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ヨーロッパ美術、別名西洋美術は、ヨーロッパにおける視覚芸術の歴史を包含する。ヨーロッパの先史時代の芸術は、移動可能な後期旧石器時代の岩絵や洞窟壁画、ペトログリフ芸術として始まり、旧石器時代から鉄器時代までの期間の特徴であった。[ 4 ]ヨーロッパ美術の記述された歴史は、紀元前3千年紀に遡るエーゲ文明から始まることが多い。しかし、ヨーロッパにおける一貫した芸術的発展のパターンが明確になるのは、古代ギリシャ美術においてのみであり、それはローマによって採用され、変容し、ローマ帝国とともにヨーロッパ、北アフリカ、西アジアの大部分に広まった。[ 5 ]
古典時代の芸術の影響は、その後2000年にわたって盛衰を繰り返し、中世の一部では遠い記憶に消え去り、ルネサンス期に再び現れ、初期の美術史家の中には「衰退」と見なしたバロック期に[ 6 ]、新古典主義[ 7 ]で洗練された形で再び現れ、ポストモダニズム[ 8 ]で再び生まれ変わった。
1800 年代以前は、キリスト教会がヨーロッパ美術に大きな影響を与え、教会からの依頼が芸術家にとって主な仕事源となっていた。同じ時期には、古典神話、大戦、英雄やヒロイン、そして宗教とは関係のないテーマへの関心も再び高まった。[ 9 ]過去 200 年間の芸術のほとんどは、宗教を参照することなく、また多くの場合特定のイデオロギーを全く持たずに制作されているが、芸術はしばしば政治的な問題に影響を受けており、それはパトロンや芸術家の懸念を反映している。
ヨーロッパ美術は多くの様式時代に分けられ、歴史的には、異なる地域で異なる様式が栄えたため、これらの時代は互いに重なり合っています。大まかに言うと、古典時代、ビザンチン時代、中世、ゴシック時代、ルネサンス時代、バロック時代、ロココ時代、新古典主義時代、近代時代、ポストモダン時代、新ヨーロッパ絵画時代です。[ 9 ]
ヨーロッパの先史時代の美術は、ヨーロッパの文化遺産の重要な一部です。[ 10 ]先史時代の美術史は通常、石器時代、新石器時代、青銅器時代、鉄器時代の4つの主要な時代に分けられます。この時代の遺物のほとんどは、小さな彫刻や洞窟壁画です。
現存する先史時代の美術品の多くは小型の持ち運び可能な彫刻で、中央ヨーロッパ各地で発見されたヴィレンドルフのヴィーナス（紀元前24,000～22,000年）のような少数の女性ヴィーナス像がある。 [ 11 ]紀元前30 ,000年頃の高さ30cmのレーヴェンメンシュ像は、それに関連する作品がほとんど見つかっていない。紀元前11,000年頃の泳ぐトナカイは、後期旧石器時代の美術における骨や角で作られた動物の彫刻の中でも最高傑作の一つだが、彫刻に分類されることもある彫像の方が数が多い。[ 12 ]ヨーロッパで中石器時代が始まると、具象彫刻は大幅に減少し、 [ 13 ]ヨーロッパ鉄器時代のグンデストルップの大釜や青銅器時代のトルンドホルムの太陽の戦車などの作品はあるものの、ローマ時代まで実用品の浮彫装飾よりも芸術においてあまり一般的ではない要素のままであった。[ 14 ]
ヨーロッパ最古の洞窟壁画は40,800年前のもので、スペインのエル・カスティージョ洞窟で見ることができます。 [ 15 ]他の洞窟壁画の遺跡には、ラスコー、アルタミラ洞窟、グロット・ド・キュサック、ペシュ・メルル、ニオー洞窟、ショーヴェ洞窟、フォン・ド・ゴーム、イングランド、ノッティンガムシャーのクレスウェル・クラッグス（2003年に洞窟のエッチングと浅浮彫が発見された）、ルーマニアのコリボアイア洞窟（中央ヨーロッパ最古の洞窟壁画と考えられている）[ 16 ] 、ブルガリアのベログラドチクのマグーラ[ 4 ]などがあります。[ 17 ]岩絵も崖の面に描かれましたが、浸食のため現存するものは少なくなっています。よく知られている例としては、フィンランドのサイマー地方のアストゥヴァンサルミの岩絵があります。 1879年、マルセリーノ・サンツ・デ・サウトゥオラがスペイン、カンタブリア地方のアルタミラ洞窟にあるマドレーヌ文化の壁画を初めて目にしたとき、当時の学者たちはそれらを偽物だと考えていた。しかし、近年の再評価と数々の新たな発見によって、それらの壁画の信憑性が証明され、同時に旧石器時代後期の人々の芸術性への関心も高まっている。ごく原始的な道具のみを用いて描かれた洞窟壁画は、当時の文化や信仰について貴重な洞察を与えてくれるものでもある。
イベリア半島地中海盆地の岩絵は、非常に独特な様式を示しており、人物像が中心で、しばしば大勢の人物が描かれ、戦闘、踊り、狩猟といった場面に加え、衣服などのその他の活動や細部も表現されている。人物像は一般的に薄い絵具でやや粗雑に描かれており、個々の人物像よりも、人間と動物の集団間の関係性がより丁寧に表現されている。他の岩絵群は数は少ないものの、多くは彩色ではなく彫刻で描かれており、同様の特徴を示している。イベリア半島の岩絵は、旧石器時代後期、中石器時代、新石器時代初期に及ぶ長い期間に遡ると考えられている。
先史時代のケルト美術は、鉄器時代のヨーロッパの大部分に遡り、主に高度に発達した金属工芸品として現存しています。これらの工芸品は、複雑で優雅な、そしてほとんどが抽象的なデザインで巧みに装飾されており、曲線や螺旋状のフォルムが特徴的です。人間の頭部や、全身像で表現された動物もいくつか見られますが、あらゆるサイズの全身像は非常に稀であり、その欠如は宗教的なタブーを表しているのかもしれません。ローマ人がケルト人の領土を征服すると、この様式はほぼ完全に消滅しました。しかし、ブリテン諸島では限定的に使用され続け、キリスト教の到来とともに、初期中世の島嶼様式として復活しました。
クレタ島のミノア文明は、ヨーロッパ最古の文明とみなされている。[ 18 ]ミノア美術は、想像力豊かなイメージと卓越した芸術性によって特徴づけられる。シンクレア・フッドは、「最高峰のミノア美術の本質的な特質は、高度に形式的な慣習に従いながらも、動きと生命の雰囲気を創り出す能力である」と述べている。[ 19 ]ミノア美術は、より広範なエーゲ海美術の一部を形成し、後世には一時的にキクラデス美術に支配的な影響を与えるようになった。木材や織物は分解してしまったため、現存するミノア美術のほとんどの例は、陶器、精巧に彫られたミノア印章、宮殿のフレスコ画（風景画を含む）、さまざまな素材の小さな彫刻、宝飾品、金属細工である。
ミノア美術と他の同時代の文化や後の古代ギリシア美術との関係については、これまで多くの議論がなされてきた。ミノア美術は明らかに同時代のミケーネ美術やキュクラデス美術を支配しており、ミケーネ人がクレタ島を占領した後でさえもその影響は残っていたが、ミケーネ文明の崩壊後のギリシア暗黒時代には、その伝統のごく一部しか生き残らなかった。[ 21 ]
ミノア美術は多様な主題を包含しており、その多くはさまざまな媒体で見られるが、人物像を含む陶器の様式はごく一部に限られている。牛跳びは絵画やいくつかの種類の彫刻に見られ、宗教的な意味合いを持っていたと考えられている。牛の頭もテラコッタやその他の彫刻素材でよく見られる主題である。個人の肖像画と思われるものや、明らかに王族である人物は存在せず、宗教的人物の正体はしばしば暫定的であり[ 22 ]、学者たちは彼らが神、聖職者、信者のいずれであるか確信が持てない[ 23 ] 。同様に、彩色された部屋が「聖域」であったのか世俗的なものであったのかもはっきりしない。アクロティリの1つの部屋は、ベッドの残骸があることから寝室であったとも、聖域であったとも主張されている[ 24 ] 。
珍しい種類の海洋生物を含む動物がしばしば描かれている。「海洋様式」は、MM III 期と LM IA 期の宮殿陶器の一種で、タコなどの海洋生物が器全体に描かれており、おそらく同様のフレスコ画の場面から派生したものと思われる。[ 25 ]これらの場面は他の媒体にも現れることがある。狩猟や戦争、馬と騎手の場面は、主に後期の時代に見られ、クレタ人がミケーネの市場向け、あるいはクレタ島のミケーネの支配者向けに作った作品である可能性がある。
ミノアの像は、人間であれ動物であれ、生命感と躍動感にあふれているが、正確さに欠けることが多く、種を特定するのが不可能な場合もある。古代エジプト美術と比較すると、より生き生きしていることが多いが、写実性には欠ける。[ 26 ]他の古代文化の美術と比較すると、女性像の割合が高い。しかし、ミノアには女神しかおらず、神はいなかったという考えは現在では否定されている。ほとんどの人物像は横顔か、頭と脚が横顔で胴体が正面を向いているというエジプトの慣習の変形である。それでも、ミノアの像は、男性の細い腰や女性の大きな胸などの特徴を誇張している。[ 27 ]
古代ギリシャには偉大な画家、彫刻家、建築家がいました。パルテノン神殿は、現代まで残る彼らの建築の好例です。ギリシャの大理石彫刻は、古典芸術の最高峰と評されることがよくあります。古代ギリシャの陶器や陶磁器に描かれた絵画は、古代ギリシャ社会がどのように機能していたかを知る上で特に有益な手がかりとなります。黒像式花瓶絵や赤像式花瓶絵は、ギリシャ絵画がどのようなものであったかを示す多くの現存例を提供しています。文献に言及されている有名なギリシャの木板画家には、アペレス、ゼウクシス、パルラシウスなどがいます。古代ギリシャの木板絵画の現存例はなく、同時代の人々や後世のローマ人による記述のみが残っています。ゼウクシスは紀元前5～6年に生きており、スフマート技法を最初に用いた人物と言われています。大プリニウスによれば、彼の絵画の写実性は鳥が描かれたブドウを食べようとするほどだったそうです。アペレスは、その完璧なデッサン技術、鮮やかな色彩、そして造形美によって、古代における最も偉大な画家と評されている。
ローマ美術はギリシャの影響を受けており、部分的には古代ギリシャの絵画や彫刻の子孫と見なすことができるが、イタリアのより地域的なエトルリア美術からも強い影響を受けている。ローマの彫刻は主に上流階級の肖像や神々の描写である。しかし、ローマの絵画には重要な独自の特徴がある。現存するローマ絵画の中には壁画があり、その多くは南イタリアのカンパニア地方、特にポンペイとヘルクラネウムのヴィラから出土している。こうした絵画は4つの主要な「様式」または時代に分類でき[ 29 ] 、トロンプルイユ、擬似遠近法、純粋な風景画の最初の例が含まれている可能性がある[ 30 ] 。
古代世界で現存する絵画肖像画のほとんどは、アル・ファユームの古代末期の墓地で発見された多数の胸像棺肖像画である。これらは、古代の最高傑作がいかに優れたものであったかを物語っている。古代末期の挿絵入り書籍に収められたごく少数の細密画も現存しており、中世初期の複製画はそれよりもかなり多く残っている。初期キリスト教美術は、ローマの民衆美術、そして後には帝国美術から発展し、これらの源泉から図像を取り入れた。
中世の美術作品で現存するもののほとんどは宗教的なものであり、教会、司教などの有力な聖職者、修道院などの共同体、あるいは裕福な世俗のパトロンによって資金提供されていた。その多くは、例えば行列用の十字架や祭壇画など、特定の典礼上の機能を持っていた。
中世美術に関する中心的な疑問の一つは、写実性の欠如である。ローマ帝国の崩壊とともに、美術における遠近法の知識や人体描写の理解の多くが失われた。しかし、写実性は中世の芸術家にとって主要な関心事ではなかった。彼らは宗教的なメッセージを伝えようとしており、そのためには精密な描写よりも、明確で象徴的なイメージが求められたのである。
時代区分：6世紀～15世紀
民族移動時代の美術とは、かつてローマ領だった地域に移住してきた「蛮族」の美術の総称である。ブリテン諸島では、7世紀から8世紀にかけてケルト美術がアングロ・サクソン人との接触を通じてゲルマンの伝統と融合し、ヒベルノ・サクソン様式または島嶼美術と呼ばれる様式が生まれ、中世の残りの期間に大きな影響を与えた。フランク人はメロヴィング朝美術を800年頃まで発展させ、その後カロリング朝美術は島嶼の影響と自覚的な古典復興を融合させ、オットー朝美術へと発展した。アングロ・サクソン美術は、島嶼時代以降のイングランドの美術である。装飾写本には、この時代の現存する絵画のほぼすべてが収められているが、建築、金属工芸、木や象牙の小さな彫刻も重要な媒体であった。
ビザンチン美術は、730年から843年の聖像破壊運動の時代まで、いわゆる初期キリスト教美術と重なり合ったり融合したりしていました。この運動によって、人物像を描いた美術作品の大部分が破壊され、現在ではごくわずかしか残っていないため、新たな発見は新たな理解をもたらします。843年から1453年にかけては、明確なビザンチン美術の伝統が確立されました。素材の質と芸術性において、中世で最も優れた美術作品の一つであり、制作の中心はコンスタンティノープルでした。ビザンチン美術の最高傑作は、ドーム型教会に描かれた壮大なフレスコ画やモザイク画でしたが、そのほとんどは自然災害や教会がモスクに改築されたために失われてしまいました。
ロマネスク美術とは、紀元1000年頃から12世紀にゴシック美術が台頭するまでの時代を指します。この時代は繁栄が著しく、スカンジナビアからシチリア島まで、ヨーロッパ全土で統一された様式が初めて用いられた時代でした。ロマネスク美術は力強く直接的で、元々は鮮やかな色彩が特徴であり、しばしば非常に洗練されています。ステンドグラスや金属細工へのエナメル装飾が重要な表現媒体となり、立体彫刻も発展しましたが、主な技法は高浮彫でした。建築様式は厚い壁、丸窓やアーチ、そして多くの彫刻装飾が特徴です。
ゴシック美術は、工芸、場所、時代によって定義が異なる用語です。この用語は1140年のゴシック建築に由来しますが、ゴシック絵画は1200年頃（この年代には多くの但し書きがあります）にロマネスク様式から分岐するまで現れませんでした。ゴシック彫刻は1144年にフランスのサン・ドニ修道院教会の改修で誕生し、ヨーロッパ中に広まり、13世紀までにはロマネスク様式に取って代わり、国際的な様式となりました。国際ゴシックは、1360年頃から1430年頃までのゴシック美術を指し、その後、ゴシック美術は場所や時期によってルネサンス美術へと融合していきます。この時期には、フレスコ画や板絵などの絵画形式が新たに重要視されるようになり、版画などの新しい媒体が登場してこの時代は終わりを迎えます。
ルネサンスは古代ギリシャとローマの芸術に焦点を当てたものであり、絵画と彫刻の技術的な側面と主題の両方に多くの変化をもたらしました。ルネサンスは、ローマの遺産と芸術家を支援するための物質的な繁栄に恵まれたイタリアで始まりました。ルネサンス期には、画家たちは遠近法の新しい技法を用いることで作品の写実性を高め、より忠実に三次元を表現し始めました。また、ティツィアーノの多くの肖像画に見られる明暗のコントラストや、レオナルド・ダ・ヴィンチによるスフマートとキアロスクーロの発展など、光と影を操作する新しい技法も使い始めました。彫刻家たちもまた、コントラポストなどの多くの古代の技法を再発見し始めました。この時代の人文主義の精神に倣い、芸術はより世俗的な主題を扱い、キリスト教のテーマと並んで古代神話を描くようになりました。この芸術のジャンルはしばしばルネサンス古典主義と呼ばれます。北方においては、ルネサンス期における最も重要な革新は、油絵具の普及であり、これによりより鮮やかな色彩と深みのある表現が可能になった。
13世紀後半から14世紀初頭にかけて、イタリアの絵画の多くはビザンチン様式で、特にシエナのドゥッチョやフィレンツェのチマブーエの作品が有名である一方、ローマのピエトロ・カヴァリーニの作品はよりゴシック様式であった。13世紀には、イタリアの彫刻家たちは中世の原型だけでなく、古代の作品からもインスピレーションを得るようになった。[ 33 ]
1290年、ジョットはより伝統的な手法から離れ、自然の観察に基づいた絵画制作を始めた。パドヴァのスクロヴェーニ礼拝堂にある彼の有名な連作は、ルネサンス様式の始まりと見なされている。
14世紀の他の画家たちは、ゴシック様式を極めて精緻かつ詳細に発展させた。中でも特筆すべき画家としては、シモーネ・マルティーニとジェンティーレ・ダ・ファブリアーノが挙げられる。
オランダでは、テンペラではなく油絵具を用いた技法が、金箔やエンボス加工に頼らない、自然界の微細な描写に基づく精緻な表現を可能にした。この時代には、写実的な質感表現の技法が発展した。ヤン・ファン・エイクやフーゴー・ファン・デル・グースといったオランダの画家たちは、後期ゴシック様式や初期ルネサンス様式の絵画に大きな影響を与えた。
ルネサンスの思想は、イタリアの都市国家フィレンツェで最初に芽生えた。彫刻家ドナテッロは、コントラポストなどの古典的な技法や、支えのない裸体像といった古典的な主題に回帰した。彼の2作目のダヴィデ像は、ローマ帝国以来ヨーロッパで制作された最初の自立型ブロンズ裸体像だった。彫刻家であり建築家でもあるブルネレスキは、古代ローマ建築の建築思想を研究し、インスピレーションを得た。マサッチオは、構図、個々の表現、人体形態といった要素を磨き上げ、特にブランカッチ礼拝堂のフレスコ画は、驚くほど優雅で、ドラマチックで、感情豊かな作品となった。
これらの著名な芸術家の多くが、フィレンツェ大聖堂の様々な部分の制作に携わりました。ブルネレスキが設計した大聖堂のドームは、ゴシック様式のフライングバットレス以来、真に革新的な建築技術の一つでした。ドナテッロは多くの彫刻を制作し、ジョットとロレンツォ・ギベルティも大聖堂の建設に貢献しました。
盛期ルネサンスの芸術家には、レオナルド ダ ヴィンチ、ミケランジェロ ブオナローティ、ラファエロ サンツィオなどが含まれます。
15世紀のイタリアにおける芸術的発展（例えば、遠近法、解剖学の描写、古典文化への関心など）は16世紀に成熟し、15世紀を「初期ルネサンス」、16世紀を「盛期ルネサンス」と呼ぶ所以となった。盛期ルネサンスを特徴づける単一の様式はないものの、この時代に最も深く関わったレオナルド・ダ・ヴィンチ、ラファエロ、ミケランジェロ、ティツィアーノの作品は、技術的にも美的にも驚くべき熟練度を示している。盛期ルネサンスの芸術家たちは、後世の芸術家たちが指導の参考にするほど権威ある作品を生み出した。こうした模範的な芸術作品は、芸術家の名声をさらに高めた。芸術家たちは神の啓示を受けたと主張することができ、それによって視覚芸術はかつて詩にのみ許されていた地位にまで高められたのである。こうして、画家、彫刻家、建築家はそれぞれの才能を発揮し、美術界において高い地位を確立することに成功した。ある意味で、16世紀の巨匠たちは、独自の表現権と由緒ある性格を持つ新たな職業を創造したと言えるだろう。
初期のネーデルラント絵画は、写実的に細部を描く際のコントロール性を高めるために油絵の技法を発展させた（厳密には発明したわけではない）――ヤン・ファン・エイク（1366年～1441年）は、装飾写本から板絵への 流れにおける重要な人物であった。
オランダの画家ヒエロニムス・ボス（1450年頃～1516年）は、北方ルネサンスにおけるもう一人の重要な人物である。彼は宗教的な主題を用いながらも、グロテスクな幻想、色彩豊かなイメージ、そして農民の民話とを融合させた。彼の絵画は、中世末期に伴う混乱と苦悩をしばしば反映している。
アルブレヒト・デューラーは15世紀末にイタリア・ルネサンス様式をドイツに導入し、ドイツ・ルネサンス美術を支配した。
期間：
ヨーロッパ美術において、ルネサンス古典主義はマニエリスムとバロックという二つの運動を生み出した。マニエリスムは古典主義の理想主義的な完璧主義への反動であり、光や空間構成の歪みを利用して絵画の感情的な内容や画家の感情を強調した。エル・グレコの作品は、16世紀後半から17世紀初頭にかけての絵画におけるマニエリスムの特に明確な例である。北方マニエリスムは発展に時間がかかり、主に16世紀後半の運動であった。バロック美術はルネサンスの具象主義を新たな高みへと引き上げ、美の追求において細部、動き、光、そしてドラマを強調した。おそらく最も有名なバロック画家は、カラヴァッジョ、レンブラント、ピーテル・パウル・ルーベンス、そしてディエゴ・ベラスケスであろう。
17世紀のオランダ黄金時代の絵画では、北方の写実主義の伝統からかなり異なる芸術が発展しました。そこには宗教画や歴史画はほとんどなく、代わりに静物画、日常風景を描いた風俗画、風景画といった世俗的なジャンルの発展に重要な役割を果たしました。レンブラントの芸術のバロック的性質は明らかですが、フェルメールや他の多くのオランダ人画家にはそのレッテルはあまり当てはまりません。フランドル・バロック絵画もこの傾向の一端を担いながら、伝統的なカテゴリーの作品も生み出し続けました。
バロック美術は、ローマ・カトリック教会の精神生活の復興における芸術的要素である対抗宗教改革の一部と見なされることが多い。さらに、バロック美術が壮大さを重視したことは、絶対主義的な性質を持つと見なされている。宗教的および政治的なテーマはバロック美術の文脈で広く探求され、ドラマ、感情、演劇性の強い要素が絵画と彫刻の両方を特徴づけていた。有名なバロック芸術家には、カラヴァッジョやルーベンスなどがいる。[ 37 ]アルテミジア・ジェンティレスキも注目すべき芸術家で、カラヴァッジョのスタイルに影響を受けた。バロック美術は特に装飾的で精巧であり、しばしば暗色の下地を持つ豊かで温かみのある色彩が使用された。ルイ14世の「私は壮大さの化身である」という言葉に見られるように、華やかさと壮大さはバロック芸術運動全般の重要な要素であり、多くのバロック芸術家は、この目標を実現しようとした王に仕えた。バロック美術は、多くの点でルネサンス美術と似ていました。実際、この用語は当初、過度に凝ったルネサンス以降の美術や建築を軽蔑的に表現するために使用されていました。[ 37 ]バロック美術は、後期ルネサンス美術をより精巧で劇的に再解釈したものと見なすことができます。
しかし、18 世紀までに、バロック美術は、多くの人がそれをあまりにも劇的で陰鬱だと考えたため、流行遅れになり、フランスで出現したロココに取って代わられました。ロココ美術はバロックよりもさらに精巧でしたが、真面目さは少なく、より遊び心がありました。[ 38 ]バロックが豊かで力強い色を使用したのに対し、ロココは淡くクリーム色の色調を使用しました。この芸術運動はもはや政治や宗教を強調せず、代わりにロマンス、祝祭、自然の鑑賞などのより軽いテーマに焦点を当てました。ロココ美術はまた、対称性を拒否して非対称のデザインを好むことが多かったため、バロックとは対照的でした。さらに、極東アジアの芸術形式や装飾からインスピレーションを得て、磁器の置物やシノワズリー全般の人気が高まりました。 [ 39 ] 18 世紀のスタイルは短期間繁栄しました。しかしながら、ロココ様式はすぐに人気を失い、多くの人々から意味よりも美学を重視するけばけばしく表面的な様式と見なされるようになった。新古典主義は、多くの点でロココ様式への反動として発展したが、その原動力となったのは、ロココ様式の華美な性質に対する嫌悪感であった。
18 世紀を通じて、ヨーロッパ各地でロココに対抗する反動運動が起こり、一般に新古典主義として知られています。新古典主義は、ロココ芸術の表面的な軽薄さを軽蔑し、古典古代、特に古代ギリシャとローマの簡素さ、秩序、そして「純粋主義」への回帰を望みました。この運動は、古典芸術に強く影響を受けたルネサンスの影響も受けていました。新古典主義は、啓蒙主義として知られる知的運動の芸術的要素であり、啓蒙主義は理想主義的で、客観性、理性、経験的真実を重視しました。新古典主義は 18 世紀を通じてヨーロッパ、特にイギリスで広く普及し、この時期には新古典主義の偉大な建築物が数多く出現しました。新古典主義が古典古代に魅了されていたことは、この10年間に裕福な貴族がイタリアやギリシャの古代遺跡を旅したグランドツアーの人気からも見て取れる。しかし、新古典主義にとって決定的な瞬間は18世紀後半のフランス革命中に訪れた。フランスではロココ美術が、より真面目なものと見なされた新古典主義美術に取って代わられた。多くの点で、新古典主義は政治的運動と芸術的・文化的運動の両方と見なすことができる。[ 40 ]新古典主義美術は秩序、対称性、古典的な簡素さを強調し、新古典主義美術の共通のテーマには、古代ギリシャやローマ美術でよく探求された勇気と戦争が含まれる。アングル、カノーヴァ、ジャック＝ルイ・ダヴィッドは最も有名な新古典主義者である。[ 41 ]
マニエリスムが古典主義を拒絶したのと同様に、ロマン主義も啓蒙主義の思想と新古典主義の美学を拒絶した。ロマン主義は新古典主義の極めて客観的で秩序だった性質を拒絶し、芸術に対してより個人的で感情的なアプローチを選んだ。[ 42 ]ロマン主義は、特に自然界の力と美しさを描写しようとする場合、自然と感情を重視し、芸術に対して極めて個人的なアプローチを求めた。ロマン主義芸術は、新古典主義とは異なり、共通のテーマではなく、個人の感情に関するものであった。このように、ロマン主義芸術は感情や情緒を表現するために色彩を多用した。[ 42 ]新古典主義と同様に、ロマン主義芸術も古代ギリシャとローマの芸術と神話から多くのインスピレーションを得たが、新古典主義とは異なり、このインスピレーションは主に象徴とイメージを創造する方法として使用された。ロマン主義芸術はまた、中世主義とゴシック主義、神話と民話から美的特質の多くを得ている。ロマン主義の最も偉大な芸術家の中には、ウジェーヌ・ドラクロワ、フランシスコ・ゴヤ、JMWターナー、ジョン・コンスタブル、カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ、トーマス・コール、ウィリアム・ブレイクなどがいる。[ 41 ]
多くの芸術家は、新古典主義とロマン主義の要素を取り入れ、それらを融合させるという中道的なアプローチを採用した。こうした様々な試みはフランス・アカデミー内で行われ、総称してアカデミック美術と呼ばれている。アドルフ・ウィリアム・ブーグローはこの芸術の流れを代表する代表的な人物とされている。
しかし、19世紀初頭、ヨーロッパの様相は産業革命によって劇的に変化した。「革命」によって生み出された新たな労働者階級は、貧困、不潔、そして絶望という運命を辿ることになった。こうした社会の変化に対応して、リアリズム運動が台頭した。リアリズムは、社会を変えることを期待して、貧困層の状況と苦難を正確に描写しようとした。本質的に人間性に対して楽観的であったロマン主義とは対照的に、リアリズムは貧困と絶望の厳しい現実を描き出した。同様に、ロマン主義が自然を賛美したのに対し、リアリズムは都市の荒廃した地の奥底での生活を描写した。ロマン主義と同様に、リアリズムも文学運動であると同時に芸術運動でもあった。偉大な写実主義の画家には、ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダン、ギュスターヴ・クールベ、ジャン＝フランソワ・ミレー、カミーユ・コロー、オノレ・ドーミエ、エドゥアール・マネ、エドガー・ドガ（両者とも印象派とみなされている）、トーマス・イーキンスなどが含まれる。
他の芸術とは対照的に、建築は産業化に対して歴史主義へと傾倒していった。この時期に建設された鉄道駅は、その精神を最も忠実に反映したものと見なされることが多く、「時代の聖堂」と呼ばれることもあるが、産業革命期の建築における主要な潮流は、ゴシック・リバイバルなど、遠い過去の様式の復興であった。関連する運動としては、ラファエロ以前の「純粋さ」への芸術の回帰を目指したラファエル前派や、大量生産品の非人間性に反発し、中世の職人技への回帰を提唱したアーツ・アンド・クラフツ運動などが挙げられる。
期間：
写実主義の自然主義的な倫理観から、印象派という主要な芸術運動が生まれました。印象派の画家たちは、人間の目で見た光を捉えようと、絵画における光の使い方を開拓しました。エドガー・ドガ、 エドゥアール・マネ、クロード・モネ、カミーユ・ピサロ、ピエール＝オーギュスト・ルノワールは、いずれも印象派運動に関わっていました。印象派の直接的な発展として、ポスト印象派が生まれました。ポール・セザンヌ、フィンセント・ファン・ゴッホ、ポール・ゴーギャン、ジョルジュ・スーラは、最もよく知られたポスト印象派の画家です。
印象派とポスト印象派に続いて登場したのがフォーヴィスムで、しばしば最初の「近代」美術のジャンルとみなされています。印象派が光の表現に革命を起こしたように、フォーヴィスムは色彩を再考し、キャンバスを鮮やかで奔放な色で彩りました。フォーヴィスム以降、近代美術はあらゆる形態で発展し始めました。客観的な作品を通して感情を喚起することを目的とした表現主義から、四次元の現実を平面のキャンバスに投影するキュビスム、そして抽象芸術まで、多岐にわたります。これらの新しい芸術形態は、伝統的な「芸術」の概念の限界を押し広げ、人間社会、技術、思想における急速な変化に対応していました。
シュルレアリスムはしばしば近代美術の一形態として分類されます。しかし、シュルレアリスト自身は、シュルレアリスムを美術史における一つの時代として研究することに異議を唱え、それは運動の複雑さを過度に単純化している（彼らはシュルレアリスムを芸術運動ではないと主張している）、シュルレアリスムと美学の関係を誤って表現している、そして現在も続くシュルレアリスムを、歴史的に完結した終焉の時代として誤って特徴づけていると主張しています。近代美術の他の形態（現代美術に近いものもある）には、以下のようなものがあります。
期間：
近代美術は、後にポストモダン美術と定義されるもののいくつかの特徴を予見していました。実際、ポップアートのように、近代美術のいくつかの運動は、近代とポストモダンの両方に分類されることがよくあります。たとえば、ポストモダン美術は、皮肉、パロディ、ユーモアを強く強調します。近代美術は、後にポストモダンの文脈で発展する、より皮肉なアプローチを発展させ始めました。ポストモダン美術は、ハイアートとファインアート、ローエンドアートとコマーシャルアートの境界を曖昧にします。近代美術はこの境界の曖昧化を実験し始めました。[ 42 ] 近年の美術の発展は、素材、メディア、活動、概念の点で、現在美術とみなせるものの著しい拡大によって特徴付けられています。特にコンセプチュアルアートは、大きな影響を与えています。これは、文字通り、作られたオブジェクトの代わりに概念を用いることから始まり、その意図の1つは、美術の商品化を否定することでした。しかし、現在では、オブジェクトが存在するものの、作品の主な主張は、それを形作った思考プロセスにある作品を指すのが一般的です。商業主義的な側面が作品に再び現れた。
また、過去の芸術運動や芸術家を参照し、その参照によって正当性を得るような芸術作品も増加している。
1960年代以降に発展したポストモダニズムは、モダニズムとは異なり、モダニズムの芸術運動は主に自分たちの活動や価値観に焦点を当てていたのに対し、ポストモダニズムはそれ以前のあらゆる運動を基準点としている。そのため、必然的に相対主義的な見方が生まれ、皮肉や価値観に対するある種の不信感が伴うようになった。それぞれの価値観は別の価値観に取って代わられる可能性があるからだ。この結果、商業主義や有名人の台頭も生じた。ポストモダニズムの芸術は、「美術」とみなされるものの一般的な規則や指針に疑問を投げかけ、低俗な芸術と美術を融合させ、どちらも完全に区別できない状態にした。[ 43 ] [ 44 ]ポストモダニズムの出現以前は、美術は、上流階級や教養のある階級にアピールすることを目的とした、ある種の美的品質、優雅さ、職人技、繊細さ、知的刺激によって特徴づけられていた。これにより、ハイアートとローアートが区別されました。ローアートは、安っぽく、キッチュで、簡単に作れて、知的刺激がほとんど、あるいは全くない、大衆にアピールすることを目的とした芸術と見なされていました。ポストモダンアートはこれらの区別を曖昧にし、キッチュ、商業主義、キャンプネスの強い要素を現代美術にもたらしました。[ 42 ]現在ファインアートと見なされているものは、ポストモダニズムがハイアートやファインアートの本質の概念を革新する前は、ローアートと見なされていたかもしれません。[ 42 ]さらに、現代美術のポストモダン的な性質は、アートシーンにおける個人主義のための多くの余地を残しています。たとえば、ポストモダンアートは、ゴシックやバロック美術などの過去の芸術運動からインスピレーションを得ることが多く、これらの過去の時代のスタイルを異なる文脈で並置したり再利用したりします。[ 42 ]
特にジョアン・ミロのようなシュルレアリストの中には、「絵画の殺害」を呼びかけ（1930年代以降の数々のインタビューで、ミロは従来の絵画技法への軽蔑と、より現代的な表現手段のためにそれらを「殺す」、「殺害する」、「強姦する」ことへの願望を表明した）[ 45 ]、絵画を非難したり、「取って代わろう」と試みた者もおり、ダダやコンセプチュアル・アートなどの芸術運動の中にも、絵画に反対する傾向が見られる。20世紀後半の絵画離れの傾向は、ミニマル・アート、リリカル・アブストラクション、ポップ・アート、オプ・アート、ニュー・リアリズム、フォトリアリズム、ネオ・ジオ、ネオ・エクスプレッショニズム、ニュー・ヨーロピアン・ペインティング、スタッキズム、エクセシビズム、その他さまざまな重要かつ影響力のある絵画の方向性の継続など、さまざまな運動によって対抗されてきた。