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この記事では、 1960年代のポピュラー音楽における出来事やトレンドの概要を解説します。
北米とヨーロッパでは、1960年代はポピュラー音楽の面で特に革命的な時代であり、 1950年代に始まった伝統的なポップからの脱却が続いた。1960年代にはロックが進化し、アルバム時代が始まった。[ 1 ] 1960年代の初めには、 1950年代のポップとロックンロールのトレンドが続いたが、それ以前の10年間のロックンロールは、より国際的でエレクトリックな形態へと融合し始めた。1960年代半ばには、純粋な形のロックンロールは、人気が高まったポップロック、ビート、 サイケデリックロック、ブルースロック、フォークロックに徐々に取って代わられた。1960年代後半のロック音楽に関連付けられたカントリーとフォークの影響を受けたスタイル[ 2 ]は、自分の作品を書いて演奏する人気シンガーソングライターの世代を生み出した。 1960年代後半には、バロック・ポップ[ 3 ]、サンシャイン・ポップ[ 4 ]、バブルガム・ポップ[ 5 ]、プログレッシブ・ロックなどのジャンルが人気を集め始め、後者2つは翌10年間でさらに成功を収めた。さらに、1960年代にはファンクやソウル・ミュージックの人気が高まり、リズム・アンド・ブルース全般も引き続き人気を博した。R&B、ゴスペル、オリジナル・ロックンロールの融合は、1960年代半ばまで成功を収めた。[ 6 ] 1960年代のロックやR&Bの人気とは別に、ラテンアメリカ音楽やジャマイカ音楽、キューバ音楽も10年間を通じて一定の人気を獲得し、ボサノバ、チャチャチャ[ 7 ]、スカ[ 8 ]、カリプソなどのジャンルが人気を博した。古典音楽の観点から見ても、1960年代は電子音楽、 実験音楽、ジャズ、現代クラシック音楽が発展した重要な10年間であった。特にミニマリズムとフリーインプロヴィゼーションが挙げられる。[ 9 ]
アジアでは、1960年代のポピュラー音楽は様々な潮流を見せた。日本では、ビートルズやローリング・ストーンズといった欧米のポピュラー音楽グループの人気が急上昇した。ロック音楽とバンドの日本での成功は、 「グループサウンド」と呼ばれる新たなジャンルを生み出し、1960年代後半に人気を博した。
南米では、ボサノバ、ヌエバ・カンシオン、ヌエバ・オラなどのジャンルが台頭し始めた。ロック音楽も影響を与え始め、1960年代に成功を収めた。さらに、サルサも1960年代後半に人気を博した。[ 7 ] 1960年代にはクンビアがチリに伝わり、同国の熱帯音楽に長く影響を与えた。 [ 10 ]
1950年代後半、リバプール、マンチェスター、バーミンガム、ロンドンなどのイギリスの主要都市では、衰退しつつあったスキッフルシーンから、グループ文化が隆盛を極め始めた。これは特にリバプールで顕著で、当時約350ものバンドが活動しており、ボールルーム、コンサートホール、クラブなどで演奏していたと推定されている。[ 11 ]ビートバンドは、バディ・ホリー・アンド・ザ・クリケッツ（ビートルズの名前の由来となったグループ）などの当時のアメリカのバンドや、シャドウズなどの初期のイギリスのグループから大きな影響を受けていた。[ 12 ] 1962年からビートルズがイギリスで全国的な成功を収めた後、シラ・ブラック、ジェリー・アンド・ザ・ペースメーカーズ、ザ・サーチャーズなど、リバプールの多くのパフォーマーが彼らに続いてチャート入りを果たした。バーミンガム出身で最も成功したビートグループには、スペンサー・デイヴィス・グループやムーディー・ブルースなどがある。ロンドンでは、トッテナム・サウンドという用語は主にデイヴ・クラーク・ファイヴを中心に使われていましたが、この時代のビート・ブームの恩恵を受けた他のロンドンのバンドには、ローリング・ストーンズ、ヤードバーズ、キンクスなどがありました。リバプール出身ではなく、ブライアン・エプスタインがマネージメントしていないバンドでイギリスでブレイクしたのは、マンチェスターを拠点としていたフレディ・アンド・ザ・ドリーマーズでした[ 13 ]。ハーマンズ・ハーミッツも同様でした[ 14 ] 。 ビート・ムーブメントは、1964年以降のアメリカのポップ・チャートにおけるブリティッシュ・インヴェイジョンを担ったグループのほとんどを提供し、ポップやロック音楽の多くの重要な発展のモデルとなりました。
1962年末までに、イギリスのロックシーンは、ソウルミュージック、リズムアンドブルース、サーフミュージックなど、幅広いアメリカの影響を受けたビートグループ、ビートルズから始まった。[ 15 ]最初は、ツイストを踊るダンサーのために演奏するなど、アメリカの定番曲を再解釈していた。これらのグループは、やがて自分たちのオリジナルのロック曲に、ますます複雑な音楽的アイデアと独特のサウンドを注入していった。1962年半ば、ローリングストーンズは、アニマルズやヤードバーズなどのバンドとともに、ブルースの影響をますます示すようになったグループの一つとして活動を開始した。[ 16 ] 1963年には、ビートルズやサーチャーズ、ホリーズなどの他のビートグループが、イギリス国内で大きな人気と商業的成功を収めた。
1964年1月、ビートルズの成功により、ブリティッシュ・ロックはアメリカで主流の人気を獲得した。「抱きしめたい」はバンド初のビルボード・ホット100チャート1位ヒットとなり、アメリカの音楽チャートにおけるブリティッシュ・インヴェイジョンの幕開けとなった。[ 17 ]この曲は1964年1月18日にチャートインし、45位となった後、7週間1位となり、合計15週間チャートにランクインした。[ 18 ] 2月9日のエド・サリバン・ショーへの初出演は、アメリカのポップカルチャーにおけるマイルストーンとみなされている。この放送は推定7300万人の視聴者を集め、当時アメリカのテレビ番組の記録となった。ビートルズは史上最も売れたロックバンドとなり、多くのイギリスのバンドが彼らに続いた。[ 19 ]
その後の2年間で、チャド＆ジェレミー、ピーター＆ゴードン、アニマルズ、マンフレッド・マン、ペトゥラ・クラーク、フレディ＆ザ・ドリーマーズ、ウェイン・フォンタナ＆ザ・マインドベンダーズ、ハーマンズ・ハーミッツ、ローリング・ストーンズ、ザ・トロッグス、ドノヴァンは1曲以上のナンバーワン・シングルを獲得した。[ 17 ]インヴェイジョンに参加した他のアーティストには、キンクスやデイヴ・クラーク・ファイヴなどがいる。[ 20 ]ブリティッシュ・インヴェイジョンのアーティストは、イギリス国内の音楽チャートでも圧倒的な人気を誇った。[ 16 ]
ブリティッシュ・インヴェイジョンはロックンロールの制作を国際化するのに役立ち、その後のイギリス（およびアイルランド）のパフォーマーが国際的な成功を収める道を開いた。[ 21 ]アメリカでは、1950年代後半から1960年代にかけてアメリカのチャートを席巻していたインストゥルメンタル・サーフ・ミュージック、ボーカル・ガール・グループ、そして（一時的に）ティーン・アイドルの終焉を意味したと言えるだろう。[ 22 ]ファッツ・ドミノやチャビー・チェッカーのような確立されたR&Bアーティストのキャリアに打撃を与え、エルヴィス・プレスリーを含む生き残ったロックンロール・アーティストのチャートでの成功さえも一時的に頓挫させた。[ 23 ]ブリティッシュ・インヴェイジョンはまた、独自のロック音楽ジャンルの台頭に大きな役割を果たし、ギターとドラムを基本とし、シンガーソングライターとして自らの楽曲を制作するロック・グループの優位性を確固たるものにした。[ 24 ]
ビート・ミュージックと並行して、1950年代後半から1960年代初頭にかけて、イギリスではブルース・シーンが発展し、アメリカのR&B、そして後には特にロバート・ジョンソン、ハウリン・ウルフ、マディ・ウォーターズといったブルースマンのサウンドを再現した。ブルースは1960年代に主流音楽としての人気を極め、エレクトリック・ギターを主体とした独特で影響力のあるスタイルを確立し、ローリング・ストーンズ、エリック・クラプトン、ヤードバーズ、フリートウッド・マック、レッド・ツェッペリンなど、このジャンルを代表する数々のアーティストを国際的なスターへと押し上げた。
これらの曲の多くはブルースロックを経て様々な形態のロック音楽へと発展し、その結果、ブリティッシュブルースはサイケデリックロックやヘヴィメタルなど、ロックの多くのサブジャンルの形成に貢献した。それ以来、イギリスにおけるブルースへの直接的な関心は低下したが、近年では多くの主要な演奏家がブルースに回帰し、新しいアーティストが登場し、このジャンルへの関心が再び高まっている。[ 25 ]
1960年代半ばにイギリスのサイケデリアが台頭し、サイケデリック文化の影響を受け、幻覚剤による精神変容体験を再現・強化しようと試みた。このムーブメントは、インド音楽のラーガやシタールといった非西洋の要素に加え、スタジオエフェクトや長いインストゥルメンタルパート、シュールな歌詞を取り入れた。エリック・バードン、ザ・フー、クリーム、ピンク・フロイド、ビートルズといったイギリスの著名なアーティストたちは、この10年間で数多くのサイケデリックな楽曲を生み出した。1960年代のイギリスのサイケデリアバンドの多くは、当時、楽曲を出版することなく、ライブコンサートのみで活動していた。
キングストン・トリオ、ウィーバーズ、ピート・シーガー、ウディ・ガスリー、オデッタ、ピーター、ポール＆マリー、ジョーン・バエズ、ボブ・ディラン、ザ・バーズ、ジュディ・コリンズ、レナード・コーエン、ジョニ・ミッチェル、キャロリン・ヘスター、フィル・オクス、トム・パクストン、バフィー・セント・マリー、デイヴ・ヴァン・ロンク、ママス＆パパス、トム・ラッシュ、サイモン＆ガーファンクル、フレッド・ニール、ゴードン・ライトフット、イアン＆シルビア、アーロ・ガスリー、その他数名のパフォーマーが、1950年代と1960年代のフォーク音楽リバイバルの立ち上げに重要な役割を果たした。[ 26 ]
ロイ・オービソンは、失われた愛を歌ったバラードを書いたことで有名なロックアーティストの一人だった。
1960年代前半、エルヴィス・プレスリーはヒット曲を連発し続けた。1960年代の大半は、主に映画に出演していた。1969年までにプレスリーは映画界から身を引くことを決意し、同年リリースされた「サスピシャス・マインズ」が彼の最後の全米チャート1位獲得曲となった。
1960年代までに、アメリカのフォーク音楽リバイバルから発展したシーンは、伝統的な音楽と伝統的なスタイルでの新しい作曲を、通常はアコースティック楽器で用いる主要なムーブメントへと成長した。[ 27 ]アメリカでは、このジャンルはウディ・ガスリーやピート・シーガーなどの人物によって開拓され、進歩主義や労働運動と結びつけられることが多かった。[ 27 ] 60年代初頭には、ボブ・ディラン、チャビー・チェッカー、ジョーン・バエズなどの人物がシンガーソングライターとしてこのムーブメントで頭角を現した。[ 28 ]ディランは「風に吹かれて」（1963年）や「マスターズ・オブ・ウォー」（1963年）などのヒット曲で主流の聴衆に届き始め、これらの曲は「抗議歌」をより広い人々に広めたが、[ 29 ]ロックとフォーク音楽は互いに影響し合い始めたものの、概ね別々のジャンルであり、聴衆も互いに排他的であることが多かった。[ 30 ] フォークとロックの要素を組み合わせようとする初期の試みとしては、アニマルズの「朝日のあたる家」（1964 年）があり、これはロックンロールの楽器で録音された最初の商業的に成功したフォークソングとなった。[ 31 ]フォークロック運動は、通常、 1965 年にチャートのトップに立ったバーズのディランの「ミスター・タンブリン・マン」の録音で始まったと考えられている。[ 30 ]ロサンゼルスのカフェを拠点とするフォークシーンの一員であったメンバーを擁するバーズは、ドラムや 12 弦のリッケンバッカーギターなどのロック楽器を採用し、それがこのジャンルのサウンドの主要な要素となった。[ 30 ]
1960年代半ばまでに、ボブ・ディランはフォークとロックの融合を先導し、1965年7月には、けばけばしい都会のイメージに満ちた革新的なロックサウンドのアルバム『ライク・ア・ローリング・ストーン』をリリースし、その月の後半にはニューポート・フォーク・フェスティバルでエネルギッシュなパフォーマンスを披露した。ディランは、都会的な視点から詩的な歌詞をロックのリズムと力強いサウンドで彩り、シンガーソングライターというジャンルに一世代全体を引き込んだ。1960年代半ばから後半にかけて、バンドやシンガーソングライターがニューヨークのアンダーグラウンド・アート／ミュージックシーンで急増し始めた。
1967年にリリースされた、シンガーソングライターのルー・リードとドイツ人シンガーでコラボレーターのニコをフィーチャーしたヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコは、 2003年にローリング・ストーン誌によって「これまで作られた中で最も予言的なロック・アルバム」と評された。[ 32 ]ニューヨークを拠点とする他のシンガーソングライターも登場し始め、アン・セクストンやシルヴィア・プラスのような詩人の告白的なスタイルで、都市の風景を歌詞のキャンバスとして用いた。1969年7月、ニューズウィーク誌は「ガールズ―手放す」という特集記事を掲載し、ジョニ・ミッチェル、ローラ・ニーロ、ロッティ・ゴールデン、メラニーの画期的な音楽を、新しいタイプの女性吟遊詩人として紹介した。「彼女たちに共通しているのは、鋭い観察眼に満ち、詩のインパクトが驚くほど強い、自己発見の旅のような、彼女たちが書くパーソナルな歌である。」ローラ・ニーロの『ニューヨーク・テンダベリー』（1969年）から、ロッティ・ゴールデンのイースト・ヴィレッジでの日記を綴ったアトランティック・レコードからの1969年のデビュー作『モーターサイクル』まで、初期のニューヨークを拠点とするシンガーソングライターたちの作品は、ロック、フォーク、ジャズの伝統における何世代にもわたる女性シンガーソングライターたちにインスピレーションを与えてきた。[ 33 ] [ 34 ] [ 35 ]ディランがエレクトリック楽器を採用したことは、多くのフォーク純粋主義者の怒りを買ったが、彼の「ライク・ア・ローリング・ストーン」[ 30 ]は新しいジャンルを生み出すことに成功した。フォークロックは特にカリフォルニアで人気を博し、ママス＆パパスやクロスビー、スティルス＆ナッシュといったアーティストがエレクトリック楽器を取り入れるきっかけとなった。またニューヨークでは、ラヴィン・スプーンフルやサイモン＆ガーファンクルといったシンガーソングライターやパフォーマーが誕生し、後者のアコースティック曲「サウンド・オブ・サイレンス」はロック楽器でリミックスされ、数々のヒット曲の最初のものとなった。[ 30 ]
フォークロックは1967年から1968年にかけて商業的な人気がピークに達したが、その後、ディランやザ・バーズなど多くのアーティストが様々な方向へと進み、カントリーロックを発展させ始めた。[ 36 ]しかし、フォークとロックの融合はロック音楽の発展に大きな影響を与え、サイケデリアの要素を取り入れ、特にシンガーソングライター、プロテストソング、そして「真正性」の概念の発展に貢献したと考えられている。[ 30 ] [ 37 ]
サイケデリック音楽のLSDに影響を受けた雰囲気はフォークシーンで始まり、ニューヨークを拠点とするホーリー・モーダル・ラウンダーズが1964年の「ヘジテーション・ブルース」の録音でこの用語を使用した。[ 38 ]自分たちをサイケデリック・ロックと宣伝した最初のグループは、 1965年末にテキサスの13thフロア・エレベーターズで、翌年に彼らの方向性を明確にしたアルバム「サイケデリック・サウンズ・オブ・ザ・13thフロア・エレベーターズ」を制作した。 [ 38 ]
サイケデリック ロックは、1965 年以降、ザ バーズに続いてフォークからフォーク ロックへと移行したグループが続いたことで、カリフォルニアの新興音楽シーンで特に人気を博した。 [ 39 ]ロサンゼルスを拠点とするグループ、ザ ドアーズは、ベニス ビーチでの偶然の出会いをきっかけに 1965 年に結成された。カリスマ的なリード シンガーのジム モリソンは1971 年に亡くなったが、バンドの人気は今日まで続いている。[ 40 ]サイケデリック ライフスタイルは、1964 年頃からサンフランシスコですでに発展しており、このシーンで特に著名なのは、グレイトフル デッド、カントリー ジョー アンド ザ フィッシュ、ザ グレート ソサエティ、ジェファーソン エアプレインである。[ 39 ] [ 41 ]ザ バーズは、1966 年にシングル「エイト マイルズ ハイ」で純粋なフォーク ロックから急速に進化し、この曲はドラッグの使用を暗示していると広く解釈されている。 [ 42 ]
サイケデリック・ロックは1960年代後半に最盛期を迎えた。アメリカでは、サマー・オブ・ラブはヒューマン・ビーイン・イベントに先立ち、モントレー・ポップ・フェスティバルでピークを迎えた[ 43 ]。同フェスティバルは、ジミ・ヘンドリックスやザ・フーといったアメリカの大スターの誕生に貢献し、彼らのシングル「アイ・キャン・シー・フォー・マイルズ」はサイケデリックな領域に踏み込んだ[ 44 ] 。重要なレコーディングには、ジェファーソン・エアプレインの『シュールレアリスティック・ピロー』やドアーズの『ストレンジ・デイズ』などがある[ 45 ]。こうした傾向は1969年のウッドストック・フェスティバルで最高潮に達し[ 46 ]、そこでは主要なサイケデリック・アーティストのほとんどがパフォーマンスを行ったが、1960年代末にはサイケデリック・ロックは衰退していった。ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスは1970年代末までに解散し、生き残った多くのバンドはサイケデリアからより原点回帰的な「ルーツロック」、より広範な実験的なプログレッシブ・ロック、あるいはリフ満載のヘヴィロックへと移行していった。[ 39 ]
1960年代初頭、最も人気のあるロックンロールの形態の一つがサーフロックだった。サーフロックの特徴は、ほぼ完全にインストゥルメンタルであることと、ギターにリバーブを多用することだった。当時のフェンダーアンプに搭載されていたスプリングリバーブを最大音量まで上げると、サステインが効いた、波や海を連想させるような、きらめくギターサウンドが生まれた。
デュアン・エディの「Movin' and Groovin'」は、最初のサーフロックレコードの基礎を築いた主要な候補として多くの人に考えられているが、ディック・デイルの「Let's Go Trippin' 」がこのジャンルを発明し、カリフォルニア全土でヒットしたと主張する人もいる。初期のサーフバンドのほとんどは、この10年間に南カリフォルニア地域で結成された。1960年代半ばまでに、基本的なサーフロックのリズムに複雑なポップハーモニーを使用したビーチ・ボーイズ[ 47 ]が支配的なサーフグループとして台頭し、「 Surfin' USA 」などのヒットでこのジャンルを普及させるのに貢献した[ 48 ]。さらに、ベンチャーズ、シャドウズ、アトランティックス、サーファリーズ、チャンプスなどのバンドも、この10年間で最も人気のあるサーフロックバンドだった。
ガレージロックは、1960年代半ばに北米で特に流行した、荒削りなロック音楽の一形態であり、多くのバンドが郊外の家庭のガレージでリハーサルをしていたという認識からそう呼ばれている。[ 49 ] [ 50 ]ガレージロックの曲は、高校生活のトラウマを中心に展開することが多く、「嘘つきの女の子」についての歌が特に一般的だった。[ 51 ]歌詞と歌い方は、当時一般的だったものよりも明らかに攻撃的で、ワシントンを拠点とする影響力のあるバンド、ザ・ソニックスのように、唸り声や叫び声が意味不明な叫び声に溶け込むことが多かった。[ 49 ]粗雑なワンコード音楽（ザ・シーズなど）から、スタジオミュージシャン並みのクオリティ（ザ・ニッカーボッカーズ、ザ・リメインズ、ザ・フィフス・エステートなど）まで、その範囲は広かった。また、国内の多くの地域で地域的なバリエーションがあり、特にカリフォルニアとテキサスではシーンが盛んだった。[ 51 ]太平洋岸北西部のワシントン州とオレゴン州は、おそらく最も明確な地域的なサウンドを持っていた。[ 52 ]
このスタイルは、1958年という早い時期から地域的なシーンで発展し始めていた。キングスメンの「 Louie Louie 」 （1963年）は、このジャンルの形成期における主流の例である。1963年までに、ポール・リビア・アンド・ザ・レイダーズ（ボイシ）[ 53 ] 、ザ・トラッシュメン（ミネアポリス）[ 54 ] 、ザ・リビエラス（インディアナ州サウスベンド）[ 55 ]など、ガレージバンドのシングルが全国チャートにますます多くランクインするようになった。この初期の時期には、多くのバンドがサーフロックから大きな影響を受けており、ガレージロックとフラットロックの間には相互影響があり、フラットロックはガレージロックの単なるサブジャンルと見なされることもあった[ 56 ] 。
1964年から1966年にかけてのブリティッシュ・インヴェイジョンはガレージバンドに大きな影響を与え、全国的な聴衆を獲得し、多くのバンド（多くはサーフバンドやホットロッドバンド）がブリティッシュ・インヴェイジョンのリズムを取り入れ、さらに多くのバンドの結成を促した。[ 51 ]この時代、アメリカとカナダには数千ものガレージバンドが存在し、数百のバンドが地域的なヒット曲を生み出した。[ 51 ]数多くのバンドが大手レーベルや大規模な地域レーベルと契約したにもかかわらず、ほとんどが商業的に失敗した。ガレージロックは商業的にも芸術的にも1966年頃にピークを迎えたというのが一般的な見解である。[ 51 ] 1968年までに、アマチュアミュージシャンが大学進学、仕事、徴兵に直面したため、このスタイルは全国チャートや地域レベルからほぼ姿を消した。[ 51 ]ガレージロックに代わる新しいスタイル（ブルースロック、プログレッシブロック、カントリーロックなど）が進化していた。[ 51 ]デトロイトではガレージロックは70年代初頭まで生き残り、MC5やストゥージズのようなバンドはよりアグレッシブなスタイルを採用した。これらのバンドはパンクロックと呼ばれるようになり、現在ではプロトパンクまたはプロトハードロックと見なされることが多い。[ 57 ]
アメリカのブルースロックは1960年代初頭にギタリストのロニー・マックによって開拓されたが[ 58 ]、このジャンルは60年代半ばに、後に続くアーティストたちがイギリスのブルースミュージシャンに似たサウンドを発展させたことで人気が出始めた。主なアーティストには、ポール・バターフィールド（彼のバンドはイギリスのメイオールズ・ブルースブレイカーズのような役割を果たし、多くの成功したミュージシャンの出発点となった）、キャンド・ヒート、初期のジェファーソン・エアプレイン、ジャニス・ジョプリン、ジョニー・ウィンター、J・ガイルズ・バンド、そしてパワートリオのジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスやバンド・オブ・ジプシーズを率いたジミ・ヘンドリックスなどがあり、彼らのギターの妙技とショーマンシップは、この10年間で最も模倣されたものの1つとなった[ 59 ] 。南部の州出身のオールマン・ブラザーズ・バンド、レーナード・スキナード、そして最終的にはZZトップのようなブルースロックバンドは、カントリーの要素を自分たちのスタイルに取り入れ、独特のサザンロックを生み出した[ 60 ]。
ルーツロックとは、サイケデリックシーンの過剰さから離れ、カントリーやフォークミュージックなど本来の影響を取り入れた、より基本的なロックンロールの形態へと移行する動きを指す言葉で、カントリーロックやサザンロックの誕生につながった。[ 61 ] 1966年、ボブ・ディランはアルバム『ブロンド・オン・ブロンド』を録音するためにナッシュビルへ行き、このムーブメントの先陣を切った。[ 62 ]これと、その後のより明確にカントリーの影響を受けたアルバムは、カントリーフォークというジャンルを生み出したとされ、多くの、主にアコースティックなフォークミュージシャンがこの道を辿った。[ 62 ]基本に立ち返る傾向に続いた他のバンドとしては、ザ・バンドやカリフォルニアを拠点とするクリーデンス・クリアウォーター・リバイバルがあり、どちらも基本的なロックンロールにフォーク、カントリー、ブルースをミックスし、1960年代後半で最も成功し、影響力のあるバンドとなった。[ 63 ]同じムーブメントは、ライ・クーダー、ボニー・レイット、ローウェル・ジョージといったカリフォルニアのソロアーティストのレコーディングキャリアの始まりを告げ、[ 64 ]ローリング・ストーンズの『ベガーズ・バンケット』（1968年）やビートルズの『レット・イット・ビー』 （1970年）といった確立されたパフォーマーの作品にも影響を与えた。[ 39 ]
1968年、グラム・パーソンズはインターナショナル・サブマリン・バンドと共に、おそらく最初の真のカントリー・ロック・アルバムである『Safe at Home』を録音した。 [ 65 ]同年後半、彼はザ・バーズに加入し、このジャンルで最も影響力のある録音の1つと一般的に考えられている『Sweetheart of the Rodeo』 （1968年）を録音した。 [ 65 ]ザ・バーズは同じ路線を続けたが、パーソンズは脱退し、元バーズのメンバーであるクリス・ヒルマンと共にフライング・ブリトー・ブラザーズを結成した。フライング・ブリトー・ブラザーズは、パーソンズがソロ活動のために脱退する前に、このジャンルの信頼性と枠組みを確立するのに貢献した。[ 65 ]カントリー・ロックはカリフォルニアの音楽シーンで特に人気があり、ハーツ・アンド・フラワーズ、ポコ、ライダーズ・オブ・ザ・パープル・セージ[ 65 ]、ザ・ボー・ブラメルズ[ 65 ]、ニッティ・グリッティ・ダート・バンドなどのバンドに採用された。[ 66 ]カントリーサウンドを取り入れて復活を遂げたパフォーマーも数多くおり、エヴァリー・ブラザーズ、かつてティーンアイドルだったストーン・キャニオン・バンドのフロントマンとなったリッキー・ネルソン、元モンキーズのマイク・ネスミスが結成したファースト・ナショナル・バンド、そしてニール・ヤングなどが挙げられる。[ 65 ]ディラーズは、珍しいことにカントリー・アクトでありながらロック音楽へと移行した。[ 65 ]カントリー・ロックの最大の商業的成功は1970年代に訪れ、ドゥービー・ブラザーズ、エミルー・ハリス、リンダ・ロンシュタット、そしてイーグルス（ブリトス、ポコ、ストーン・キャニオン・バンドのメンバーで構成）といったアーティストが登場し、史上最も成功したロック・アクトの一つとして台頭し、『ホテル・カリフォルニア』（1976年）などのアルバムを制作した。[ 67 ]
サザンロックの創始者は通常、オールマン・ブラザーズ・バンドだと考えられており、彼らは1970年代初頭にブルースロックを基盤としつつ、ブギー、ソウル、カントリーの要素を取り入れた独特のサウンドを開発した。 [ 68 ]彼らに続いて最も成功したバンドはレーナード・スキナードで、このサブジャンルの「古き良き男」イメージと1970年代のギターロックの一般的な形を確立するのに貢献した。[ 68 ]彼らの後継者には、フュージョン/プログレッシブ・インストゥルメンタル・バンドのディキシー・ドレッグス、カントリーの影響を受けたアウトローズ、ジャズ寄りのウェット・ウィリー、そして（R&Bとゴスペルの要素を取り入れた）オザーク・マウンテン・デアデビルズなどがいる。[ 68 ]オールマン・ブラザーズ・バンドとレーナード・スキナードのオリジナルメンバーが脱退した後、このジャンルは1970年代後半に人気が衰え始めたが、1980年代には.38スペシャル、モリー・ハチェット、マーシャル・タッカー・バンドなどのバンドによって維持された。[ 68 ]
プログレッシブ・ロックは、アート・ロックとほぼ同義で使われることもあり、さまざまな楽器、曲の種類、形式を実験することで、確立された音楽の定型を超えようとする試みでした。[ 69 ] 1960年代半ばから、レフト・バンク、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、ビーチ・ボーイズは、録音にチェンバロ、管楽器、弦楽器を取り入れることで、バロック・ロックの形式を生み出し、バッハに影響を受けたイントロを持つプロコル・ハルムの「青い影」（1967年）のようなシングルで聴くことができます。[ 70 ]ムーディー・ブルースは、アルバム「未来への日々 」（1967年）でフル・オーケストラを使用し、その後シンセサイザーでオーケストラ・サウンドを作り出しました。[ 69 ]その後のプログレッシブ・ロックでは、ギター、ベース、ドラムという確立されたロックの形式に、クラシックのオーケストレーション、キーボード、シンセサイザーが頻繁に追加されました。[ 71 ]
インストゥルメンタル曲が一般的だった一方、歌詞のある曲は、概念的、抽象的、あるいはファンタジーやSFに基づいている場合もあった。[ 72 ]プリティ・シングスの『SF Sorrow』（1968年）とザ・フーの『Tommy』 （1969年）は、ロック・オペラの形式を導入し、「壮大な物語を語ったり、壮大な包括的なテーマに取り組んだりするコンセプト・アルバム」への扉を開いた。 [ 73 ]キング・クリムゾンの1969年のデビュー・アルバム『In the Court of the Crimson King』は、力強いギター・リフとメロトロンをジャズや交響曲と融合させたもので、プログレッシブ・ロックの重要な録音とみなされることが多く、1970年代初頭に既存のブルース・ロックやサイケデリック・バンド、そして新たに結成されたバンドの間でこのジャンルが広く採用されるのを助けた。[ 69 ]
1960年代初頭、チャビー・チェッカーは、ハンク・バラード＆ザ・ミッドナイターズのR&Bヒット曲「ザ・ツイスト」のヒットカバーで、ツイストというダンスブーム を広めた。[ 47 ]
ニューヨーク市ブロードウェイ1619番地のブリル・ビルディングは、1960年代初頭にポップチャートを席巻したアメリカ音楽業界の中心地となり、数多くの実り豊かなソングライティング・パートナーシップを育みました。ジェリー・ゴフィンとキャロル・キングはポップミュージック界で非常に影響力のあるデュオとなり、ガールズグループとして初めてナンバーワンを獲得したザ・シャイレルズの「Will You Love Me Tomorrow 」や、リトル・エヴァが歌った1962年のナンバーワンヒット「The Loco-Motion 」など、数々のナンバーワンヒットを生み出しました。その他のヒット曲には、「Take Good Care of My Baby」（ボビー・ヴィー）、「Up on the Roof」（ザ・ドリフターズ）、「I'm Into Something Good」（ハーマンズ・ハーミッツ）、「One Fine Day」（ザ・シフォンズ）などがあります。同様に、ソングライターのエリー・グリニッチとジェフ・バリーの夫婦は、「Da Doo Ron Ron」、「Be My Baby」、「Then He Kissed Me」、「Leader of the Pack」など、チャート入りする曲を次々と生み出しました。一方、バリー・マンとシンシア・ワイルは、「 You've Lost That Lovin' Feelin' 」をはじめとする、この時代の数々の大ヒット曲を手がけました。この曲はライチャス・ブラザーズによって録音され、20世紀にラジオで最も多くオンエアされたレコードとなりました。
「シュガー、シュガー」はアーチーズの大ヒットとなり、バブルガムポップというジャンルを確立した。
モンキーズは、映画『ハード・デイズ・ナイト』におけるビートルズの奇行に触発されて結成された、テレビ番組のために作られたバンドだった。契約上の理由から、メンバーは自分たちの楽器を演奏することが許されず、それがバンドメンバーと音楽監督のドン・カーシュナーとの間で多くの確執を引き起こした。
モンキーズやアーチーズは特異な存在ではなかった。実際、バンドがレコーディングで楽器を演奏しないことは珍しいことではなかった。ミッキー・モストのようなプロデューサーは、経験豊富なセッションミュージシャンを頻繁に起用し、彼らの規律ある演奏によって、限られた時間（通常3時間）のスタジオセッションで、より引き締まったサウンドの商業用レコーディングを数多く制作することができた。
スタジオやプロデューサーは、ヒット曲を生み出すために、セッションシンガーやミュージシャンを定期的に起用して実験を行っていた。その一例がオハイオ・エクスプレスである。ザ・レア・ブリードのシングル「ベグ・ボロウ・アンド・スティール」が制作会社に採用された。制作会社はこの曲をリミックスし、オハイオ・エクスプレス名義で新シングルをリリースした。オハイオ・エクスプレスは彼らが完全に所有する名前だった。この曲がヒットすると、制作会社はすぐにツアーバンドを編成し（そのメンバーがバンドのパブリックイメージとなった）、レコーディングは、都合がつく限り他のアーティストやセッションミュージシャンのグループを使って行った。
1960年代のカントリーミュージックは、栄光と悲劇が入り混じった時代だった。テレビネットワークを通じて全国的な知名度を高め、毎週放送される番組や授賞式が人気を博した。新たなアーティストやトレンドが登場するにつれ、レコードの売上も伸び続けた。しかし、飛行機事故で命を落とした者を含め、多くのトップスターが悲劇的な状況で亡くなった。
1960年代に主流だった音楽スタイルはナッシュビル・サウンドで、弦楽器セクション、バックコーラス、クルーニングのリードボーカル、カントリーミュージックに見られるプロダクションスタイルが強調された。このスタイルは、ロックンロールがカントリージャンルに侵食し始めたことへの反動として1950年代後半に初めて人気を博したが、最大の成功を収めたのは1960年代だった。ジム・リーブス、エディ・アーノルド、レイ・プライス、パッツィ・クライン、フロイド・クレイマー、ロジャー・ミラーなどのアーティストは、「 He'll Have to Go」、「Danny Boy」、「Make the World Go Away」、「King of the Road」、「I Fall to Pieces 」などの曲で大きな成功を収めた。[ 75 ]カントリー・ポップスタイルは、リズム・アンド・ブルースとソウルシンガーのレイ・チャールズが録音した1962年のアルバム『Modern Sounds in Country and Western Music』にも顕著に表れている。チャールズは、伝統的なカントリー、フォーク、クラシック音楽のスタンダードをポップ、R&B、ジャズスタイルでカバーした。このアルバムは批評的にも商業的にも大成功を収め、後のカントリーミュージックのスタイルに大きな影響を与えることになった。アルバムから商業放送やレコード販売のためにリリースされた曲には、「I Can't Stop Loving You」、「Born to Lose」、「You Don't Know Me」などがある。[ 76 ]
1960年代末までに、ナッシュビル・サウンドはより洗練され、合理化され、「カントリーポリタン」として知られるようになった。タミー・ワイネット、グレン・キャンベル、ドッティ・ウェスト、チャーリー・プライドなどが、このスタイルを取り入れたトップアーティストだった。1960年代初頭にはカントリーミュージック界で最も安定したヒットメーカーの一人となっていたジョージ・ジョーンズもカントリーポリタン・スタイルの音楽を録音したが、彼のルーツは純粋なホンキートンクであり、多くの曲で失恋や孤独を歌っていた。また、マーティ・ロビンスは、ストレートなカントリーからウェスタン、ポップ、ブルース、さらにはハワイアンまで、あらゆるジャンルを歌いこなす、このジャンルで最も多様なシンガーの一人であることが証明された。
1950年代にサン・レコードで「 I Walk The Line 」などのヒット曲でキャリアをスタートさせたジョニー・キャッシュは、最終的に1960年代（そして最終的には20世紀）で最も影響力のあるミュージシャンの1人となり、「黒衣の男」と呼ばれた。主にカントリーを録音していたが、彼の歌とサウンドはロカビリー、ブルース、フォーク、ゴスペルなど、他の多くのジャンルに及んだ。[ 77 ]彼の音楽は、刑務所の受刑者を含む、社会から疎外された少数派やその他の人々に対する深い思いやりを示した。キャッシュの最も成功したアルバムのうち2枚は、刑務所でライブ録音されたもので、「At Folsom Prison」と「At San Quentin」である。
1960年代後半、ミシシッピ州スレッジ出身のプライドは、白人アーティストがほぼ独占していたカントリーミュージック界で、アフリカ系アメリカ人初のスーパースターとなった。滑らかなバリトンボイスで、ホンキートンクとカントリーポリタンを融合させたスタイルで歌われた初期のヒット曲には、「Just Between You and Me」、「The Easy Part's Over」、「All I Have to Offer You (Is Me) 」、そしてハンク・ウィリアムズの「Kaw-Liga」のカバーバージョンなどがある。プライドはその後20年以上にわたり成功を収め、ビルボード・ホット・カントリー・シングル・チャートで最終的に29曲のナンバーワンヒットを記録した。
1950年代にルーツを持ち、1960年代に主流となった新スタイルが「ベーカーズフィールド・サウンド」である。ベーカーズフィールド・サウンドは、主流のポップミュージックに似たサウンドを作るのではなく、ホンキートンクをベースとし、エレクトリック楽器とバックビートを加え、さらにロックンロールから取り入れたスタイル要素を取り入れた。バック・オーウェンズ、マール・ハガード、ウィン・スチュワートなどがこのサウンドを取り入れたトップアーティストであり、1960年代後半にはカントリーミュージック界で最も売れているアーティストの仲間入りを果たした。
1960年代には、テキサス州アボット出身の若きソングライター、ウィリー・ネルソンも台頭した。1950年代後半にディスクジョッキーとしてキャリアをスタートさせた彼は、作曲の腕を磨き、最初のヒット曲「ファミリー・バイブル」を作曲した。この曲は、ギター講師のポール・バスカークに権利を売却した後、 1960年にクロード・グレイのヒット曲となった。1961年初頭には、ネルソンの作曲は全国的な注目を集めるようになり、彼の曲のいくつかはカントリーのスタンダードとなった。「ファニー・ハウ・タイム・スリップス・アウェイ」、「ハロー・ウォールズ」、「プリティ・ペーパー」、「ナイト・ライフ」、「クレイジー」…これらはすべて、それぞれビリー・ウォーカー、ファロン・ヤング、ロイ・オービソン、レイ・プライス、パッツィ・クラインなどの他のアーティストのために書かれた。彼はアルバム「…アンド・ゼン・アイ・ロート」を録音し、最終的にRCAレコードと契約したが、1960年代のほとんどの間、彼のシングルのリリースはせいぜいチャートの中位ヒットにとどまった。彼のレコーディングキャリアが本格的に開花したのは、アウトロー運動に関わるようになってからの1970年代半ばのことだった。
女性アーティストの中で最も成功したのは、ロレッタ・リン、タミー・ワイネット、ドリー・パートンだった。ケンタッキー州ブッチャー・ホロー出身で、炭鉱夫の娘であるリンは、夫のオリバー・“ドゥーリトル”・リンの助けを借りて、1960年にゼロ・レコードとレコーディング契約を結んだ。1960年代初頭にリリースした作品の中でチャートインしたのは最初のシングル（「ホンキー・トンク・ガール」）だけだったが、彼女の初期のレコーディングは、その後のより大きな成功への足がかりとなった。 1970年代後半から1970年代にかけて、彼女は男性の飲酒癖や浮気、その他のネガティブな特徴に耐えなければならない女性というステレオタイプに反する曲（例えば「Don't Come Home A-Drinkin' (With Lovin' on Your Mind)」）や、ジャンルの保守的な境界を押し広げる曲（ベトナム戦争についての歌「Dear Uncle Sam」）や、他の女性に立ち向かう意志を示す曲（「You Ain't Woman Enough (To Take My Man)」）をレコーディングしていた。
テネシー州スモーキー山脈のロカストリッジ出身のドリー・パートンは、1967年に全国ネットの番組「ザ・ポーター・ワゴナー・ショー」に出演し、全国的な知名度を獲得した。その2年前、彼女はモニュメント・レコードとレコーディング契約を結び、バブルガム・ポップ歌手として売り出されたが、1966年に彼女自身の作曲した「Put It Off Until Tomorrow」がビル・フィリップスの大ヒット曲となるまでは、さほど成功していなかった（この曲でパートンはバックコーラスを担当した）。やがて、山岳地帯の影響を受けた自伝的なカントリー・ミュージックと、飾らない人柄が多くのファンを獲得し、彼女のスター性は高まり始めた。彼女の最初の大きなヒット曲は主にワゴナーとのデュエット曲だったが、ブレイクスルーとなった「Dumb Blonde」をはじめとするソロ・ヒット曲もいくつかあった。
ワイネットは、「 I Don't Wanna Play House」や「DIVORCE 」などの楽曲に見られるように、孤独、離婚、人生や人間関係の困難といった古典的なテーマを独自の視点から描き、高い評価を得た。しかし、ワイネットのキャリアを決定づけたのは、男性の欠点にもかかわらず揺るぎない忠誠心と支え続けることを誓った「 Stand By Your Man 」だった。1960年代後半には、彼女は同じカントリー歌手のジョージ・ジョーンズと結婚した。
他の女性新人歌手の中でも、コニー・スミスは最も成功した一人だった。彼女のブレイクスルーヒット曲「ワンス・ア・デイ」は、1964年末から1965年初頭にかけてビルボード・ホット・カントリー・シングル・チャートで8週間1位を獲得し、約50年間で最長のチャート首位記録となった。50年以上にわたるキャリアの中で、スミスの楽曲はしばしば孤独や脆さといったテーマを探求してきた。
シンジケート番組の「ポーター・ワゴナー・ショー」に加えて、1960年代半ばの「ジミー・ディーン・ショー」など、カントリーミュージックをより幅広い視聴者に届けるためのテレビ番組がいくつか制作された。1960年代後半には、「ヒー・ホー」が23年間の放送を開始し、最初はCBSで、後にシンジケート番組となった。「ヒー・ホー」は、オーウェンズとロイ・クラークが司会を務め、コメディ番組「ローワン＆マーティンのラフ・イン」をゆるやかにベースにしており、番組の出演者やカントリーミュージック界からのゲスト出演者によるパフォーマンスとともにコメディを取り入れていた。アカデミー・オブ・カントリー・ミュージックとカントリー・ミュージック・アソシエーションの授賞式が初めてテレビで放映されたのは1960年代後半だった。
1960年代は悲劇に見舞われた。叙事詩風の歌を歌っていたジョニー・ホートンは1960年に自動車事故で亡くなった。1963年3月5日には飛行機事故でパッツィ・クライン、カウボーイ・コパス、ホークショー・ホーキンスが命を落とした。その数日後にはジャック・アングリンが自動車事故で亡くなり、テキサス・ルビーはテキサスでトレーラー火災で亡くなった。1964年7月にはジム・リーブスがテネシー州ブレントウッド近郊で飛行機を操縦中に命を落とした。アイラ・ルーヴィン（ルーヴィン・ブラザーズの片割れ）は1965年に自動車事故で亡くなった。クラインとリーブスは死後に多くのヒット曲（死後にリリースされた既発曲）を出し、長年にわたって根強い人気を博したため、こうした悲劇的な死を乗り越えて成功を収めた。一方、ルーヴィンの弟であるチャーリーは40年以上ソロ歌手として成功を収めた。1960年代に亡くなった他の先駆的なスターには、APカーター、ギッド・タナー、ムーン・マリカン、アーネスト・“ポップ”・ストーンマン、レッド・フォーリー、レオン・ペイン、スペード・クーリーなどがいる。
1960年代は、絶えず変化するデータ収集方法のおかげで、ビルボード・ホット・カントリー・シングル・チャートで1位を獲得する曲が急増する傾向が始まった。1960年代の初めには、チャートのトップに立った1位の曲はわずか4曲（マーティ・ロビンスの「エル・パソ」を含めると5曲）だったが、1960年代半ばには、毎年少なくとも12曲がチャートのトップに立つようになった。1967年には、史上初めて1暦年で20曲以上がトップに立った…そしてその数は、その後20年間でさらに増え続けることになる。
1960年代後半になると、カントリーミュージック界にも現代的なファッションのトレンドが浸透し始めた。これは特に、シンガーソングライターのトム・T・ホールが作詞作曲した「ハーパー・バレーPTA 」という曲に触発されたもので、ミニスカートを履いた未亡人の母親が、娘に悪い手本を示しているとして地元の学校関係者から批判されるという内容だった。この曲をレコーディングしたのは、ジニー・C・ライリーという若い秘書で、彼女はこの曲に合わせてステージでミニスカートとゴーゴーブーツを履き、モッズ風のペルソナを確立した。その後、他の女性カントリーアーティストもこれに倣い、ミニスカートやミニドレスでステージに立つようになった。この曲は1968年にカントリーチャートとポップチャートの両方にランクインし、今日に至るまで「ハーパー・バレーPTA」はライリーのコンサートで最もリクエストの多い曲となっている。
1960年代半ばから、ホールは「Harper Valley PTA」のような曲に見られる細部へのこだわりによって、このジャンルで最も有名なソングライターの一人となり、「ストーリーテラー」というニックネームを得た。彼の最初のヒットはソングライターとしてのもので、ジョニー・ライト（キティ・ウェルズの夫）が歌った「 Hello Vietnam 」は、1965年にホールにとって初のソングライターとしての全米ナンバーワンシングルとなった。1960年代後半には、ホール自身もヒット曲を出し始め、「The Ballad Of Forty Dollars」や「Homecoming」といった曲はどちらもトップ10ヒットとなり、彼のストーリーテリングの才能を披露した。そして、その成功は1970年代から1980年代にかけて続いた。
「新しいトレンド」を意味するこのブラジルの音楽スタイルは、リオデジャネイロの高級住宅街で生まれました。1960年代初頭に絶大な人気を博したこのスタイルは、サンバとクールジャズの融合でした。アントニオ・カルロス・ジョビン、ジョアン・ジルベルト、アストルード・ジルベルト、ヴィニシウス・デ・モラエスは、ボサノヴァ運動で最も有名なアーティストとなりました。後者の「イパネマの娘」は1964年にリリースされ、国際的な評価を得た最初のボサノヴァの曲となりました。1965年には、年間最優秀レコード賞のグラミー賞を受賞しました。もう1つの著名なラテンポップグループは、セルジオ・メンデスとブラジル'66でした。彼らの曲には、「Mas Que Nada」、「The Joker」、「Agua de Beber」などがあります。1966年、このグループは最優秀デュオ/音楽グループパフォーマンス賞のグラミー賞にノミネートされました。彼らは最終的にセルジオ・メンデス＆ブラジル'77となり、その10年間を通して彼ら独自のラテンポップを演奏し続けた。
もう一人の作曲家、アルマンド・マンサネロは、戦後メキシコを代表するロマン派作曲家であり、ラテンアメリカで最も成功した作曲家の一人として広く認められており、400曲以上の歌を作曲し、そのうち50曲で国際的な名声を得ています。彼の最も有名な歌には、Voy a apagar la luz (明かりを消します)、Contigo Aprendí (あなたと一緒に学びました)、Adoro (愛しています)、No sé tú (あなたが...かどうかわかりません)、Por Debajo de la Mesa (テーブルの下で)、Esta Tarde Vi Llover (英語版「昨日、雨が降るのを聞きました」)、Somos Novios (英語版「それは不可能です」)、Felicidad (幸福)、Nada Personal (個人的なことではありません) などがあります。
有名なトリオロマンチストには、トリオ・ロス・パンチョス、ロス・トレス・アセス、ロス・トレス・ディアマンテス、ロス・ダンディーズなどがあります。トリオ・ボレロは、2本のギターと1本のチェロによるユニークなアンサンブルです。メキシコでボレロを歌う他の歌手は、オスカル・チャベス、ホセ・アンヘル・エスピノーサ、アルバロ・カリージョです。
1960年代、ロック音楽はラテンアメリカで人気を博し始めた。スペイン語圏の南米では、アメリカやイギリスの影響を受けたロック、主にロックンロール、ツイスト、ブリティッシュ・インヴェイジョンの音楽を取り入れたミュージシャンたちが、まとめてヌエバ・オラ（スペイン語で「ニューウェーブ」）と呼ばれた。アルゼンチンには、サンドロ・デ・アメリカ、サンドロ・イ・ロス・デ・フエゴ、ジョニー・アロン、ロス・ガトス・サルバヘス、ロス・ビートニクス、ロス・ブホスなど、ロックンロールやブリティッシュ・インヴェイジョンに影響を受けたバンドやアーティストがいた。ウルグアイの侵略は、モンテビデオからブエノスアイレスに移り、すぐにアルゼンチンで人気を博したブリティッシュ・インヴェイジョンの影響を受けたロックバンド、ロス・シェイカーズ、ロス・モッカーズ、ロス・イラクンドスなどによるものだった。1960年代のロック音楽は依然として大部分が英語で歌われていたが、ロス・マックや上記のバンドの中には、スペイン語で歌ったものもあった。 [ 78 ] 1960年代、メキシコで制作された音楽のほとんどは、英語のロックンロールヒット曲のスペイン語バージョンで構成されていた。アンジェリカ・マリア、セサル・コスタ、エンリケ・グスマンなどの歌手や音楽グループは、エルヴィス・プレスリー、ナンシー・シナトラ、ポール・アンカなどの曲のカバーバージョンを演奏した。
1960年代にはヌエバ・カンシオンが登場し、その影響力を拡大し始めた。この発展の先駆者となったのは、チリのビオレタ・パラとビクトル・ハラで、彼らは多くの楽曲をフォークロア、特にクエカに基づいて制作した。ヌエバ・カンシオンはラテンアメリカ全土に急速に広まり、新左翼運動や解放の神学運動と密接な関係を持つようになった。フランシスコ・フランコ政権下のスペインでは、ジョアン・マヌエル・セラートがヌエバ・カンシオンと政治的反対運動の代表者として広く知られるようになった。
サルサ音楽は、キューバ人やその他のラテンアメリカ系コミュニティが中心のニューヨークの音楽シーンで形作られ始めたものの、ラテンアメリカ全域で人気を博すようになったのは1980年代後半になってからのことであり、現在ではその人気は衰えていない。
アストル・ピアソラは1966年の第1回イベロアメリカ音楽祭で「狂人のためのバラード」を歌い優勝し、この曲で世界的に有名になり、彼の新しいタンゴスタイルであるヌエボ・タンゴを紹介した。
感傷的な音楽スタイルであるムシカ・セボージャは、マスメディアから嘲笑されたり無視されたりしたにもかかわらず、チリで全盛期を迎えた。[ 79 ]
1960年代には、電子音楽が作曲上の問題だけでなく、より実践的な問題も解決できる可能性への関心が高まった。作曲家たちはまた、不確定性や電気音響音楽といった海外のアイデアを取り入れ、オーストラリア独自の文脈で解釈したが、地元の聴衆からは賛否両論の反応が寄せられた。
1960年代初頭、ブルース・クラークは新型のモーグ・シンセサイザーをいじり始めた。ミュージシャンのストライキをきっかけに、彼は1963年にタバコのCMのために完全電子音楽のサウンドトラックを制作した。アーサー・カントリルやドゥシャン・マレクといった革新的な映画監督たちは、テープ操作、ターンテーブル、拡張楽器のテクニックを用いて短編映画のサウンドトラックを制作した。自称アマチュアでメルボルンの医師であるヴァル・スティーブンは、オーストラリア人として初めて国際的に電子音楽をリリースした人物となった。
パリで音楽界の前衛活動に従事した後、キース・ハンブルはオーストラリアに帰国し、教育機関が電子音楽を真剣に扱うよう促すのに貢献した。ハンブルの最も注目すべき実験的な作品は、彼の「Nunique」シリーズである。この大規模なマルチメディア・イベントでは、ロックバンド、弦楽四重奏団、演劇アンサンブルが、すべて綿密なフローチャートに従って同時演奏を行った。
ハンブルは1966年にメルボルンを拠点とする新音楽私的演奏協会を設立し、学内外の若い革新者たちに演奏の場を提供した。その中には、1964年以来、グラフィック・スコアやセリエリズムの要素をジャズの即興演奏に取り入れてきたマッキム／ルーニー／クレイトン・トリオも含まれていた。ジャズは周辺部で急進化を遂げており、ジョン・サングスターはフリージャズの概念を探求し、チャーリー・マンローは東洋の音楽的要素を取り入れた。シド・クレイトンはジャズを離れ、偶然性の操作やスポーツ、ゲームを音楽構造として取り入れた、新しい形の実験的な音楽劇を追求した。
デイヴィッド・アハーンのような若い作曲家たちが台頭し、当初はヨーロッパの前衛音楽の思想に触発され、それをキャプテン・クックやネッド・ケリーといったオーストラリアの象徴的人物に当てはめていった。アハーンは1960年代後半にヨーロッパを訪れ、そこでシュトックハウゼンやカーデューと出会い、その後、作曲家や音楽そのものの前提を問い直す、より過激な思想を携えて帰国した。
1960年代の音楽がポピュラーカルチャーに与えた永続的な影響を判断するのは難しい。デジタル放送局のMusic Choiceが2010年に実施した11,000人以上の参加者へのインタビュー調査では、この10年間の評価はかなり低く、過去50年間で最高の音楽の10年間だと答えたのはわずか19%だった[ 80 ]。一方、アメリカの固定電話調査の参加者は1960年代を少し高く評価し、音楽で最高の10年間だと答えたのは26%だった[ 81 ] 。
楽曲「Vivo cantando」は、イギリス代表のルルが歌う「 Boom Bang-a-Bang 」 、オランダ代表のレニー・クアが歌う「De troubadour」 、フランス代表のフリーダ・ボッカラが歌う「 Un jour, un enfant」と共に、ユーロビジョン・ソング・コンテストで共同優勝を果たした。これはスペインにとって同コンテストにおける2度目の優勝であり、現在まで最後の優勝となった。