には、4チャンネルステレオにはさまざまなシステムが存在した。ワーナー・レコードとWEAグループ全体は、JVCとRCAのディスクリート方式であるCD-4またはQuadradiscを選択した。これは4チャンネル間の分離が最も優れたシステムだったが、48,000Hzまでの周波数を読み取ることができる特殊なスタイラスが必要だった 。
1980年代は、ワーナー・ブラザース・レコードにとって前例のない成功の時代でした。この黄金の10年は、シンガーソングライターのクリストファー・クロスの成功で幕を開けました。彼のセルフタイトルのデビューアルバムは全米チャートで6位にランクインし、1位を獲得した「Sailing」を含む4曲のヒットシングルを生み出しました。彼はまた、1981年のグラミー賞で5つの主要部門を受賞し、現在まで唯一、1年で「ビッグ4」（年間最優秀レコード、年間最優秀楽曲、年間最優秀アルバム、最優秀新人賞）を受賞したソロアーティストとなりました。さらに、ダドリー・ムーア主演映画『アーサー』の主題歌「アーサーのテーマ」は全米チャート1位を獲得し、アカデミー賞とゴールデングローブ賞の最優秀オリジナル歌曲賞を受賞しました。
ワーナー・ブラザーズは1980年、コロンビア・レコードからポール・サイモンを引き抜くという、一見すると大成功と言える成果を上げた。ワーナーでの最初のアルバムは『ワン・トリック・ポニー』（1980年）で、サイモン自身が脚本・主演を務めた同名の映画の主題歌だった。シングル「レイト・イン・ジ・イブニング」は大ヒット（6位）となったが、アルバム自体は売れ行きが芳しくなかった。次のアルバム『ハーツ・アンド・ボーンズ』（1983年）は批評家からは好評だったものの、アルバムもリードシングル「アレルギー」もチャートインせず、サイモンのキャリアは急降下。レーベルの忍耐が報われるまでには、さらに数年を要した。
2枚のそこそこ売れたアルバムで、当時最も独創的なアメリカのニューウェーブバンドの1つとしての地位を確立した後、 DEVOは1980年に3枚目のアルバム『 Freedom of Choice』でメインストリームでの成功を収め、全米チャートで22位を記録した。MTVでヘビーローテーションされた奇抜なミュージックビデオのおかげで、シングル「Whip It 」はビルボードのポップチャートで14位に達し、グループ最大のアメリカでのヒットとなった。続くEP 『DEV-O Live 』（1981年）はオーストラリアで予想外のヒットとなり、同地のシングルチャートで3週間1位を獲得したが、その後のアルバムやシングルの売上は低迷し、1984年のアルバム『Shout』の後、グループは最終的にレーベルから契約を打ち切られた。
プリンスの1980年のアルバム『ダーティ・マインド』は批評家から広く称賛され、ゴールドディスク賞を獲得したが、1982年の2枚組LP 『 1999』が彼の最初のメジャーヒットアルバムとなり、600万枚以上を売り上げ[ 68 ]、3つのヒットシングルを生み出した。タイトル曲は全米で12位にランクインし、初の国際的なヒット曲（全英25位）となり、続く2枚のシングル「リトル・レッド・コルベット」と「デリリアス」はどちらも全米トップ10ヒットとなった。
シカゴは、かつて所属していたコロンビア・レコードから契約を解除された後、1981年にワーナー・ブラザーズと契約を結んだ。コロンビアは、シカゴはもはや商業的に成功していないと考えていた。プロデューサーのデヴィッド・フォスターと組んだ後、シカゴは1982年にアルバム『シカゴ16』でチャートに返り咲き、全米チャート9位にランクインし、全米1位ヒットとなった「ハード・トゥ・セイ・アイム・ソーリー」を含む2曲のヒットシングルを生み出した。ワーナーからリリースされた2枚目のアルバム『シカゴ17』は、シカゴ史上最大のヒットとなり、全米チャート4位にランクインし、全米トップ20入りしたシングル4曲を生み出した。その中には、全米トップ5ヒットとなった「ハード・ハビット・トゥ・ブレイク」（3位）と「ユー・アー・ザ・インスピレーション」（3位）も含まれており、現在6×プラチナ認定を受けている。リードシンガーのピーター・セテラはこのアルバムの後グループを脱退したが、ワーナーからソロアーティストとして成功を収め続け、1986年には映画『ベスト・キッド2 』の主題歌「 Glory of Love 」で全米1位を獲得し、グラミー賞、ゴールデングローブ賞、アカデミー賞にもノミネートされた。彼の2枚目のソロアルバムは100万枚以上を売り上げ、同じく全米1位を獲得した「The Next Time I Fall」を生み出した。3枚目のソロアルバムからはトップ5ヒットとなった「One Good Woman」（1988年）と、6位を獲得した「 After All 」が生まれた。
レニー・ワロンカーは1982年にワーナー・ブラザースの社長に就任し、最初に行ったのはエルヴィス・コステロとの契約だった。コステロのワーナーでのデビュー・アルバム『スパイク』には、ポール・マッカートニーとのコラボレーション曲「ヴェロニカ」が収録されており、全米トップ20ヒットとなった。彼はその後もワーナー・ブラザースで『マイティ・ライク・ア・ローズ』、 『ブルータル・ユース』、 『オール・ディス・ユースレス・ビューティー』という批評家から高い評価を受けたアルバムを3枚リリースしたが、1990年代半ばの大規模な企業再編後、レーベルから契約を解除された。
RSOレコードとポリドールとの契約終了後、エリック・クラプトンは1982年にワーナー・ブラザーズと契約した。ワーナー・ブラザーズからの最初のアルバム『マネー・アンド・シガレッツ』（1983年）はビルボード・アルバム・チャートで16位にランクインし、シングル「アイヴ・ガット・ア・ロックンロール・ハート」はビルボード・ホット100で18位にランクインした。次のアルバム『ビハインド・ザ・サン』も好調で、34位にランクインし、ヒットシングル「フォーエヴァー・マン」は26位となったが、次のリリースではリプリーズに移籍した。
1970年代に復活し、この時期にワーナー・ブラザーズで大きな成功を収めたもう1組のバンドは、以前はロンドン・レコードと契約していたZZトップだった。1970年代後半の長期休止期間中に、バンドはロンドンでの録音の権利を取得し、ワーナー・ブラザーズと契約した。ワーナー・ブラザーズはバンドの過去のカタログも再リリースした。バンドのワーナーからの最初の2枚のアルバム『Deguello』（1979年）と『El Loco』（1981年）はそこそこの成功を収めたが、 『 Eliminator 』（1983年）はMTVでのミュージックビデオの強力なサポートのおかげで大ヒットとなった。バンドは「Legs」（全米8位）を含む3つの全米ヒットシングルを生み出し、アルバムはビルボード200で9位に達し、膨大な枚数を売り上げ、1996年にダイヤモンドレコード賞を受賞した。 『Afterburner』（ZZトップのアルバム）（1985年）は4位に達し、「Sleeping Bag」（8位）を含む5つのヒットシングルを生み出した。
サイアー・レコード所属のアーティスト、マドンナは、1983年のセルフタイトルデビューアルバムと、初のメインストリームヒットシングル「ホリデイ」で国際的な名声を得ました。この曲はアメリカで16位にランクインし、オーストラリアやイギリスなど多くの国でヒットし、イギリスではトップ5入りを果たしました。アルバムはアメリカを含む12か国以上でトップ20入りし、アメリカでは5×プラチナ認定を受けています。すぐに続いた「ライク・ア・ヴァージン」は、彼女にとって初の全米ナンバーワンアルバムとなり、全世界で2100万枚以上を売り上げました。タイトル曲も国際的に大ヒットし、オーストラリア、カナダ、日本、アメリカで1位を獲得しました。映画「デスパレートリー・シーキング・スーザン」での好評を博した役柄に後押しされ、「クレイジー・フォー・ユー」（1985年）は彼女にとって2度目の全米ナンバーワンヒットとなり、続く「マテリアル・ガール」はアメリカで2位にランクインし、他の多くの国でトップ5入りを果たしました。
プリンスの1984年の映画とアルバム『パープル・レイン』は大成功を収め、彼のスターダムを確固たるものにした。アルバムはアメリカで1300万枚以上（全世界で2500万枚）を売り上げ、ビルボード200チャートで24週連続1位を獲得した。また、映画『パープル・レイン』はアカデミー賞の「最優秀オリジナル歌曲賞」を受賞し、アメリカで8000万ドル以上の興行収入を上げた。[ 69 ]アルバムからのシングルは世界中のポップチャートでヒットし、「When Doves Cry」と「Let's Go Crazy」はどちらもビルボードホット100で1位を獲得し、タイトル曲は2位を獲得した。しかし、性的に露骨なアルバム曲「Darling Nikki」は大きな論争を巻き起こし、その影響は長く続いた。政治家の妻ティッパー・ゴアが12歳の娘がこの曲を聴いているのを聞き、歌詞を調べたところ、彼女の怒りが保守的なロビー団体であるペアレンツ・ミュージック・リソース・センターの結成につながった。彼らの姿勢は、元ワーナー・ブラザーズのアーティストであるフランク・ザッパらから激しく反対されたが、PMRCの政治的影響力により、最終的にアメリカのレコード業界は、「不快な」内容が含まれているとみなされるレコードに「保護者への注意：露骨な歌詞」というステッカーを貼ることを義務付けるようになった。
1984年、ヴァン・ヘイレンはシングル「Jump」（彼らにとって唯一の全米ナンバーワンヒット）とアルバム『1984』でメジャーデビューを果たした。このアルバムは大ヒットし（ 1999年にダイヤモンドアルバムの認定を受けた）、全米チャートで2位を獲得、さらに2曲のトップ20ヒットを生み出した。しかし、ギタリストのエディ・ヴァン・ヘイレンとリードシンガーのデイヴィッド・リー・ロスの間の摩擦はアルバム発売後まもなく限界に達し、ロスはバンドを脱退。代わりにサミー・ヘイガーが加入し、モントローズの一員としてワーナー・ブラザースでレコーディングを行った。また、 1984年は、それまで全てのアルバムをプロデュースしてきたテッド・テンプルマンと最後に仕事をした年でもあった。
1985年、ダイアー・ストレイツのシングル「マネー・フォー・ナッシング」は、革新的なコンピューターアニメーションのミュージックビデオのおかげでMTVで大々的に宣伝され、全米チャート1位を獲得した。彼らはさらに「ウォーク・オブ・ライフ」と「ソー・ファー・アウェイ」で全米トップ20ヒットを2曲獲得し、アルバム「ブラザーズ・イン・アームズ」は驚異的な成功を収めた。このアルバムはアメリカ、オーストラリア、そしてほとんどのヨーロッパ諸国で1位を獲得し、膨大な枚数を売り上げた。1996年までにアメリカで9×プラチナ認定を受け、現在では全世界で3000万枚以上を売り上げ、史上最も売れたアルバムのリストで25位にランクインしている。
ヴァン・ヘイレンの新生は1986年に復活を遂げ、大成功を収めたアルバム『5150』をリリース。このアルバムは全米1位を獲得し、「Why Can't This Be Love」（全米3位）と「Dreams」（全米22位）という2つのヒットシングルを生み出した。続く3枚のスタジオアルバム（『OU812』、『For Unlawful Carnal Knowledge』、『Balance』 ）もすべて全米1位を獲得し、1988年の「 When It's Love 」（全米5位）を含む17曲が全米トップ20入りを果たしたが、アルバムの売上は徐々に減少し、前作を下回るものとなった。
プリンスも同様で、1980年代後半には数々のヒットアルバムやシングルを出したが、レコードの売上は減少し、ワーナー・ブラザースの幹部たちは、リリースできる量よりもはるかに多くの作品を制作していることにますます懸念を抱くようになった。また、後期の映画事業の失敗、「ウィ・アー・ザ・ワールド」のレコーディングへの参加を恥ずべき形で拒否したこと、ギタリストのウェンディ・メルヴォインと長年キーボード奏者を務めたリサ・コールマンを解雇したことで、彼のイメージは傷ついた。1985年のアルバム「アラウンド・ザ・ワールド・イン・ア・デイ」は、ビルボード200で3週間1位を獲得し、イギリスでは最高5位を記録し、プロモーションが最小限だったにもかかわらず700万枚を売り上げた。「パレード」 （1986年）は、プリンスの2作目の映画「アンダー・ザ・チェリー・ムーン」のサウンドトラックとして使われた。映画は批評的にも商業的にも失敗に終わったものの、アルバムはビルボードで3位、R&Bアルバムチャートで2位を記録し、彼の代表曲「Kiss」は世界的な大ヒットとなり、アメリカで1位を獲得し、ラジオの定番曲となった。
プリンスの次のプロジェクトは、ドリーム・ファクトリーというコンセプトのダブル・アルバムの提案から始まり、長く複雑な進化を遂げた。プリンスはその後、カミーユという偽名でリリースする予定のソロ・アルバムを提案したが、最終的には両方の要素を組み合わせて、野心的な3枚組アルバム『クリスタル・ボール』を制作した。しかし、以前のアルバムの売上が比較的低かったため、プリンスのマネージャーであるスティーブ・ファーニョーリとワーナー・ブラザースの社長であるモー・オースティンは、3枚組LPのリリースの商業的な実現可能性に疑問を抱いており、『クリスタル・ボール』の試聴後、オースティンはプリンスに2枚組に減らすよう主張した。プリンスは最初は拒否し、数週間にわたって意志のぶつかり合いが続いたが、最終的にプリンスは折れて7曲を削除した。その結果、ダブル・アルバムは1987年3月に『サイン・オブ・ザ・タイムズ』としてリリースされた。プリンスは強制的な縮小に憤慨していたものの、このアルバムは大成功を収め、ビルボード200アルバムチャートで最高6位を記録し、500万枚を売り上げた。タイトルシングル「Sign o' the Times」はHot 100で3位にランクインした。続くシングル「If I Was Your Girlfriend」は失敗に終わったが（R&Bチャートでは12位まで上昇）、次の2枚のシングル「U Got the Look」（Hot 100で2位、R&Bで11位）と「I Could Never Take the Place of Your Man」（Hot 100で10位、R&Bで14位）で大ヒットを記録した。
1985年、同社はビューマスターと提携し、子供向けビデオシリーズ「キッズソングス」を開始した。このシリーズはトゥギャザー・アゲイン・プロダクションズが制作し、ワーナー・ミュージック・ビデオが教育市場向けにビデオ製品の配給を担当した。[ 70 ]
1986年から1987年にかけて、ワーナー・ブラザースはさらなる高みへと到達した。マドンナの1986年のアルバム『トゥルー・ブルー』は、全米ナンバーワンヒット3曲とトップ5シングル2曲を生み出し、28か国以上でチャートのトップに立った（この功績によりギネス世界記録に名を連ねた）。このアルバムは現在までに2500万枚以上を売り上げている。数年間のキャリアの停滞を経て、ポール・サイモンは1986年後半に『グレイスランド』で音楽シーンに華々しく復帰した。ワーナー・ブラザースは当初、サイモンのロックとアフリカンスタイルの革新的な融合が商業的に成功するかどうか不安だったが、このアルバムは大成功を収め、多くの国でチャートのトップに立ち、全米で3位にまで達し、全米トップ20シングル2曲を生み出した。このアルバムは1987年のアメリカで最も売れたアルバムとなり、サイモンのソロキャリアで最も成功したアルバムとなり、500万枚以上を売り上げ、1986年のグラミー賞「年間最優秀アルバム」を受賞した。タイトル曲は1987年に「ソング・オブ・ザ・イヤー」も受賞した。ジャズでは、ワーナー・ブラザーズは長年所属していたコロンビア・レコードとの契約を解消したジャズ界のレジェンド、マイルス・デイヴィスと契約し、またもや芸術的な快挙を成し遂げた。復帰作『Tutu』（1986年）はクロスオーバーの大ヒットとなり、絶賛を浴び、1987年にはグラミー賞を受賞した。また、1986年には、スムース・ジャズのパイオニア、ボブ・ジェームスがタッパン・ジー・レコード／コロンビアとの9年間の契約を終えてワーナー・ブラザーズに移籍し、その後16年間ワーナー・ブラザーズのためにアルバムを制作した。ワーナー・ブラザーズは1990年代半ばには、CTIとタッパン・ジー／コロンビアから彼の過去の作品の一部を再リリースした。
1986年の夏、ワーナー・ブラザーズはリプリーズ・レコードを独自のプロモーション部門とともに再開すると発表し、ワーナー・ブラザーズの元プロモーション担当副社長リチャード・フィッツジェラルドがレーベル副社長に任命された。[ 71 ]
1987年、プリンスは簡素なファンク・アルバム『ザ・ブラック・アルバム』を録音したが、発売直前の12月に発売を取り下げた（50万枚が印刷されていたにもかかわらず）。急遽制作された代替アルバム『ラブセクシー』（1988年）は、ビルボード・アルバム・チャートで11位にとどまり、イギリスでは1位を獲得したものの、まずまずの成功を収めた。しかし、1989年には大ヒット映画『バットマン』のサウンドトラックで復活を遂げ、1100万枚以上を売り上げ、ビルボード・アルバム・チャートで1位を獲得し、「バットダンス」を含む4つのヒット・シングルを生み出した。「バットダンス」は、ホット100とR&Bチャートの両方で1位を獲得した。
同じくジョージア州アセンズ出身のB-52sと同様に、REMは1980年代にアメリカ国内および海外で徐々に熱狂的なファンを獲得した「カルト」バンドだった（革新的なミュージックビデオのおかげもあった）。1980年代の大半はインディーズレーベルのIRS Recordsと契約していたが、1987年にアルバム『 Document』でブレイクし、100万枚以上を売り上げた初のアルバムとなった。しかし、IRSの国際流通の悪さに不満を抱き、1988年にIRSとの契約が満了するとワーナー・ブラザースと契約した。ワーナーからのデビュー作『Green』で一大勢力としての地位を確立し、プラチナアルバムを獲得、全世界で400万枚以上を売り上げ、「Stand」がアメリカで初のヒットシングルとなった。
1989年、ギタリスト兼メインソングライターのリッキー・ウィルソンの死後、長期間活動を休止していたB-52'sは、アルバム『Cosmic Thing』で再び脚光を浴びた。このアルバムはアメリカ（4位）とイギリス（2位）でトップ5入りを果たし、デビューシングル「Rock Lobster 」以来、根強い人気を誇っていたオーストラリアでは1位を獲得した。また、「Love Shack 」（全米3位、オーストラリア1位）、「Roam」（全米3位）、「Deadbeat Club 」（全米30位）と3曲連続でヒットシングルを飛ばした。
1989年初頭、マドンナはペプシと広告契約を結び、新曲「ライク・ア・プレイヤー」を「メイク・ア・ウィッシュ」というタイトルのCMで初披露した。ポップシングルが広告で初披露されたのはこれが初めてであり、このようなCMが世界中で衛星放送で初公開されたのも初めてだった。[ 72 ]「ライク・ア・プレイヤー」の実際のミュージックビデオは翌日MTVで初公開されたが、挑発的な宗教的イメージの使用により激しい批判を浴び、バチカンから非難された。その結果、ペプシは広告を取り下げ、広告契約をキャンセルしたが、マドンナは500万ドルの前払い金を保持することが許された。この論争により、シングルとアルバム（同じく「ライク・ア・プレイヤー」というタイトル）への関心も高まった。[ 72 ]このシングルはマドンナにとって7曲目の全米ナンバーワンヒットとなり、30カ国以上でチャートのトップに立ち、アルバムは世界中で1500万枚を売り上げた。[ 73 ] [ 74 ]
1989年、タイム社はワーナー・コミュニケーションズを買収し、両社を合併してタイム・ワーナーを設立した。この取引の評価額は140億ドルであった。[ 46 ]
競争の激しいアメリカの音楽業界において特筆すべき、比較的安定した長い期間を経て、1992年末のスティーブ・ロスの死は、ワーナー・ブラザーズ・レコードにおける大きな激動の時代の始まりとなった。
REMのワーナーからの2枚目のアルバム『Out of Time』（1991年）は彼らの成功を確固たるものにし、アメリカとイギリスの両方でチャートのトップに立ち、2つの大ヒットシングルを生み出した。「Losing My Religion」はアメリカで最大のヒットシングル（ビルボードホット100で4位）となり、他の多くの国でもヒットした。「Shiny Happy People」はアメリカとイギリスの両方でトップ10ヒットとなった。また、グループはその年のグラミー賞で3部門を受賞した。
プリンスの90年代の運勢はまちまちだった。ヒット曲を増やし、1992年に契約を更新したが、ワーナー・ブラザース・レコードとの関係はすぐに悪化し、大々的に報道された法廷闘争に発展し、最終的にレーベルを去ることになった。彼の4作目の映画『グラフィティ・ブリッジ』は批評家から酷評され、興行的に失敗したが[ 75 ]、同名のアルバムは大成功を収め、ビルボード・ホット200とR&Bアルバム・チャートの両方で6位にランクインし、全米トップ20シングルを2曲生み出した。『ダイアモンズ・アンド・パールズ』（1991年）は彼のキャリアで最大のアルバムの1つとなり、900万枚を売り上げ、全米で3位、英国で2位、オーストラリアで1位を獲得し、アルバムからリリースされた6曲のシングルのうち5曲が米国や他の国でヒットし、その中には5曲目の全米1位となった「クリーム」も含まれている。
プリンスは1992年にワーナー・ブラザース・レコードと再契約した際に副社長に任命されたが、すぐにその決断を後悔することになった。彼の次のアルバムは、後に「ラブ・シンボル」と定義される謎めいたシンボルが表紙に描かれており、これもまた大ヒットとなり、ビルボード200で最高5位[ 76 ]を記録し、全世界で500万枚を売り上げた[ 77 ]が、この頃には緊張が高まっていた。ワーナー・ブラザースは「7」を次のシングルとしてリリースしたかったが、プリンスは「マイ・ネーム・イズ・プリンス」を推し進め、これはマイナーヒット（ホット100で36位、R&Bで23位）にとどまった。続く「セクシーMF」は、コーラスに卑猥な言葉が含まれていたため米国で検閲され、英国とオーストラリアではトップ5ヒットとなったものの、米国のトップ50にも入らなかった。最終的にリリースされた「7」は、このアルバムから唯一の米国でのヒット曲となり、（まさにふさわしいことに）最高位7位を記録した。
3枚組コンピレーション『The Hits/The B-Sides』（1993年）の後、プリンスはファーストネームの使用をやめ、「ラブシンボル」のみを使用するようになった。この決定はメディアからかなりの嘲笑を招いた。[ 78 ]このシンボルには言葉による対応がないため、彼はしばしば「かつてプリンスとして知られていたアーティスト」と揶揄された。1994年までに、アーティストと彼のレコードレーベルとの関係は行き詰まりに達した。2月にWEAはペイズリー・パークとの配給契約を解除し、事実上レーベルを廃業に追い込んだ。[ 78 ]独立系ディストリビューターからリリースされたにもかかわらず、彼の次のシングル「The Most Beautiful Girl in the World」（1994年）はアメリカで3位にランクインし、ヨーロッパ中のシングルチャートで1位を獲得し、彼のキャリアで最大のヒットシングルとなった。
その間、プリンスは『Come』と『The Gold Experience』という2枚の新しいアルバムを準備していた。 『Come』の初期バージョンは却下されたが、ワーナー・ブラザーズは最終的に両方のアルバムを受け入れたものの、同時リリースは拒否した。この頃にはプリンスは契約を解除し、マスター音源の所有権を得るための訴訟を起こしており、右頬に「SLAVE」と書いて公の場に姿を現し、自らの見解を公表した。 『Come』（1994年）は米国でそこそこの成功を収め（15位、ゴールドディスク）、シングル「Letitgo」はR&Bチャートで10位に達したが、アルバムは英国で大ヒットし、初登場1位となった。11月、ワーナーは『The Black Album』の限定版をリリースしたが、すでに海賊版が広く出回っており、売れ行きが悪く、すぐに廃盤となった。『The Gold Experience』 （1995年）は、一部の評論家から『Sign o' the Times』以来のプリンスの最高傑作と称賛された。プリンスのワーナー・ブラザーズでの輝かしいキャリアは、契約終了のために特別にコンパイルされた『Chaos and Disorder』（1996年）で幕を閉じた。これは彼の最も成功しなかったリリースの1つだったが、それでもアメリカで26位、イギリスで14位に達し、マイナーヒットとなった「 Dinner With Delores」（イギリスで36位）を生み出した。プリンスはその後、自身のNPGレーベル（EMI経由）でレコーディングを行い、最終的に2005年にユニバーサル・ミュージックと契約した。
REMのアルバム『 Automatic for the People』（1992年）は、当時のトップバンドとしての地位を確固たるものにし、彼らのキャリアの中で最も成功したアルバムとなった。全英チャートで1位、全米チャートで2位を獲得し、全世界で1000万枚以上を売り上げ、「Drive」「Man on the Moon」「Everybody Hurts」という3つのヒットシングルを生み出した。
1992年、ワーナー・ブラザースは、アイス・T率いるラップメタルバンド、ボディ・カウントの同名アルバムに収録された挑発的な楽曲「コップ・キラー」をめぐり、その歴史上最も深刻な論争の1つに直面した。ワーナー・ブラザースにとって不運なことに、この曲（ロドニー・キング事件に言及している）は、キングへの暴行で起訴された警察官が物議を醸す無罪判決を受ける直前にリリースされ、これが1992年のロサンゼルス暴動の引き金となり、一連の出来事が重なってこの曲は全国的な注目を集めることになった。夏にかけて苦情はエスカレートし、保守的な警察協会はタイム・ワーナー製品のボイコットを呼びかけ、ジョージ・H・W・ブッシュ大統領を含む政治家は同曲のリリースを非難し、ワーナーの幹部は殺害予告を受け、タイム・ワーナーの株主は同社から撤退すると脅し、ニュージーランド警察長官はレコードの国内での禁止を試みたが失敗に終わった。アイス・Tは後に「コップ・キラー」を収録せずに自主的に『ボディ・カウント』を再リリースしたが、この騒動はワーナー・ミュージックを深刻に動揺させ、1993年1月、ワーナー・ブラザースはアイス・Tとの契約を解除し、 『ボディ・カウント』のマスターテープを彼に返却するという非公開の取引を行った。[ 79 ]「コップ・キラー」事件の後、ワーナー・ブラザースはギャングスタ・ラップから距離を置き、1995年後半にはインタースコープ・レコードとその物議を醸した子会社デス・ロウ・レコード（トゥパック・シャクール、スヌープ・ドッグ）の50%の株式を共同オーナーのジミー・アイオヴィンとテッド・フィールドに売却した。[ 80 ]アイオヴィンとフィールドはすぐにインタースコープをユニバーサル・ミュージック・グループと提携させた。現在、複数のユニバーサル傘下のレーベルが合併してインタースコープ・ゲフィン・A&Mとして知られるこのレーベルは、今日でもアイオヴィンが経営している。
その年の後半、コメディアンのジェフ・フォックスワーシーがワーナー・ブラザーズのコメディ・レコード事業を復活させたことで、いくらかの安堵感がもたらされた。彼のデビュー・アルバム『You Might Be a Redneck If...』はアメリカとカナダで大ヒットし、このアルバムと続くアルバムはそれぞれ300万枚以上を売り上げた。
1994年から1995年にかけて、ワーナー・ブラザーズの成功と所属アーティストとの問題は、ワーナー・ミュージック・グループ会長のロバート・J・モルガドとその後継者マイケル・J・フックスを中心とした、大々的に報道された長期にわたる内部抗争によって影を潜めていた。1993年9月、オースティンは契約更新の交渉を開始し、この時点でモルガドはワーナー・グループの大規模な企業再編計画を発表した。これが一連の企業紛争を引き起こし、特にモルガドとオースティンの間に致命的な亀裂を生じさせた。最初の大きな犠牲者はエレクトラ会長のボブ・クラスノウで、1994年7月に突然辞任した。[ 81 ]
長年にわたり、オースティンはタイム・ワーナー会長のスティーブ・ロス（そしてその後、ロスの後任であるジェラルド・レヴィン）に直接報告していたが、モルガドはオースティンが自分に報告すべきだと主張し、 3つの主要レコードレーベルを監督するためにダグ・モリスを責任者とするワーナー・ミュージックUSという新部門を設立した。自主性の喪失を恐れ、レーベルのスタッフとアーティスト名簿を合理化するためのモルガドの「徹底的な削減」政策を実行せざるを得なくなることを懸念したオースティンは、モルガドの命令に従うことを拒否し、契約を更新しないことを決めた。オースティンは1994年12月31日に契約が満了した際にワーナー・ブラザースを正式に辞任したが、1995年8月までタイム・ワーナー会長の上級コンサルタントとして留任した。[ 82 ]彼は後に次のようにコメントした。
この仕事は自由と創造的なコントロールが重要です。経営者は、企業の干渉を最小限に抑えながら、リスクの高い決断を下すことができなければなりません。しかし、ワーナーは私が育った頃の会社とは全く違う会社になってしまいました。そして結局、私はそのような環境では仕事ができないと悟りました。[ 82 ]
オースティンの退社は会社と業界に衝撃を与え、ジョー・スミスやクライヴ・デイヴィスといった同僚やライバル、ポール・サイモンやR.E.M.といったミュージシャンから称賛の言葉を受け取った。また、オースティンを主な理由として入社したワーナーの幹部が次々と退社するきっかけにもなった。次に退社したのはレニー・ワロンカーで、彼は会長としてオースティンの後任に指名されていたが[ 83 ]、最終的にその職を辞退し、その後すぐにWBRを去った。不確実性と憶測の期間を経て、二人は協力して新しいレーベル、ドリームワークス・レコードを設立した[ 82 ]。ワロンカーの後任には元アトランティック・レコード社長のダニー・ゴールドバーグが就任したが、彼の在任期間は短かった。1971年にレーベルに入社し、長年モー・オースティンと緊密に仕事をしてきたWBRのベテラン幹部ラス・タイレットは、1995年1月に副会長に昇進した[ 84 ]。
ジェラルド・レヴィンは1995年5月にモルガドを辞任させ、HBO会長のマイケル・J・フックスが後任となった。フックスは1か月後にモリスを解雇し（5000万ドルの契約違反訴訟を引き起こした）、ワーナー・ミュージックUSは解散した。[ 85 ]モリスの解任により、オースティンがWBRに復帰するよう誘われているという憶測が広がったが、オースティンとワロンカーがすぐにドリームワークスに移籍したため、これらの報道は根拠のないものだったことが判明した。[ 86 ]モリスはMCAレコードに移籍した。
モリスと親密な関係にあったにもかかわらず、ダニー・ゴールドバーグは当初WBRの社長にとどまることができると告げられたが、タイム・ワーナーとの和解交渉を経て、まだ4年残っていた5年間で2000万ドルの契約を解除した後、1995年8月に同社を去った。その後、10月にポリグラムの子会社であるマーキュリー・レコードの社長に任命された。 [ 87 ]ゴールドバーグの退社後、ラス・タイレットが会長、CEO、レーベル社長に昇進した。[ 85 ]フックス自身も1995年11月にタイム・ワーナーを追われた。1997年5月、フィル・クアルタラロがWBRの社長に就任したが、これはEMIのヴァージン・レコードの経営陣刷新後、同社を去ってからわずか数週間後のことだった。[ 88 ]
オースティンとワロンカー率いるチームの退団は、彼らが過去30年間に育成し、プロデュースしてきたワーナー所属アーティストの多くが、彼らの支援を失うことを意味した。その結果、2000年までに、オースティン／ワロンカー時代のワーナーの「看板アーティスト」の多くが契約満了に伴いレーベルを去った。ライ・クーダーは1995年に契約を解除され、ランディ・ニューマンはオースティンとワロンカーに続いてドリームワークスに移籍した。彼はワーナー・ブラザースの最近の混乱と自身の立場について皮肉なコメントを残して去った。
「ワーナーに面白い辞表を送ったんだけど、何の返事もないんだ。まるで降伏する将軍を探しているようなものだよ。もう辞めるしかないと思うよ。ドリームワークスとも契約したのに、彼らからも連絡がないんだ！俺が辞める側は俺が辞めることなんて気にしてないし、俺が行く側も俺が来ることなんて気にしてないんだ！[ 89 ]
ソロアーティストとしての売上は「カルト」レベルにとどまったものの、オースティン時代から生き残った最も注目すべき人物の一人がヴァン・ダイク・パークスである。彼はワーナー・ブラザースからアルバムをリリースし続け、1989年に『 Tokyo Rose 』、1995年にブライアン・ウィルソンとのコラボレーション作品『Orange Crate Art』、1998年にライブアルバム『Moonlighting: Live at the Ash Grove』を発表した。2004年、パークスはブライアン・ウィルソンと再会し、長らくお蔵入りとなっていたコラボレーション作品『Smile 』を完成させた。このアルバムはノンサッチ・レーベルからリリースされ、批評家から絶賛され、グラミー賞を受賞、全米チャートでトップ20、全英チャートでトップ10入りを果たし、ゴールドディスクを獲得した。
2001 年初頭、ワーナー ミュージック グループで大規模な組織再編が行われ、3 つのレーベル全体で約 600 の役職が削減され、経営陣の再編成により、タイレットとクアルタラロ (およびリプリーズの社長ハウイー クライン) が退社し、当時インタースコープの社長だったトム ウォーリーがワーナー ブラザース レコードの責任者として採用された。[ 90 ] 8 月、ウォーリーはジェフ アエロフをワーナー ブラザース レコードのクリエイティブ ディレクター兼ワーナー ミュージック グループのクリエイティブ コンサルタントに任命した。アエロフは 1983 年から 1986 年まで WBR のシニア バイスプレジデント兼クリエイティブ ディレクターを務めており、その期間に多くの成功したアルバム カバーやミュージック ビデオを監督していた。[ 91 ]
2002年、リンキン・パークはシングル「Crawling 」でグラミー賞最優秀ハードロック・パフォーマンス賞を受賞しました。また、アルバム『 Hybrid Theory』で最優秀新人賞と最優秀ロック・アルバム賞にもノミネートされました。このアルバムは2001年に世界中で最も売れたアルバムです。2004年には、楽曲「Session」で最優秀ロック・インストゥルメンタル・パフォーマンス賞にノミネートされました。2006年には、ワーナー・ブラザース／ロック・ア・フェラ／マシン・ショップからリリースされた楽曲「Numb/Encore 」で最優秀ラップ／歌唱コラボレーション賞を受賞しました。
2003年、経営陣の対立、株価の低迷、デジタルファイル共有の影響に対する懸念の高まりの中、タイム・ワーナーは音楽事業の売却を決定した。2004年3月、タイム・ワーナーの音楽資産は、トーマス・H・リー・パートナーズ、レクサ・パートナーズ（ヴィヴェンディの株式から1億5000万ドルを出資したエドガー・ブロンフマン・ジュニアが率いる）、ベイン・キャピタル、プロビデンス・エクイティ・パートナーズが率いるプライベート・エクイティ・グループによって買収された。この取引には、状況が好転した場合にタイム・ワーナーが買い戻すことができるオプションが含まれていた。ブロンフマン、リー、ベイン、プロビデンスは、配当、借り換え、2005年5月に行われた株式公開を通じて、2006年5月までに投資を回収したと報じられている。
売却後、2004年前半に大規模な組織再編が行われ、会社の予算から2700万ドルを削減することが目標とされた。コスト削減策には、世界中で1000人以上の従業員の解雇、ワーナー所属アーティストの半数以上にあたる80人のアーティストの契約解除、そして同社の2つの「ブティック」レーベルの再編が含まれていた。エレクトラはアトランティックに統合され、そのサブレーベルであるノンサッチはワーナー・レコードに吸収されたが、エレクトラは5年後に現役レーベルとして復活することになる。この組織再編の時期には、ワーナーとマドンナの間で短期間ながら広く報道された紛争も発生した。ただし、ワーナーは、ソロアーティストとして契約を継続していたマドンナとの通常の取引からこの紛争を切り離そうと公に努力したことは注目に値する。
音楽グループの非公開買収後、マドンナはワーナーの経営陣と、マドンナのレーベルであるマーベリックの合弁事業パートナーシップを解消するための交渉を開始した。1992年に設立されたマーベリックは、1995年にアラニス・モリセットの『ジャグド・リトル・ピル』で大成功を収め、マドンナと彼女の2人のパートナー、ガイ・オセアリーとロニー・ダッシュドは共同で60％の支配株を保有していた。交渉が決裂した後、3人は同社を提訴した。彼らは経営の不手際、不適切な会計処理、利益の横領を主張し、マーベリックがグループに1億ドルの利益をもたらしたと主張し、2億ドルの逸失利益の回収を求めたが、訴訟はその年の6月に和解し、マドンナはマーベリックの株式のほとんどをわずか1000万ドルでワーナーに売却した。
2005年、世界的な組織再編を経て、ワーナー・ミュージック・オーストラリアは、オーストラリアのフェスティバル・マッシュルーム・グループの資産を買収し、大きな成功を収めた。この会社は1952年にシドニーでフェスティバル・レコードとして設立され、1961年にルパート・マードックに買収された後、オーストラリアを代表するレコード会社の一つとなり、主力レーベルであるフェスティバル・レーベルや傘下のレーベルを通じて、当時のオーストラリアのポップスやロックの名曲を数多く録音・リリースした。フェスティバルはまた、スピン（ニューサウスウェールズ州）やクラリオン（西オーストラリア州）といった地元の主要な独立系ポップス・レーベルと貴重なライセンス契約や流通契約を結び、その後、これらのレーベルの多くを買収してマスター音源を取得し、オーストラリアの重要なポップス／ロックの録音作品の保有量を大幅に増やした。
1970年代、フェスティバルはマイケル・グディンスキーが設立したメルボルンの新興レーベル、マッシュルーム・レコードと配給契約を結んだ。マッシュルームは1974年から75年にかけてメルボルンのバンド、スカイフックスで大きなブレイクを果たし、彼らのデビューアルバム『リビング・イン・ザ・セブンティーズ』は当時オーストラリアで発売されたアルバムの中で最も売れたアルバムとなった。マッシュルームは1970年代後半からオーストラリアで大成功を収め、グディンスキーは後に数年間レーベルの配給をEMIに移したが、最終的に両社は合併した。フェスティバルは1993年にマッシュルームの49%を取得し、1998年にグディンスキーが支配株を売却した際に残りの株式も取得した。そして2005年、度重なる経営陣の刷新と収益の着実な減少の後、ニュース・リミテッドはグループとその録音アーカイブ（2万本以上のマスターテープが含まれていると言われている）をワーナー・ミュージック・オーストラリアに1000万豪ドルで売却したと報じられている。
売却後、WMGはワーナー・ブラザースの商標のライセンスを取得したが、WMGが大手映画スタジオの支配下に入った場合、このライセンスは取り消される可能性があった。[ 92 ]
5年間の活動休止期間を経て、エレクトラは2009年6月に活動的なレーベルとして復活した。2018年半ば、エレクトラはアトランティック・レコードの傘下から分離し、エレクトラ・ミュージック・グループとして再編成され、再びワーナー・ミュージック傘下の独立系レーベルとして運営されるようになった。
2010年、企業の再編と第3四半期の収益が16%減少した結果、ウォーリーはレーベルを去った。以前はWMGのチーフ・クリエイティブ・オフィサーだったプロデューサーのロブ・カヴァロがワーナー・ブラザース・レコードのレーベル・グループの会長に任命された。トッド・モスコウィッツとリヴィア・トルテラが共同社長に任命され、モスコウィッツがCEO、トルテラがCOOを務めた。カヴァロ、トルテラ、モスコウィッツの「三位一体」はレーベル・グループを安定させると期待されていたが、ワーナーがロックに頼り続けたため、ヒップホップの人気が高まり、ワーナーの収益は減少した。2012年12月、モスコウィッツが辞任し、ワーナー/チャペルの会長兼CEOであり、WMGの取締役会のメンバーでもあるキャメロン・スタングがレーベル・グループの会長兼CEOに任命された。[ 93 ]トルテラは6か月後に去った。[ 94 ]スタングは「波乱に満ちた在任期間」を経て2016年に辞任した。[ 95 ] 2013年に社長に就任したダン・マッキャロルは2017年に退任した。[ 96 ]ワーナー所属アーティストはトップ10アルバムを10枚出したが、レーベルの業績は不安定だった。市場シェアの上昇は、2016年のプリンスとボウイの死後、彼らのアルバムの売上が増加したことによるものとされた。[ 97 ]
2017年10月、アーロン・ベイ＝シュックとトム・コーソンがワーナー・ブラザース・レコードの共同会長に任命され、ベイ＝シュックがCEO、コーソンがCOOを務めることになった。コーソンは2018年1月に同社に入社し、ベイ＝シュックはその年の秋に入社した。[ 98 ]
ワーナー・ブラザーズの本社は、2019年3月にバーバンクからロサンゼルスのダウンタウンに移転した。[ 99 ] [ 100 ] 5月28日、レーベルは社名をワーナー・レコードに変更し、新しいロゴを発表した。ワーナー・ブラザーズの盾をワードマークと黒い円（どちらも下部が部分的に切り取られている）に置き換えた。WMGは、新しいロゴは地球、レコード、太陽を模したもので、「デジタル世界に理想的に適した芸術的なシンプルさとインパクトのあるタイポグラフィ」を備えていると説明した。この変更は、ワーナー・ブラザーズの商標に対するWMGのライセンスの期限が近づいていたため必要となった。2004年にタイム・ワーナー（2022年からはワーナー・ブラザーズ・ディスカバリー）がワーナー・ミュージック・グループを売却した後、同社はワーナー・ブラザーズの名前と盾のロゴを使用する15年間のライセンスを取得していた。新しいロゴは賛否両論の評価を受け、マーケティング評論家や元WMG従業員は、61年間レーベルで使用されてきた歴史的なワーナー・ブラザーズのエンブレムが、比較的シンプルなマークに置き換えられたことを嘆いた。レコードレーベルのISRCコードは「WB1」のままだった。[ 101 ]
2018年と2019年には、ワーナーはカタログ作品への注力を強化し、グリーン・デイの『ニムロッド』やリンキン・パークの『ハイブリッド・セオリー』などのアルバムの記念日を祝してボックスセットをリリースしたほか、マック・ミラーやラモーンズの遺族と協力して、さらなるカタログアルバムのリリースを計画した。NLEチョッパは2019年にワーナーと提携してレーベルを立ち上げ、2020年のアルバム『トップ・ショッタ』はアメリカとカナダでプラチナディスクを獲得した。[ 102 ]オマー・アポロ、[ 103 ]ゴリラズとレッド・ホット・チリ・ペッパーズの新作レコードは成功を収め、デュア・リパの2020年のアルバム『Future Nostalgia』は米国で69位、世界で10位のベストセラーとなり、2021年には米国で9位、世界で6位のベストセラーとなった。[ 104 ]市場シェア拡大へのプレッシャーが高まる中、 『Future Nostalgia 』の成功はベイ＝シュックとコーソンがアーティスト名簿を再編成するための「時間稼ぎ」となった。[ 105 ]
2021年、ワーナーはザック・ブライアンやベンソン・ブーンなどと契約した。2019年に契約したテディ・スイムズは、2023年に「Lose Control」で6倍プラチナのシングルを獲得した。新ボーカリストのエミリー・アームストロングを迎えたリンキン・パークは15年ぶりの大ヒットを記録し、国際音楽業界団体IFPIはブーンの「Beautiful Things」を その年の世界最大のシングルに選出した。[ 106 ] 2023年10月、ブライアンのワーナーデビュー作「American Heartbreak」がプラチナセールスを記録し、同アルバムからの9枚のシングルがゴールドとプラチナに認定された。翌年2月には、さらに2枚のアルバムと16枚のシングルがゴールドとプラチナのステータスを獲得した。[ 107 ]ビルボードとのインタビューで、ベイ＝シュックはブライアンがレーベルの伝統を体現していると語った。「プリンスに何をすべきか指示する人はいなかったし、マドンナに何をすべきか指示する人もいなかった。アドバイスを与え、挑戦させ、できる限り意見を挟む。しかし最終的に、これらのアーティストが成功したのは、レーベルが彼らを成長させ、成熟させ、自力で挑戦させる方法を理解していたからだ。」[ 105 ] 2024年、ワーナー・レコードは市場シェアで3位となり、2018年以来の最高位となった。[ 105 ] [ 103 ]