歌う

歌うことは、声で音楽的な 音を作り出す行為である。^{[1] [2] [3]}歌うことを職業とする人は、歌手、アーティスト、またはボーカリスト（ジャズやポピュラー音楽において）と呼ばれる。^{[4] [5]歌手は、}楽器の伴奏付き、または伴奏なしで歌われる音楽（アリア、レチタティーヴォ、歌曲など）を演奏する。歌うことは、合唱団などのミュージシャンのアンサンブルで行われることが多い。歌手はソリストとして、または単一の楽器（芸術歌曲や一部のジャズスタイルなど）から交響楽団やビッグバンドまで、あらゆる伴奏付きで演奏することがある。世界中に多くの歌唱スタイルが存在する。

歌うことは、フォーマルでもインフォーマルでも、アレンジしても即興でもできる。宗教的な信仰の形として、趣味として、喜びや慰めの源として、儀式の一部として、音楽教育の一環として、または職業として行われることもある。歌唱において優れた才能を発揮するには、時間、献身、指導、定期的な練習が必要である。練習を定期的に行えば、音はより明瞭で力強くなる。^{[6]プロの歌手は通常、}クラシックやロックなど、特定の音楽ジャンルを中心にキャリアを築いていくが、複数のジャンルで歌うクロスオーバー歌手もいる。プロの歌手は通常、キャリアを通じて声楽教師やボーカルコーチによるボイストレーニングを受ける。

身体的な面では、歌うことは明確に定義されたテクニックであり、肺（空気の供給源またはふいごとして機能する）、喉頭（リードまたは振動子として機能する） 、胸部、頭蓋腔、骨格（管楽器の管のように増幅器の機能を持つ） 、舌（口蓋、歯、唇とともに子音と母音を発音し、増幅された音に重きを置く）の使い方に依存している。これら4つのメカニズムは独立して機能するが、それでもなお、発声テクニックを確立する上で協調し、相互作用するようになっている。^[7]受動呼吸の間、空気は横隔膜で吸い込まれ、呼気は努力なしに起こる。呼気は、腹筋、内肋間筋、下部骨盤筋によって補助される場合がある。吸入は外肋間筋、斜角筋、胸鎖乳突筋を使って補助されます。音程は声帯で変えられます。唇を閉じた状態でハミングを行うと、ハミングと呼ばれます。

各人の歌声は、声帯の実際の形や大きさだけでなく、その人の体の他の部分の大きさや形によっても完全にユニークです。人間には声帯があり、声帯は緩んだり、締めたり、厚さを変えたりすることができ、さまざまな圧力で息をそこに伝えることができます。胸や首の形、舌の位置、関係のない筋肉の緊張も変えることができます。これらの動作のどれか1つでも、生成される音のピッチ、音量、音色、またはトーンが変わります。音は体のさまざまな部分で共鳴し、個人のサイズと骨格は、個人が発する音に影響を与える可能性があります。

歌手は、声道内で音をよりよく共鳴させる特定の方法で音を発声する方法を学ぶこともできます。これは声の共鳴として知られています。声の音と発声に大きく影響する^もう1つの要素は喉頭の機能で、人々はこれをさまざまな方法で操作してさまざまな音を発することができます。これらのさまざまな種類の喉頭機能は、さまざまな種類の声域として説明されています。 [8] 歌手がこれを達成するための主な方法は、歌手のフォルマントを使用することです。これは、耳の周波数範囲の最も敏感な部分に特によく一致することが示されています。 ^{[9] [10]}

また、より力強い声は、より太く液体のような声帯粘膜によって達成できることが示されています。^{[11] [12]}粘膜が柔軟であればあるほど、気流から声帯へのエネルギーの伝達がより効率的になります。^[13]

ヨーロッパのクラシック音楽やオペラでは、声は楽器のように扱われる。声楽を書く作曲家は、歌手の技術、才能、声質を理解していなければならない。声の分類とは、人間の歌声を評価し、それによって声の種類を指定するプロセスである。これらの特性には、声域、声の重さ、声の音域、声の音色、声の遷移点（声の切れ目や高低など）が含まれるが、これらに限定されない。その他の考慮事項には、身体的特徴、発声レベル、科学的テスト、および声のレジストレーションがある。^{[14]ヨーロッパの}クラシック音楽で開発された声の分類の背後にある科学は、より現代的な歌唱形式に適応するのが遅い。声の分類は、オペラで可能性のある役割と潜在的な声を関連付けるためによく使用されます。現在、クラシック音楽では、ドイツのファッハシステムや合唱音楽システムなど、いくつかの異なるシステムが使用されています。普遍的に適用または受け入れられているシステムはありません。^[15]

しかし、ほとんどのクラシック音楽システムでは、7つの異なる主要な声のカテゴリーが認められています。女性は通常、ソプラノ、メゾソプラノ、コントラルトの3つのグループに分けられます。男性は通常、カウンターテナー、テナー、バリトン、バスの4つのグループに分けられます。思春期前の子供の声に関しては、8番目の用語であるトレブルを適用できます。これらの主要なカテゴリーのそれぞれの中で、コロラトゥーラの能力や声の重さなど、特定の声質を識別するいくつかのサブカテゴリーがあり、声を区別しています。^[16]

合唱音楽では、歌手の声域は声域のみに基づいて分けられています。合唱音楽では、男女ともに声部を高音と低音（SATB、つまりソプラノ、アルト、テナー、ベース）に分けるのが最も一般的です。その結果、典型的な合唱の状況では誤分類が発生する機会が多くなります。^[16]ほとんどの人は中程度の声を持っているため、高すぎるか低すぎるパートに割り当てられる必要があります。メゾソプラノはソプラノまたはアルトを歌い、バリトンはテナーまたはベースを歌わなければなりません。どちらの選択肢も歌手にとって問題を引き起こす可能性がありますが、ほとんどの歌手にとって、低すぎる声で歌うよりも高すぎる声で歌う方が危険は少ないです。^[17]

現代音楽（現代商業音楽と呼ばれることもある）では、歌手はジャズ、ポップ、ブルース、ソウル、カントリー、フォーク、ロックなどの歌う音楽のスタイルによって分類される。現在、非クラシック音楽には権威ある声の分類システムはない。クラシックの声のタイプの用語を他の歌唱形式に採用する試みがなされてきたが、そのような試みは論争を呼んでいる。^[18]声の分類の開発は、歌手が増幅されていない（マイクなし）発声法を使用して、指定された範囲内でクラシックな発声テクニックを使用するという理解のもとに行われた。現代のミュージシャンはさまざまな発声テクニックとマイクを使用し、特定のボーカルの役割に当てはめることを強制されていないため、ソプラノ、テナー、バリトンなどの用語を適用すると誤解を招き、不正確になる可能性がある。^[19]

声帯とは、声の中の声域のシステムを指します。声域とは、声帯の同じ振動パターンで生成され、同じ品質を持つ特定の一連の音です。声域は喉頭機能に由来します。声帯はいくつかの異なる振動パターンを生成することができるため発生します。^[20]これらの振動パターンはそれぞれ特定のピッチ範囲内に現れ、特定の特徴的な音を生成します。^[21]声域の発生は、声帯の振動と声道の間の音響相互作用の影響によるものとも考えられています。^[22]「声域」という用語は、声のさまざまな側面を包含するため、やや混乱を招く可能性があります。声域という用語は、次のいずれかを指すために使用できます。^[16]

• 高音域、中音域、低音域など、声域の特定の部分。
• 胸声や頭声などの共鳴領域。
• 発声プロセス（発声とは、声帯の振動によって声を出すプロセスであり、声道の共鳴によってその振動が修正されます）
• 特定の声の音色または声の「色」
• 声の中断によって定義または区切られる音声の領域。

言語学では、レジスター言語とは、声調と母音の発声を単一の音韻体系に組み合わせた言語である。言語病理学では、声帯という用語には、声帯の特定の振動パターン、特定の音高の連続、特定の種類の音という3つの構成要素がある。言語病理学者は、喉頭機能の生理学に基づいて、ボーカル・フライ・レジスター、モーダル・レジスター、ファルセット・レジスター、ホイッスル・レジスターの4つの声帯レジスターを特定している。この見解は、多くの声楽教育者にも採用されている。^[16]

声の共鳴とは、発声の基本的な産物が、空気で満たされた空洞を通過して外気に向かうことで音色や強度が強化されるプロセスである。共鳴プロセスに関連するさまざまな用語には、増幅、強化、拡大、改善、増強、延長などがあるが、厳密に科学的な用法では、音響の専門家はそれらのほとんどに疑問を呈するだろう。歌手や話し手がこれらの用語から引き出す主なポイントは、共鳴の結果はより良い音になること、またはそうなるべきであるということである。^[16]声の共鳴器として挙げられる可能性のある領域は 7 つある。体内で最も低いものから最も高いものの順に、胸部、気管支、喉頭自体、咽頭、口腔、鼻腔、副鼻腔である。^[23]

チェストボイスとヘッドボイスは声楽で使用される用語です。これらの用語の使用法は声楽教育界で大きく異なり、現在、これらの用語に関して声楽専門家の間で一貫した意見はありません。チェストボイスは、特定の声域または声域の種類、声の共鳴領域、または特定の声色に関連して使用できます。^[16]ヘッドボイスは、特定の声域または声域の種類、または声の共鳴領域に関連して使用できます。^[16]男性の場合、ヘッドボイスは一般にファルセットと呼ばれます。チェストボイスとヘッドボイスの移行と組み合わせは、歌手のパフォーマンスにおけるボーカルミックスまたはボーカルミキシングと呼ばれます。^[24]ボーカルミキシングは、チェストボイスとヘッドボイス間のスムーズな移行に集中するアーティストや、芸術的な理由やボーカルパフォーマンスの向上のためにチェストボイスからヘッドボイスへの突然の移行を説明するために「フリップ」^[25]を使用するアーティストの特定の様式で活用される場合があります。

チェストボイスとヘッドボイスという用語が最初に記録に残るのは13世紀頃で、作家のヨハネス・デ・ガルランディアとジェローム・ディ・モラヴィアによって「喉声」（ペクトリス、グットリス、カピティス - 当時、ヘッドボイスはファルセットレジスターを指していた可能性が高い）と区別された。^[26]これらの用語は後にイタリアのオペラ歌唱法であるベルカントで採用され、チェストボイスはチェストレジスター、パッサッジョレジスター、ヘッドレジスターの3つの声域のうち最も低く、ヘッドボイスは最も高いとされた。^{[15]このアプローチは今日でも一部の}声楽教育者によって教えられている。ベルカントモデルに基づく現在人気のもう1つのアプローチは、男性と女性の声の両方を3つのレジスターに分けるというものである。男性の声は「チェストレジスター」、「ヘッドレジスター」、「ファルセットレジスター」に分けられ、女性の声は「チェストレジスター」、「ミドルレジスター」、「ヘッドレジスター」に分けられる。このような教育者は、ヘッドレジスターは歌手の頭の中で感じられる共鳴を表現するために歌唱時に使われる発声テクニックであると教えています。 ^[27]

しかし、過去200年間で生理学の知識が増えるにつれ、歌唱や発声の物理的プロセスに関する理解も深まりました。その結果、インディアナ大学のラルフ・アッペルマンや南カリフォルニア大学のウィリアム・ヴェナードなど、多くの声楽教育者は、チェストボイスとヘッドボイスという用語の定義を変えたり、使用をやめたりしました。^[15]特に、チェストレジスターとヘッドレジスターという用語の使用は、今日では声楽のレジスターは、胸部、肺、頭部の生理とは無関係な喉頭機能の産物であると一般的に考えられているため、物議を醸しています。このため、多くの声楽教育者は、レジスターが胸部や頭の中で生成されると言うことは無意味であると主張しています。彼らは、これらの領域で感じられる振動感覚は共鳴現象であり、レジスターではなく声楽共鳴に関連する用語で説明されるべきだと主張しています。これらの声楽教育者は、レジスターという用語よりもチェストボイスとヘッドボイスという用語を好みます。この見解は、人々がレジスターの問題として認識している問題は、実際には共鳴調整の問題であると考えています。この見解は、音声病理学、音声学、言語学など、発声レジスターを研究する他の学問分野の見解とも一致しています。両方の方法は現在でも使用されていますが、現在の発声教育の実践では、より新しい、より科学的な見解を採用する傾向があります。また、一部の発声教育者は両方の観点からアイデアを取り入れています。^[16]

チェストボイスという用語の現代的用法は、特定の種類の声色や声質を指すことが多い。クラシック歌唱では、その使用は完全にモードレジスターの低音部または通常の声に限定されている。他の歌唱形式では、チェストボイスはモードレジスター全体に適用されていることが多い。チェストボイスの音色は、歌手の声の解釈パレットに素晴らしい音の配列を追加することができる。^[28] しかし、高音域でチェストボイスを過度に強く使用して、胸でより高い音を出そうとすると、無理やりになってしまう可能性がある。無理やりにすると、結果的に声質が劣化する可能性がある。^[29]

パッサッジョ（イタリア語の発音： [pasˈsaddʒo] ）は、クラシック歌唱において声域間の移行領域を表すために使用される用語です。声のパッサッジョ（複数形）は、どの歌手でも力強い音を出せる胸声、中声、通常は発声訓練を通じてのみ貫くような音を出せる頭声など、異なる声域の間にあります。歴史的なイタリア歌唱法では、男性の声ではプリモ・パッサッジョとセカンド・パッサッジョがゾナ・ディ・パッサッジョでつながっており、女性の声ではプリモ・パッサッジョとセカンド・パッサッジョがつながっていると説明されています。クラシックスタイルにおけるクラシック発声訓練の主な目標は、パッサッジョ全体で均一な音色を維持することです。適切な訓練を行えば、響きが良く力強い音を出すことができます。

異なる声域についての基礎的な理解なしに、声のパッサッジョについて適切に議論することはできない。インゴ・ティッツェは著書『発声の原理』で、「声域という用語は、一定の範囲の音程と音量にわたって維持できる、知覚的に異なる声質の領域を表すために使用されてきた」と述べている。^[30]教師と歌手、研究者、臨床医など、声の研究分野によって用語の相違がある。マリリー・デイビッドが指摘するように、「声の科学者は、レジストレーションを主に音響イベントと見なしている」。^[31]歌手の場合、レジストレーションイベントは、歌うときに感じる身体感覚に基づいて説明することが一般的である。ティッツェはまた、言語聴覚士と歌唱教師の間で、声のレジストレーションについて話す際に使用される用語に相違があると説明している。^[32]この記事では、クラシック歌手が使用する用語であるパッサッジョについて議論しているため、レジスターは、言語聴覚療法や科学ではなく、歌唱の分野として議論される。

頭声、中声（混合）、胸声と呼ばれる 3 つの主な声域は、人体の共鳴による倍音のため、豊かな音色を持つと言われています。これらの名前は、歌手が体内でこれらの共鳴振動を感じる部位に由来しています。胸声域は、一般的には胸声と呼ばれ、最も低い声域です。胸声で歌うとき、歌手は胸に共鳴振動を感じます。これは、人々が話すときに最も一般的に使用する声域です。中声は、胸声と頭声の中間に位置します。頭声域、または頭声は、主要な声域の中で最も高い声域です。頭声で歌うとき、歌手は顔や頭の別の部分に生じる共鳴振動を感じることがあります。これらの声域が声のどこに位置するかは、性別と各性別の声のタイプによって異なります。^[33]

さらに、頭声域の上にファルセットとフラジオレットと呼ばれる2つの音域がある。 ^{[34] [35]}これらの音域の音程を出すには、しばしば訓練が必要となる。低い声の男性や女性は、これらの音域で歌うことはめったにない。特に低い声の女性は、フラジオレット音域の訓練をほとんど受けていない。男性には、胸声の下にあるストローバスと呼ばれるもう1つの音域がある。この音域で歌うことは声帯に負担がかかるため、ほとんど使用されない。^[36]

声楽教育学は歌唱指導の研究です。声楽教育の芸術と科学は古代ギリシャ^[37]に始まった長い歴史があり、今日でも発展と変化を続けています。声楽教育の芸術と科学を実践する職業には、ボーカルコーチ、合唱指揮者、声楽教育者、オペラ監督、その他の歌唱教師が含まれます。

発声教育の概念は、適切な発声技術を開発するためのものです。代表的な研究分野には以下のものがあります。^{[38] [39]}

• 歌うという身体的なプロセスに関連する 解剖学と生理学
  • 歌唱に関連する声の健康と声の障害
  • 歌うための呼吸と空気のサポート
  • 発声
  • 声の共鳴または声の投射
  • 発声法: 声帯の同じ振動パターンで生成され、喉頭機能に由来する同じ品質を持つ特定の一連の音。これらの振動パターンのそれぞれが特定の音高の範囲内に現れ、特定の特徴的な音を生成するためです。
  • 音声分類
• ボーカル スタイル: クラシック歌手の場合、これにはリートからオペラまでのスタイルが含まれます。ポップ歌手の場合、スタイルにはブルースのバラードが含まれます。ジャズ歌手の場合、スタイルにはスウィング バラードやスキャットが含まれます。
  • ソステヌートやレガート、音域拡張、音質、ビブラート、コロラトゥーラなどのスタイルで使用されるテクニック

適切な発声テクニックで歌を歌うことは、歌うことの身体的なプロセスを効果的に調整する統合された協調的な行為です。発声には、呼吸、発声、共鳴、発音という 4 つの身体的なプロセスが関わっています。これらのプロセスは次の順序で発生します。

1. 息を呑む
2. 音は喉頭で発生する
3. 声帯共鳴器は音を受信し、それに影響を与える
4. 調音器官は音を認識可能な単位に形作る

これら4つのプロセスは研究の際には別々に考えられていることが多いが、実際には1つの協調した機能に統合されている。優れた歌手や話し手の場合、心と体が協調して機能し、結果として生じる統合された機能のみが認識されるため、このプロセスを意識することはほとんどない。多くの発声障害は、このプロセスにおける協調の欠如から生じる。^[19]

歌うことは協調的な行為であるため、個々の技術領域やプロセスを他のものと関連付けずに議論することは困難です。たとえば、発声は呼吸と関連して初めて視野に入ります。調音器官は共鳴に影響し、共鳴器官は声帯に影響し、声帯は呼吸のコントロールに影響します。などなど。発声の問題は、この協調的なプロセスの一部が機能しなくなることで生じることが多く、そのため声楽教師は、その問題が解決されるまで生徒とプロセスの 1 つの領域に集中して取り組むことがよくあります。ただし、歌唱技術のいくつかの領域は協調的な機能の結果であるため、発声、共鳴、調音、呼吸などの従来の見出しで議論することは困難です。

発声を学ぶ生徒が、歌うという行為を構成する身体的なプロセスとその機能について理解すると、生徒はそれらを調整しようとする作業を開始します。必然的に、生徒と教師は、他の部分よりもテクニックの特定の領域に関心を持つようになります。さまざまなプロセスが異なる速度で進行し、結果として不均衡や調整不足が生じる可能性があります。発声テクニックの領域のうち、生徒のさまざまな機能を調整する能力に最も大きく依存していると思われる領域は次のとおりです。^[16]

1. 声域を最大限に広げる
2. 一貫した音質で一貫した発声を開発する
3. 柔軟性と敏捷性を養う
4. バランスのとれたビブラートを実現する
5. 音域のあらゆる音に胸声と頭声をブレンドした声^[40]

歌うことは、高度に発達した筋肉反射を必要とする技術です。歌うことはそれほど筋力を必要としませんが、高度な筋肉協調性を必要とします。歌と発声練習の両方を注意深く体系的に練習することで、声をさらに発達させることができます。発声練習には、声^をウォーミングアップすること、声域を広げること、声を水平方向と垂直方向に「整列させること」、レガート、スタッカート、強弱のコントロール、素早いフィギュレーション、広い音程を快適に歌うことの習得、トリルの歌唱、メリスマの歌唱、発声の誤りの矯正などの発声テクニックの習得など、いくつかの目的があります。

声楽教育者は生徒たちに、声を賢く使うよう指導します。歌手は、歌っているときに、どんな音を出しているのか、どんな感覚を感じているのかを常に考えなければなりません。^[19]

歌の習得は、指導者の関与が役立つ活動です。歌手は、頭の中で他の人が外で聞いているのと同じ音を聞いているわけではありません。したがって、生徒がどのような音を出しているかを教える指導者がいると、歌手は、生徒が再現しようとしている歌唱スタイルに必要な音に一致する内部音を理解できるようになります。^{[引用が必要]}

発声発達の重要な目標は、声質やテクニックを明らかに変えたり、気を散らしたりすることなく、自分の声域の自然な限界^[41]まで歌えるようになることです。声楽教育者によると、歌手がこの目標を達成できるのは、歌うことに関わるすべての身体的プロセス (喉頭の動き、呼吸のサポート、共鳴の調整、調音運動など) が効果的に連携して機能しているときだけだということです。ほとんどの声楽教育者は、(1) 最も快適な声域で良い発声習慣を確立し、次に (2) ゆっくりと声域を広げることで、これらのプロセスを調整できると考えています。^[8]

高い音や低い音を歌う能力に大きく影響する要因は 3 つあります。

1. エネルギー要因 - 「エネルギー」にはいくつかの意味合いがあります。これは、音を出すことに対する身体の全体的な反応、呼吸支持機構として知られる息を吸う筋肉と息を吐く筋肉の間の動的な関係、声帯に伝わる息圧の量とその圧力に対する声帯の抵抗、そして音のダイナミック レベルを指します。
2. 空間要因 - 「空間」とは、口の中のサイズと、口蓋と喉頭の位置を指します。一般的に、歌手は高い声で歌うほど口を大きく開ける必要があります。喉をリラックスさせることで、軟口蓋と喉頭の内部空間または位置を広げることができます。声楽教育者は、これを「あくびの始まり」のような感覚と表現します。
3. 深さの要素- 「深さ」には 2 つの意味があります。これは、身体と発声機構における深さの実際の物理的感覚と、音質に関連する深さの精神的概念を指します。

マッキニーは、「これらの3つの要素は、3つの基本的なルールで表現できます。(1) 高い声で歌うときは、より多くのエネルギーを使う必要があり、低い声で歌うときは、より少ないエネルギーを使う必要があります。(2) 高い声で歌うときは、より多くの空間を使う必要があり、低い声で歌うときは、より少ないエネルギーを使う必要があります。(3) 高い声で歌うときは、より深みを使う必要があり、低い声で歌うときは、より少ないエネルギーを使う必要があります。」と述べています。^[16]

歌うプロセスは、身体の特定の物理的条件が整っているときに最もよく機能します。空気を自由に体内に出入りさせ、必要な量の空気を得る能力は、呼吸機構のさまざまな部分の姿勢によって大きく左右されます。胸が沈んでいると肺の容量が制限され、腹壁が緊張していると横隔膜の下方への移動が妨げられます。良い姿勢は、呼吸機構が過度のエネルギーを消費することなく、その基本的な機能を効率的に果たすことを可能にします。良い姿勢は、発声を開始し、共鳴器を調整するのを容易にします。適切な位置合わせにより身体の不要な緊張が防止されるからです。声楽教育者も、歌手が良い姿勢をとると、パフォーマンス中に自信と落ち着きが増すことが多いと指摘しています。聴衆も、良い姿勢の歌手によく反応する傾向があります。習慣的な良い姿勢は、血液循環を良くし、身体の疲労とストレスを防ぐことで、最終的には身体全体の健康を改善します。^[8]

理想的な歌唱姿勢には 8 つの要素があります。

1. 足を少し広げる
2. 脚はまっすぐだが、膝は少し曲がっている
3. 腰をまっすぐ前に向けて
4. 背骨を整える
5. 腹部が平ら
6. 胸を楽に前に出す
7. 肩を下げて後ろに
8. 頭をまっすぐ前に向けて

自然な呼吸には、息を吸う期間、息を吐く期間、休息または回復期間の 3 つの段階があります。これらの段階は通常、意識的に制御されません。歌うときには、息を吸う期間 (吸入)、制御の準備期間 (停止)、制御された呼気期間 (発声)、回復期間の 4 つの呼吸段階があります。

これらの段階は、条件反射になるまで歌手の意識的な制御下に置かれなければなりません。多くの歌手は、反射が完全に条件付けされる前に意識的な制御を放棄し、最終的には慢性的な発声障害につながります。^[42]

ビブラートは、持続音を高低のピッチ間を非常に速く一貫して揺らし、音にわずかな震えを与える技法です。ビブラートは持続音の脈動または波です。ビブラートは自然に発生し、適切な呼吸サポートとリラックスした発声器官の結果として生じます。^[43]いくつかの研究では、ビブラートは声帯の神経筋震えの結果であると示されています。1922年にマックス・シェーンは、振幅の変化、自動制御の欠如、および通常の筋肉放電の半分の速度による震えとビブラートを比較した最初の人物でした。^[44]一部の歌手は表現手段としてビブラートを使用します。多くの成功したアーティストは、深く豊かなビブラートを歌うことができます。

拡張ボーカルテクニックには、ラップ、叫び、うなり声、倍音、スライド、ファルセット、ヨーデル、ベルティング、ボーカルフライレジスターの使用、音響強化システムの使用などがあります。音響強化システムは、マイク、信号プロセッサ、アンプ、およびスピーカーの組み合わせです。このようなユニットの組み合わせでは、リバーブ、エコーチャンバー、オートチューンなどのデバイス も使用される場合があります。

声楽は、 1人または複数の歌手によって演奏される音楽で、通常は歌と呼ばれ、器楽伴奏の有無にかかわらず演奏され、歌が曲の中心となる。声楽は、声以外の楽器や機材を必要としないため、おそらく最も古い形式の音楽である。すべての音楽文化には何らかの形の声楽があり、世界中の文化のいたるところに長年続く歌の伝統が数多くある。歌を使用するが、歌を主眼に置いていない音楽は、一般に器楽と見なされる。たとえば、ブルースロックの曲の中には、短く単純なコールアンドレスポンスのコーラスがあるが、曲では器楽のメロディーと即興に重点が置かれている。声楽では通常、歌詞と呼ばれる歌われた言葉が特徴であるが、非言語的な音節やノイズ、時には音楽的擬音語を使用して演奏される声楽の顕著な例もある。歌詞の付いた短い声楽曲は広く歌曲と呼ばれますが、クラシック音楽では、アリアなどの用語が一般的に使用されます。

声楽はさまざまな形式やスタイルで書かれており、多くの場合、特定の音楽ジャンルに分類されます。これらのジャンルには、ポピュラー音楽、芸術音楽、宗教音楽、世俗音楽、およびこれらのジャンルの融合が含まれます。これらの大きなジャンルの中には、多くのサブジャンルがあります。たとえば、ポピュラー音楽には、ブルース、ジャズ、カントリー ミュージック、イージー リスニング、ヒップホップ、ロック ミュージック、およびその他のいくつかのジャンルが含まれます。ジャズのボーカリーズやスキャット シンギングのように、サブジャンル内にサブジャンルがある場合もあります。

現代の多くのポップミュージックグループでは、バックボーカルや曲のハーモニーを歌うバックシンガーとは対照的に、リードシンガーが曲の主なボーカルやメロディーを担当する。バックボーカルは曲の一部（通常は全部ではなく）を歌い、曲のリフレイン部分のみを歌ったり、バックグラウンドでハミングしたりすることが多い。例外は5部構成のゴスペル・アカペラ音楽で、リードは5つの声の中で最も高い声で、メロディーではなくデスキャントを歌う。一部のアーティストは、録音されたボーカルトラックを重ね合わせることで、オーディオ録音でリードボーカルとバックボーカルの両方を歌うことがある。

ポピュラー音楽には、さまざまなボーカル スタイルがあります。ヒップホップでは、ラップ、つまりリズムにのってリズムのあるスピーチで韻を踏む、または伴奏なしでリズムよく歌う手法が使われます。ラップの種類によっては、ジャマイカの「トースティング」のように、ほとんどまたは完全にスピーチとチャントで構成されているものもあります。ラップの種類によっては、演奏者が短い歌や半分歌った部分を差し挟むこともあります。ブルースの歌唱は、ブルー ノート(表現目的で長音階よりわずかに低い音程で歌われる音)の使用に基づいています。ヘビーメタルやハードコア パンクのサブジャンルでは、ボーカル スタイルに、叫び声、叫び声、および「デス グロウル」などの珍しい音などのテクニックが含まれることがあります。

ポピュラーとクラシックのジャンルのライブ パフォーマンスの違いの 1 つは、クラシックの演奏者は小規模から中規模のホールで増幅せずに歌うことが多いのに対し、ポピュラー音楽では、小さなコーヒー ハウスでさえ、ほぼすべてのパフォーマンス会場でマイクとPA システム(アンプとスピーカー) が使用されることです。マイクの使用は、ポピュラー音楽にいくつかの影響を与えました。1 つは、マイクなしでは十分な投影と音量が得られない「クルーニング」などの親密で表現力豊かな歌唱スタイルの発展を促進したことです。また、マイクを使用するポップ シンガーは、ささやくような音、ハミング、半分歌った音と歌った音のミックスなど、増幅なしでは投影されないさまざまなボーカル スタイルを行うことができます。また、マイクの応答パターンを使用して効果を生み出す演奏者もいます。たとえば、マイクを口に非常に近づけて低音の応答を強化したり、ヒップホップビートボクサーの場合は、マイクに向かって破裂音の「p」と「b」を出してパーカッシブな効果を生み出したりします。 2000年代には、録音されたポピュラー音楽のボーカルやライブのボーカルに電子オートチューン ピッチ補正装置が広く使用されていることをめぐって論争が巻き起こった。ポップシンガーが事前に録音されたボーカルパフォーマンスに合わせてリップシンクしていたり​​、物議を醸したバンド、ミリ・ヴァニリの場合のように、クレジットされていない他のシンガーが録音したトラックに合わせてリップシンクしていたり​​するケースも論争を巻き起こした。

バンドによっては、ステージに立っているときだけ歌うバックシンガーを使うところもありますが、ポピュラー音楽ではバックシンガーが他の役割を担うことが一般的です。多くのロックバンドやメタルバンドでは、バックボーカルを担当するミュージシャンがリズムギター、エレクトリックベース、ドラムなどの楽器も演奏します。ラテン系やアフロキューバンのグループでは、バックシンガーが歌いながら打楽器やシェイカーを演奏することもあります。ポップやヒップホップのグループやミュージカルシアターでは、バックシンガーがヘッドセットマイクで歌いながら、手の込んだ振り付けのダンスを披露することが求められることもあります。

ボーカリストの給料や労働条件は大きく異なります。音楽教育合唱団の指揮者など、他の音楽分野の仕事はフルタイムの給与制であることが多いのに対し、歌手の仕事は、個々のショーや公演、または一連のショーの契約に基づいている傾向があります。

歌手やボーカリストを目指す人は、音楽のスキル、素晴らしい声、人との関わり、ショーマンシップとドラマのセンスを持っていなければなりません。さらに、歌手は継続的に学び、向上する意欲と意欲も必要です。^[45]

プロの歌手は、自分のスキルを磨き、音域を広げ、新しいスタイルを学ぶために、ボーカルコーチングを求め続けています。また、歌手を目指す人は、歌を解釈するために使用されるボーカルテクニックの専門的なスキルを習得し、選択した音楽スタイルのボーカル文学について学び、合唱音楽テクニック、視唱と歌の暗記、発声練習のスキルを習得する必要があります。

歌手の中には、作曲、音楽プロデュース、作詞作曲など、他の音楽の仕事を学ぶ人もいます。YouTubeやストリーミングアプリに動画を投稿する歌手もいます。歌手は、音楽監督の前でオーディションを受けて、ボーカルの才能の買い手に自分を売り込みます。訓練を受けたボーカル音楽のスタイルに応じて、彼らが探し求める「才能の買い手」は、レコード会社、A&R担当者、音楽監督、合唱団の指揮者、ナイトクラブのマネージャー、コンサートプロモーターなどです。ボーカルパフォーマンスの抜粋を収録したCDやDVDは、歌手のスキルを実証するために使用されます。有料契約やその他のパフォーマンスの機会を探すのを手伝ってくれるエージェントやマネージャーを雇う歌手もいます。エージェントやマネージャーは、歌手がステージでパフォーマンスすることで得る料金の一定の割合を受け取ることで報酬を得ることがよくあります。

歌を披露するテレビ番組はいくつかある。アメリカンアイドルは2002年に開始された。最初の歌のリアリティ番組は、1995年にZee TVが開始したサ・レ・ガ・マ・パ^{だった。[46]}アメリカンアイドルでは、出場者はハリウッドで次のラウンドに進むことができるかどうかを審査員団の前でオーディションを受け、そこから競争が始まる。出場者は勝者が選ばれるまで毎週絞り込まれていく。次のラウンドに進むには、視聴者の投票によって出場者の運命が決まる。ザ・ヴォイスは別の歌の競争番組である。アメリカンアイドルと同様に、出場者は審査員団の前でオーディションを受けるが、審査員の椅子はパフォーマンス中は観客の方を向いている。コーチはアーティストに興味がある場合、コーチがボタンを押して、指導したいことを示す。オーディションが終了すると、コーチはアーティストのチームを作り、競争が始まる。その他の有名な歌唱コンテストとしては、 Xファクター、アメリカズ・ゴット・タレント、ライジング・スター、ザ・シングオフなどがあります。

歌唱コンテストの別の例としては、「歌詞を忘れないで！」があります。この番組では、出場者がさまざまなジャンルの歌の歌詞を正しく思い出すことで賞金を競います。この番組は、芸術的な才能（美しく歌ったり踊ったりする能力など）が出場者の勝利の可能性とは無関係であるという点で、他の多くの音楽ベースのゲーム番組とは対照的です。初回放送前のコマーシャルの 1 つには、「上手に歌う必要はありません。正しく歌えばよいのです」とあります。同様に、「The Singing Bee」はカラオケとスペリング ビー スタイルのコンテストを組み合わせた番組で、出場者が人気曲の歌詞を思い出そうとする番組です。

自然言語、非自然言語を問わず、あらゆる話し言葉には固有の音楽性があり、それが音程、フレージング、アクセントを通じて歌唱に影響を与えます。

最近、音楽と言語、特に歌唱とのつながりについて多くの研究が行われています。これら 2 つのプロセスは非常によく似ていますが、異なることも明らかになっています。レビティンは、鼓膜から音波が音高、つまり音調マップに変換され、その後すぐに「音声と音楽はおそらく別々の処理回路に分岐する」と説明しています (130)。^[47]音楽と言語に使用される神経回路は、乳児では未分化な状態で始まる可能性があるという証拠があります。言語と音楽の両方に使用される脳の領域がいくつかあります。たとえば、ブロードマン領域 47 は、口頭言語と手話の構文、および音楽構文と言語の意味的側面の処理に関係していると考えられています。レビティンは、特定の研究で「音楽を聴いてその構文的特徴に注意を払う」ことが、言語の構文プロセスと同様に、脳のこの部分を活性化したことを詳しく述べています。さらに、「音楽の統語論は、ブローカ野などの音声統語論を処理する領域に隣接し、重複する領域に局在している」ことや、「音楽の意味論に関与する領域は、ウェルニッケ野の近くに[局在]しているように見える」ことが分かっています。ブローカ野とウェルニッケ野はどちらも、言語の処理と生成において重要なステップです。

歌うことは脳卒中患者の言語能力回復に役立つことが分かっている。神経学者ゴットフリート・シュラウグによると、言語能力に対応する領域が脳の右側の左半球にあるという。^[48]これは「歌唱中枢」として知られている。脳卒中患者に自分の言葉を歌うように教えることで、脳のこの領域を言語能力のために訓練することができる。この理論を支持するレビティンは、言語能力などの「領域特異性」は「外傷や脳損傷の後、重要な精神機能の処理中枢が他の領域に実際に移動するため、一時的なものである可能性がある」と主張している。^[47]したがって、脳の右半球では、「歌唱中枢」が言語能力を回復するために再訓練される可能性がある。^[49]

ある人の話し方やアクセントは、その人が歌うときに使う一般的な歌唱アクセントとは大きく異なる場合があります。人が歌うときは、一般的には地域のアクセントや方言ではなく、歌っている音楽のスタイルで使われるアクセントまたはニュートラルアクセントを使用します。音楽のスタイルとそのスタイルの人気の中心地/地域は、人の歌唱アクセントに、出身地よりも大きな影響を与えます。たとえば、英語では、ロックやポピュラー音楽のイギリス人歌手は、英語のアクセントではなく、アメリカのアクセントまたはニュートラルアクセントで歌うことがよくあります。^{[50] [51]}

• 多言語バンドとアーティストのリスト
• 手話歌

• N-アシルエタノールアミン（NAE）

• ブラックウッド、アラン。歌手の演奏世界。ロンドン：ハミッシュ・ハミルトン、1981年。113ページ、豊富な図解（ほとんどが写真付き）。ISBN 0-241-10588-9 
• Platte, SL ; et al. (2024). 「指揮者と呼吸？合唱歌手の呼吸習慣に関する前向きな準実験的探究」。Journal of Voice。38 ( 1  ) : 152–160。doi : 10.1016 /j.jvoice.2021.07.020。PMID 34551860。S2CID  237608913。
• リード、コーネリアス。『ボーカル用語辞典：分析』ニューヨーク：J.パテルソンミュージックハウス、1983年。ISBN 0-915282-07-0 

Wikiquoteに「歌うこと」に関する引用句があります。

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ウィキブックスには歌唱に関する詳細があります

• 歌の歴史
• 歌と健康：非臨床研究の体系的なマッピングとレビュー

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