ジョセフ・ハイドン

ヨーゼフ・ハイドンはオーストリアのローラウという村で生まれた。ローラウは当時ハンガリーとの国境に位置していた。^{[ 6 ]}彼の父はマティアス・ハイドンで、車大工であり、「マルクトリヒター」、つまり市場の監督も務めていた。ハイドンの母マリア（旧姓コラー）は、ローラウの有力貴族であるハラッハ伯爵の宮殿で料理人として働いていた。両親とも楽譜を読むことはできなかったが、^{[ e ]}マティアスは熱心な民俗音楽家で、職人時代に独学でハープを習得した。ハイドンの後の回想録によると、彼の家族は非常に音楽的で、よく一緒に、また近所の人たちと歌っていたという。^{[ 7 ]}

ハイドンの両親は、息子が音楽の才能に恵まれていることに気づいており、ローラウでは本格的な音楽教育を受ける機会がないことを知っていました。そのため、ハイドンが6歳になる頃、近くのハインブルクで学校教師兼合唱指揮者をしていた親戚のヨハン・マティアス・フランクから、ハイドンをフランクの家に弟子入りさせて音楽家としての訓練を受けさせるという提案を受け入れました。こうしてハイドンはフランクと共にハインブルクへ行き、二度と両親と暮らすことはありませんでした。

ハイドンにとってフランク家での生活は楽なものではなく、後に彼は頻繁に空腹だったこと^{[ 8 ]}や、衣服の汚れた状態に屈辱を感じていたことを回想している^{[ 9 ]} 。しかし、彼は音楽の訓練をすぐに活かし、すぐにチェンバロとヴァイオリンの両方を演奏できるようになり、教会の聖歌隊ではソプラノパートも歌った。

ハイドンの歌声が聴いた人々に感銘を与えたと考える理由はある。なぜなら、1739年^{[ f ]} 、たまたまハインブルクを訪れていたウィーンのシュテファン大聖堂の音楽監督ゲオルク・ロイター（子）が、新しい聖歌隊員を探していた際にハイドンの歌声に感銘を受けたからである。ハイドンはロイターのオーディションに合格し、数ヶ月のさらなる訓練の後、ウィーンに移り（1740年）、そこで次の9年間聖歌隊員として働いた。

ハイドンは、ロイター、ロイターの家族、そして他の4人の聖歌隊員（1745年以降は弟のミヒャエルも加わった）と共に、大聖堂の隣にあるカペルハウスに住んでいた。 ^{[ 10 ]}聖歌隊員たちは、ラテン語やその他の学校科目、声楽、ヴァイオリン、鍵盤楽器の指導を受けた 。 ^{[ 11 ]}ロイターは音楽理論や作曲の分野ではハイドンにほとんど役に立たず、聖歌隊員として過ごした全期間を通して2回しかレッスンをしなかった。^{[ 12 ]}しかし、聖シュテファン大聖堂はヨーロッパ有数の音楽の中心地であったため、ハイドンはそこでプロの音楽家として働くことで多くのことを学んだ。^{[ 13 ]}

フランクと同様に、ロイターはハイドンがきちんと食事をとっているか常に気を配っていたわけではなかった。後に伝記作家のアルベルト・クリストフ・ディーズに語ったところによると、ハイドンは貴族の聴衆の前で演奏する機会が増えることを期待して、歌を上手に歌うことに意欲的だった。貴族の聴衆の前では、歌手に軽食が提供されるのが通例だった。^{[ 14 ]}アンソニー・トマシーニは、「マティアス・ハイドンは、聖歌隊指揮者からヨーゼフのソプラノの声を外科的に保存することを提案する手紙を受け取ったとき、恐怖を感じたかどうかは別として、罪悪感を感じたに違いない」と書いている。^{[ 15 ]}

1749年までに、ハイドンは肉体的に成熟し、もはや高い合唱パートを歌うことができなくなっていた。マリア・テレジア女帝自身もロイターに彼の歌唱について苦情を言い、「自慢げな歌い方」と呼んだ。^{[ 16 ]}ある日、ハイドンはいたずらをし、仲間の聖歌隊員の三つ編みを切り落とした。^{[ 16 ]}ロイターはこれに我慢できず、ハイドンはまず鞭で打たれ、その後即座に解雇され、路上に放り出された。^{[ 17 ]}彼は幸運にも友人のヨハン・ミヒャエル・シュパングラーに引き取られ、^{[ 18 ]}数ヶ月間、家族の狭い屋根裏部屋で暮らした。ハイドンはすぐにフリーランスの音楽家としてのキャリアを追求し始めた。

ハイドンは当初苦労し、音楽教師、街頭セレナーデ奏者などさまざまな仕事を転々としたが、最終的には1752年にイタリアの作曲家ニコラ・ポルポラの従者兼伴奏者となり、後に彼から「作曲の真の基礎」を学んだと述べている。^{[ 19 ]}また、短期間ではあるがフリードリヒ・ヴィルヘルム・フォン・ハウグヴィッツ伯爵に雇われ、ユーデンプラッツにあるボヘミア宰相府礼拝堂でオルガンを演奏した。^{[ 20 ]}

ハイドンは聖歌隊員だった頃、音楽理論や作曲の体系的な訓練を受けたことはなかった。そのため、ヨハン・ヨーゼフ・フックスのテキスト『Gradus ad Parnassum』にある対位法の練習に取り組み、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハの作品を注意深く研究した。後にハイドンはバッハを重要な影響源として認めている。^{[ 21 ]}彼はCPEバッハの最初の6つの鍵盤ソナタについて、「私はそれらを弾き終えるまで鍵盤から離れなかった。私をよく知る人なら、私がエマヌエル・バッハに多大な恩義があり、彼を理解し、熱心に研究してきたことを必ず知るだろう」と述べている。グリージンガーとディーズによれば、1750年代にハイドンはドイツの作曲家ヨハン・マッテゾンの百科事典的な論文を研究したという。^{[ 22 ]}

ハイドンは技量が向上するにつれて、まず喜劇俳優ヨーゼフ・フェリックス・フォン・クルツ（芸名ベルナルドン）のために作曲したオペラ『足を引きずる悪魔』（Der krumme Teufel ）の作曲家として、世間からの評価を得るようになった。この作品は1753年に初演され成功を収めたが、「不快な発言」のため検閲官によってすぐに上演中止となった。 ^{[ 23 ]}ハイドンはまた、自分が無償で提供した作品が地元の音楽店で出版・販売されていることに、特に不快感を示すことなく気づいていた。^{[ 24 ]} 1754年から1756年の間、ハイドンはウィーンの宮廷でフリーランスとして働いた。彼は、謝肉祭の時期に皇帝の子供たちのために開かれる舞踏会で補助音楽家として、また四旬節と聖週間に皇帝礼拝堂（ホーフカペレ）で補助歌手として報酬を受け取った数人の音楽家の一人だった。^{[ 25 ]}

名声が高まるにつれ、ハイドンはやがて貴族の庇護を得るようになり、それは当時の作曲家のキャリアにとって非常に重要なことだった。トゥーン伯爵夫人^{[ g ]}はハイドンの作品の一つを見て彼を呼び出し、歌と鍵盤楽器の教師として雇った^{[ h ]} 。 1756年、カール・ヨーゼフ・フュルンベルク男爵はハイドンを自身の田舎の領地ヴァインツィールに雇い、そこでハイドンは最初の弦楽四重奏曲を作曲した。それらの熱狂的な歓迎はハイドンにさらなる作曲を促した。フュルンベルクは後にハイドンをモルツィン伯爵に推薦し、モルツィン伯爵は1757年にハイドンの最初の常勤の雇用主となった^{[ i ] 。 [ 26 ]}

ハイドンはモルツィン伯爵の下でカペルマイスター、つまり音楽監督を務めた。当時のオーストリア帝国の多くの貴族と同様に、伯爵は自身の小規模なオーケストラを所有しており、ハイドンはその指揮と作曲を担当した。彼の年俸は立派な200フローリンで、食事と宿泊は無料だった。 ^{[ 27 ]}伯爵は典型的な貴族の生活を送っていた。冬は流行のウィーンで過ごし、夏は都会の暑さと埃から逃れて田舎の先祖伝来の領地、現在のチェコ共和国にあるウンテルルカヴィッツで過ごした。ハイドンと彼の楽団員は、雇い主がどこに住んでいようとも、雇い主に仕えた。^{[ 28 ]}ハイドンはモルツィン伯爵のために最初の交響曲を作曲した（おそらく10～20曲ほど。正確な数は不明）。^{[ 29 ]}フィリップ・ダウンズはこれらの初期の交響曲について次のようにコメントしている。「未来の種はそこにあり、彼の作品はすでに素材の豊かさと豊富さ、そして規律がありながらも多様な表現を示している。」^{[ 22 ]}

1760年、楽長としての地位が安定したハイドンは結婚した。妻はマリア・アンナ・テレジア・ケラー（1729年 - 1800年）^{[ 30 ]}で、ハイドンが以前恋していたテレーズ（1733年生まれ）の妹だった。ハイドンと妻の結婚生活は不幸で^{[ 31 ]} 、当時の法律ではそこから逃れることはできなかった。二人の間に子供はおらず、それぞれ愛人がいた。^{[ j ]}

モルツィン伯爵は間もなく財政難に陥り、音楽部門を解散せざるを得なくなったが、ハイドンはすぐに莫大な富を持つエステルハージ家の当主、パウル・アントン侯爵から同様の職をオファーされた（1761年） 。ハイドンの肩書きは副楽長に過ぎなかったが、彼はすぐにエステルハージ家の音楽部門の大部分を任され、前楽長のグレゴール・ヴェルナーは教会音楽のみの権限を保持した。1766年にヴェルナーが亡くなると、ハイドンは正式な楽長に昇格した。

エステルハージ家の「ハウスオフィサー」として、ハイドンは制服を着て、一家が様々な宮殿を移動するのに合わせて同行した。最も重要なのは、一家の先祖代々の居城であるアイゼンシュタットのエステルハージ城、そして後に1760年代にハンガリーの田園地帯に建てられた壮大な新宮殿エステルハーザであった。ハイドンは作曲、オーケストラの運営、パトロンのために、またパトロンと共に室内楽を演奏すること、そして最終的にはオペラの制作など、非常に幅広い責任を負っていた。この過酷な仕事量にもかかわらず、^{[ k ]}この仕事は芸術的にはハイドンにとって素晴らしい機会であった。^{[ 32 ] [ 33 ]}エステルハージ家の君主（パウル・アントン、そして1762年から1790年まではニコラウス1世）は音楽の目利きであり、彼の作品を高く評価し、毎日彼専用の小オーケストラを使わせてくれた。ハイドンがエステルハージ宮廷で働いた約30年間、彼は膨大な数の作品を生み出し、その音楽スタイルは発展し続けました。彼はこう振り返っています。「私の君主は私のすべての作品に満足してくださり、私は承認を得ました。オーケストラの指揮者として、実験を行い、何が効果を高め、何が効果を弱めるかを観察し、それによって改善し、付け加え、削り、リスクを冒すことができました。私は世間から隔絶され、私の歩みを妨げたり悩ませたりする人は周りに誰もいなかったので、独創的でなければなりませんでした。」^{[ 34 ]}

当時のハイドンの活動の多くは、彼の後援者であるニコラウス侯爵の音楽的嗜好に沿ったものであった。1765年頃、侯爵はバリトンを入手し、演奏を学び始めた。バリトンはバス・ヴィオールに似た珍しい楽器で、共鳴弦をはじいて音を出す。ハイドンは侯爵のために楽曲を提供するよう命じられ、その後10年間でこの楽器のために様々な編成で約200曲を作曲した。中でも最も有名なのは126曲のバリトン三重奏曲である。1775年頃、侯爵はバリトンを放棄し、新たな趣味に没頭した。それまで特別な機会に散発的に行われていたオペラ公演が宮廷の音楽生活の中心となり、侯爵がエステルハーザに建てたオペラ劇場は大規模なシーズンを開催するようになり、（ジョーンズによれば）「ヨーロッパのどの私立または公立オペラハウスにも匹敵するスケジュール」となった。^{[ 35 ]}ハイドンは事実上の劇団長として、歌手の採用と訓練、公演の準備と指揮を行った。彼は上演されたオペラのいくつかを作曲し、他の作曲家のオペラに挿入するための代替アリアも作曲した。

1779年はハイドンにとって転換点となる年だった。契約が再交渉され、それまで彼の作品はすべてエステルハージ家の所有物だったが、今後は他者のために作曲したり、出版社に作品を販売したりすることが許されるようになったのだ。ハイドンはすぐに作曲の重点をこれに合わせて変え（オペラを減らし、四重奏曲や交響曲を増やす）、オーストリア国内外の複数の出版社と交渉を行った。この新たな雇用契約は「ハイドンのキャリアにおける次の段階、すなわち国際的な人気獲得の触媒となった。ジョーンズが指摘するように、1790年までにハイドンは、ヨーロッパを代表する作曲家でありながら、ハンガリーの田舎の辺鄙な宮殿で義務に縛られた楽長として時間を過ごしていたという、矛盾した立場に置かれていた」。^{[ 36 ]}新しい出版キャンペーンの結果、多数の新しい弦楽四重奏曲が作曲されました（作品33、50、54 / 55、64の6つの四重奏曲セット）。ハイドンはまた、海外からの委嘱にも応えて作曲しました。パリ交響曲（1785～1786年）と、スペインのカディスからの委嘱による「キリストの七つの最後の言葉」のオリジナルの管弦楽版（1786年）です。

アイゼンシュタットよりもウィーンから遠いエステルハーザの辺鄙さは、ハイドンを次第に孤立と孤独を感じさせるようになった。^{[ 37 ]}彼はウィーンでの友人たちとの交流を切望していた。^{[ 38 ]}中でも特に重要だったのは、ウィーンのニコラウス侯爵の侍医の妻、マリア・アンナ・フォン・ゲンツィンガー（1754-1793）との友情で、彼女は1789年に作曲家と親密なプラトニックな関係を始めた。ハイドンはゲンツィンガー夫人に頻繁に手紙を書き、エステルハーザでの孤独と、ウィーンで彼女を訪ねることができた数少ない機会への喜びを伝えた。その後、ハイドンはロンドンから彼女に頻繁に手紙を書いた。1793年の彼女の早すぎる死はハイドンにとって大きな痛手であり、ピアノのためのヘ短調変奏曲Hob. XVII:6 は彼女の死を受けて書かれた可能性がある。^{[ 39 ]}

ウィーンでのもう一人の友人はヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトで、ハイドンは1784年頃に彼と出会った。マイケル・ケリーらの後の証言によると、二人の作曲家は時折、カール・ディッタース・フォン・ディッタースドルフ（第2ヴァイオリン）とヨハン・バプティスト・ヴァンハル（チェロ）と共に弦楽四重奏を演奏し、ジョヴァンニ・パイジエッロとジョヴァンニ・バッティスタ・カスティが出席する小規模な集まりで演奏した。^{[ 40 ]}モーツァルトの作品に感銘を受けたハイドンは、惜しみなくそれを他の人々に称賛した。モーツァルトは「ハイドン」四重奏曲でその敬意に応えた。1785年、ハイドンはモーツァルトと同じフリーメイソンのロッジ、ウィーンの「ツア・ワーレン・アイントラハト」に入会した。^{[ 41 ] [ l ]}

1790年、ニコラウス王子が亡くなり、息子のアントンが王子の地位を継承した。当時の風潮に従い、アントンは宮廷音楽家のほとんどを解雇することで経費削減を図った。 ^{[ 43 ]}ハイドンはアントンのもとで名目上の地位にとどまり、給料は400フローリンに減額されたが、ニコラウスから1000フローリンの年金も受け取っていた。^{[ 44 ]}アントンはハイドンのサービスをほとんど必要としていなかったため、ハイドンが旅行することを快諾し、作曲家はドイツのヴァイオリニストで興行主のヨハン・ペーター・サロモンから、イギリスを訪れて大編成のオーケストラで新しい交響曲を指揮するという魅力的なオファーを受け入れた。

ハイドンは当時すでにロンドンで非常に人気のある作曲家であったため、この選択は賢明なものであった。 1782年にヨハン・クリスティアン・バッハが亡くなって以来、ハイドンの音楽はロンドンのコンサートシーンを席巻しており、ジョーンズによれば「彼の作品が演奏されないコンサートはほとんどなかった」という。^{[ 45 ]}ハイドンの作品は、フォースター（ハイドンと独自の契約を結んでいた）やロングマン＆ブロデリップ（ハイドンのウィーンの出版社アルタリアのイギリスにおける代理店を務めていた）など、ロンドンの出版社によって広く流通していた。^{[ 45 ]}ハイドンをロンドンに招こうとする試みは1782年から行われていたが、ハイドンはニコラウス侯爵への忠誠心からこれを受け入れることができなかった。^{[ 45 ]}

モーツァルトや他の友人たちから温かい別れを告げられた後、^{[ 46 ]}ハイドンは1790年12月15日にサロモンと共にウィーンを出発し、 1791年の元旦にイギリス海峡を渡るのに間に合うようにカレーに到着した。58歳の作曲家が海を見たのはこれが初めてだった。ロンドンに到着したハイドンは、グレート・パルトニー・ストリート（ピカデリー・サーカス近く）にあるサロモンの家に滞在し、 ^{[ 47 ]}近くのブロードウッド・ピアノ社から借りたスタジオで作曲活動を行った。^{[ 47 ]}

ハイドンにとって非常に幸運な時期の始まりでした。1791年から1792年の旅と、1794年から1795年の再訪の両方が大成功を収めました。聴衆はハイドンのコンサートに押し寄せ、彼は名声を高め、大きな利益を得て、経済的に安定した生活を送るようになりました。^{[ m ]}チャールズ・バーニーは最初のコンサートを次のように評しました。「ハイドン自身がピアノフォルテを演奏し、その著名な作曲家の姿は聴衆を大いに興奮させ、イギリスの器楽音楽がこれまで引き起こしたことのないほどの注目と喜びを呼び起こしました。」^{[ n ]}ハイドンは多くの新しい友人を作り、しばらくの間、レベッカ・シュレーターと恋愛関係にありました。

音楽的には、ハイドンのイギリス訪問は、彼の最も有名な作品のいくつかを生み出した。その中には、「驚愕」 、「軍隊」、「鼓舞」、 「ロンドン」交響曲、騎手四重奏曲、ピアノ三重奏曲「ジプシー・ロンド」などがある。この事業全体が大成功を収めたとはいえ、旅が順風満帆だったわけではない。特に、最初のプロジェクトである委嘱オペラ「哲学者の魂」は、旅行の初期段階できちんと作曲されたものの、オペラの興行主であるジョン・ガリーニは、自身が経営するキングズ・シアターでオペラを上演するための許可を得ることができなかった。ハイドンはこのオペラで高額の報酬（300ポンド）を受け取ったが、多くの時間が無駄になった。^{[ o ]}こうして、1791年のサロモンの春のコンサートシリーズ12回のコンサートで初演できたのは、交響曲第95番と第96番「奇跡」の2曲だけだった。別の問題は、ライバルオーケストラであるプロフェッショナル・コンサートの嫉妬深い競争心から生じた。彼らはハイドンのかつての弟子であるイグナツ・プレイエルをライバルの客演作曲家として招聘した。2人の作曲家は、でっち上げられたライバル関係に加担することを拒否し、一緒に食事をし、互いの交響曲をコンサートプログラムに載せた。

1791 年 6 月にサロモンのシリーズが終了したことで、ハイドンは比較的暇な時間を持つことができた。彼は田舎（ハーティングフォードベリー）で過ごした時間もあったが、^{[ 48 ]}旅行する時間もあり、特にオックスフォードを訪れ、大学から名誉博士号を授与された。この機会に演奏された交響曲第 92 番は、2 年前の 1789 年に作曲されたものだが、その後オックスフォード交響曲として知られるようになった。 ^{[ 49 ]}さらに 4 つの新しい交響曲 (第93番、第 94 番、第 97番、第98 番) が 1792 年初頭に演奏された。ローゼンはオックスフォード交響曲について、「この作品とモーツァルトのプラハ交響曲によって、古典派交響曲はついにバロック、オラトリオ、オペラといった偉大な公共ジャンルの壮大さに達した」と述べている。^{[ 50 ]}

1790年にロンドンへ旅行中、ハイドンは故郷のボンで若きルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンと出会った。ハイドンの帰国後、ベートーヴェンはウィーンに来て、2度目のロンドン旅行までハイドンの弟子となった。ハイドンは夏の間、あまりすることがなかったアイゼンシュタットにベートーヴェンを連れて行き、ベートーヴェンにいくつかの対位法を教えた。^{[ 51 ]}ウィーン滞在中、ハイドンは郊外に妻と暮らすための家を購入し、改築を始めた。また、ロンドン交響曲の一部を地元のコンサートで演奏する手配もした。1792年には、スラウで天文学者で作曲家のウィリアム・ハーシェルを訪ね、それがオラトリオ『天地創造』に影響を与えた。^{[ 52 ]}

ハイドンが2度目のイギリス旅行（1794～1795年）で到着する頃には、彼はロンドンのコンサート界ではお馴染みの存在となっていた。1794年のシーズンは、プロフェッショナル・コンサートが活動を中止したため、サロモン楽団が中心となっていた。コンサートでは、第99番、第100番、第101番の交響曲が初演された。1795年、サロモンは「海外から一流の声楽家を確保するのが難しい」ことを理由に自身のシリーズを中止し、ハイドンはヴァイオリニストのジョヴァンニ・バッティスタ・ヴィオッティが率いるオペラ・コンサートと手を組んだ。コンサート会場は、500席のハノーバー・スクエア・ルームから、800席のキングズ・シアター内の新しいホールに移された。 ^{[ 53 ]}これらのコンサートでは、ハイドンの最後の3つの交響曲、 102、103（「太鼓の転がし」）、104 （ 「ロンドン」）が初演された。1795年のシーズンの終わりに開催されたハイドンのための最後の慈善コンサート（「ハイドン博士の夜」）は大成功を収め、おそらく彼のイギリスでのキャリアの頂点であった。ハイドンの伝記作家グリージンガーは、ハイドンが「イギリスで過ごした日々を人生で最も幸せな日々と考えていた。彼はそこでどこでも高く評価され、新しい世界が開かれた」と書いている。^{[ 54 ]}

ハイドンは1795年にウィーンに戻った。アントン侯爵が亡くなり、後継者のニコラウス2世はエステルハージ家の音楽界を復活させ、ハイドンを再び楽長に任命することを提案した。ハイドンは非常勤でその職を引き受けた。彼は夏をアイゼンシュタットのエステルハージ家と過ごし、数年の間に1798年のネルソン提督ミサ曲を含む6曲のミサ曲を作曲した。

この頃にはハイドンはウィーンで公人として認められるようになっていた。彼はほとんどの時間を郊外のヴィントミューレにある大きな家で過ごし、^{[ p ]}公開演奏のための作品を作曲した。台本作家であり師でもあるゴットフリート・ファン・スヴィーテンと協力し、ファン・スヴィーテンの協会の資金援助を受けて、彼は2つの偉大なオラトリオ『天地創造』（1798年）と『四季』（1801年）を作曲した。前者の台本は創世記、詩篇、ジョン・ミルトンの『失楽園』に基づいている。^{[ 55 ]}ハイドンは頻繁に公の場に姿を現し、大編成の音楽家によるトンキュンストラー協会のプログラムなど、慈善事業のために『天地創造』や『四季』の演奏を指揮することが多かった。彼はまた、器楽曲も作曲した。人気の高いトランペット協奏曲や、弦楽四重奏曲の長いシリーズの最後の9曲、第5番、皇帝、日の出などである。 1797年、ロンドンで聴衆が国王陛下万歳を歌っているのを聴いて直接インスピレーションを受けたハイドンは、愛国的な「皇帝の賛歌」「 Gott erhalte Franz den Kaiser」（「神よ、フランツ皇帝陛下を守りたまえ」）を作曲した。これは大成功を収め、「第一次世界大戦までオーストリアのアイデンティティの不朽の象徴」となった。^{[ 56 ]}この旋律はフォン・ファラースレーベンの「ドイツの歌」 （1841年）に使用され、その第3節は今日ドイツの国歌となっている。

この成功期の晩年、ハイドンは老いの兆候と健康状態の変動に直面し、最後の作品を完成させるのに苦労した。1802年に作曲された彼の最後の主要作品は、エステルハージ家のために書かれたミサ曲第6番「ハルモニエミサ」である。

1803年末までに、ハイドンの体調は悪化し、作曲が物理的に不可能になった。彼は衰弱、めまい、集中力の低下、そして痛みを伴う脚の腫れに苦しんだ。ハイドンの時代には診断が不明確であったため、正確な病名を特定することはおそらく不可能だろうが、ジョーンズは動脈硬化症を示唆している。^{[ 57 ]}この病気はハイドンにとって特に辛かった。なぜなら、新しい音楽的アイデアの流れは衰えることなく続いたものの、それを作曲として形にすることができなくなったからである。^{[ q ]}伝記作家のディーズは、1806年にハイドンが次のように語ったと報告している。

何かすることがなければ気が済まないのです。たいてい音楽のアイデアが拷問のように私を追いかけてきて、逃れることができません。まるで壁のように私の前に立ちはだかるのです。アレグロを追いかけてくると、脈拍はどんどん速くなり、眠ることができません。アダージョなら、脈拍がゆっくりになっていることに気づきます。私の想像力は、まるで私がクラヴィーアであるかのように私を弄ぶのです。」^{[ r ]}ハイドンは微笑み、顔に血が上り、「私は本当に生きているクラヴィーアなのです」と言いました。

ハイドンのキャリアの終焉は徐々に訪れた。エステルハージ家は彼を最後まで楽長として留任させた（ずっと前に前任者のヴェルナーに対して行ったのと同様である）が、音楽部門を率いる新しいスタッフを任命した。1802年にヨハン・ミヒャエル・フックスが副楽長に^{[ 56 ]}、1804年にヨハン・ネポムク・フンメルがコンサートマスターに就任した^{[58]。ハイドンがアイゼンシュタットで過ごした最後の夏は1803年で[ 56 ]}、^{指揮者として}公衆の前に立った最後の機会は、 1803年12月26日の「七つの最後の言葉」の慈善公演であった。衰弱が始まると、彼は作曲にほとんど無駄な努力を重ね、10代の頃に再発見されたミサ・ブレヴィスを改訂し、最後の弦楽四重奏曲を完成させようとした。以前のプロジェクトは1805年に完全に放棄され、四重奏曲は2楽章のみで出版された。^{[ 59 ]}

ハイドンは召使いたちに手厚く世話され、晩年には多くの訪問者や公的な栄誉を受けたが、彼にとって決して幸せな日々ではなかっただろう。^{[ 60 ]}病床にあったハイドンは、しばしばピアノの前に座って「皇帝の賛歌」を演奏することで慰めを見出した。1808年3月27日、彼の栄誉を称えるために「天地創造」の演奏会が企画され、最後の勝利を収めた。非常に衰弱した作曲家は、トランペットとドラムの音とともに肘掛け椅子に乗せられてホールに運ばれ、ベートーヴェン、サリエリ（演奏会を指揮した人物）、その他の音楽家や貴族たちに迎えられた。ハイドンはこの経験に感動すると同時に疲れ果て、休憩時間に退席しなければならなかった。^{[ 61 ]}

ハイドンはその後14ヶ月間生きた。彼の最期の日々は決して穏やかなものではなかった。1809年5月、ナポレオン率いるフランス軍がウィーンを攻撃し、5月10日には彼の近所を砲撃した。グリージンガーによれば、「4発の砲弾が落ち、彼の家の窓やドアを揺らした。彼は驚いて怯える人々に大声で叫んだ。『子供たちよ、恐れるな。ハイドンがいるところには、何の危害も及ばない！』しかし​​、精神は肉体よりも強く、勇敢な言葉を口にしたかと思うと、全身が震え始めた。」^{[ 62 ]}その後も砲撃が続き、5月13日にウィーンはフランス軍の手に落ちた。^{[ 63 ]}しかし、5月17日、スレミーという名のフランス騎兵将校が敬意を表しに訪れ、 『天地創造』のアリアを巧みに歌ったとき、ハイドンは深く感動し、感謝した。^{[ s ]}

5月26日、ハイドンは「皇帝の賛歌」をいつも以上に熱心に3回演奏した。その日の夕方、彼は倒れ、死の床に運ばれた。^{[ 62 ]} 彼は1809年5月31日午前0時40分、77歳で自宅で安らかに息を引き取った。^{[ 63 ]} 6月15日、ショッテン教会で追悼式が行われ、モーツァルトのレクイエムが演奏された。ハイドンの遺体は、1820年にニコラウス侯爵によってアイゼンシュタットに移されるまで、地元のフントシュトゥルム墓地に埋葬されていた。彼の頭部は別の道をたどった。埋葬後まもなく骨相学者に盗まれ、頭蓋骨が他の遺体と再会したのは1954年になってからで、現在はベルク教会の北塔の墓に埋葬されている。

ハイドンの音楽の中心的な特徴は、非常に短く単純な音楽的モチーフからより大きな構造を発展させていく点であり、これらのモチーフはしばしば標準的な伴奏音型から派生している。音楽はしばしば形式的に凝縮されており、楽章の重要な音楽的出来事は比較的速やかに展開される。W・ディーン・サトクリフは、当時のハイドンの演奏実践に対する批判の中でこの点に言及している。

ハイドンの音楽は時として「神経を頼りに生きている」ように思える …ハイドンの演奏がしばしば失敗するのは、まさにこの点においてであり、ほとんどの演奏家はハイドンの音楽の絶えず変化する「様相」に対処する精神的な敏捷性に欠け、代わりにモーツァルトの演奏で培った、より広い効果への配慮や気楽な態度に陥ってしまうのである。^{[ 75 ]}

ハイドンの作品は、後にソナタ形式と呼ばれるようになる形式の発展において中心的な役割を果たしました。しかし、彼の作曲方法は、同じくこの作曲形式に秀でていた同時代の若い作曲家であるモーツァルトやベートーヴェンとはいくつかの点で異なっていました。ハイドンは、属調を確立する音楽が冒頭の主題と似ているか同一である、いわゆる単一主題提示部を特に好みました。また、ハイドンは再現部においてもモーツァルトやベートーヴェンとは異なり、提示部と比較して主題の順序をしばしば変更し、広範な主題展開を用います。これらの「再構成された再現部」について、ローズマリー・ヒューズは次のように書いています。

「発展」し始めると、彼は止まることができなかった。彼の要約は不規則な輪郭を帯び始め、時には鋭く凝縮され、時には驚くほど拡張され、最初の穏やかな対称性を失って、はるかに高次の、より満足のいく秩序のバランスを取り戻した。^{[ 76 ]}

ハイドンの形式的な独創性は、フーガを古典派様式に取り入れ、ロンド形式をよりまとまりのある調性論理で豊かにすることにもつながった（ソナタ・ロンド形式を参照）。ハイドンはまた、2つの主題を交互に演奏する二重変奏形式の主要な提唱者でもあり、これらの主題はしばしば互いに長調と短調のバージョンである。

ハイドン研究者のカール・ガイリンガーは、ハイドンの音楽の多くが純粋な喜びに満ちていることを強調している。

ハイドンのこの世の美への愛から、彼の創作活動の全期間を通して見られる陽気さと肯定的な精神が生まれた。晩年になっても、この陽気さは完全には失われなかった。長く困難な人生のあらゆる変遷を通して維持された勝利の楽観主義によって育まれたこの輝かしい喜びは、幾度となく現れ、ハイドンは同胞にこの特別な贈り物を分かち合うことを自らの使命と考えていた。^{[ 78 ]}

ハイドンの音楽によく見られる至福感は、チャールズ・ローゼンも注目しており、（ピアノ三重奏曲Hob. XV:13の主題について）次のように書いている。

ハイドンは、他の作曲家には真似できない、完全に彼独自の感情、つまり全く官能的ではなく、ほとんど愛想の良い恍惚感を生み出す能力を持っていた。この効果を生み出すためのレシピはない… ^{[ 79 ]}

ハイドンの作品の中には、この明るい性格とは対照的な、際立った例外となる作品が少数ながら存在する。感情的な暗さを探求した作品としては、 『キリストの七つの最後の言葉』、弦楽四重奏曲作品76第5番のラルゴ楽章（ハイドン自身が「mesto」（悲しげに）と記している）、そして広く賞賛されているピアノのための変奏曲ヘ短調のコーダなどが挙げられる。

ハイドンの音楽は、他のどの作曲家よりもユーモアに富んでいることで知られています。特に、ジョークとして聞こえる不釣り合いな楽節が特徴です。^{[ v ]}最も有名な例は、交響曲「驚愕」の緩徐楽章における突然の大きな和音です。ハイドンの他の多くの音楽的ジョークには、多数の偽終結（例えば、四重奏曲作品33第2番と作品50第3番）や、作品50第1番の第3楽章の三重奏部分に配置された驚くべきリズムの錯覚などがあります。 ^{[ 80 ]}ハイドンは交響曲「驚愕」の大きな和音について次のように説明しています。「私は聴衆を何か新しいもので驚かせ、華々しいデビューを飾りたいと思っていました。当時ロンドンのオーケストラに雇われ、私のコンサートの1週間前にコンサートが始まった私の弟子プレイエルに負けたくなかったのです。」^{[ 81 ]}

ハイドンの速い楽章は、リズミカルに推進力があり、特に終楽章では大きなエネルギーを感じさせる傾向があります。ハイドンの「陽気な」終楽章の典型的な例としては、交響曲第104番「ロンドン」、弦楽四重奏曲作品50第1番、ピアノ三重奏曲Hob XV: 27などが挙げられます。ハイドンの初期の緩徐楽章は、通常テンポが遅すぎず、ゆったりとしていて、思索的です。後になると、緩徐楽章の感情の幅が広がり、特に弦楽四重奏曲作品76第3番と第5番、交響曲第98番と第102番、ピアノ三重奏曲Hob XV: 23の深く感情のこもった緩徐楽章で顕著です。メヌエットは、強い拍子を持ち、明らかにポピュラーな性格を持っています。時が経つにつれ、ハイドンは自身のメヌエットの一部を、より速いテンポの「スケルツィ」へと変化させていった。スケルツィは1小節に1拍のテンポである。

ハイドンの生涯は、バロック音楽の最も有名な巨匠たちの生涯とかなり重なっていた。彼はJ.S.バッハの死の18年前、ヘンデルの死の27年前に生まれた。しかし、カール・ガイリンガーによれば、彼に影響を与えたモデルは、これらの作曲家たちではなく、特にウィーンで勃興しつつあった古典様式の初期発展のリーダーたち、すなわち彼の雇い主であったヨハン・ゲオルク・ロイター、ゲオルク・クリストフ・ヴァーゲンザイル、ゲオルク・マティアス・モンであった。これらの作曲家は、今日広く演奏されている曲は書いていない。^{[ 82 ]}これは探求と不確実性の時代であり、ハイドン自身もこの時代の音楽の探求者の一人であった。^{[ 83 ]}ハイドンはキャリアのかなり早い段階で、ウィーン以外の作曲家、J.S.バッハの息子カール・フィリップ・エマヌエル・バッハの音楽を発見し、すぐに敬うようになった。ガイリンガーは、ハイドンがバッハの作品の感情の深さに衝撃を受けたことを強調している。「それまで彼はロココ音楽の陽気で表面的な表現に慣れ親しんでいたが、ここで彼は深く心を揺さぶり興奮させる作品を見つけた。」^{[ 21 ]}

ハイドンのその後の作品を、彼が作曲した60年間（1749年頃から1802年頃まで）にわたって辿ると、複雑さと音楽的な洗練度が徐々に着実に増していき、それはハイドンが自身の経験や同僚の経験から学んだことで発展したことがわかる。^{[ 84 ]}ハイドンの音楽スタイルの進化には、いくつかの重要な節目が見られる。

1760年代後半から1770年代前半にかけて、ハイドンは「シュトゥルム・ウント・ドラング」（「嵐と緊張」）と呼ばれる様式の時代に入った。この用語はほぼ同時期の文学運動から取られたものだが、音楽の発展は実際には文学の発展より数年先行していたようだ。^{[ w ]}この時代の音楽語法は以前のものと似ているが、特に短調の作品において、より強烈な表現力を持つ作品に用いられている。ジェームズ・ウェブスターはこの時代の作品を「より長く、より情熱的で、より大胆」と評している。^{[ 85 ]}この時代の最も有名な作品には、交響曲第44番「哀悼」、交響曲第45番「別れ」、ピアノソナタ ハ短調（Hob. XVI/20、L. 33）、そして6つの「太陽」四重奏曲作品20などがあり、いずれも1771年から72年頃の作品である。ハイドンがバロック様式のフーガの作曲に興味を持つようになったのもこの頃で、作品20の四重奏曲のうち3曲はフーガで終わっている。

「シュトゥルム・ウント・ドラング」のクライマックスの後、ハイドンはより軽快で、より露骨に娯楽的なスタイルに戻った。この時期には四重奏曲はなく、交響曲には新しい特徴が見られる。スコアにはトランペットやティンパニがしばしば含まれる。これらの変化は、ハイドンの仕事上の大きな変化と関連していることが多く、彼は器楽曲から離れて喜劇オペラの制作へと向かった。オペラのいくつかはハイドン自身の作品である（ヨーゼフ・ハイドンのオペラ一覧を参照）。これらは今日ではほとんど上演されない。ハイドンは時折、オペラの音楽を交響曲に再利用し^{[ 86 ]} 、この多忙な10年間、交響曲作曲家としてのキャリアを継続するのに役立った。

1779年、ハイドンの契約に重要な変更が加えられ、雇用主の事前の許可なしに作品を出版できるようになった。これがハイドンに器楽曲の作曲家としてのキャリアを再開するきっかけを与えたのかもしれない。この変更は1781年に最も劇的に現れ、ハイドンは作品33の弦楽四重奏曲6曲を出版し、（購入希望者への手紙で）それらが「新しく全く特別な方法」で書かれたと発表した。^{[ x ]}チャールズ・ローゼンは、ハイドンのこの主張は単なるセールストークではなく、非常に真剣なものであったと主張し、これらの四重奏曲に現れるハイドンの作曲技法の重要な進歩をいくつも指摘している。これらの進歩は、古典派様式が満開を迎えたことを示すものである。これらには、各モチーフが前のモチーフから途切れることなく出現する流動的なフレーズ形式、伴奏素材を旋律素材へと発展させる手法、そして各楽器パートが独自の完全性を保つ一種の「古典的対位法」などが含まれる。これらの特徴は、ハイドンが作品33以降に作曲した多くの四重奏曲にも引き継がれている。^{[ y ]}

1790年代、イギリス旅行に刺激を受けたハイドンは、ローゼンが「ポピュラー・スタイル」と呼ぶ作曲法を発展させた。これは、前例のない成功を収め、大衆に非常に魅力的な音楽を生み出しながらも、学術的で厳密な音楽構造を維持した。^{[ z ]}ポピュラー・スタイルの重要な要素は、民謡や民謡風​​の素材を頻繁に使用することであった（ハイドンと民謡を参照）。ハイドンは、ソナタの提示部の終わりやフィナーレの冒頭の主題など、適切な場所にこの素材を配置するよう注意を払った。このような場所では、民謡素材は安定の要素として機能し、より大きな構造を支えている。^{[ 88 ]}ハイドンのポピュラー・スタイルは、12の「ロンドン」交響曲、後期の四重奏曲とピアノ三重奏曲、2つの後期のオラトリオなど、彼の後期の作品のほぼすべてに聴くことができる。

1795年のウィーンへの帰還は、ハイドンのキャリアにおける最後の転換点となった。彼の音楽スタイルはほとんど変化しなかったものの、作曲家としての意図は変わった。かつて召使いとして働き、後に多忙な実業家となったハイドンは、頻繁に締め切りに追われながら、作品を素早く大量に作曲していた。裕福になったハイドンは、時間をかけて後世のために作曲する特権を得たと感じていた。これは、『天地創造』（1798年）と『四季』（1801年）の主題にも反映されており、人生の意味や人類の目的を扱い、崇高を音楽で表現しようとする試みとなっている。ハイドンの新たな意図は、一つの作品に多くの時間を費やすことも意味していた。どちらのオラトリオも完成までに1年以上を要した。ハイドンはかつて、『天地創造』にこれほど長い時間を費やしたのは、それが永続的なものとなることを願ったからだと述べている。^{[ 89 ]}

ハイドンの作曲手法の変化は、他の作曲家たちがすぐに彼の後に続いたことから、クラシック音楽の歴史において重要な意味を持つ。1792年にベートーヴェンがボンからウィーンへ移った際、彼の後援者であったフェルディナント・エルンスト・ガブリエル・フォン・ヴァルトシュタイン伯爵は、「あなたはハイドンの手を通してモーツァルトの精神を受け取るでしょう」と記した。1814年には、E.T.A.ホフマンが、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンが「新しい芸術を発展させた」と述べている。^{[ 90 ]}アンソニー・トマシーニは、 『天地創造』で聴かれるハイドンの言葉による絵画の技巧について次のように述べています。「それは、形も虚無もない大地を想起させるオーケストラの前奏曲『混沌の表現』で始まります。ハイドンの音楽は、心に残るほど捉えどころがなく、和声的に気まぐれで、旋律の断片と不気味な楽器の効果があります。最初のぎこちなくためらいがちな合唱のエピソードで、合唱団が神の言葉『光あれ』を伝えるとき、そのクライマックスの瞬間――「光」という言葉――音楽はきらめくハ長調の和音へと爆発し、その音楽はあまりにも素晴らしく明るいので、目を細める必要さえ感じます。」^{[ 55 ]}

20世紀の学者にとって、ハイドンが作曲したすべての作品を探し出して出版すること、そして（悪質な出版社によって）ハイドンの名で流通していた他の作曲家による膨大な数の作品を選別することは、大変な作業でした。こうした研究は、1978年にアンソニー・ヴァン・ホボケンによって完成したハイドン作品の大規模なカタログという形で結実しました。彼の作品は通常「ホボケン・カタログ」と呼ばれ、各作品にホボケン番号（略称H.またはHob.）と呼ばれるカタログ番号が割り当てられています。これらのホボケン番号は、ハイドンの作品を特定する際によく用いられます。

ハイドンの弦楽四重奏曲にもホーボーケン番号が付けられていますが、通常は作品番号で識別されます。作品番号には、ハイドンがまとめて出版した6つの四重奏曲のグループを示すという利点があります。例えば、弦楽四重奏曲作品76第3番は、 1799年に作品76として出版された6つの四重奏曲のうちの3番目です。

作曲家が使用した「ウィーンのアントン・ワルター」フォルテピアノが現在、アイゼンシュタットのハイドン・ハウスに展示されている。^{[ 91 ]} 1788年にウィーンでハイドンはヴェンツェル・シャンツ製のフォルテピアノを購入した。作曲家が初めてロンドンを訪れた際、イギリスのピアノ製作者ジョン・ブロードウッドがコンサートグランドピアノを提供した。^{[ 92 ]}

伝記資料

批評と分析