キューバの音楽

キューバの音楽は、楽器、演奏、ダンスを含め、主に西アフリカとヨーロッパ（特にスペイン）の音楽の影響を受けた独自の伝統の大きな集合体である。^[1]ほとんどのジャンルの融合的な性質により、キューバ音楽は世界で最も豊かで影響力のある地域音楽の 1 つと見なされることが多い。たとえば、ソン・クバーノは、スペインのギター（トレス）、メロディー、ハーモニー、歌詞の伝統をアフロキューバンのパーカッションとリズムと融合させたものである。16 世紀に先住民が絶滅して以来、元の先住民の伝統はほとんど残っていない。^[2]

19世紀以来、キューバ音楽は世界中で絶大な人気を博し、影響力を及ぼしてきました。録音技術の導入以降、おそらく地域音楽の中で最も人気のある形式です。キューバ音楽は、世界中で、特にラテンアメリカ、カリブ海、西アフリカ、ヨーロッパで、多種多様なジャンルや音楽スタイルの発展に貢献してきました。例としては、ルンバ、アフロキューバンジャズ、サルサ、スークース、アフロキューバン音楽の西アフリカでの再編曲（オーケストラ・バオバブ、アフリカンド）、スペインのフュージョンジャンル（特にフラメンコとの融合）、ラテンアメリカの多種多様なジャンルが挙げられます。

奴隷にされたアフリカ人や、主にスペイン人であるヨーロッパ人移民が多数キューバにやって来て、独自の音楽形態を島に持ち込んだ。ヨーロッパのダンスや民族音楽には、サパテオ、ファンダンゴ、パソ・ドブレ、レタンビコなどがある。後に、メヌエット、ガヴォット、マズルカ、コントラダンサ、ワルツなどの北ヨーロッパの音楽形態が都市部の白人の間で登場した。19世紀後半には、 中国人年季奉公人の移民もあった。

キューバ初の偉大な民俗学者フェルナンド・オルティスは、キューバの音楽的革新は、大規模なサトウキビ 農園に定住した奴隷化されたアフリカ人と、アンダルシアやカナリア諸島などの他の地域から来たスペイン人との間の相互作用（「トランスカルチュレーション」）から生じたと述べている。奴隷化されたアフリカ人とその子孫は多くの打楽器を作り、故郷で知っていたリズムを保存した。^[3]最も重要な楽器は太鼓で、もともとは約50種類あったが、今日ではボンゴ、コンガ、バタドラムだけが定期的に見られる（ティンバレス（太鼓）はスペイン軍楽隊のケトルドラムの流れを汲む）。また、2本の短い硬材のバトンであるクラベスと、もともと木箱で作られていた木箱のカホンも重要である。クラベスは現在でも頻繁に使用され、太鼓が禁止されていた時期には木箱（カホン）が広く使用されていた。さらに、アフリカ起源の宗教儀式で使用されている打楽器は他にもあります。中国移民は、サンティアゴ・デ・クーバのコンパルサ（カーニバルグループ）で今も演奏されている中国のリード楽器、コルネタ・チャイナ（中国コルネット）をもたらしました。

スペイン人が楽器面で貢献したのはギターが大きかったが、さらに重要なのはヨーロッパの音楽記譜法と作曲技法の伝統であった。エルナンド・デ・ラ・パラの記録には、キューバ音楽に関する入手可能な最古の情報が含まれている。彼はクラリネット、バイオリン、ビウエラなどの楽器について報告している。当時はプロの音楽家はほとんどおらず、彼らの歌で現存するものはさらに少ない。最も古いものの1つが「マ・テオドラ」で、サンティアゴ・デ・クーバの解放奴隷で作曲家として有名なテオドラ・ヒネスと関係があると考えられている。この曲は16世紀、17世紀、18世紀のスペインの人気歌曲や舞曲に似ていると言われている。^[4]

キューバ音楽の主なルーツはスペインと西アフリカですが、長い年月をかけてさまざまな国の多様なジャンルの影響を受けてきました。その中でもフランス（およびアメリカ大陸の植民地）、そしてアメリカ合衆国は重要な国です。

キューバ音楽は他国に多大な影響を与えてきた^{[要出典] 。}ジャズやサルサの発展だけでなく、アルゼンチンタンゴ、ガーナのハイライフ、西アフリカのアフロビート、ドミニカのバチャータとメレンゲ、コロンビアのクンビア、スペインのヌエボフラメンコ、そして1990年代にミシェルエレフテリアデスが開発したアラブキューバ音楽（ハニーン・イ・ソン・クバーノ）^[5]にも貢献した。

アフリカの信仰と習慣は、キューバの音楽に間違いなく影響を与えました。ポリリズムのパーカッションは、メロディーがヨーロッパ音楽の一部であるのと同様に、アフリカ音楽の本質的な部分です。また、アフリカの伝統では、パーカッションは常に歌や踊り、そして特定の社会的状況と結びついています。^[6]ヨーロッパとアフリカの文化が出会った結果、キューバのポピュラー音楽のほとんどがクレオール化されています。キューバの生活のこのクレオール化は長い間起こっており、20世紀までに、アフリカの信仰、音楽、ダンスの要素は、ポピュラー音楽や民俗音楽にうまく統合されました。

「シリアス」ジャンルの国際的に有名な作曲家としては、バロック音楽の作曲家エステバン・サラス・イ・カストロ（1725-1803）が挙げられます。彼は生涯の大半を教会の音楽を教え、作曲することに費やしました。^[7]彼の後を継いだのは、サンティアゴ・デ・クーバ大聖堂の司祭フアン・パリス（1759-1845）です。パリスは非常に勤勉な人物であり、重要な作曲家でもありました。彼は継続的で多様な音楽イベントを奨励しました。^{[8] p181}田舎の音楽やアフロキューバンのフォークミュージックは別として、19世紀の都市クレオールダンス音楽で最も人気があったのはコントラダンサで、これはイギリスのカントリーダンスと、その派生であるフランスのコントレダンス、スペインのコントラダンサの地方形式として始まりました。多くのコントラダンサはダンス用に作曲されましたが、19世紀半ばからはピアノ用の軽めのクラシックなパーラーピースとしていくつかが作曲されました。このスタイルで最初に傑出した作曲家となったのはマヌエル・サウメル（1818年 - 1870年）であり、彼はキューバのクレオール音楽発展の父とも呼ばれる。エリオ・オロビオによれば、「サウメルの先見の明のある作品の後、残された仕事は彼の革新を発展させることだけだった。その革新はすべてキューバの民族主義音楽運動の歴史に深く影響を与えた。」^[9]

後継者のイグナシオ・セルバンテス・カヴァナーの手によって、コントラダンサに関連するピアノ表現はさらに洗練されました。セルバンテスは、ショパン風のピアノ曲を作曲したため、アーロン・コープランドから 「キューバのショパン」と呼ばれました。セルバンテスの今日の名声は、有名な41のキューバ舞曲によってほぼ完全に支えられています。カルペンティエは、これらの曲は「それぞれの国の音楽において、グリーグのノルウェー舞曲やドヴォルザークのスラヴ舞曲が占める位置を占めている」と述べています。セルバンテスの未完のオペラ「マレデット」は忘れ去られています。^[8]

1840年代、ハバネラはコントラダンサのリズムを使ったゆったりとした歌として登場した。(キューバ人以外では、キューバのコントラダンサを「ハバネラ」と呼ぶこともあった。) ハバネラはスペインやその他の地域で人気を博した。キューバのコントラダンサ/ダンサはプエルトリコのダンサにも大きな影響を与え、プエルトリコのダンサは1930年代まで独自のダイナミックで独特なキャリアを誇った。キューバでは、1880年代にコントラダンサ/ダンサからダンソンが生まれ、人気は事実上ダンソンに取って代わった。^[10]

ラウレアーノ・フエンテス（1825–1898）は音楽家の家系に生まれ、島で作曲された最初のオペラ「ジェフテの娘」を書いた。これは後に長くなり、 「セイラ」という題名で上演された。彼の多数の作品はあらゆるジャンルに及んでいる。ガスパール・ビリャート（1851–1891）は豊富で幅広い作品を制作したが、すべてオペラを中心にしていた。^{[8] p239} ホセ・ホワイト（1836–1918）はスペイン人の父とアフロキューバンの母を持つ混血で、国際的に活躍した作曲家、バイオリニストであった。彼は16種類の楽器を学び、キューバ、ラテンアメリカ、パリなどさまざまな場所に住んだ。彼の最も有名な作品はハバネラの 「美しいキューバ」である。

19世紀中ごろ、若いアメリカ人音楽家ルイ・モロー・ゴットシャルク（1829年 - 1869年）がキューバにやって来た。ゴットシャルクの父はロンドン出身のユダヤ人実業家で、母はフランス系カトリック教徒の白人クレオール人だった。^{[11]ゴットシャルクは主に}サン＝ドマング出身の黒人の祖母と乳母のサリーに育てられた。幼少のころからニューオーリンズのコンゴ広場で音楽を聴き、踊りを見ていたピアノの天才だった。キューバ滞在は1853年から1862年までで、その間にプエルトリコとマルティニーク島も訪れた。ゴットシャルクはクレオール風の曲を数多く作曲しており、例えばハバネラのバンブーラ作品2（黒人の踊り）（1845年）は、タイトルがアフロカリビアン・ベース・ドラムに由来している。キューバにすでに存在していたリズミカルなメロディーのヴァージョンであるEl cocoye（1853年）、コントラダンサOjos criollos（キューバのダンス）（1859年）、そしてキューバの混血歌手に言及しているMaría de la Oのヴァージョンである。これらの曲は、典型的なキューバのリズムパターンを使用している。彼はある送別コンサートでAdiós a Cubaを演奏し、大きな拍手と「ブラボー！」の歓声が上がった。残念ながら、この作品の楽譜は残っていない。^[12] 1860年2月、ゴットシャルクはハバナで大作La nuit des tropiquesを制作した。この作品には約250人のミュージシャンと200人の合唱団、さらにサンティアゴ・デ・クーバのトゥンバ・フランチェサのグループが参加した。彼は翌年、新しい素材で別の大コンサートを制作した。これらのショーは、おそらく島でそれ以前にもそれ以降にも見られたものよりも大きく、出席者にとって忘れられないものとなったことは間違いありません。^{[13] p147}

19世紀末から20世紀初頭にかけて、キューバ音楽界では多くの作曲家が傑出した才能を発揮した。彼らは、ポピュラーソングや合唱、ダンス音楽、サルスエラ、地方演劇、交響曲などのジャンルを開拓した。そのなかでも、ユベール・デ・ブランク（1856-1932）、ホセ・マウリ（1856-1937）、マヌエル・マウリ（1857-1939）、ホセ・マリン・バローナ、エドゥアルド・サンチェス・デ・フエンテス（1874-1944）、ホルヘ・アンカーマン（ 1877-1941）、ルイス・カサス・ロメロ（1882-1950）、マリオ・バルデス・コスタ（1898-1930）が名を連ねる。^[14]

ホセ・マリン・バロナの作品は、19世紀末から20世紀初頭にかけてのキューバの音楽活動を結びつけるものである。1896年、作曲家はサルスエラ「エル・ブルホ」に、歴史的に記録された最初のキューバのグアヒーラを収録した。 ^{[15] [16]}

この作品について、作曲家のエドゥアルド・サンチェス・デ・フエンテスは次のように述べている。「そう遠くない日に行われる正直な批評が、『エル・ブルホ』の不滅のグアヒーラの作者に、彼がいつでも間違いなく受けるに値する名誉を与えるだろう」^{[17] 。}

ゴンサロ・ロイグ（1890-1970）は、19世紀前半の大きな勢力でした。^[18]作曲家、管弦楽団指揮者で、ピアノ、ヴァイオリン、作曲理論の資格を取得しました。1922年に国立交響楽団の創設者の一人となり、指揮を執りました。1927年にハバナ音楽学校の監督に任命されました。作曲家として、第二次世界大戦まで非常に人気があったミュージカル劇のサルスエラを専門としていました。1931年にハバナのマルティ劇場でブフォ劇団（喜劇劇）を共同設立しました。彼はキューバの最も有名なサルスエラであるセシリア・バルデスの作曲家であり、キューバのムラタに関する有名な19世紀の小説に基づいています。この作品は1932年に初演されました。彼はさまざまな団体を設立し、音楽に関する著作を頻繁に執筆しました。^[19]

20世紀で最も偉大なキューバのピアニスト兼作曲家の一人がエルネスト・レクオナ（1895–1963）である。^[20]レクオナは600曲以上を作曲し、そのほとんどはキューバ風で、並外れた才能のピアニストであった。彼は歌曲や舞台や映画の音楽を数多く作曲した。彼の作品はサルスエラ、アフロキューバンとキューバのリズム、組曲、そしてラテンスタンダードとなった多くの歌曲から成っている。それらには「シボネイ」、「マラゲーニャ」、「そよ風と私（アンダルシア）」などがある。1942年、彼の大ヒット曲「いつも心に（Siempre en mi Corazon ）」がアカデミー賞最優秀主題歌賞にノミネートされたが、 「ホワイト・クリスマス」に敗れた。エルネスト・レクーナ交響楽団は、1943年10月10日にカーネギーホールで行われたキューバ解放記念日コンサートでレクーナの「ブラック・ラプソディ」を初演した。^[21]

アマデオ・ロルダン（1900年 - 1939年）とアレハンドロ・ガルシア・カトゥルラ（1906年 - 1940年）は、今日ではほとんど演奏されないものの、20世紀前半のキューバの交響楽界の革命家でした。^[13]二人とも、 1920年代に始まり、フェルナンド・オルティスによって広範に分析された、黒人をテーマにしたキューバ文化の運動であるアフロキューバニスモで役割を果たしました。

ロルダンは、キューバのムラタとスペイン人の父のもとパリで生まれ、1919年にキューバに渡り、1922年に新設のハバナ交響楽団のコンサートマスター（第一ヴァイオリン奏者）となった。そこで、16歳で第二ヴァイオリン奏者だったカトゥルラと出会う。ロルダンの作品には、キューバのテーマによる序曲（1925年）、バレエ曲2曲、「レバンバラムバ」（1928年）、「アナキーリの奇跡」（1929年）などがある。その後、「リトミカ」と「ポエマ・ネグラ」（1930年）、「トレス・トケ（行進曲、儀式、舞踏）」（1931年）のシリーズが続いた。「息子の動機」（1934年）では、詩人ニコラス・ギジェンの同名の詩集に基づいて、声楽と器楽のための8曲を作曲した。ロルダンは容貌を損なう顔面癌のため、38歳の若さで亡くなった（彼は常習的な喫煙者だった）。

学生時代を終えた後、カトゥルラはレメディオスという小さな町で一生を過ごし、増え続ける家族を支えるために弁護士になった。交響楽団のための「キューバの三大舞曲」は1929年にスペインで初演された。同年、ハバナで「ベンベ」が初演された。「キューバのオベルトゥーラ」は1938年に全国コンテストで一等賞を受賞した。カトゥルラは34歳のとき、若いギャンブラーに殺害された。^[8]

1930年以来キューバに拠点を置いていたカタルーニャの作曲家ホセ・アルデボル（1911-1981）の指導の下、1942年に設立された「グルポ・デ・レノバシオン・ミュージカル」は、キューバの音楽環境の質を向上させ、文字通り刷新することを目的とした積極的な運動を展開する若い作曲家たちのプラットフォームとして機能した。1942年から1948年まで存続していたこのグループは、ハバナ・リセウムで数多くのコンサートを開催し、彼らの前衛的な作品を一般大衆に披露し、メンバーの中から多くの将来の指揮者、芸術評論家、演奏家、教授を育成した。彼らはまた、キューバ音楽全般の調査と再評価のプロセスを開始し、カルロ・ボルボラ^[22]の傑出した作品を発見し、サウメル、セルバンテス、カトゥルラ、ロルダンの作品を宣伝した。 「音楽再生グループ」には、イラリオ・ゴンサレス、ハロルド・グラマチェス、フリアン・オルボン、フアン・アントニオ・カマラ、セラフィン・プロ、ヴァージニア・フライテス、ジセラ・エルナンデス、エンリケ・アパリシオ・ベルベル、アルジェリエ・レオン、ドロレス・トーレス、エドガルド・マルティンの作曲家が参加しました。^[要出典]「Groupo de Renovación Musical」とはほとんど、またはまったく関係のない他の現代キューバの作曲家は、アウレリオ・デ・ラ・ベガ、ホアキン・ニン・クルメル、アルフレド・ディエス・ニエト^[23]、ナタリオ・ガランである。^[24]

キューバでは、多くの作曲家がクラシック音楽とポピュラーなクレオール音楽の両方を作曲しているが、その区別は1960年以降、より明確になった。この年、政権は（少なくとも当初は）ポピュラー音楽に難色を示し、ナイトクラブのほとんどを閉鎖し、クレオール音楽よりもクラシック音楽に財政支援を行った。それ以降、ほとんどの音楽家は、目に見えない境界線のどちらかの側でキャリアを積んできた。 1959年のキューバ革命後、クラシック音楽の新しい一団が登場した。その中で最も重要なのは、現代のクラシックギターの技術とレパートリーに多大な貢献を果たし、キューバ国立交響楽団の指揮者を務めたギタリストのレオ・ブラウワーである。1970年代初頭に「ICAICソノラ実験グループ」の指揮者を務めたことは、ヌエバ・トロバ運動の形成と強化に重要な役割を果たした。

1959年に始まった革命後初期の他の重要な作曲家には、カルロス・ファリーニャスと、キューバにおける「コンクリート」と「電子音響音楽」の先駆者であるフアン・ブランコがいた。 ^[25]

革命後初期の世代に続いて、クラシック音楽コンサートに通う大衆の注目を集め始めたのが、一群の若い作曲家たちだった。彼らのほとんどは、政府から奨学金を得て国外の名門校で学位を取得しており、プラハ高等音楽アカデミーで大学院の学位を取得したセルジオ・フェルナンデス・バローゾ（別名セルジオ・バローゾ） ^[26]や、ポーランドでヴィトルド・ルジンスキとアンジェイ・ドブロヴォルスキに師事したロベルト・ヴァレラ^{[27]などがその一例である。他に}カリクスト・アルバレス^[28]、カルロス・マルコム^[要出典]、エクトル・アングロ^[29]の3人の作曲家もこのグループに属している。

1962年、北米の作曲家フェデリコ・スミスがハバナに到着。彼はキューバ国家を自分の国として受け入れ、当時キューバで暮らし活動していた最も優れた音楽家の一人となった。彼は亡くなるまでキューバに留まり、キューバの音楽遺産に重要な貢献をした。

1970年代初頭、国立芸術学校とハバナ音楽院の卒業生を中心とする音楽家や作曲家のグループが、政府がUNEAC（キューバ全国作家芸術家連合）のジュニア部門として最近創設した組織、エルマノス・サイス旅団の周りに集まった。^{[30] [31]}そのメンバーには、作曲家のフアン・ピニェラ（著名なキューバ作家ビルヒリオ・ピニェラの甥）^{[23] 、フローレス} ・チャビアーノ、アルマンド・ロドリゲス・ルイディアス、ダニロ・アビレス[ ^{23] 、} マガリ・ルイス、エフライン・アマドール・ピニェロ、ホセ・ロヨラがいた。組織とあまり関わっていない他の現代作曲家としては、ホセ・マリア・ヴィティエ、フリオ・ロロフ^[23]、ホルヘ・ロペス・マリンがいた。^[32]

キューバ革命（1959年）後、多くの将来のキューバ作曲家が非常に若いうちに移住し、キャリアのほとんどを国外で積みました。このグループには、タニア・レオン、オルランド・ハシント・ガルシア、アルマンド・トランキリーノ、^[23] オダリン・デ・ラ・マルティネス、ホセ・ラウル・ベルナルド、^[32] ホルヘ・マルティン（作曲家） 、ラウル・ムルシアノ^[33]などの作曲家がいます。

20世紀最後の数十年から21世紀初頭にかけて、キューバのクラシック音楽界に新世代の作曲家が登場した。彼らのほとんどは、キューバ政府が創設した公式の芸術学校システムでしっかりとした音楽教育を受け、高等芸術院（ISA）を卒業している。これらの作曲家には、ルイス・フランツ・アギーレ^[34] 、イレアナ・ペレス・ベラスケス、ケイラ・マリア・オロスコ^[32] 、ビビアナ・ルイス[ ²³ ]、フェルナンド（アルキ）・ロドリゲス・アルピザル^{[35] 、} ヤリル・ゲラ、エドゥアルド・モラレス・カソ[ ^36]、 アイレム・カルバハル・ゴメス、イリーナ・エスカランテ・チェルノバ、エヴェリン・ラモンなどがいる。彼らは全員移住し、現在は他の国で暮らし、活動している。^[要出典]

フアン・ブランコは、 1961 年に電子音響作品を制作した最初のキューバ人作曲家です。この最初の作品「Musica Para Danza」は、発振器と一般的なテープレコーダー 3 台のみを使用して制作されました。電子音響音楽を制作するために必要な技術的リソースへのアクセスは、関心のある人にとって常に非常に限られていました。このため、1969 年になって初めて、別のキューバ人作曲家であるセルジオ・バローゾが電子音響音楽作品の制作に専念しました。

1970 年、フアン ブランコはICAP (Insituto Cubano de Amistad con Los Pueblos) の宣伝部門の音楽顧問として働き始めました。この立場で、彼は ICAP が制作したすべての視聴覚資料用の電子音響音楽を制作しました。9 年間の補償なしで働いた後、ブランコはついに資金を獲得し、自分の仕事に使用する電子音響スタジオを設立しました。彼はスタジオのディレクターに任命されましたが、その施設を使用できるのは彼だけという条件でした。

数か月後、彼は許可を求めることなく、電子音響技術に興味のあるすべての作曲家に電子音響スタジオを開放し、ICAP 電子音響音楽ワークショップ (TIME) を設立しました。そこで彼は、すべての参加者に自らトレーニングを行いました。1990 年、ICAP ワークショップは Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME) に名前を変更し、その主な目的はキューバの電子音響作曲家とサウンド アーティストの作品をサポートし、促進することでした。

数年後、別の電子音響音楽スタジオがInstituto Superior de Arte (ISA) に設立されました。Estudio de Música Electroacústica y por Computadoras (EMEC) は現在 Estudio Carlos Fariñas de Arte Musical (Carlos Fariñas Studio of Musical Electroacoustic Art) と名付けられており、作曲科の学生にキャリアの最後の数年間に電子音響音楽のトレーニングを提供することを目的としています。

1970 年以降、レオ ブラウワー、ヘスス オルテガ、カルロス ファリーニャス、セルジオ ヴィティエなどのキューバの作曲家も電子音響作品を創作し始めました。そして1980年代には、エデシオ・アレハンドロ、フェルナンド（アルキ）・ロドリゲス・アルピサル、マリエッタ・ヴェウレンス、ミルタ・デ・ラ・トーレ、ミゲル・ボナケア、フリオ・ロロフを含む作曲家のグループがICAP電気音響スタジオで指導を受け、働き始めました。電子音響技術を利用したキューバの作曲家のリストには、アルジェリエ レオン、フアン ピニェラ、ロベルト ヴァレラ、ホセ ロヨラ、イレアナ ペレス ベラスケス、ホセ アンヘル ペレス プエンテスが含まれます。^[37]

キューバ国外に拠点を置いたキューバの作曲家のほとんどは、電気音響技術を使って活動しています。これらの作曲家には、アウレリオ・デ・ラ・ベガ、アルマンド・トランキリノ、タニア・レオン、オルランド・ハシント・ガルシア、アルマンド・ロドリゲス・ルイディアス、アイレム・カルバハル・ゴメス、イリーナ・エスカランテ・チェルノバが含まれます。^[38]

ギター（今日知られているもの、あるいは歴史的に知られているもの）は、スペインが島を発見して以来、キューバに存在していた。16世紀初頭、トリニダード村出身のフアン・オルティスという名の音楽家が、有名な年代記作家ベルナル・ディアス・デル・カスティーヨによって「ビウエラとギターの偉大な演奏家」として言及されている。もう一人の「ビウエリスタ」、バヤモ出身のアロンソ・モロンも、16世紀のスペイン征服年代記に言及されている。^{[39] [40]}

有名なスペインのギタリスト、ディオニシオ・アグアドの弟子であるホセ・プルデンシオ・ムンゴルは、スペインのギターの伝統を学んだ最初のキューバのギタリストでした。1893年、スペインから帰国後、ハバナで大絶賛されたコンサートに出演しました。ムンゴルはハバナの音楽界に積極的に参加し、ユベール・ド・ブランク音楽院の教授でもありました。^[41]

セベリーノ・ロペスはマタンサスで生まれました。彼はキューバでフアン・マルティン・サビオとパスクアル・ロッシュにギターを学び、スペインではカタルーニャの有名なギタリスト、ミゲル・リョベットにギターを学びました。セベリーノ・ロペスは、スペインのフランシスコ・タレガによって設立されたギター学校のキューバにおける創始者と考えられています。^[42]

クララ・ロメロ（1888-1951）は、現代キューバギター学校の創始者であり、スペインでニコラス・プラッツに、キューバでフェリックス・ゲレーロに学んだ。1931年にハバナ市立音楽院にギター科を開設し、キューバのフォークギタースタイルの教えも導入した。1940年にキューバギター協会（Sociedad Guitarrística de Cuba）を設立し、協会の活動を促進する目的で「ギター」（Guitarra）誌も発行した。彼女は息子のアイザック・ニコラや娘のクララ（クキ）ニコラなど、多くのキューバのギタリストの教授を務めた。^[43]

アイザック・ニコラ（1916年 - 1997年）は、ハバナ市立音楽院で母親のクララ・ロメロに師事した後、パリでフランシスコ・タレガの弟子であるエミリオ・プジョルに師事し、ギターの訓練を続けた。また、プジョルにビウエラを学び、ギターの歴史と文学について研究した。^[44]

1959年のキューバ革命後、イサック・ニコラとマルタ・クエルボ、クララ（クキ）・ニコラ、マリアネラ・ボネット、レオポルディナ・ヌニェスなどの教授陣が国立音楽学校制度に統合され、統一された教授法が実施されました。これが、新世代のギタリストや作曲家が協力する国立キューバギター学校のその後の発展の核となりました。

おそらく、現代キューバのギターのテクニックとレパートリーへの最も重要な貢献は、レオ・ブラウワー(1939年生まれ) によるものです。エルネスティーナ・レクオナの孫で、エルネスト・レクオナの妹であるブラウワーは、父親からギターの勉強を始め、しばらくしてアイザック・ニコラに師事しました。彼は独学で和声、対位法、音楽形式、オーケストレーションを学び、ジュリアード音楽院とハートフォード大学で学業を修了しました。

1960年代以降、ハバナ市立音楽院、国立芸術学校、高等美術研究所などの教育機関で、数世代にわたるギター演奏家、教授、作曲家がキューバギター学校のもとで育成されました。国際的に有名なコンサート奏者のマヌエル・バルエコのように、国外でキャリアを積んだ人もいます。キューバギター学校に関係する他の多くのギタリストには、カルロス・モリーナ、セルヒオ・ヴィティエ、フローレス・チャビアーノ、エフライン・アマドール・ピニェロ、アルマンド・ロドリゲス・ルイディアス、マルティン・ペドレイラ、レスター・カロデグアス、マリオ・デイリー、ホセ・アンヘル・ペレス・プエンテス、テレサ・マディエドなどがいます。若いグループには、ギタリストのレイ・ゲラ、アルド・ロドリゲス・デルガド、ペドロ・カーニャス、レイダ・ロンバルド、エルネスト・タマヨ、ミゲル・ボナケア、^[45] ホアキン・クレルチ^{[46] [47]}、ヤリル・ゲラが含まれる。

18世紀末にキューバに伝わって以来、ピアノフォルテ（一般にピアノと呼ばれる）は急速にキューバ国民に愛される楽器の一つとなった。ピアノは質素なギターとともに、ハバナや国中のサロンや舞踏会でキューバで人気の「グアラチャ」や「コントラダンサ」（ヨーロッパのカントリーダンスに由来）の伴奏を務めた。^[48] 1804年には早くもハバナのコンサート プログラムに「最近到着した著名な外国人がフォルテピアノで伴奏する」声楽コンサートが発表され^[49]、1832年にはアルザスの有名な作曲家兼ピアニストの息子で高名なピアニストのフアン フェデリコ エデルマン（1795-1848）がハバナにやって来て、テアトロ プリンシパルで大成功を収めたコンサートを行った。温かい歓迎に勇気づけられたエーデルマンはハバナに留まることを決意し、すぐにサンタ・チェチーリア・フィルハーモニー協会の重要な役職に昇進した。1836年に彼は音楽店と出版社を開いた。^[50]

最も名声のあるキューバ音楽家の一人、エルネスト・レクオナ（1895-1963）は、姉のエルネスティーナにピアノの勉強を始め、その後ペイレヤーデ、サアベドラ、ニン、ユベール・デ・ブランクに師事した。神童だったレクオナは、わずか5歳でシルクロ・イスパノでコンサートを行った。国立音楽院を卒業したレクオナは、理事会の満場一致でクラスで一等賞と金メダルを授与された。彼は、キューバの作曲家の中では国際的に最も評価が高く、キューバのピアノの伝統への貢献は並外れたものだと考えられている。^[21]

擦弦楽器は16世紀からキューバに存在していた。トリニダード島の音楽家フアン・オルティスは、年代記作家ベルナル・ディアス・デル・カスティーヨによって「ビウエラとビオラの偉大な演奏家」として言及されている。^[42] 1764年、エステバン・サラス・イ・カストロがサンティアゴ・デ・クーバ大聖堂の新しい礼拝堂長となり、音楽の義務を果たすために、2つのバイオリンを含む小さな声楽・楽器グループを率いた。^[51] 1793年、サン・ドミンゲの奴隷反乱から逃れてきた多くの入植者がサンティアゴ・デ・クーバに到着し、フルート、オーボエ、クラリネット、トランペット、3つのホルン、3つのバイオリン、ビオラ、2つのチェロ、打楽器からなるオーケストラが結成された。^[52]

18世紀から19世紀への移行期に、キューバ出身のウルピアーノ・エストラーダ（1777年 - 1847年）はヴァイオリンのレッスンを開講し、1817年から1820年にかけてテアトロ・プリンシパル管弦楽団を指揮した。ヴァイオリニストとしての活動とは別に、エストラーダは数多くのオーケストラ、バンド、オペラの指揮者として非常に活発な音楽活動を続け、多くのコントラダンサやメヌエット、ワルツなどの舞曲を作曲した。^[53]

ベルギーのバイオリニスト、ホセ・ヴァンデルガッチは、同じくバイオリニストの父フアンと兄フランシスコとともにハバナにやって来た。彼らは後にベルギーに戻ったが、ホセはハバナに永住し、そこで高い評価を得た。ヴァンデルガッチは19世紀半ば頃、ソリストとして、またいくつかのオーケストラの伴奏で数多くのコンサートを行った。彼はクラシック音楽協会の会員であり、「ハバナ・ソコロ・ムトゥオ音楽協会」の理事でもあった。^[54]

19 世紀のキューバのクラシック バイオリンの世界には、史上最高のバイオリンの名手とみなされる 2 人の傑出した巨匠がいます。ホセ・ホワイト・ラフィットとクラウディオ・ブリンディス・デ・サラス・ガリードです。

キューバのヴァイオリニスト、ホセ・ホワイト・ラフィット（1835-1918）は、父親から最初の音楽指導を受けた後、1854年3月21日にマタンサスで最初の演奏会を開催した。その演奏会には、有名なアメリカのピアニストで作曲家のルイ・モロー・ゴットシャルクが同席し、ゴットシャルクはラフィットにパリでの音楽指導をさらに進めるよう奨励し、そのための資金も集めた。^[55]

ホセ・ホワイトは1855年から1871年までパリ音楽院で作曲を学びました。入学からわずか10か月後に同音楽院のコンクールのヴァイオリン部門で第1位を獲得し、ジョアキーノ・ロッシーニから絶賛されました。後に彼は有名なヴァイオリニストのジョルジュ・エネスクとジャック・ティボーの教授を務めました。

1877年から1889年まで、ホワイトはブラジルのリオデジャネイロにある帝国音楽院の院長に任命され、ペドロ2世皇帝の宮廷音楽家としても活躍した。^[56]その後、彼はパリに戻り、死ぬまでそこに留まった。「白鳥の歌」という有名なバイオリンは彼のお気に入りの楽器であり、彼の最も有名な作品はハバネラ「キューバの美しさ」である。ホワイトは、バイオリンとオーケストラのための協奏曲を含む他の多くの作品も作曲した。^[57]

クラウディオ・ホセ・ドミンゴ・ブリンディス・デ・サラス・イ・ガリード（1852年 - 1911年）は、有名なキューバのバイオリニストで、同じく有名なバイオリニスト、コントラバス奏者、指揮者のクラウディオ・ブリンディス・デ・サラス（1800年 - 1972年）の息子である。19世紀前半にハバナで最も人気のあるオーケストラの一つ「ラ・コンチャ・デ・オロ」（黄金の巻き貝）を指揮した。クラウディオ・ホセは、父親の名声と専門技術を超え、国際的に認められるようになった。^{[58] [59] [60]}

クラウディオ・ブリンディス・デ・サラス・ガリドは父親から音楽の勉強を始め、その後もホセ・レドンドやベルギーのホセ・ヴァンデガッチといった巨匠に師事しました。1863 年にハバナで最初のコンサートを開催し、ヴァンデガッチが伴奏者として参加しました。このコンサートには有名なピアニストで作曲家のイグナシオ・セルバンテスも参加しました。

当時の批評によれば、ブリンディス・デ・サラスは国際的に見て当時最も傑出したヴァイオリニストの一人とみなされていた。アレホ・カルペンティエは彼を「19世紀で最も傑出した黒人ヴァイオリニスト...大陸の音楽史上前例のない存在」と評した。^[61]

フランス政府は彼にレジオンドヌール勲章を授与し、男爵の爵位を与えた。ブエノスアイレスでは本物のストラディヴァリウスを贈られ、ベルリンに住んでいた時にはドイツ人女性と結婚し、皇帝の室内楽奏者に任命され、その国から名誉市民権を与えられた。ブリンディス・デ・サラスは1911年にアルゼンチンのブエノスアイレスで結核のため貧困と忘れられたまま亡くなった。1930年に彼の遺体は栄誉をもってハバナに移された。^[62]

19世紀のもう一人の傑出したキューバのバイオリニストは、ラファエル・ディアス・アルベルティーニ（1857-1928）である。彼はホセ・ヴァンデルグッチと、音楽出版にも尽力した有名なハバナのバイオリニスト、アンセルモ・ロペス（1841-1858）にバイオリンを師事した。1870年、アルベルティーニは有名なバイオリニスト、ジャン＝デルファン・アラールに師事して技術を磨くためパリに渡り、1875年にパリのコンクールで一等賞を受賞し、その後審査員として参加した。彼は世界中を広くツアーし、時にはヒューゴ・ヴォルフやカミーユ・サン＝サーンスなどの名高い巨匠たちと共演した。1894年にはイグナシオン・セルバンテスとともにキューバの主要都市で講演を行った。^[63]

19 世紀後半から 20 世紀前半の著名なキューバのヴァイオリニストのリストには、マヌエル ムニョス セデーニョ (1813 年生まれ)、ホセ ドミンゴ ブスケ (1823 年生まれ)、カルロス アンカーマン (1829 年生まれ)、アントニオなどが含まれます。フィゲロア (1852 年生)、ラモン フィゲロア (1852 年生) 1862年生まれ）、フアン・トレラ（1874年生まれ）、カシミロ・ゼルトゥチャ（1880年生まれ）、ホアキン・モリーナ（1884年生まれ）、マルタ・デ・ラ・トーレ（1888年）、カタリノ・アルホナ（1895年生まれ）、ディエゴ・ボニージャ（1898年～）。^[64]

20 世紀前半 (1900 年 - 1939 年) には、アマデオ・ロルダンの名前が目立っています。ロルダンは、優れたバイオリニスト、教授、指揮者であるだけでなく、史上最も重要なキューバの作曲家の 1 人と考えられています。

1935年、わずか16歳でパリ音楽院を卒業したキューバの著名なヴァイオリニスト、アンヘル・レイエス（1919-1988）は、ソリストとして、また多くの国の名門オーケストラの伴奏者として、非常に成功したキャリアを築きました。彼は非常に若い頃にアメリカに居住し、ブリュッセルのイザイ・コンクールで賞を獲得し、1985年に引退するまでミシガン大学とノースウェスタン大学の教授を務めました。^[65]

エドゥアルド・エルナンデス・アシアイン（1911-2010）はハバナ生まれで、幼少期から音楽の勉強を始め、わずか7歳で最初のコンサートを行いました。14歳のとき、ハバナ市立音楽院で一等賞を獲得し、ハバナ交響楽団のコンチェルティーノに任命されました。1932年、マドリードに渡り、エンリケ・フェルナンデス・アルボス教授とアントニオ・フェルナンデス・ボルダス教授のもとで音楽教育をさらに深めました。 1954年以来、エルナンデス・アシアインは、パリのパスデルー・コンサート協会およびラジオディフュージョン・フランセーズ、「スペイン国立管弦楽団」、「ビルバオ交響楽団」、「マドリッド・カマラ交響楽団」、「サン・セバスティアン交響楽団」のオーケストラとソリストとして共演した。彼が創設者です。 1968年、彼はRTVEの「クアルテト・クラシコ」の第一ヴァイオリンに任命され、ピアニストのイサベル・ピカサ・ゴンサレスとともに「クインテト・クラシコ・デ・RNE」に参加し、スペインやその他の国でコンサートを提供し、数多くの録音を行った。彼はまた、米国中を広範囲にツアーしました。^[66]

20世紀前半の他の著名なキューバのヴァイオリニストとしては、ロベロ・バルデス・アルナウ（1919-1974）、アルベルト・ボレット、ヴィルジリオ・ディアゴなどがいます。^[67]

1959 年以降、すでに革命後の時代に、バイオリンや擦弦楽器の発展だけでなく、国民の音楽文化全般に多大な貢献をしたキューバのバイオリニストが登場しました。

エヴェリオ・ティーレスは7歳の時から父エヴェリオ・ティーレス・ソレルのもとでキューバで音楽の勉強を始め、^[68]その後もホアキン・モリーナ教授のもとで勉強を続けた。1952年から1954年の間、フランスのパリでジャック・ティボーとルネ・ベネデッティのもとでヴァイオリンを学んだ。1955年にパリに戻り、同市の国立高等音楽院で学び、1958年にはモスクワのチャイコフスキー音楽院で音楽の訓練を続け、そこで著名なヴァイオリニストのダヴィド・オイストラフとイーゴリ・オイストラフに師事した。ティーレスは1963年に卒業し、音楽院の推薦により1963年から1966年まで同じ教授のもとで修士号取得を目指した。^{[68]ティーレスは、著名なヴァイオリニストの}ヘンリク・シェリングとエドゥアルド・エルナンデス・アジアインからも専門的な指導を受けました。 ^[69]

エヴェリオ・ティエレスは、兄のピアニスト、セシリオ・ティエレスとのデュオ、キューバ国立交響楽団やその他の交響楽団や室内楽団の伴奏など、コンサート演奏者として数多くの公演を行ってきました。トーマス・ザンデルリング、ボリス・ブロット、エンリケ・ゴンサレス・マンティシ、マヌエル・デュシェーヌ・クサンなど、著名な指揮者と共演してきました。^[要出典]

ティエレスは1984年以来スペインに居住し、タラゴナ県のビラ・セカ音楽院でヴァイオリンを教えており、同音楽院の「名誉教授」に任命されている。^[要出典]また、バルセロナ高等音楽院では室内楽部長（1991年 - 1998年）、擦弦楽器部門長（1986年 - 2002年）、学術ディレクター（2000年 - 2002年）を務めた。^[69]

コンサート演奏家および教授としての素晴らしい経歴の他に、革命後の時期には、ティレスはキューバで擦弦楽器、特にバイオリンの訓練を推進し、組織しました。^[69]

もう一人の著名なバイオリニストは、アラ・タラン教授（1941年生まれ）です。彼女は母国ウクライナでバイオリニストとして育ち、室内楽アンサンブルの教授として働きました。タランは1969年からキューバに居住しています。^[要出典]

アルフレド・ムニョス（1949年生まれ）は、キューバのハバナにあるオルボン音楽院でヴァイオリンを学び始め、その後、国立芸術学校と高等美術学校（ISA）で学び続けた。1972年に国立交響楽団にヴァイオリニストとして入団し、それ以来、キューバ国内外でソリストやホワイト・トリオのメンバーとして活躍している。現在は、高等美術学校（ISA）の教授である。^[70]

20世紀から21世紀にかけて活躍したキューバのヴァイオリニストとしては、アルマンド・トレド（1950年）、フリアン・コラレス（1954年）、ミゲル・デル・カスティージョ、リカルド・フスティスなどがいます。^[64]

すでに 21 世紀初頭のヴァイオリニスト、イルマール・ロペス・ガビラン、ミレリス・モルガン・ベルデシア、イヴォンヌ・ルビオ・パドロン、パトリシア・キンテロ、ラファエル・マチャドは注目に値します。

オペラは、コリセオと呼ばれる最初の本格的な劇場が建設された18世紀後半からキューバに存在しています。それ以来現在に至るまで、キューバの人々はオペラを大いに楽しんでおり、多くのキューバの作曲家がオペラというジャンルを育て、時には国際的に大きな成功を収めています。20世紀の最高のキューバのリリカル歌手は、オペラのテノール歌手フランシスコ・フェルナンデス・ドミニシス（イタリア名：フランチェスコ・ドミニチ）（1885-1968）でした。20世紀の最高のキューバの女性リリカル歌手は、メゾソプラノの マルタ・ペレス（1924-2009）でした。彼女は1955年にイタリアのミラノのスカラ座で歌いました^。[71]

ハバナで最初にオペラが上演されたのは1776年で、その公演は1815年12月19日の新聞「ディアリオ・デ・ラ・ハバナ」に掲載された記事で次のように言及されている。 「本日、今月19日水曜日、天候がよければ、17曲の音楽を含む3幕の新しい悲劇オペラ『捨てられたディド』が上演される。これはフランス劇場の初演作品の1つである。イタリアでは、有名なメタスタージオ作曲の作品が並外れた拍手を浴び、1776年10月12日にこの街で上演された。」^[72]

クリストバル・マルティネス・コレスはキューバ初のオペラ作曲家だが、彼の作品「密輸人の悪魔」や「ドン・パパネーロ」は初演されることはなく、現在まで保存されていない。作曲家でありピアニストでもあるマルティネス・コレスは1822年にハバナで生まれ、9歳の時に家族とともにフランスに居住し、その後イタリアに移住した。早すぎる死のため、3作目のオペラ「サフォ」は創作の初期段階を超えることはなかった。マルティネス・コレスは1842年にジェノバで亡くなった。^[16]

ガスパール・ヴィラーテ・イ・モンテスは1851年にハバナで生まれ、幼い頃から音楽の才能を発揮しました。幼少期にニコラス・ルイス・エスパデロにピアノを学び始め、1867年、16歳にしてヴィクトル・ユーゴーの戯曲をもとに『アンジェロ、パドヴァのティラノ』という最初のオペラを作曲しました。1年後、1868年の戦争が始まったとき、家族とともにアメリカに渡り、1871年にハバナに戻ると『リシュリューの武器の初演』という別のオペラを作曲しました。

ヴィラートは音楽の勉強を続けるためフランスに渡り、パリ音楽院でフランソワ・バザン、ヴィクトリアン・ド・ジョンシエール、アドルフ・ダンハウザーに師事した。コントラダンサ、ハバネラ、ロマンス、ワルツなど器楽作品を多数作曲し、1877年にはオペラ『ジリア』をパリで初演して聴衆の絶賛を浴び、1881年にはハバナで上演された。それ以降、ヴィラートはオペラに力を注ぎ、 『ラ・サリーナ』や『バルタザール』などの作品を作曲し、それぞれラ・アヤとマドリード王立劇場で初演された。『クリストバル・コロン』というキューバをテーマにしたオペラを手掛けたことが知られているが、その原稿は紛失している。

ヴィラートは1891年にパリで亡くなったが、その直後に『ルシファー』という抒情劇の作曲を開始し、その断片がいくつか保存されている。^[73]

エドゥアルド・サンチェス・デ・フエンテスは1874年、ハバナの芸術一家に生まれた。父親は作家、母親はピアニスト兼歌手だった。音楽学校ユベール・デ・ブランクで音楽を学び始め、後にカルロス・アンカーマンのクラスを受講。1894年には法学の学位も取得した。^[74]サンチェス・デ・フエンテスは18歳のとき、有名なハバネラ「トゥ」を作曲し、これは国際的に大成功を収めた。アレホ・カルペンティエはこれを「最も有名なハバネラ」と評した。^[75]

1898年10月26日、サンチェス・デ・フエンテスはハバナのアルビス劇場で、島の植民地化をテーマにした初のオペラ「ユムリ」を初演した。このオペラでは、原住民の王女がハンサムなスペイン人の征服者に恋をするが、別の原住民との結婚式の最中に王女はスペイン人の征服者に誘拐される。最後に、逃亡中に二人とも地震で悲劇的な死を遂げる。^[76]サンチェス・デ・フエンテスはその後もさらに5つのオペラを作曲している。エル・ナウフラゴ（1901年）、「ドロローサ」（1910年）、「ドレヤ」（1918年）、 「カミナンテ」 （1921年）、「カベリア」（1942年）である。^[77]

同世代で最も活動的で傑出した作曲家の一人であるセルジオ・フェルナンデス・バローゾ（別名セルジオ・バローゾ）（1946年）は、ラ・フォルマ・デル・カミーノというオペラの作者である。このオペラには、 s-XIV-69（シグロ・XIV – 1969年）という副題も付けられている。上演時間約60分のこの作品は、ポポル・ヴフ（マヤ文化の聖典）にある、神話上の兄弟フナフプとイシュバランケに関する物語を脚本として使用している。スコアには、ソリストと9人の混声合唱団、楽器グループとエレクトロアコースティック4チャンネルシステムの伴奏が含まれている。このシーンでは、合唱団の空間的位置よりも高い位置に舞台が必要で、メンバーはディナージャケットを着用し、ソリストのよりカジュアルな服装とは対照的である。歌手は全員、インディアンマスクを着用している。^[78]

最近では、ホルヘ・マルティン（作曲家）とルイス・フランツ・アギーレという二人の若いキューバ人作曲家の作品が目立っています。

ホルヘ・マルティン（1959年生まれ）はサンティアゴ・デ・クーバ生まれで、幼少期に米国に居住。イェール大学とコロンビア大学で音楽作曲を学んだ。作詞した作品は3つある。サキの短編小説を基にした4幕オペラのシリーズ『ビースト・アンド・スーパービースト』、全米オペラ協会（米国）の第5回ビエンナーレで最優秀賞を受賞し、米国のいくつかの都市で上演された1幕オペラ『トバモリー』、そしてフィデル・カストロ政権の著名な反体制活動家であるキューバの小説家、劇作家、詩人レイナルド・アレナスの有名な自伝を基にしたオペラ『ビフォア・ナイト・フォールズ』である。^[79]

ルイス・フランツ・アギーレ（1968年生まれ）は、現在、国際的に最も多作で有名なキューバの作曲家の一人です。彼の作品カタログには、4つのオペラ作品があります。 1999年1月17日にドイツのボンにあるブロートファブリック劇場で初演されたEbbó （1998年） 、イタリアのウーディネ城議会ホールで初演されたOgguanilebbe （神の言葉の典礼）（2005年）、2015年10月27日にスペインのマドリードにあるガリレオ劇場で初演されたYo el Supremo （独裁者との1幕の喜劇）およびデンマークのKODAの資金提供によりリデンスカブ・アンサンブルの委嘱で制作されたThe way the dead love（神統記：オペラのマニフェスト）です。オーフス欧州文化首都 2017の一環として、2017 年 2 月 24 日にデンマーク、オーフスのゴッズバネンで初演されました。

キューバ国民は長年にわたり、このテーマに関する多数の研究者や専門家によって作成された音楽学資料を豊富に蓄積してきた。19世紀のキューバ音楽に関する情報を提供した一部の著者の著作は、より一般的なテーマを扱う年代記に収録されているのが一般的だった。音楽芸術と実践に特化した最初の調査と研究は、20世紀初頭までキューバでは行われなかった。^[80]

キューバの音楽学研究に貢献した重要人物のリストには、フェルナンド・オルティス、エドゥアルド・サンチェス・デ・フエンテス、エミリオ・グレネ、アレホ・カルペンティエ、アルジェリエ・レオン、マリア・テレサ・リナレス、パブロ・エルナンデス・バラゲル、アルベルト・ムゲルシア、ゾイラ・ラピケが含まれます。

1959 年のキューバ革命後に結成された第 2 世代の音楽学者には、ゾイラ ゴメス、ビクトリア エリ、アルベルト アレン ペレス、ロランド アントニオ ペレス フェルナンデス、レオナルド アコスタが含まれます。

最近では、キューバの若い音楽学者のグループが、その堅実な研究により、国際的な学術分野で当然の評価を得ています。このグループの最も著名なメンバーには、ミリアム・エスクデロ・スアステギ、リリアナ・ゴンザレス・モレノ、^{[要出典]、}イヴァン・セサル・モラレス・フローレス^[81]、パブロ・アレハンドロ・スアレス・マレロ^{[82]などがいます。}

スペインによる征服後、キューバで最初に演奏されたポピュラー音楽は、スペインの征服者自身によってもたらされたもので、16世紀に流行したスペインのポピュラー音楽から借用された可能性が高い。16世紀から18世紀にかけて、スペインで生まれたダンス用の歌の中には、ヒスパニック系アメリカと関連づけられたもの、あるいはアメリカで生まれたものと考えられているものもあった。サラバンド、シャコンヌ、サンバパロ、レタンビコ、グルンベなど、絵に描いたような名前を持つ歌の中には、^[83]ヘミオラまたはセスキアルテラ（スペイン語）と呼ばれる特徴的なリズムという共通の特徴を持つものもあった。

このリズムは、2拍子と3拍子（6/8 + 3/4）の交互または重ね合わせとして説明されており、少なくとも13世紀以来スペイン領土で広く使用されており、サンタ・マリアのカンティーガ（Como poden per sas culpas）の1つに登場します。^[84]

ヘミオラまたはセスキアルテラは、アフリカ大陸の北と南の両方で、アフリカ音楽の伝統における典型的なリズムでもある。^[85]したがって、スペイン人がアメリカにもたらしたオリジナルの歌と踊りには、島に到着した奴隷のアフリカ人が慣れ親しんでいたアフリカ文化の要素がすでに含まれていた可能性が非常に高い。そして彼らはそれをさらに利用して、新しいクレオールのジャンルを創造した。^[86]

よく知られている古代キューバの歌「ソン・デ・ラ・マ・テオドラ」や、キューバ固有の最初のジャンルであるプントとサパテオでは、伴奏にセスキアルテーラのリズムが使われており、これらのジャンルは16世紀から18世紀にかけてのスペインの歌舞曲と非常に関連しています。^[87]

プントとサパテオ・クバーノは、キューバ民族の最初の土着音楽ジャンルだったようです。キューバ・クレオール・サパテオ（サパテオ・クリオージョ）の最初の印刷サンプルは、1855年に「ビセンテ・ディアス・デ・コマスの領地アルバム」で出版されましたが、^[88]それよりずっと前から、これらのジャンルの存在に関する言及を見つけることが可能です。^[89]その構造的特徴は、200年以上にわたってほとんど変わることなく生き残っており、通常、最も典型的なヒスパニック系キューバのポピュラー音楽ジャンルと考えられています。キューバの音楽学者マリア・テレサ・リナレス、アルジェリアス・レオン、ロランド・アントニオ・ペレスは、プントとサパテオはスペインの舞曲（チャコンやサラバンドなど）に基づいていると考えており、これらの舞曲はまずハバナやサンティアゴ・デ・クーバなどの人口密集地に伝わり、その後周辺の農村地帯に広まり、後に農民（カンペシーノ）によって採用され、改変されたと考えている。^[88]

プント・グアヒロ、プント・クバーノ、あるいは単にプントは、キューバ音楽の歌曲のジャンルであり、19世紀にキューバの西部と中央部で生まれた即興の詩的音楽芸術である。^[90]プントはアンダルシア地方に起源を持つように思われるが、クレオール語にアレンジされているため、真のキューバのジャンルである。^[91]

プントは、ティプレ（現在は使われていない高音ギター）、スペインギター、キューバのトレス、ラウドなど、さまざまな撥弦楽器を使ったグループによって演奏されます。プン​​トという言葉は、かき鳴らす（ラスゲアード）のではなく、撥弦楽器を使う（プンテアード）という意味です。また、クラベ、グイロ、グアヨ（金属製のスクレーパー）などの打楽器も使われています。歌手たちは競い合うチームに集まり、即興で歌詞を歌います。

彼らは「トナダ」と呼ばれる固定のメロディーを歌う。これは「デシマ」と呼ばれる10の連節の韻律に基づいており、節の間には歌手が次の節を準備する時間を与えるための間隔がある。^[92]初期の作品は録音され、出版されることがあり、歌手や作曲家の名前もいくつかあった。1935年頃から、プントはキューバのラジオで人気のピークに達した。

プントは20世紀初頭にアメリカの会社によって録音された最初のキューバのジャンルの一つであったが、後に関心は薄れ、生放送のラジオ演奏を録音し続ける努力はほとんど行われなかった。このジャンルのファンであった速記者のアイダ・ボーデは、放送される多くの詩を書き留め、ついに1997年に彼女の書き起こしが本として出版された。^[93]

セリーナ・ゴンザレスとアルビタ・ロドリゲスは、どちらもキャリアの初期にプントを歌い、このジャンルがまだ生きていることを証明した。セリーナはポピュラー音楽界で最も優れた声の持ち主の一人であり、彼女のサポートグループであるカンポ・アレグレは傑出していた。しかし、愛好家にとっては、インディオ・ナボリ（サビオ・ヘスス・オルタ・ルイス、1922年9月30日生まれ）は、ラジオや新聞に毎日書いた「デシマ」詩でプントの最高峰である。彼はまた、詩集を何冊か出版しており、その多くは政治的な「新機軸」を帯びている。^[94]

サパテオは、スペイン起源のキューバの「農民」または「グアヒロ」の典型的なダンスです。ペアで踊るダンスで、足を踏み鳴らす動きがあり、主に男性が踊ります。数世紀前からの図版が存在し、今日ではフォーク ミュージック グループによって化石のジャンルとして生き残っています。ティプレ、ギター、グイロの伴奏で、6/8 拍子と 3/4 拍子 (ヘミオラ) の組み合わせで、3 つの8 分音符ごとに最初の 8 分音符がアクセントになります。

プント・クバーノやクリオージャに似たキューバの歌のジャンル。 ^[95]デシマの詩に似た田園的な歌詞が含まれている。音楽は6/8拍子と3/4拍子の混合で、ヘミオラと呼ばれる。サンチェス・デ・フエンテスによると、最初のセクションは通常短調で、2番目のセクションはそれと直接の長調で表現される。^{[96]グアヒーラという用語は現在では主に4/4拍子のスローなダンス音楽、}グアヒーラとソン の融合（グアヒーラ・ソンと呼ばれる）を指す。歌手でギタリストのギジェルモ・ポルタバレスは、このジャンルの最も優れた代表者であった。

クリオージャは、キューバ音楽のジャンルであり、キューバのコロス・デ・クラーベの音楽や、クラーベと呼ばれるキューバのポピュラー音楽のジャンルと密接に関連しています。

クラベはキューバの地方演劇で非常に人気のあるジャンルとなり、コロス・デ・クラベのスタイルに基づいて作曲家ホルヘ・アンカーマンによって創作された。^[97]クラベは、クリオージャと呼ばれる新しいジャンルの創作のモデルとなった。音楽学者エリオ・オロビオによると、最初のクリオージャである「カルメラ」は、ルイス・カサス・ロメロによって1909年に作曲され、史上最も有名なクリオージャの1つである「エル・マンビ」もこの曲から生まれた。^[98]

明らかに、キューバのアフリカ人集団の起源は、この島の長い奴隷制度の歴史によるものである。米国と比較すると、キューバでは奴隷制度はずっと早く始まり、その後も数十年続いた。キューバはアメリカ大陸で奴隷の輸入を廃止した最後の国であり、奴隷を解放した最後の国でもあった。1807年、英国議会は奴隷制度を禁止し、それ以降、英国海軍はポルトガルとスペインの奴隷船を拿捕する行動をとった。1860年までにキューバとの貿易はほぼ絶え、キューバに最後の奴隷船が到着したのは1873年だった。奴隷制度の廃止は1880年にスペイン王室によって発表され、1886年に発効した。2年後、ブラジルは奴隷制度を廃止した。^[99]

アフロキューバンの音楽形態の大半は、アフリカ人奴隷のための自主組織化された社交クラブであるカビルドにルーツがある。カビルドは主に、ヨルバ人（キューバのルクミ）、コンゴ人（キューバのパロ）、ダホメ人（フォンまたはアララ）の 4 つのグループから構成されていた。他の文化も間違いなく存在し、上記に挙げたものよりもさらに多かったが、数は少なく、それほど際立った存在感は残さなかった。

カビルドは、1886 年に奴隷制度が廃止された後も、アフリカの文化的伝統を守り続けた。同時に、アフリカの宗教は、キューバ、ハイチ、その他の島々、ブラジル全土で世代から世代へと伝えられた。類似しているが同一ではない構造を持つこれらの宗教は、ヨルバ族、中央アフリカのパロ族、ハイチのヴードゥー族などに由来する場合は、ルクミまたはレグラ デ オチャとして知られていた。サンテリアという用語は、アフリカの霊がカトリックの聖人と結びつく方法、特に洗礼を受け入信した人々、つまり両方のグループに正真正銘属する人々によって説明するために最初に導入された。部外者がこの言葉を取り入れ、やや無差別に使用する傾向がある。それは、音楽のサルサのように、一種の包括的な言葉になっている。^{[13] p171; p258}

これらすべてのアフリカ文化には音楽の伝統があり、細部までではなく、全体的なスタイルで、今日まで不規則に生き残っています。最もよく保存されているのはアフリカの多神教で、少なくともキューバでは、楽器、言語、歌、踊り、およびそれらの解釈が非常によく保存されています。他のアメリカの国では、宗教儀式がアフリカの古い言語で行われていますか? ルクミの儀式では確かに行われていますが、もちろん、アフリカでは言語は進化しています。すべての本物のアフリカ音楽の統一性は、明確に定義された社会的設定での多リズムのパーカッション、声 (コール アンド レスポンス)、およびダンスの統一性であり、アラビアやヨーロッパのような旋律楽器が存在しないことです。

アフリカ起源の宗教的伝統はキューバに生き残っており、世俗的な音楽や踊りとはまったく異なる儀式音楽、歌、踊りの基礎となっている。ヨルバ起源の宗教はルクミまたはレグラ・デ・オチャとして知られ、コンゴ起源の宗教はパロ（パロス・デル・モンテ）として知られている。^[100]また、オリエンテ地方には、ハイチの儀式の形式が、独自の楽器、音楽などとともに存在する 。

クラーベのリズムパターンは、ルンバ、コンガ・デ・コンパルサ、ソン、マンボ、サルサ、ラテンジャズ、ソンゴ、ティンバなどのアフロキューバンの音楽で時間構成のツールとして使用されています。5ストロークのクラーベパターン（3 + 2または2 + 3ビートのグループに分散）は、多くのアフロキューバンのリズムの構造的中核を表しています。[ ^101]キーストーンがアーチを所定の位置に保持するように、クラーベパターンはアフロキューバンの音楽のリズムをまとめます。^[102]クラーベパターンはサハラ以南のアフリカの音楽の伝統に由来し、そこではキューバと基本的に同じ機能を果たします。このパターンは、ハイチのブードゥー教のドラミングやアフロブラジル音楽のアフリカンディアスポラ音楽にも見られます。クラーベのパターンは、北米のポピュラー音楽ではリズムのモチーフやオスティナートとして、あるいは単にリズムの装飾の形式として使用されます。

キューバでは、コンパルサという言葉は、植民地時代にスペイン政府が三王の日 (Día de Reyes) に公認したカーニバルに参加した「Cabildos de Nación」という近隣のグループを指します。コンガはアフリカに起源を持ち、アフリカの精霊を路上で祝う祭りから派生したものです。現在ではその区別はあいまいですが、過去にはコンガが禁止されることもありました。革命政府によってカーニバル全体が長年禁止され、今でも昔ほど定期的には行われていません。コンガのドラムは(他の典型的な楽器とともに) あらゆる種類のコンパルサで演奏されます。サンティアゴ デ クーバとハバナは、路上カーニバルの 2 大中心地でした。少なくとも 2 種類のダンス ミュージックは、コンパルサ ミュージックに由来しています。

コンガ：コンパルサ音楽とダンスを社交ダンスにアレンジしたもの。この音楽を最初に作ったのはエリセオ・グレネットかもしれないが^[13]、p408、それを世界中に広めたのはレクオナ・キューバン・ボーイズだった。コンガは非ラテン系の人々にとって最もよく知られたキューバ音楽とダンスのスタイルとなり、おそらく今でもそうである。

モザンビークは、 1963年にペロ・エル・アフロカン（ペドロ・イスキエルド）によって開発されたコンパルサ型のダンス音楽です。短期間で人気が高まり、1965年にピークを迎えましたが、すぐに忘れ去られました。どうやら、この音楽を正しく演奏するには、16個のドラムとその他の打楽器、ダンサーが必要だったようです。^[103]

ハイチからの移民はオリエンテに定住し、独自の太鼓、ダンス、歌を使用するトゥンバ フランセサと呼ばれる独自の音楽スタイルを確立しました。これはキューバのオリエンテ州のアフリカ系ハイチ人の伝統との最も古く、最も具体的なつながりの 1 つを体現しており、18 世紀に西アフリカのダホメの音楽と伝統的なフランスのダンスが融合して生まれました。この化石のようなジャンルは、サンティアゴ デ クーバとハイチで今日まで生き残っており、専門の民族アンサンブルによって演奏されています。

コントラダンサは、後のいくつかのポピュラーダンスの重要な先駆けです。18世紀後半にヨーロッパからキューバに伝わり、そこでは最初にイギリスのカントリーダンスとして、その後フランスのコントラダンスとして発展しました。この言葉の起源は、英語の「カントリーダンス」という用語が訛ったものです。^[104] マヌエル・サウメルは50以上のコントラダンサ（2/4拍子または6/8拍子）を書き、そのリズムとメロディーの独創性は驚くべきものでした。

コントラダンサは、決まったパターンに従って踊る集団の連続ダンスです。特定のダンスの人物像の選択は、通常、司会者またはダンスリーダーによって決定されます。16 小節ずつの 2 つのパートがあり、一列または四角い形で踊られます。音楽のテンポとスタイルは明るく、かなり速いものでした。

キューバのクレオール音楽によるコントラダンサの最も古い作品は、1803年にハバナで出版され、サン・パスクアル・バイロンと名付けられました。このバージョンは、ヨーロッパのコントラダンスとは異なる「タンゴ」または「ハバネラ」のよく知られたリズムを初めて示しています。キューバ人は、「パセオ」、「カデナ」、「ソステニード」、「セダソ」など、クレオール化されたバージョンを数多く開発しました。このクレオール化は、カリブ海におけるアフリカの伝統の影響の初期の例です。ミュージシャンのほとんどは黒人またはムラートでした（19世紀初頭でさえ、キューバの町には多くの解放奴隷と混血の人々が住んでいました）。「ハバナの女性はダンスに猛烈な趣味を持っています。彼女たちは一晩中興奮し、興奮し、狂ったように汗を流し、疲れ果ててしまいます。」^[105]

コントラダンサはメヌエットに取って代わり最も人気のあるダンスとなったが、1842年以降はまったく異なるスタイルのハバネラに取って代わられた。^[106]

コントラダンサの派生であるこのジャンルも、線や四角で踊られた。また、2拍子または3拍子の軽快な音楽とダンスの形式でもあった。8小節のパセオの繰り返しの後に、プリメーラとセグンダと呼ばれる16小節のセクションが2つ続く。ダンサの有名な作曲家にはイグナシオ・セルバンテスがおり、彼の41のキューバのダンスは音楽ナショナリズムのランドマークとなった。このタイプのダンスは最終的に、ハバネラのようにはるかに遅くて落ち着いたダンソンに取って代わられた。^[107]

ハバネラは19 世紀初頭にコントラダンサから発展しました。その大きな目新しさは、演奏やダンスだけでなく、歌われるということでした。2/4 拍子で書かれたハバネラは、表現力豊かでゆったりとした旋律の展開と、「ハバネラ リズム」と呼ばれる独特のリズムが特徴です。

ハバネラのダンススタイルは、ダンサよりもゆっくりとした、より荘厳なものです。1840年代までに、ハバネラはメキシコ、ベネズエラ、プエルトリコ、スペインで作曲され、歌われ、踊られました。^{[108] 1900年頃から、ハバネラは遺物のダンスとなっていますが、音楽には時代を感じさせる魅力があり、エドゥアルド・サンチェス・デ・フエンテスの}Túなど、多くのバージョンが録音されている有名な作品もあります。

ハバネラ風の楽曲は、ラヴェル、ビゼー、サン＝サーンス、ドビュッシー、フォーレ、アルベニスの音楽にも登場している。リズムはタンゴに似ており、ハバネラがタンゴの音楽的父であると考える人もいる。^[109]

キューバのその後の音楽発展に対するヨーロッパの影響は、ダンソンに代表される。ダンソンは、かつてキューバでソンよりも人気があった優雅な音楽形式である。これは、クレオール化されたキューバのコントラダンサの子孫である。ダンソンは、18世紀後半の共同シークエンスダンススタイルから、後の時代のカップルダンスへの変化を示している。そのきっかけとなったのは、かつてはスキャンダラスだったワルツの成功である。ワルツでは、カップルは互いに向き合って踊り、他のカップルとは独立しており、事前に設定された構造の一部ではない。ダンソンは、そのような方法を採用した最初のキューバのダンスであるが、2つのダンスには違いがある。ワルツは、カップルが反時計回りにフロアを移動するプログレッシブな社交ダンスである。ダンソンは、カップルがフロアの狭いエリア内に留まる「ポケットハンカチ」ダンスである。^[110]

ダンソンはマタンサスのミゲル・ファイルデによって開発され、公式の起源は1879年です。^[111]ファイルデのものは、金管楽器やケトルドラムなどを使用した軍楽隊から派生したオルケスタ・ティピカでした。その後開発されたチャランガは、屋内サロンに適したものとなり、今日でもキューバやその他の国で人気のあるオーケストラ形式になりました。チャランガでは、コントラバス、チェロ、バイオリン、フルート、ピアノ、パイラ・クリオージャ、グイロが使用されます。この楽器構成の変化は、初期のキューバのバンドによく表れています。

ダンソンはその「生涯」の中で、音楽構造においてアフリカの影響を時折受けた。特に第3部では、よりシンコペーションが多くなった。これはホセ・ウルフェの功績とされており、彼は1910年に作曲した『エル・ボンビン・デ・バレット』の中で、ダンソンの最後の部分にソンの要素を取り入れた。 ^[112]ダンソンとチャランガの編成は、後の発展に強い影響を与えた。

ダンソンはラテンアメリカ全土、特にメキシコに輸出され、人気を博しました。現在では音楽とダンスの両方で遺物となっていますが、その高度なオーケストラ化の後継は、ファイルデやウルフェがおそらく認識できないチャランガの中に生き続けています。フアン・フォルメルは、最初にオルケスタ・レベ、後にロス・ヴァン・ヴァンを再編成し、大きな影響を与えました。

初期のダンソンは純粋に器楽でした。ダンソンにボーカルパートを初めて導入したのはアニセト・ディアス（1927年マタンサス）で、ロンピエンド・ラ・ルティーナと呼ばれ、ダンゾネートという新しいジャンルを生み出しました。その後、黒人歌手バルバリト・ディエスが1935年にアントニオ・マリア・ロメウのチャランガに加わり、長年にわたりダンゾネートのアルバムを11枚録音しました。その後のダンソンの形式にはすべてボーカルが含まれています。

1801 年 1 月 20 日、ブエナベントゥラ パスクアル フェレールは「エル レガニオン デ ラ ハバナ」という新聞に記事を掲載し、その中で「下品な声で外に響き渡る」特定のチャントについて言及しています。その中で彼は「ラ グアビナ」という「グアラチャ」について言及し、「それを歌う人の声は、考え得る限りの汚らしく、卑猥で、不快なものの味がする」と述べています。その後、日付は不明ですが、「ラ グアビナ」は 19 世紀初頭にハバナで印刷された最初の楽譜の間に掲載されています。^[113]

「エル・レガニオン・デ・ラ・ハバナ」に掲載された解説によれば、これらの「グアラチャ」は当時ハバナの住民の間で非常に人気があったと結論付けられる。なぜなら、前述の同じ記事で著者は次のように述べているからだ。「しかし、最も重要なのは、私が最も気にしているのは、無邪気さが侮辱され、道徳が冒涜される数多くのチャントが、街中や町の家で自由に歌われていることである。多くの人々、最下層階級の人々だけでなく、高学歴と呼ばれるべき人々も歌っている。」したがって、非常に大胆な内容のこれらの「グアラチャ」は、明らかにハバナの住民の幅広い社会階層ですでに歌われていたと言える。^[113]

アレホ・カルペンティエ（ブエナベントゥラ・パスクアル・フェラーの言葉を引用）によると、19世紀初頭、ハバナでは毎日50ものダンスパーティーが開催され、有名な「グアラチャ」やその他の人気曲が歌われ踊られていたという。^[114]

グアラチャはテンポが速く、歌詞が喜劇風またはピカレスク風である。^[115] 18世紀末に始まり、20世紀初頭にはハバナの売春宿やその他の場所でよく演奏されていた。^{[116] [117]}歌詞にはスラングが満載で、ニュースに出てくる出来事や人物について語られている。リズム的には、グアラチャは6/8拍子と2/4拍子など、一連のリズムの組み合わせを示す。^[118]

マヌエル・コロナ（ハバナの売春街で働いていた）などの初期のトロバドールの多くは、ゆっくりとしたボレロやカンシオーネのバランスをとるためにグアラチャを作曲し、歌っていました。風刺的な歌詞の内容もこの歌によく合っており、多くのバンドが両方のジャンルを演奏していました。20世紀半ばには、このスタイルはコンフントやビッグバンドによってアップテンポの音楽の一種として取り入れられました。今日では、もはや独自の音楽形式としては存在していないようで、サルサの広大な世界に吸収されてしまいました。速い歌詞を扱え、即興が得意な歌手は、グアラチェロまたはグアラチェラと呼ばれます。

18世紀（少なくとも）から現代まで、大衆演劇の形式は音楽とダンスを使用し、また生み出した。多くの有名な作曲家や音楽家が劇場でキャリアをスタートさせ、多くの有名な作品が舞台で初演された。ヨーロッパのオペラやオペレッタを上演することに加えて、キューバの作曲家は徐々に聴衆により適したアイデアを発展させていった。録音された音楽はキューバの音楽が世界に届くための導管となった。1925年までキューバで最も多く録音されたアーティストはアルハンブラ宮殿の歌手、アドルフォ・コロンボだった。記録によると、彼は1906年から1917年の間に約350曲を録音した。^[119]

ハバナの最初の劇場は1776年にオープンしました。キューバで作曲された最初のオペラは1807年に登場しました。劇場音楽は19世紀^[120]と20世紀前半に非常に重要でしたが、その重要性は20世紀後半の政治的および社会的気候の変化とともに衰え始めました。1922年にキューバで始まったラジオは、宣伝とアーティストの新たな収入源を提供したため、ポピュラー音楽の成長を助けました。

サルスエラは小規模で軽いオペレッタ形式である。スペインからの輸入曲（サルスエラ作曲家一覧）から始まり、キューバの社会的、政治的な出来事や問題に関する解説へと発展した。サルスエラはキューバ初の録音を行ったという名誉がある。ソプラノ歌手チャリア・エレラ（1864-1968）はキューバ国外でキューバ人アーティストによる初の録音を行った。彼女は1898年に番号なしのベッティーニシリンダーでサルスエラ・カディスの曲を録音した。^[121]

サルスエラは 20 世紀前半に最盛期を迎えました。ゴンサロ・ロイグ、エリセオ・グレネ、エルネスト・レクオーナ、ロドリゴ・プラッツといった一連の第一線の作曲家は、ハバナのレジーナ劇場とマルティ劇場で一連のヒット作を生み出しました。歌って、ピアノを弾いて、踊って演技できるヴェデットの リタ・モンタネールのような偉大なスターは、パリにおけるミスタンゲットやジョゼフィーヌ・ベイカーに匹敵するキューバ人だった。最もよく知られているサルスエラには、La virgen morena (グレネット)、La Niña Rita (グレネットとレクオナ)、マリア・ラ・オー、エル・バテイ、ロサ・ラ・チャイナ(すべてレクオナ) があります。ゴンサロ・ロイグとラ・ハバナ・デ・ノーシュ。ロドリゴ・プラッツとアマリア・バティスタ、ラ・ペルラ・デル・カリブ。そして何よりも、セシリア・バルデス（19世紀の最も有名なキューバの小説をミュージカル化した作品で、ロイグ作曲、プラッツとアグスティン・ロドリゲス脚本）が有名です。このリリックシアターで一般に紹介されたアーティストには、カリダッド・スアレス、マリア・デ・ロサンゼルス・サンタナ、エステル・ボルハ、イグナシオ・ビジャ。ビジャは丸くて黒い顔をしていたので、リタ・モンタネールは彼をボラ・デ・ニエベ（「雪玉」）と呼んだ。

もう一人の有名な歌手はマルハ・ゴンザレス・リナレスです。1904年にメキシコのユカタン州メリダでスペイン人の両親のもとに生まれたゴンザレスは、幼い頃にキューバから米国に渡りました。キューバで声楽を学び、1929年にマエストロ・エルネスト・レクオナのカンパニーでリリカル・シンガーとしてデビューしました。ゴンザレスはハバナのいくつかの劇場で公演した後、米国をツアーし、ハバナに戻ると、同じ都市でラ・バヤデールとメリー・ウィドウを歌いました。1930年代初頭、ラテンアメリカとスペインでいくつかの契約を結びました。ペリコ・スアレスと結婚しました。キューバ革命で国外に逃亡し、二度と母国に帰ることはありませんでした。1999年にマイアミで亡くなりました。

キューバのブフォ劇は、下品で風刺的な喜劇の一種で、定番の登場人物が、国内のどこにでもいるような人物を模倣している。ブフォは、1800～1815年頃に、古い形式のトナディージャがハバナから姿を消し始めた頃に始まった。その創始者は、「風刺画家」フランシスコ・コバルビアス(1775～1850) である。徐々に、喜劇の登場人物はヨーロッパのモデルを捨て去り、ますますクレオール化され、キューバ風になっていった。それに伴い、音楽もそれに続いた。奴隷の宿舎や貧しいバリオの隠語が、グアラチャの歌詞に取り入れられた。

一人の村人が私を殺した！

この金額を支払わないのはなぜですか?

男が生きている間にどうなったか

私はもう誰にも負けない！

村人はパンのようです。

熱くなると、

逃げるつもりはない

ニー・エル・ディアブロ・ル・メテ・エル・ディエンテ! ^{[8] p218}

（ムラタが完成しました！

しかも、彼女は逮捕されないんです！

人間はどうやって生きていくのか

この殺人犯を捕まえなかったら？

ムラタは焼きたてのパンのようなもの

熱いうちに食べないと

冷めるまで放置しておくと

悪魔でも噛めない！

「グアラチャ」は、キューバの地方演劇の発展において主要な位置を占めていた。19世紀初頭に出現した「グアラチャ」と「コントラダンサ」という最初のキューバ固有の音楽ジャンルの出現と同時期に、グアラチャは出現した。1812年以来、フランシスコ・コバルビアス（ブフォ劇場の父とみなされている）は、スペインの「トナディージャ・エセニカ」の典型的な登場人物を、徐々に「グアヒロ」、「モンテロス」、「カレテロス」、「ペオネス」などのクレオールの登場人物に置き換えていった。こうした構造的変化は、作品の音楽的背景における特定の変化とも関連していた。したがって、「ハカラ」、「ティラナ」、「ボレラ」、「ビジャンシコス」などのスペインのジャンルは、「グアラチャ」、「デシマ」、「カンシオーネス・キューバナス」に置き換えられた。^[114]

さまざまなタイプの地方演劇には、音楽が含まれることが多い。英国のミュージック ホールや米国のボードビルのような形式が今でも行われており、観客は歌手、コメディアン、バンド、スケッチ、特別な演技の寄せ集めで楽しませられる。無声映画の時代でも、映画館では幕間に歌手や楽器奏者が登場し、映画の途中ではピアニストが演奏していた。ボラ デ ニエベやマリア テレサ ベラは初期の頃、映画館で演奏していた。1960年以前のハバナでは、バーレスクも一般的だった。

グアラチャの出現、そして後にハバナとマタンサスで起こったアーバン・ルンバの出現に関連して、ブラック・クルロス（ネグロス・クルロス）と呼ばれる重要かつ絵のように美しい社会階層について言及しておくことは重要である。この集団は、セビリアから不特定の日にやって来た自由黒人で構成されており、ハバナ市の辺境地帯に住んでいた自由黒人と混血の住民に統合された。^[122]

19世紀のキューバの「コスチュムブリスタ」作家ホセ・ビクトリアノ・ベタンクールは、彼らを次のように描写している。「彼ら（クルス）は独特の外見をしており、一目見るだけでクルスだとわかるほどだった。顔や首に巨大なヤスデのように垂れ下がった長いねじれた三つ編み、カラバリ風に切りそろえられた（鋭く尖った）歯、細かい刺繍の入った布のシャツ、ほとんどが白か色の縞模様のズボン、ウエストが細く脚が広い。低くカットされたキャンバス地の靴、尖った裾の付いた短いジャケット、黒い絹の房が垂れ下がった誇張された麦わら帽子、耳には厚い金の輪を着け、そこから同じ金属のハートと南京錠をぶら下げ、彼らだけが身につける装飾品になっていた。...これらがエル・マングラール（マングローブ地区）のクルスだった。」^[123]

クーロは怠惰、窃盗、売春に熱中し、その仲間のクーラは「ムラタ・デ・ルンボ」とも呼ばれ、キューバで売春を営んでいた。カルロス・ノレーニャによると、クーラは、細心の注意を払って編み込んだフリンジの付いたブラートショールを身にまとい、9～10オンスの金で購入していたこと、また木製のスリッパを履く独特の音（チャンクレテオ）で有名だった。^[124]

しかし、クーロス族は、海賊や私掠船の襲撃を避けるためにスペイン王室がガレオン船のために確立した航路である「インディアス航路」に沿って毎年島にやって来て、セビリア港に戻るまで何ヶ月も滞在する何千人ものスペイン人男性たちに、歌や踊りなどの娯楽も提供した。

生まれたときからスペインとアフリカの文化の両方の影響を受けた彼らは、キューバのグアラチャの起源となったスペインの歌舞踊の原型（コプラ・エストリビジョ）のクレオール化に重要な役割を果たしたと考えられている。ブラック・クーロとムラタ・デ・ルンボ（ブラック・クーラ）は、19世紀半ば以降、ハバナの一般大衆に溶け込むことで姿を消したが、その絵画的なイメージは、ブフォ劇場の登場人物に表れた社会的原型の中に生き残った。^[125]

有名な「ムラート・デ・ルンボ」（混血の登場人物）フアナ・チャンビクとマリア・ラ・オ、そして黒人の「チェチェ」（いじめっ子）ホセ・カリエンテ（「自分に反対する者を真っ二つに引き裂く」）^[126]カンデラ（「飛んでナイフで切りつける黒人」）、そしてブラック・クーロのフアン・コクヨは、ブラック・クーロの特徴的なイメージや、グアラチャやルンバの雰囲気と強く結びついていた。^[127]

ルンバという言葉は、長い間、さまざまな目的にさまざまな主題に適用されてきた抽象的な言葉です。意味論的な観点から、ルンバという用語は、コンガ、ミロンガ、ボンバ、トゥンバ、サンバ、バンバ、マンボ、タンボ、タンゴ、クンベ、クンビア、カンドンベなど、同様の意味を持つ単語のグループに含まれます。これらはすべて、ニジェール・コンゴ言語複合体に典型的なmb、ng、ndなどの音の組み合わせを使用しているため、コンゴ語起源であることを示しています。^[128]

おそらく、最も古く一般的な意味は、宴会または「ホルゴリオ」である。19 世紀後半まで、この言葉は、キューバの民俗学者フランシスコ・デ・パウラ・ヘラベルトの短編小説「ラ・ムラタ・デ・ルンボ」の中で、宴会を表すのに何度も使われている。「私は、自分と同じ肌の色や階級の人たちとルンビタを踊る方が楽しくて楽しい」、または「レオカディアが寝ようとしていたのは、私があなたに話したように、正午の 12 時だった。そのとき、ルンバの友人の 1 人が、彼女に紹介したい別の若者と一緒にやって来た」。^[129]アレホ・カルペンティエによると、「ルンバという言葉が、下層階級の女性 (mujeres del rumbo) との淫らなダンス、お祭り騒ぎの同義語としてキューバ語に伝わったことは重要である」。^[130]

たとえば、キュ​​ーバのユカ、マクタ、チャングイのお祭りや、アルゼンチンのミロンガやタンゴの場合、「ルンバ」という言葉はもともとお祭りの集まりを指すために使われていましたが、その後、それらの集まりで演奏される音楽やダンスのジャンルを指すようになりました。

「ルンバ」という用語の用法には、1930 年代初頭に「ザ・ピーナッツ・ベンダー」で始まった、より速いキューバ音楽の総称が含まれる。この用語は 1970 年代に「サルサ」に置き換えられたが、これもキューバ音楽やその他のスペイン・カリブ音楽のジャンルをキューバ人以外の人々に売り込むための総称である。国際的なラテンアメリカ系ダンスのシラバスでは、ルンバは、より正確にはボレロソンと呼ばれる、ゆっくりとしたキューバのリズムの誤った呼び方である。

学者の中には、ルンバとグアラチャという用語の使用に関して、同義語、つまり同じものを指すのに2つの異なる単語が使用されている可能性があると指摘している。マリア・テレサ・リナレスによると、「20世紀初頭、地方語（ブフォ）の演劇の最後に、作者が歌ういくつかの音楽の断片が使われ、それはクロージング・ルンバ（ルンバ・ファイナル）と呼ばれていた」と述べ、彼女は続けて、それら（ルンバ）は「確かにグアラチャだった」と説明している。^[131]これらの劇の最後に使われた音楽作品は、ルンバまたはグアラチャと漠然と呼ばれていた可能性がある。なぜなら、これらの用語は、それらの間にいかなる一般的または構造的な違いも示さなかったからである。リナレスはこの件に関して次のようにも述べている。「グアラチャとルンバの録音がいくつか保存されているが、ギターパートでは区別されていない。小グループ、デュオ、トリオ、劇場オーケストラ、ピアノによる演奏などである。録音のラベルには「ダイアログとルンバ（dialogo y rumba）」と書かれていた。」^[131]

アーバン・ルンバ（ルンバ（デ・ソラール・オ・デ・カホン）とも呼ばれる）は、いくつかのアフリカの太鼓とダンスの伝統が融合し、スペインの影響も加わったものである。キューバの音楽学者アルジェリアス・レオンによると、「ルンバを構成する祝祭には、アフリカの貢献が決定的に一致していたが、島に出現した新しい人口に現れた表現にすでに組み込まれていたヒスパニックのルーツからの他の要素も収束していた」という。^[132]

ルンバ (de solar o de cajón) は、ハバナやマタンサスの港湾地域やあまり裕福ではない地域で生まれた世俗的な音楽スタイルです。当初、ルンバのミュージシャンは 3 つの木箱 ( cajones ) を使用して演奏していましたが、後にコンガ ドラムに似たドラムに置き換えられました。高音ドラムは「キント」と呼ばれ、中音ドラムは「マチョまたはトレス ドス」(3 と 2) と呼ばれます。これは、その基本的なリズムがキューバのクラーベ パターンに基づいているためです。低音ドラムは、ルンバの始まり、または「導入」(rompía) となることが多いため、「ヘンブラ オ サリドール」と呼ばれます。^[133]ルンバのアンサンブルでは、2本の棒やスプーンを使って「グアグア」または「カタ」と呼ばれる竹の中空部分を叩くほか、キューバのクラベス、グイロ、バントゥー起源の「ンケンビ」と呼ばれるガラガラも使われる。^[134]

ルンバのボーカル部分は、古代スペインの「コプラ・エストリビロ」（四行連句のリフレイン）の修正版に相当し、「モントゥーノ」セクションを含み、これは、アフリカの伝統に典型的なコールアンドレスポンスのスタイルを含む独立したセクションを構成する、拡張または発展した「リフレイン」と見なすことができる。^[135]

19世紀末の「スペイン時代」（Tiempo'españa）に登場し始めたタオナ、ヒリビージャ、パラティーノ、レセダなどの多くのルンバのスタイルから、コロンビア、グアグアンコ、ヤンブーという3つの基本的なルンバの形式が生き残った。コロンビアは6/8拍子で演奏され、男性のみでソロダンスとして踊られることが多い。速くて素早い動きで、攻撃的でアクロバティックな動きも含まれる。グアグアンコは男性1人と女性1人のペアで踊られる。このダンスは男性が女性を追いかける様子を模倣している。ヤンブーは現在では遺物となっているが、杖をついて歩く老人のバーレスク的な模倣が特徴である。すべてのルンバの形式には歌やチャントが伴奏として付いている。^{[136] [137]}

ルンバ（デ・ソラール・オ・デ・カホン）は、今日ではキューバのプロのグループのパフォーマンスでよく見られる化石ジャンルです。また、カサス・デ・カルチュラ（文化センター）や作業グループを拠点とするアマチュアグループもあります。キューバの生活のあらゆる側面と同様に、ダンスと音楽は省庁とそのさまざまな委員会を通じて国家によって組織されています。^[138]

コロス・デ・クラーベは、20 世紀初頭にハバナやその他のキューバの都市で登場した人気の合唱団です。

キューバ政府は、黒人が奴隷であろうと自由人であろうと、16世紀に設立された特定の相互扶助協会の範囲内でのみ、文化的伝統を育むことを許可した。デイビッド・H・ブラウンによると、カビルドと呼ばれるこれらの協会は「病気や死の際に備え、亡くなったメンバーのためにミサを催し、奴隷から同胞を買い戻すための資金を集め、日曜日や祝日には定期的にダンスや娯楽を開催し、カトリックの祭日を中心に宗教的なミサ、行列、カーニバルの踊りのグループ（現在はコンパルサと呼ばれる）を後援した」という。^[139]

ハバナ、マタンサス、サンクティ・スピリトゥス、トリニダードの特定の地区のカビルドスでは、19世紀にいくつかの合唱団が結成され、競技活動を組織し、時には地元の役人や近隣住民が訪問して金銭や贈り物を贈った。これらの合唱団はコロス・デ・クラーベと呼ばれたが、これはおそらく彼らの演奏の伴奏に使われていた楽器、キューバのクラーベスにちなんで名付けられたものと思われる。^[140]

合唱団の伴奏にはギターも含まれ、打楽器は弦を取り除いたアメリカ製バンジョーの共鳴箱で演奏された。これは、アフリカの太鼓の演奏がキューバの都市で固く禁じられていたためである。^[141]コロス・デ・クラーベの音楽スタイル、特にそのリズムは、後世にクラーベと呼ばれるポピュラーソングのジャンルに由来しており、おそらくクリオージャというジャンルを生み出すための原型となった。クラーベとクリオージャの両ジャンルは、キューバの地方演劇のレパートリーの中で非常に人気を博した。

最初のスペインの歌舞が都市から田舎に広まったのと同じように、ハバナで非常に人気があったキューバのグアラチャの特徴も、19 世紀のいつ頃かは不明だが、田舎に広まり始めた。当時のキューバの都市と田舎がいかに近かったかを考えれば、このプロセスはまったく難しいことではなかった。そのため、キューバの農民 (グアヒロ) は、「グアテケ」または「チャンギュイス」と呼ばれるパーティや、「フィエスタス パトロナーレス」(守護聖人のお祝い) や「パランダス」などの祝祭に、都市のグアラチャに非常によく似たルンビタ (小さなルンバ) を取り入れ始めた。その 2 拍子は、伝統的な「トナダ」や「サパテオ」の 3 拍子とは対照的だった。^[142]

有名な音楽学者ダニーロ・オロスコは、これら田舎の小さなルンバを「プロト・ソネス」、「ソンシトス・プリミジェニオス」、「ルンビタス」、「ネンゴネス」、または「マルキタス」と呼び、その中にはカリンガ、パパロテ、ドニャ・ホアキナ、アンダ ペペとティンゴタランゴは現在まで保存されています。^[143]

ルンビタスは、その構造的要素が20世紀初頭にハバナで生まれたソンと明らかな類似性を示していることから、プロト・ソネス（原始的なソネス）と見なされました。ルンビタスは、このポピュラーなジャンルの原型と見なすことができます。^[144]

音楽学者のヴィルトゥデス・フェリウ氏によると、これらのルンビタは、シエゴ・デ・アビラ、サンクティ・エスピリトゥス、シエンフエーゴス、カマグエイ、ピナール・デル・リオのプエルタ・デ・ゴルペ、ハバナのベジュカルなど、島全域の都市や町に出現したという。ヴィラ クララとイスラ デ ピノス (パインズ島) のレメディオス。^[145]

キューバ独立戦争（1868-1898）については、国の東部、西部、ピノス島の農村ルンビタスに関する多くの言及があり、彼らの出現はおよそ19世紀後半に起こったことを示唆している。^[146]

自由なアフリカ系キューバ国民が徐々に農村環境に統合されたため、農村のルンビタにはキューバのグアラチャと比較してより多くのアフリカの特徴が含まれていました。^[147]

16世紀以降、政府が認可した「マヌミシオン」と呼ばれる制度のおかげで、黒人奴隷は自分たちの貯金で自由の代価を支払うことが許された。そのため、自由黒人の多くは都市よりも畑で肉体労働に従事し、中には土地や奴隷の所有者になることができた者もいた。^[148]

田舎のルンビタスの最も顕著な特徴の 1 つは、アフリカの典型的な歌の構造に非常によく似た独自の形式です。この場合、曲全体は単一の音楽の断片または短いフレーズに基づいており、いくつかのバリエーションを伴って何度も繰り返され、合唱団と交互に演奏されることがよくありました。このスタイルは、田舎の起源のため、「モントゥーノ」(文字通り「田舎から」) と呼ばれていました。^[149]

この新しいジャンルのもう一つの特徴は、同時に演奏される異なるリズムパターンの重ね合わせであり、これはアーバン・ルンバで使用されている方法に似ており、アフリカ音楽の伝統に共通する特徴でもある。^[150]これらのレイヤー、つまりアルジェリアス・レオンによれば「フランハス・デ・ソノリダーデス」は、グループに徐々に組み込まれたさまざまな楽器に割り当てられていた。したがって、アンサンブルは、伝統的なティプレとグイロから、ギター、バンドゥリア、キューバのリュート、クラベス、および「トゥンバンデラ」、「マリンブラ」、「ボティハ」 、ボンゴ、一般的な「マチェーテ」（カトラス）、アコーディオンなどの他の楽器を含むアンサンブルに成長した。^[151]

音響層には、クラベスが演奏する「タイムライン」またはクラベリズム、グイロまたはマチェーテが演奏する「1つの8分音符 + 2つの16分音符」のリズム、トレス（楽器）による「グアヘオ」のパターン、ボンゴの即興演奏、および「トゥンバンデラ」または「ボティハ」の予測ベースなど、いくつかの重要な音楽機能が割り当てられました。^[152]

キューバのソンの起源は、音楽学者ダニロ・オロスコがプロト・ソーネス（原始的ソーネス）と呼んだ田舎のルンバに遡ることができる。それらは、部分的または初期の形で、後にソン様式の特徴となるすべての特徴を示している。すなわち、モントゥーノと呼ばれるフレーズの繰り返し、クラーベのパターン、音楽テクスチャの異なる層間のリズムの対位法、トレスからのグアヘオ、ギター、ボンゴ、コントラバスからのリズム、ソリストと合唱団間のコールアンドレスポンスのスタイルである。^[153] ラダメス・ジロによると、後になって、リフレイン（エストリビージョ）またはモントゥーノは、レジーナと呼ばれる四行詩（クアルテタ - コプラ）と結び付けられ、国の東側の農民は四行詩をそう呼んでいた。このように、リフレイン-四行連-リフレインの構造は、 Son Orientalの非常に早い段階で現れており、例えば「Son de Máquina」（機械の息子）と呼ばれる最も古いSonesの1つでは、3つのレギーナとそれに対応するリフレインで構成されています。^[154]

ダニロ・オロスコがグアンタナモ地域で行ったバレラ・ミランダ家 (旧ソネロス) の調査プロジェクト中に、彼はチャンギュイの祖先と考えられているネンゴンのサンプルを録音しました。それは、前述のリフレイン - 四行連句 - リフレインの構造を示しています。この場合、リフレインの複数の繰り返しが真の「モントゥーノ」を構成します。

リフレイン: Yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti Nengón... (私はあなたの Nengón のために生まれました...) ^[155]

「ネンゴン」はチャンギュイやオリエンタル・ソンの先駆者である原始ソンとみなされている。その主な特徴は、独唱者と合唱団が交互に即興の詩を歌うことである。ネンゴンはトレス、ギター、グイロ、ティンゴタランゴまたはトゥンバンデラとともに演奏される。^[156]

チャンギュイは東部諸州（サンティアゴ・デ・クーバとグアンタナモの地域）のソンの一種で、以前はオリエンテと呼ばれていた。リズム、楽器、合唱の繰り返しなどオリエンタル・ソンと共通する特徴を持ちながら、独自の要素もいくつか見られる。^[157]

チャンギュイは現在、数十の小さなグループの形で存在しており、そのほとんどはグアンタナモ州出身者である。^[158]楽器編成は、1920年以前にハバナで結成された初期のソン・グループのものと似ている。これらのソン・グループ、例えば初期のセクステト・ボロニャやセクステト・ハバネロは、音楽的に柔軟性の高いコントラバスに切り替える前は、マリンブラかボティハをベース楽器として使用していた。

チャンギは、グアンタナモ州の住民が独自の社交ダンス形式（カップルダンス）で実践している、真に独特な音楽と文化です。グアンタナモの住民は、ハウスパーティー（ペーニャと呼ばれる）、ストリートパーティー、カサ・デ・チャンギなどの会場でのコンサート、ラジオ・グアンタナモで毎週月曜日の夜に生放送されるダンス、チト・ラタンブレの記念日を祝う毎年恒例のチャンギ・フェスティバル、2年に一度のフェスティバル・デ・チャンギなどでチャンギを踊っています。州では、週のほとんどの夜にチャンギの行事が行われることがよくあります。

オルケスタ・レヴェなどのいくつかの現代オーケストラは、チャンギュイが主な影響源であると主張している。これが正しいかどうかは不明である。

島の反対側の西側にあるピノス島にも、東洋の原始ソネスと同じ構造を持つ、スキュ・スキュと呼ばれる原始的なソネスが存在します。マリア・テレサ・リナレスによると、スキュ・スキュの音楽は、形式、旋律、器楽、和声の構造において、ソン・モントゥーノに似ています。独唱者が合唱団と交互に登場し、四行詩または「デシマ」で即興演奏します。器楽セクションはトレスによって始まり、徐々に他の楽器が加わります。8小節の導入の後、合唱団がソリストと数回交互に繰り返してリフレインを歌います。^[159]

都市伝説によると、「Sucu Sucu」という名前は、ラ・イスラ・デ・フベントゥードの地元のミュージシャンの祖母に由来しているそうです。バンドがパティオで演奏し、ダンサーたちは砂の床で足をすり足しながら踊っていました。祖母は家から出てきて、「Sucu Sucu」と騒ぐのはやめてください、と砂の床で足をすり足する音を指して言いました。伝説によると、その名前が定着し、ダンサーたちが踊っていた音楽も「Sucu Sucu」と名付けられるようになったそうです。

19世紀、サンティアゴ・デ・クーバは、歌とギター演奏で生計を立てながら各地を旅する音楽家、トルバドゥールの集団の中心地となった。^[160]彼らは作曲家として非常に重要であり、彼らの歌はキューバ音楽のあらゆるジャンルに編曲されている。

ペペ・サンチェス（1856-1918年）は、トロバ・スタイルの父、キューバのボレロの創始者として知られている。^[161]彼は音楽の正式な教育を受けていなかった。驚くべき天性の才能で、頭の中で曲を作り、それを書き留めることはなかった。その結果、これらの曲のほとんどは今では永遠に失われているが、友人や弟子が書き写したため、約24曲が残っている。彼の最初のボレロであるトリステサスは、今日でも記憶に残っている。彼はまた、ラジオが誕生する前に広告のジングルも作った。^[162]彼は、後に続く偉大なトロバドールたちの手本であり、教師であった。^[163]

最初の、そして最も長生きした人物の一人はシンド・ガライ（1867-1968）である。彼はトロバの歌の傑出した作曲家で、彼の最高傑作は何度も歌われ、録音されている。ガライは音楽の知識もなかった。実際、アルファベットを独学で覚えたのは16歳の時だった。しかし、彼の場合は他人が楽譜を録音しただけでなく、録音も残っている。ガライは1906年にハバナに定住し、1926年にリタ・モンタネルらとともにパリを訪れ、3か月間滞在した。彼はラジオで放送し、録音を行い、現代まで生き延びた。彼はよく「ホセ・マルティとフィデル・カストロの両方と握手した男はそう多くない！」と言っていた。 ^{[13] p298 [164]}

ホセ・チチョ・イバニェス（1875-1981）^[165]はガライよりもさらに長生きした。イバニェスはソンを専門とする最初のトロバドールであり、グアグアンソやアバクアの曲も歌った。

作曲家のロセンド・ルイス（1885年 - 1983年）も長寿のトロバドールだった。彼は有名なギター教本を著した。アルベルト・ビジャロン（1882年 - 1955年）とマヌエル・コロナ（1880年 - 1950年）も同様の名声を博した。ガライ、ルイス、ビジャロン、コロナはトロバの4大巨匠として知られているが、次のトロバドールも高く評価されている。

パトリシオ・バラガス(1879–1920)。マリア・テレサ・ベラ（1895～1965）、ロレンツォ・イエレズエロ（1907～1993）、アニコ・サキト（アントニオ・フェルナンデス：1901～1982）、カルロス・プエブラ（1917～1989）、コンパイ・セグンド（マキシモ・フランシスコ・レピラド・ムニョス：1907～2003）は、素晴らしいトロヴァミュージシャンの皆さん。エル・グアヤベロ (ファウスティノ・オラマス: 1911–2007) は古いトロヴァの最後の人物でした。

トロヴァの音楽家はペアやトリオで活動することが多く、中には2人組や3人組で活動する者もいた（コンパイ・セグンド）。セクステト/セプテト/コンフントのジャンルが発展するにつれ、彼らの多くがより大きなグループに参加した。そして、生涯のほとんどを一緒に活動したトリオ・マタモロスを忘れてはならない。マタモロスは偉大なミュージシャンの一人だった。^[166]

これは、スペイン語で同じ名前のものとはまったく異なる歌と踊りの形式です。19 世紀後半に、伝統的なトロバの創始者ペペ・サンチェスによって始まりました。彼は、今日でも歌われている最初のボレロ「トリステサス」を書きました。ボレロは常にトロバのミュージシャンのレパートリーの主要部分でした。

もともと、パサカジェと呼ばれるスペインギターの楽器演奏セクションで区切られた、2/4拍子の16小節のセクションが2つありました。ボレロは、非常に適応性が高いことが証明され、多くのバリエーションを生み出しました。典型的なのは、シコパシオンの導入で、ボレロ・モルーノ、ボレロ・ベギン、ボレロ・マンボ、ボレロ・チャにつながりました。ボレロ・ソンは、数十年にわたってキューバで最も人気のあるダンスのリズムとなり、このリズムこそが、国際的なダンスコミュニティが取り上げ、誤って「ルンバ」と名付けて教えたリズムでした。

キューバのボレロは世界中に輸出され、今でも人気がある。ボレロの主要な作曲家は、シンド・ガライ、ロセンド・ルイス、カルロス・プエブラ、アグスティン・ララ（メキシコ）である。^{[161] [167] [168] [169] [170]}

カンシオンはスペイン語で「歌」を意味する。ラテンアメリカ音楽の人気のジャンルで、特にキューバでは多くの楽曲が生まれている。そのルーツはスペイン、フランス、イタリアのポピュラーソングの形式にある。もともとは「複雑なメロディーと暗く謎めいた凝った歌詞」で、非常に様式化されていた。^[171]カンシオンは19世紀後半のトロバ運動によって民主化され、人々の願望や感情を表現できるようになった。カンシオンは徐々にボレロなどのキューバ音楽の他の形式と融合していった。^[172]

ワルツ(エル バルス)は1814 年までにキューバに伝わりました。これは、カップルが共通のシーケンス パターンで結び付けられていない最初のダンスでした。このダンスは、最初の拍子にアクセントを付けて 3/4 拍子で踊られ、現在も続いています。カップルが互いに向き合い、閉じたホールドで抱き合い、いわば周囲のコミュニティを無視するため、当初は不道徳だと考えられていました。ワルツはアメリカ大陸のすべての国に伝わりましたが、19 世紀のキューバでどの程度人気があったかは推測しがたいものです。

キューバ先住民のダンスでは、19 世紀後半のダンソンまで、カップルが独立して踊るクローズド ホールドは使用されていませんでしたが、グアラチャはそれより前の例かもしれません。ワルツには別の特徴があります。それは、カップルがアリーナの周りを動き回る「移動」ダンスであるということです。ラテン ダンスでは、ダンサーの進行的な動きは珍しいですが、コンガ、サンバ、タンゴでは行われます。

トロピカルワルツは、より遅いテンポで演奏され、歌詞付きのメロディーが頻繁に歌われていた。歌詞は、キューバの田舎の美しさ、シボネイズ（キューバ原住民）の憧れ、その他のクレオールのテーマについて言及しているものが多かった。3拍子にアクセントがあり、メロディーは流動的で、等価音で構成されていた。これは、メロディーが音節的に扱われる他の多くの歌と似ており、1拍目は短いアナクルーシスで強調されず、農民（グアヒロ）の歌のように2拍目に向かって進む傾向があった。^[173]

ソン・クバーノは、キューバで生まれ、1930年代に世界中で人気を博した音楽とダンスのスタイルである。ソンは、スペインの カンシオンの構造と特徴を、アフロキューバンのスタイルと打楽器の要素と組み合わせたものである。キューバのソンは、ラテンアメリカ音楽の中で最も影響力があり、広く普及している形式の1つであり、その派生と融合、特にサルサは世界中に広まっている。^[174]

クリストバル・ディアスによれば、ソンはキューバ音楽で最も重要なジャンルでありながら、最も研究されていない。^{[175]キューバにとってソンは、}アルゼンチンにとってのタンゴ、ブラジルにとってのサンバのようなものだと言っても過言ではない。さらに、それはおそらくラテンアメリカ音楽の中で最も柔軟性が高い音楽である。その大きな強みは、ヨーロッパとアフリカの音楽的伝統が融合していることである。最も特徴的な楽器は、トレスとして知られるキューバの楽器と、よく知られた両面ボンゴで、これらは最初から今日まで存在している。また、クラベス、スペインギター、コントラバス（初期のボティハやマリンブラに代わる）、初期のコルネットやトランペット、そして最後にピアノも典型的な楽器である。

キューバのソンの起源はキューバ東部（オリエンテ）にあるとする伝統的な傾向にもかかわらず、最近では一部の音楽学者はより包括的な立場を示している。アレホ・カルペンティエ、エミリオ・グレネット、クリストバル・ディアス・アヤラは「東起源」説を支持しているが、アルジェリアス・レオンはその重要な著作「デル・カント・イ・エル・ティエンポ」の中で、マリア・テレサ・リナレスも「キューバとスペインの音楽」の中で、それについて何も言及していない。^[176]ラマダメス・ジロはこの主題について次のように述べている。「ソンが 19 世紀後半から発展していた芸術現象であり、古いオリエンテ（東）州だけではないのであれば、前述の理由により、1909 年よりずっと前に首都（ハバナ）で聞かれていたと推測するのは論理的だが、断言することはできない。」^[177]

19世紀後半に別々に発展していた田舎のルンバと都会のルンバが出会ったのはハバナだった。ティプレとギロで演奏していたグアラチェロとルンベロが、木箱（カホン）とキューバのクラベの伴奏で歌い踊る他のルンベロと出会い、その結果、ソンと呼ばれる新しいジャンルで両方のスタイルが融合した。^[178] 1910年頃、ソンはおそらく、 19世紀後半にハバナとマタンサスで発展したハバナベースのルンバからクラベのリズムを取り入れた。^[179]

ソン音楽の大衆化は、アフロキューバンのストリートカルチャーとそれを創り出したアーティストの価値をさらに高めることにつながった。また、アフロキューバンのルーツを持つ他の音楽ジャンルがキューバや世界中で人気を博すきっかけにもなった。^[180]

キューバにおけるジャズの歴史は長年不明瞭であったが、キューバにおけるジャズの歴史は米国におけるジャズの歴史とほぼ同じくらい長いことが明らかになった。^{[181] [182] [183]​​ [184] [185] [186]}

初期のキューバのジャズバンドについては今ではかなり多くのことが分かっているが、録音が不足しているために完全な評価は困難である。米国への移住や訪問、録音や楽譜の相互交換により、両国のミュージシャンは連絡を取り合っていた。20世紀前半には、キューバとニューオーリンズのミュージシャンの間には密接な関係があった。有名なトロピカーナクラブのオーケストラリーダー、アルマンド・ロメウ・ジュニアは、第二次世界大戦後のキューバジャズの発展における主導的な人物であった。キューバップ現象と、カチャオが主催したハバナとニューヨークでのジャムセッションは、今日のミュージシャンに影響を与える真の融合を生み出した。

初期キューバジャズの重要な歴史家はレオナルド・アコスタである。^{[181] [182]}ジャズとラテンジャズの歴史をよりアメリカの視点から研究した人々もいる。^{[183]​​ [184] [185] [186]}

ジャズ バンド サグアは、1914 年にペドロ スタチョリー (ディレクター兼ピアノ) によってサグア ラ グランドで設立されました。メンバー: イポリト・エレーラ (トランペット)ノルベルト・ファベロ (コルネット);エルネスト・リバルタ（フルート＆サックス）。ウンベルト・ドミンゲス(ヴァイオリン);ルチアーノ・ガリンド（トロンボーン）。アントニオ・テンプラーノ（チューバ）;トマス・メディナ（ドラムキット）;マリノ・ロホ（ギイロ）。彼らは14年間、サグア・プリンシパル劇場で演奏した。スタチョリーはサグアでアントニオ・ファブレに師事し、ニューヨークで学業を修了し、そこで3年間滞在しました。^[187]

キューバ・ジャズ・バンドは1922年にハバナでハイメ・プラッツによって結成された。メンバーはヴァイオリン担当の息子ロドリゴ・プラッツ、フルートとサックス担当の名フルート奏者アルベルト・ソカラス、スライド・トロンボーン担当のプチョ・ヒメネス。メンバーにはコントラバス、ドラム、バンジョー、コルネットは少なくとも含まれていたと思われる。以前の文献ではこのバンドがキューバ初のジャズ・バンドとされているが^[188]、明らかにそれ以前にもグループが存在していた。

1924年、モイセス・シモンズ（ピアノ）は、ハバナのプラザホテルの屋上庭園で演奏するグループを結成した。このグループは、ピアノ、バイオリン、2本のサックス、バンジョー、コントラバス、ドラム、ティンバレスで構成されていた。メンバーには、ヴィルヒリオ・ディアゴ（バイオリン）、アルベルト・ソッカラス（アルトサックス、フルート）、ホセ・ラモン・ベタンコート（テナーサックス）、パブロ・オファリル（ドラム、ベース）がいた。1928年、同じ会場で、シモンズは有名なトランペット奏者のフリオ・クエバと、将来メディアスターとなるエンリケ・サンティエステバンをボーカリストとドラマーとして雇った。彼らは一流の楽器奏者で、1日8ドルという高額なギャラで引きつけられた。^{[181] p28}

1930年代、ハバナではアルマンド・ロメウ、イシドロ・ペレス、チコ・オファリル、ヘルマン・レバタールなどのバンドがジャズを演奏していた。彼らの最も重要な貢献は、独自の楽器形式そのもので、キューバの聴衆に典型的なジャズの響きを紹介したことだ。このプロセスにおけるもう1つの重要な要素は、ロメウ、オファリル、ベボ・バルデス、ペルチン・フスティス、レオポルド・「プチョ」・エスカランテなどのキューバのミュージシャンによるアレンジメントだった。^[189]

アフロキューバン ジャズはラテン ジャズの最も初期の形態であり、アフロキューバンのクラーベ ベースのリズムとジャズのハーモニーおよび即興のテクニックをミックスしています。アフロキューバン ジャズは、1940 年代初期に、ニューヨーク市を拠点とするバンド「マチート アンド ヒズ アフロキューバンズ」のキューバ人ミュージシャン、マリオ バウザとフランク グリロ「マチート」によって初めて登場しました。1947 年、ビバップの先駆者ディジー ガレスピーとキューバ人パーカッショニストのチャノ ポソのコラボレーションにより、アフロキューバンのリズムと楽器、特にトゥンバドーラとボンゴが東海岸のジャズ界にもたらされました。ディジーとポソの「マンテカ」やチャーリー パーカーとマチートの「マンゴ マンゲ」など、ジャズとキューバ音楽の初期の組み合わせは、一般的に「キューバン ビバップ」の略で「キューバップ」と呼ばれていました。^[190]最初の数十年間、アフロキューバンのジャズ運動はキューバよりも米国で盛んであった。^[191] 1970年代初頭、オルケスタ・クバーナ・デ・ムジカ・モデルナと後にイラケレがアフロキューバンのジャズをキューバの音楽界に持ち込み、ソンゴなどの新しいスタイルに影響を与えた。

1930年、ドン・アズピアズ^[192]はキューバ音楽で初めてミリオンセラーとなったレコード『ピーナッツ売り（エル・マニセロ）』をアントニオ・マシンが歌った。^[193]この曲はレコーディング前にアズピアズによって編曲され、ニューヨークの劇場で披露されていたため、宣伝効果があったことは間違いない。レクオナ・キューバン・ボーイズ^[194]は最も有名なキューバのツアー・アンサンブルとなった。彼らはコンフントで初めてコンガ・ドラムを使用し、ダンスとしてコンガを普及させた。ウォルドルフ・アストリアのザビエル・クガットは大きな影響力を持っていた。^[195] 1941年、デジ・アーナズはババルのパフォーマンスでコンパルサ・ドラム（コンガに似ている）を米国で普及させた。当時はまさに「ルンバ大流行」が起こっていた。^[196]その後、マリオ・バウザとマチトがニューヨークに設立され、ミゲリート・バルデスもニューヨークに到着した。

1940年代、チャノ・ポソ^[197]はニューヨークでディジー・ガレスピーやマチートとコンガを演奏し、ジャズ界におけるビバップ革命の一翼を担った。キューバのジャズはそれよりずっと以前、1910年から1930年の間にハバナで始まっていた。

キューバで最も有名なトレス奏者でありコンフントのリーダーの一人であるアルセニオ・ロドリゲスは、グアグアンコのスタイルを取り入れ、リズムセクションにカウベルとコンガを加えることで、息子のアフリカのルーツを強調した。また、トレスのソロ楽器としての役割を拡大した。^[198]

1930年代後半から40年代にかけて、ダンゾネラ「アルカニョ・イ・ス・マラビージャス」はより多くのシンコペーションを取り入れ、モントゥーノ（ソンの意）を追加し、チャランガオーケストラの演奏する音楽を変革した。^[199]

ビッグバンド時代は1940年代にキューバに到来し、現在も残る主流の形式となった。この功績は、2人の偉大な編曲家兼バンドリーダー、アルマンド・ロメウ・ジュニアとダマソ・ペレス・プラドの功績に特に表れる。アルマンド・ロメウ・ジュニアは1941年から25年間、トロピカーナ・キャバレー管弦楽団を率いた。彼は、キューバ音楽の形式を完全にマスターしていただけでなく、訪問中のアメリカのジャズグループと演奏した経験もあった。彼の指揮のもと、トロピカーナはアフロキューバンやその他のキューバの人気音楽だけでなく、キューバのジャズやアメリカのビッグバンドの作品も発表した。後に彼は、オルケスタ・クバーナ・デ・ムジカ・モデルナを指揮した。^{[181] [200] [201]}

ダマソ・ペレス・プラドはヒット曲を数多く出し、当時のラテン音楽界のどの音楽よりも78回転レコードを売り上げた。1944年にカジノ・デ・ラ・プラヤ管弦楽団のピアニスト兼編曲家を引き継ぎ、すぐにそのサウンドに新しい要素を取り入れ始めた。オーケストラはよりアフロキューバンの音色になり、同時にプラドはストラヴィンスキー、スタン・ケントンなどから影響を受けた。1946年に管弦楽団を去る頃には、ビッグバンド・マンボの要素をまとめ上げていた。: ^[202]「何よりも、ペレス・プラドの編曲家、いや作曲家兼編曲家としての業績と、それ以降のキューバの編曲家たちに与えた明らかな影響を指摘しなければならない。」^{[181] p86}

ベニー・モレは、多くの人から史上最高のキューバ歌手とみなされており、1950年代に絶頂期を迎えました。彼は生まれながらの音楽性と流れるようなテノールの声を持ち、それを豊かな表現力で彩り、表現しました。楽譜は読めませんでしたが、モレはソン・モントゥーノ、マンボ、グアラチャ、グアヒーラ、チャチャチャ、アフロ、カンシオン、グアグアンコ、ボレロなど、あらゆるジャンルの名手でした。彼のオーケストラであるバンダ・ヒガンテと彼の音楽は、彼が1949年から1950年にかけて歌った ペレス・プラード・オーケストラの発展形であり、より柔軟で流れるようなスタイルでした。

第二次世界大戦後、キューバ音楽に基づく 3 つの偉大な革新が米国を襲いました。1 つ目は、最新のラテン ジャズフュージョンであるCubopです。キューバ側ではマリオ バウサとマチートオーケストラ、米国側ではディジー ガレスピーが主導的役割を果たしました。騒々しいコンゲーロのチャノ ポソも、ジャズ ミュージシャンに基本的なキューバのリズムを紹介したことで重要な役割を果たしました。キューバ ジャズは、その後も大きな影響を与え続けています。

マンボがアメリカに初めて導入されたのは1950年頃だが、キューバやメキシコシティでは以前からマンボのアイデアが生まれていた。アメリカやヨーロッパで理解されているマンボは、オレステス・「カチャオ」・ロペスのダンソン・マンボとは大きく異なっていた。ダンソン・マンボは、最後の部分にシンコペーションが追加されたダンソンだった。世界的に有名になったマンボは、ペレス・プラドのビッグバンド作品で、1940年代後半にメキシコシティの新しいレコーディングスタジオでRCAのためにセンセーショナルなレコーディングを行った。そのうち約27曲はベニー・モレが歌手を務めたものだが、ベストセラーは主にインストゥルメンタルだった。大ヒット曲には、「ケ・リコ・エル・マンボ（マンボ・ジャンボ）」、「マンボNo.5」、「マンボ#8」、「チェリー・ピンク（とアップル・ブロッサム・ホワイト）」などがある。後の（1955年）ヒット曲「パトリシア」はマンボとロックの融合だった。^[203]プラド風のマンボはダンソンよりもむしろソンやグアラチャの子孫である。アメリカではマンボの流行は1950年から1956年まで続いたが、その後の バガルーやサルサにも大きな影響を与えた。

バイオリニストの エンリケ・ホリンは1950年代初頭にチャチャチャを発明した。これはダンソンからシンコペーションを増やして発展したものである。ペレス・プラドとティト・プエンテのビッグバンドがアメリカとヨーロッパの聴衆を魅了するアレンジを制作したことで、チャチャチャはキューバ国外でより人気が高まった。^[204]

「ニューヨリカン」のレイ・バレットやティト・プエンテらとともに、キューバ移民の波が何度か米国音楽に自分たちの考えを持ち込んだ。この中には、グアラチャ歌手のセリア・クルスもいた。キューバ志向の「ティピカ '73」のパーカッショニスト、パタト・バルデスなど、ラテンジャズで活躍した者もおり、ファニア・オールスターズと関係があった。イラケレの元メンバーの何人かはまた、パキート・ドリベラやアルトゥーロ・サンドバルなど、米国で大成功を収めている。有名なコンゲーロのタタ・グイネスは1957年にニューヨーク市に移り、バードランドでディジー・ガレスピー、メイナード・ファーガソン、マイルス・デイビスなどのジャズ奏者と演奏した。パーカッショニストとして、ジョセフィン・ベイカーやフランク・シナトラと共演した。 1959年、フィデル・カストロがキューバ革命で権力を握ると、彼はミュージシャンとしての収入を寄付して革命の資金援助を行い、キューバに戻った。^[205]

マンボは、もともとキューバで発達した音楽ジャンルおよびダンス スタイルです。「マンボ」という言葉は、コンガ、ミロンガ、ボンバ、トゥンバ、サンバ、バンバ、バンブーラ、タンボ、タンゴ、クンベ、クンビア、カンドンベなどの他のアフリカ系アメリカ人の音楽の名称と同様に、ニジェール コンゴ言語複合体に属する mb、ng、nd などの特定の特徴的な音の組み合わせがあるため、アフリカ、特にコンゴに起源があることを示しています。

キューバのマンボの最も古いルーツは、有名な楽団長アントニオ・アルカーニョが指揮するオーケストラ「アルカーニョ・イ・スス・マラビージャス」によって人気を博した「新しいリズムのダンソン」に遡る。アルカーニョは、人気のキューバのダンソンの一部を「マンボ」と名付けた最初の人物である。アルカーニョのチェロ奏者オレステス・ロペスが「マンボ」と呼ばれる最初のダンソンを創作した（1938年）。^{[206]この曲では、}ソン様式から取り入れたシンコペーションのモチーフが、即興のフルートのパッセージと組み合わされている。^[207]

キューバのマタンサス出身のピアニスト兼編曲家、ダマソ・ペレス・プラド（1927年生まれ）は、1940年代初めにハバナに居を構え、パウリナ・アルバレスやカジノ・デ・ラ・プラヤなどのナイトクラブやオーケストラで働き始めた。1949年に仕事を求めてメキシコに渡り、新しいスタイルで大成功を収めた。彼はこのスタイルに、アントニオ・アルカニョがすでに使っていた「マンボ」という名前をつけた。^[208]

ペレス・プラドのスタイルは、以前の「マンボ」のコンセプトとは異なっていた。新しいスタイルは、北米のジャズバンド音楽からより大きな影響を受け、4つまたは5つのトランペット、4つまたは5つのサックス、コントラバス、ドラムセット、マラカス、カウベル、コンガ、ボンゴで構成される拡張された楽器構成を持っていた。新しい「マンボ」には、トランペットとサックスのキャッチーな対位法が含まれ、各音楽フレーズの終わりに特徴的な深い喉の音表現によって刺激され、リズムに合わせて体を動かすよう促された。^[209]

プラドの録音はラテンアメリカと米国のラテン系市場を対象としていたが、「マンボNo.5」や「ケ・リコ・エル・マンボ」など彼の最も有名なマンボのいくつかはすぐに米国に渡った。^[210]

チャチャチャはキューバ音楽のジャンルの一つです。1950年代初頭にダンソン・マンボから発展した人気のダンス音楽で、世界中で広く人気を博しました。

チャチャチャビはキューバの音楽ジャンルで、その創作は伝統的にキューバの作曲家兼ヴァイオリニストのエンリケ・ホリンによるものとされており、彼はチャランガバンドのオルケスタ・アメリカでの演奏でキャリアをスタートさせた。^[212]

エンリケ・ホリンの証言によると、彼はオーケストラのミュージシャンが短いリフレインを歌う「ダンソン」をいくつか作曲し、このスタイルは非常に成功したという。ダンソン「コンスタンシア」では、いくつかのモントゥーノを導入し、聴衆はリフレインを一緒に歌うよう促された。ホリンはまた、歌詞がより明瞭に聞こえ、聴衆に大きなインパクトを与えるように、オーケストラのメンバーにユニゾンで歌うように求めた。この歌い方は、オーケストラのメンバーの歌唱力の低さを隠すのにも役立った。

チャチャチャ音楽は、その誕生以来、ダンサーのステップと密接な関係がありました。よく知られているチャチャチャという名前は、ハバナのシルバースタークラブのダンサーの協力によって生まれました。ダンスが音楽のリズムと結びつくと、ダンサーの足が3拍連続して床をかすめるときに独特の音を発していることが明らかになりました。それは、チャチャチャと聞こえる擬音語のようでした。この独特の音から、世界中の人々がそのキャッチーなリズムで踊る動機となる音楽ジャンルが生まれました。^[213]

オラヴォ・アレンによれば、「1950年代、チャチャチャは、ダンゾーネの作曲技術に精通し、チャチャチャで創造性を解き放った多くのキューバ人作曲家たちの努力のおかげで、その人気を維持した」（ロセンド・ルイス・ジュニアなど）ロス・マルシアノス』、『リコ・ヴァシロン』）、フェリックス・レイナ（『ディメ・チニータ』、『コモ・バイラン・チャチャチャ・ロス・メキシカーノス』）、リチャード・エグエス（『エル・ボデゲーロ』、『ラ・カンティーナ』）、ラファエル・レイ（『セロ』）コダソス、セロ・カベザソス」）。^[214]

チャチャチャは、フルート、弦楽器、ピアノ、ベース、パーカッションで構成された典型的なキューバのダンスバンド形式であるチャランガという楽器を通じて初めて一般に公開されました。チャチャチャの人気により、この種のオーケストラの人気も復活しました。^[215]

フィリンは1940年代から1950年代にかけてのキューバの流行で、米国のポピュラー音楽の影響を受けた。この言葉は感情に由来している。マイクロフォン以降のジャズの影響を受けたロマンチックな歌（クルーニング）のスタイルを表す。^{[216]キューバでのルーツはボレロとカンシオンにある。}クアルテート・ダイーダやロス・サフィロスなど、キューバのカルテットの中には、米国のクロースハーモニーグループをモデルにした者もいた。エラ・フィッツジェラルド、サラ・ヴォーン、ナット・キング・コールを聴いていた歌手もいた。トロバドールのティルソ・ディアスが住んでいたハバナの家は、ルイス・ヤニェス、セサール・ポルティージョ・デ・ラ・ルス、ホセ・アントニオ・メンデス、ニーニョ・リベラ、ホセ・アントニオ・アニコ・ロハス、エレナ・バーク、フロイラン、アイダ・ディエストロ、フランク・エミリオ・フリンなど、フィリンに興味を持つ歌手や音楽家の集いの場となった。ここで作詞家や歌手は、ベボ・バルデス、エル・ニーニョ・リベラ（アンドレス・ヘチャバリア）、ペルチン（ペドロ・ジャスティス）などの編曲家と会い、作品を発展させるための助けを得ることができました。フィリン歌手には、セサル・ポルティージョ・デ・ラ・ルス、1949年から1959年まで10年間メキシコで過ごしたホセ・アントニオ・メンデス、フランク・ドミンゲス、盲目のピアニストのフランク・エミリオ・フリン、そしてクアルテート・ダイダ出身のボレロの名歌手エレナ・バークと現在も活躍中のオマラ・ポルトゥオンドなどがいた。フィリン運動は当初、ラジオ・ミル・ディエスで毎日午後に放送されていた。パブロ・ミラネスなど、最も著名な歌手の何人かは、後に ヌエバ・トロバの旗印を掲げた。

現代のキューバ音楽は、ジャンルを容赦なくミックスしていることで知られています。たとえば、1970年代にはロス・イラケレがビッグバンドでバタを使用しました。これはソン・バタまたはバタ・ロックとして知られるようになりました。その後、コンガとマンボをミックスしたモザンビークや、ルンバとバタのドラム音楽をミックスしたバタ・ルンバがアーティストによって創作されました。ヒップホップ、ジャズ、ロックンロールの要素をミックスしたものも一般的で、ハバナ・アビエルタのロックソンがその例です。

1959年のキューバ革命の勝利は、多くのミュージシャンがプエルトリコ、フロリダ、ニューヨークに移住するきっかけとなり、キューバではアーティストとその作品が社会主義国家と独占国営レコード会社EGREMの保護（および管理）下に入った。カストロ政権はキューバの著作権法を廃止し、ポピュラー音楽が演奏されていた会場（ナイトクラブなど）の多くを閉鎖し、間接的に多くのミュージシャンを失業させた。^{[181] p202}これは間違いなく、ポピュラー音楽とダンスの発展に悪影響を及ぼした。^[217]

若い音楽家の多くは、ポピュラー音楽ではなくクラシック音楽を学ぶようになった。国に雇われた音楽家は皆、音楽の学術コースを与えられた。キューバでは、ヌエバ・トローバ運動（パブロ・ミラネスを含む）が新左翼の理想を反映していた。国は、利益の大きいトロピカーナ・クラブを接収し、1968年に他の多くの音楽会場とともに閉鎖されるまで、外国人観光客に人気のスポットであり続けた（その後、観光業の復活とともに再オープンした）。^{[181] p202}観光業は30年間ほとんど存在しなかった。伝統的なキューバ音楽は、地元のカサス・デ・ラ・トローバで聞くことができた。音楽家は、働いている場合、音楽院を卒業後、フルタイムで働き、国から給料をもらっていた。1991年のソ連崩壊と、キューバへの支援の喪失は、状況を大きく変えた。観光業は再び尊敬されるようになり、娯楽としてのポピュラー音楽も同様になった。音楽家は、国営システムの外で海外ツアーをして生計を立てることさえ許された。

キューバ亡命者出身の有名なアーティストには、セリア・クルスと彼女が一緒に歌ったソノラ・マタンセラのコンジュント全員が含まれる。他にも「パタト」（カルロス・バルデス）、カチャオ、ラ・ルーペ、アルトゥーロ・サンドバル、ウィリー・チリノ、ハンセル・イ・ラウル、ラ・パラブラ、パキート・ドリベラ、ベボ・バルデス、グロリア・エステファンなどがいる。これらのミュージシャンの多くは、特にクルスは反革命運動と密接に関係しており、「無名」^[218]として標準的なキューバの参考書から除外されており、その後の音楽レコードはキューバで販売されることは一度もない^{[219] 。}

サルサは、キューバ音楽をベースにしてアメリカに伝わった 4 番目の発明であり、キューバではなくアメリカで最初に開発されたという点で異なっています。キューバには多くの土着音楽があるため、キューバ人にとってはまったく異なるリズムの違いを理解していない海外の人々に「製品」を販売することは常に問題でした。そのため、20 世紀には 2 回、この問題を解決するために一種の製品ラベルが開発されました。最初のケースは、1930 年代に「ピーナッツ ベンダー」が国際的に成功した後でした。この曲は「ルンバ」と呼ばれましたが、実際には本物のルンバとはまったく関係がありませんでした。明らかにソンプレゴンでした。「ルンバ」というラベルは、キューバ国外でキューバのポピュラー音楽の総称として長年使用されていました。^[220]

2 度目は 1965 年から 1975 年にかけてニューヨークで起こりました。キューバ系とプエルトリコ系のミュージシャンが協力して、ポスト・チャチャチャ時代の素晴らしい音楽を生み出したのです。この音楽は「サルサ」というラベルが付けられました。なぜそうなったのかは誰も知りませんが、ソン、マンボ、グアラチャ、グアヒーラ、グアグアンコなどに共通のラベルが付けられたことは大きな利点だったと誰もが認識していました。キューバ人や非キューバ人、例えばティト・プエンテ、ルベン・ブラデス、そしてキューバ音楽とサルサの多くの専門家は、「サルサはキューバ音楽の別名にすぎない。ティト・プエンテはかつてこう言っています。「今はサルサと呼んでいるが、後には炒め物と呼ぶようになるかもしれないが、私にとっては永遠にキューバ音楽だ」。しかし時が経つにつれ、サルサ バンドは他の影響を受けながら活動するようになりました。例えば、1960年代後半にウィリー・コロンはブラジルのリズムを使った曲を創作しました。ニューヨークのラジオ番組では、さらなる組み合わせとして「サルサレンゲ」を紹介しました。1940年代にキューバ音楽を演奏するバンドを見ると、サルサ音楽でまったく同じ楽器が使われているのがわかります。さらに後になって、「サルサ ロマンティカ」は、特に甘いタイプのボレロを指すようになりました。1940年代には、史上最高のソネロ、ペレス プラードのベニー モレがサルサのリズムでボレロを歌っていました。1950年代になって初めて、プエルトリコのバンドの間でキューバ音楽が人気を博しました。当時、プエルトリコではプレナ、ボンバ、その他のスタイルや音楽が人気でした。 1930年代から1940年代にかけて、多くの有名なプエルトリコ人ミュージシャンがキューバの音楽スタイルを学びに行きましたが、1959年にカストロが到着し、キューバ音楽の世界への輸出が停止するまで、ニューヨークのプエルトリコ人は注目されませんでした。しかし、今日サルサとして知られているものは、1920年代から1930年代にディジー・ガレスピーとチャノ・ポソによってニューヨークにもたらされました。^{[221] [222]}この最後のポソは、史上最高のパーカッショニストの一人であったディジー・ガレスピーによって発見されました。 ^{[223] [224] [225]}

サルサがキューバ音楽以上のものであるかどうかという問題は、30年以上にわたって議論されてきました。当初は、あまり違いは見られませんでした。後に、ニューヨークのサルサがキューバのポピュラー音楽と異なるだけでなく、ベネズエラ、コロンビア、その他の国のサルサも区別できることが明らかになりました。また、サルサが1970年代後半に達成した大きな地位から後退していることも明らかです。その理由についても、多くの議論があります。^[226]

ラテンアメリカでヌエバ・カンシオンと類似しているのは、キューバ革命後の1967年から68年頃にさかのぼるキューバのヌエバ・トロバである。この歌が伝統的なトロバと異なるのは、演奏者が若かったからではなく、内容が最も広い意味で政治的だったからである。ヌエバ・トロバはカストロの革命とのつながりと、社会主義、不正、性差別、植民地主義、人種差別などの問題に焦点を当てることで人生の陳腐さから逃れようとする歌詞によって定義される。^[227]シルビオ・ロドリゲスとパブロ・ミラネスがこのスタイルの最も重要な推進者となった。カルロス・プエブラとホセイト・フェルナンデスは新体制に力を注いだ長年の古いトロバ歌手であったが、この2人のうちプエブラだけが特別な革命支持の歌を書いた。

ヌエバ・トロバは 1970 年代に全盛期を迎えたが、ソ連崩壊前にはすでに衰退していた。ヌエバ・トロバ運動における非政治的なスタイルの例としては、たとえば、歌詞が愛や孤独といったより伝統的な主題に焦点を当て、他の非常に詩的なスタイルを共有している「 Liuba María Hevia」が挙げられる。一方、カルロス・バレラは、カストロ革命のいくつかの側面を公然と批判したことでキューバで有名である。

当初非常に人気があったヌエバ・トロバは、おそらく一党独裁への幻滅が深まったため、キューバ国内でも、またブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブの映画や録音との鮮明な対比により、苦境に立たされた。世界中の聴衆は、キューバの古い音楽の並外れた魅力と音楽の質に目を開かされた。対照的に、1960年代や1970年代には非常に重要に思われた時事的なテーマは、今では味気なく時代遅れに思える。「グアンタナメラ」でさえ、熟練度の低い人の手による過剰な繰り返しによって損なわれている。それでも、プエブラの「アスタ・シエンプレ、コマンダンテ」が際立つ、音楽と歌詞の質が高いこれらの作品は、おそらくキューバが続く限り存続するだろう。^[228]

ソンは、現代キューバ音楽の最も人気のある形式の基礎であり続けている。ソンを代表するのは、1985年に再結成されたセプテート・ナシオナル、オルケスタ・アラゴン、オルケスタ・リトモ・オリエンタル、オルケスタ・オリジナル・デ・マンサニージョなど、長年続いているグループである。シエラ・マエストラは、1980年代に伝統的なソンの復活を引き起こしたことで有名である。ヌエバ・トロバは今でも影響力を持っているが、1960年代のあからさまに政治的なテーマは時代遅れとなっている。一方、イラケレは伝統的なキューバ音楽とジャズを融合し、 NGラ・バンダ、オリシャス、ソン14などのグループは、ヒップホップやファンクなど、ソンに新しい要素を加え続けてティンバ音楽を形成した。このプロセスは、輸入電子機器の取得によって促進された。伝統的なソン・モントゥーノを演奏するアーティストは今でも多く、例えばエリアデス・オチョアは、ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブの成功後、ソン・モントゥーノへの関心が高まり、レコーディングやツアーを広く行っています。ヨーロッパを拠点とするキューバ出身の女性シンガーソングライター、アディス・メルセデスは、ソンとフィリンのルーツにアーバン、ロック、ポップミュージックの要素を融合させ、ドイツの主流のエアプレイチャートにランクインしました。^[229]

1990年代、ワールドミュージックへの関心が高まったのは、キューバがソ連崩壊後に経済が観光に開放され始めた時期と重なった。オルケスタ・アラゴン、チャランガ・ハバネラ、カンディド・ファブレ・イ・ス・バンダは、チャランガ界で長年活躍し、1990年代後半に人気のティンバ界の形成に貢献した。現代キューバ音楽で最も大きな賞は、ベニー・モレ賞である。

キューバ人は、自分たちの音楽がサルサと呼ばれていることに決して満足していません。サルサが自分たちの音楽の呼び名であることは明らかですが。1990 年代初頭から、ティンバはキューバで人気のダンス ミュージックを表すのに使用されてきました。最近ではレゲトンがこれに匹敵しています。サルサと同じルーツから派生していますが、ティンバには独自の特徴があり、キューバ、特にハバナの生活と文化に深く結びついています。

サルサのルーツがソンと1940年代、1950年代のキューバのコンフントバンドにあるのに対し、ティンバは多くの民俗音楽（ルンバ、グアグアンコ、バタの太鼓、サンテリアの聖歌など。^{[230] ）とポピュラー音楽（}ロック、ジャズ、ファンクなどアフロキューバンの音楽ジャンル以外のものからもインスピレーションを得ている）の総合体である。 『ティンバ：キューバ危機の音』の著者ヴィンチェンツォ・ペルナによると、ティンバは、その音楽的、文化的、社会的、政治的な理由から語られる必要があるという。キューバでの人気の高さ、音楽スタイルとしての新しさと独創性、演奏者の技量、地元の伝統と黒人ディアスポラの文化との関係、ティンバの意味、そしてそのスタイルが社会内の緊張点を明らかにする方法などである。^{[231]ティンバのドラマーは、}ティンバレスに加え、ドラムセットも使用し、本土のサルサの音とは更に異なるサウンドを奏でる。シンセサイザーキーボードの使用も一般的である。ティンバの曲は、サルサの曲よりも革新的で実験的で、しばしばより技巧的なサウンドになる傾向がある。ホルンのパートは通常速く、時にはビバップの影響を受け、すべての楽器の極端な音域にまで及ぶ。ベースとパーカッションのパターンも同様に型破りである。即興は一般的である。

1990年代には、セプテートのソン・クバーノやコンフント時代の音楽など、伝統的な音楽スタイルを復活させたことで、いくつかのプロジェクトが国際的な注目を集めました。1976年に結成されたシエラ・マエストラ (バンド) は、キューバ初のリバイバル・グループの1つでした。1995年、シエラ・マエストラのディレクター兼トレス奏者のフアン・デ・マルコス・ゴンザレスは、ニック・ゴールド (ワールド・サーキット・レコード代表) から、アフリカのミュージシャンをフィーチャーしたキューバの伝統的なアルバムを録音しないかと連絡を受けました。結局、アフリカのミュージシャンはハバナに来ることができなかったため、プロジェクトは、ルベン・ゴンザレス、イブラヒム・フェレール、コンパイ・セグンド、オマラ・ポルトゥオンドなどのベテランのキューバ人ミュージシャンをフィーチャーした100%キューバのものとなりました。このアルバムからは、アメリカ人ギタリスト、ライ・クーダーが参加した2つのバンド、アフロキューバン・オールスターズとブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブが誕生した。両バンドは、1996年3月にそれぞれデビューアルバム『A Toda Cuba le Gusta』と『Buena Vista Social Club』をレコーディングした。1997年9月にリリースされた後者は、まさに画期的な出来事だった。このアルバムは世界中で大ヒットし、何百万枚もの売り上げを記録し、名声を博したミュージシャンを世界的に有名な人物にした。

『ブエナ・ビスタ』はその後も数枚のレコーディングが続き、同名の映画も制作されたほか、他のキューバのグループにも大きな関心が寄せられた。その後数年間で、何十人もの歌手やコンフントが外国のレーベルでレコーディングを行い、国際ツアーを行った。

一部の人は、革命後にポピュラー音楽会場が全面的に閉鎖され、多くのミュージシャンが職を失い、その後国家委員会によって統制されたことで、キューバのポピュラー音楽の発展が損なわれたという結論を出している。^{[181] [217]}

キューバでは、 1980年代から1990年代にかけて「キューバの特別期間」を通じてヒップホップが着実に人気を博した。^[232]ソ連の崩壊後、キューバ経済は衰退した。キューバでは貧困がより広範囲に広がり、目立つようになった。1990年代には、一部のキューバ人がラップやヒップホップを使ってこの状況に抗議し始めた。国の貧困層と黒人人口が特に苦しんだこの経済危機の期間中、ヒップホップは国のアフリカ系の人々が自分たちの黒人であることを受け入れ、キューバの黒人の人種的平等を求める手段となった。^[233]黒人であることと黒人の解放という考えは、人種差別のない社会がキューバ革命の正しい実現であるという考えの下で活動していたキューバ政府の目標と必ずしも一致しなかった。ヒップホップが登場したとき、キューバ政府はラッパーが描く下品なイメージに反対したが、後にキューバ文化の真の表現として文化省の影響下にあるヒップホップの方が良いかもしれないと認めた。^[234]キューバのラップ音楽は、サルサやルンバなど、キューバの既存の音楽の伝統に大きく影響を受けている。^[234]

ある意味、ヒップホップはキューバ政府に容認されており、パフォーマーには政府から会場と機材が提供されている。^[235]キューバのラップとヒップホップ界は、自分たちの音楽の制作と宣伝に文化省の関与を求めたが、そうでなければ実現不可能だっただろう。^[要出典]キューバ政府があまり熱心でない支持を示した後、 2002年にキューバ・ラップ・エージェンシーはキューバのラップ界に国営レコードレーベル、雑誌、キューバ独自のヒップホップ・フェスティバルを提供した。^[234]

政府は、ヒップホップアーティストが自己表現を制限し、政府を好意的に紹介する代わりに、ラップやヒップホップグループにマスメディアでの放送時間を与えている。^[236]キューバでは人種や人種差別について明確に発言するラッパーは、依然として政府の監視下にある。^[237]政府は、キューバでヒップホップが成長しており、排除することは難しいことを認識している。^[要出典]

スペインのレゲエと同様に、パナマのレゲエはキューバ人にとって新しいジャンルだが、2012年までに非常に人気が高まり、「キューバのポップミュージックの顔」はキューバのレゲエ（クバトン）歌手、オスマニ・ガルシア「ラ・ボス」とみなされるようになった。^[238] ウェブソフトウェアの出現により、音楽を非公式に配信できるようになった。歌詞とダンスの動きの両方が批判されてきた。などのレゲトンミュージシャンは、自分たちの音楽を擁護する曲を作ることでこれに応えた。彼らの努力にもかかわらず、文化省は、教育機関、パーティー、ディスコでレゲトンを使用してはならないと決定し、^[239] 2011年には、オーラルセックスを歌ったガルシアの「チュピ・チュピ」が大ヒットした後、放送を制限した。他の人気のあるクバトンアーティストには、エディ・K、エル・タイガー、ゲンテ・デ・ゾナ（「フッドの人々」）がいる。

キューバと米国の音楽交流は古くから行われている。18世紀、ルイジアナのスペイン統治時代（1763-1803年）にはすでに、キューバのオーケストラやバンドがニューオーリンズでコンサートを行っており、19世紀にはクアン・コントラダンサが米国で非常に人気があった。20世紀初頭には、米国のグループを模した最初のジャズバンドがキューバで結成された。「サグア」ジャズバンドは、 1914年にペドロ・スタチョリ（指揮者兼ピアニスト）によってサグア・ラ・グランデで結成された。このグループは14年間、テアトロ・プリンシパル・デ・サグアで演奏した。^[187]

アメリカ音楽がキューバの若い世代に与えた強い影響は、1950年代にキューバでロックンロールのソロやグループが誕生するきっかけとなった。多くのキューバのアーティストがアメリカの歌をスペイン語に翻訳して歌ったが、それはメキシコでも同様だった。^[240]

ロス・ロピスの結成は、キューバ音楽にとって、電子音響装置による音の生成と増幅という新しい段階への入り口となった。なぜなら、このグループのサウンド構成には、エレキギターの導入という非常に重要な新しい要素が見られるからである。^[209]

1961 年には、キング・オブ・ツイストと呼ばれるダニー・プーガや、ロス・サテライテス、ロス・ディアブロス・メロディコス、ロス・エンフェルモス・デル・ロックなどのバンド、マリアナオ島のロス・ハルコネスやロス・フラカネスなどのアーティストが登場しました。

ボーカルカルテットのロス・ザフィロスも、60年代初頭に成功したグループのひとつです。1961年に結成され、プラターズ、ダイアモンズ、その他のアメリカのグループのドゥーワップスタイルの影響を受け、バラード、カリプソ、ボサノバ、スローロックやボレロのリズムの曲など、レパートリーは多岐にわたります。

当時、歌手兼ギタリストのラウル・ゴメスが率いる人気グループ、ロス・アストロスは、フィデル・カストロ政権がロックグループに対して行った圧力に脅かされていました。ロックグループは「イデオロギー転換主義」の一形態とみなされ、あらゆる表現に積極的に反対されていました。ビートルズやローリング・ストーンズなどのブリティッシュ・インヴェイジョングループの影響を強く受けたそのスタイルは「逸脱」とされ、ためらうことなく抑圧されました。それ以来、キューバ革命政府は、当然のことながら、あらゆる文化的表現を含む、キューバ社会のあらゆる側面に対する絶対的な統制を実施し始めました。

1965 年頃、革命政府は、若者が好む外国製品を、政府の公式ガイドラインにより適した製品に置き換える戦略を実行しました。この戦略の結果、1966 年に Nocturno という新しいラジオ番組が放送されました。この番組の最初のテーマは、イタリアのサックス奏者 Fausto Papetti による「La chica de la valija (スーツケースを持った少女)」でした。この番組では、スペイン語によるヨーロッパのレパートリーを優先し、現代曲を紹介しました。ロス ムスタン、ロス ブラボス、ロス ブリンコス、フアン イ ジュニア、リタ パヴォーネ、マシエル、ニーノ ブラボ、レオナルド ファビオ、サルヴァトーレ アダモ、ラファエルなどのソリストやグループ、およびロス サフィロスやロス ダンなどのキューバのグループが演奏しました。^[241]ロック音楽に対する禁止令は1966年に解除されたが、ロックファンは共産主義体制によって疎外され続け、「反革命分子」として疑いの目で見守られた。^[242]

実際、ロック音楽がハバナで聞かれるようになったのは、70年代にマリアナオ・ラジオの「ブエナス・タルデス・フベントゥッド」というラジオ番組ででした。この番組では、ローリング・ストーンズ、ビートルズ、デイヴ・クラーク・ファイブ、アニマルズ、グランド・ファンク、レア・アース、レッド・ツェッペリン、ジミ・ヘンドリックス、エルビス・プレスリー、ニール・セダカ、ポール・アンカなどのグループが紹介されました。80年代初頭、このラジオ局はラジオ・シウダ・デ・ラ・ハバナに加わりました。^[243]

1979年、キューバのハバナにあるカール・マルクス劇場で、ハバナ・ジャムと呼ばれる3日間の音楽フェスティバルが開催され、ビリー・ジョエルやスティーヴン・スティルスを含む一群のロックアーティストが出演しました。

1980 年代、ムニシピオ プラヤでロベルト アルマダがヘビーメタルバンド「ヴィーナス」を結成しました。彼らは大きな成功を収め、キューバの若者の間でヘッドバンガーのファンを生み出しました。パンク ロックは1980 年代後半にキューバに導入され、若者の少数派の間でカルト的なファンを獲得しました。

90 年代、キューバのロックンロールはまだアンダーグラウンド現象でした。ハバナのラジオ局「シウダ デ ラ ハバナ」では、世界中のロックンロールの最新動向を紹介する番組をいくつか放送していました。古いミュージシャンでラジオの司会者でもあるフアン カマチョは、ディスコ シウダという朝の番組を持っていました。エル プログラマ デ ラモンも人気のラジオ番組でした。その時代のバンドには、ジェンス、ゼウス、ロス タルソンスなどがあります。

2001年、ウェールズのグループ、マニック・ストリート・プリーチャーズがキューバでの公演に招待され、^[244]フィデル・カストロが他の政府関係者とともにコンサートに出席した。2004年、カストロはジョン・レノンの誕生日を祝うスピーチを行った。レノンの音楽は、ビートルズのメンバーとして、またソリストとして、キューバで長らく禁止されていた。レノンの銅像がハバナの有名な公園に設置されたが、通行人による破壊行為が頻繁に発生し、銅像が頻繁に盗まれるという悪評が広まった。

キューバ政府は、米国とヨーロッパ諸国のキューバにおける商業取引と投資の開放を目的とした国際キャンペーンの一環として、外国のロックグループに対してより寛容な態度を示していたが、同時に、国内の反体制活動に対しては、いかなる形態でも容赦ない弾圧を続けた。ロック歌手のゴルキ・アギラと彼のグループ、ポルノ・パラ・リカルドの場合がそうであった。2008年8月、アギラは、当局が犯罪を犯しそうに思われる人物を、たとえまだ犯罪を犯していなくても拘留できるという法律に基づき、危険容疑で逮捕された。^[245]

最近では、リック・ウェイクマン、セパルトゥラ、オーディオスレイヴがハバナで公演し、^[246]ローリング・ストーンズは1959年の革命期の初め以来最も傑出したロックイベントとなった歴史的なコンサートを開催した。^[247]

2013年には、キューバのアンダーグラウンドメタルバンドがアメリカに移住し、アゴナイザー、エスケープ、アンセスター、ヒプノシス、サファリング・ツール、クロヴァーなどのバンドと並行したシーンが生まれ、新たな現象が起こりました^[248]

以下の作品は、キューバの伝統的なポピュラー音楽のあらゆる側面に関する信頼できる情報源です。スペイン語のタイトルは、英語に翻訳されていない作品を示しています。

• アコスタ、レオナルド 1987。ドラムからシンセサイザーへ。マルティ、ハバナ、キューバ。1976 年から 1982 年にかけて執筆された記事。
• アコスタ、レオナルド 2003。『キューバノ・ビー、キューバノ・バップ：キューバのジャズの100年』。ダニエル・S・ホワイトセル訳。スミソニアン、ワシントンDC。元コンフント・トランペット奏者による傑出したレビュー。
• ベタンクール・アルバレス、ファビオ、1993年。罪のクラーベとボンゴの干し草の息子：アフリカの音楽とコロンビアとキューバの合流点の音楽。コロンビア、メデジン、アンティオキア。
• ブランコ、ヘスス 1992。80歳の息子と息子とカリブ。カラカス。
• ブリル、マーク。ラテンアメリカとカリブ海の音楽、第2版、2018年。テイラー＆フランシスISBN 1138053562 
• リディア、カブレラ 1958 年。アバクア社会情報局。ラ・ハバナのチセレク美術館。
• ホルヘ、カルデロン、1983 年。マリア・テレサ・ベラ。ラ・ハバナ。
• カルボ・オスピナ、エルナンド 1995。サルサ！ハバナの熱気、ブロンクスの鼓動。ラテンアメリカ支局。
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