ヨーロッパの芸術

ヨーロッパ美術は西洋美術とも呼ばれ、ヨーロッパの視覚芸術の歴史を網羅しています。ヨーロッパの先史時代の美術は、可動式後期旧石器時代の岩絵や洞窟壁画、ペトログリフ美術として始まり、旧石器時代から鉄器時代までの時代を特徴づけていました。^[1] ヨーロッパ美術の歴史書は、紀元前3千年紀のエーゲ海文明から始まることが多い。しかし、ヨーロッパにおける一貫した芸術的発展のパターンは、古代ギリシャ美術で初めて明らかになります。古代ギリシャ美術はローマ帝国に採用され、変容してヨーロッパ、北アフリカ、西アジアの大半に広まりました。^[2]

古典期の芸術の影響はその後の2000年間にわたって増減を繰り返し、中世の一部では遠い記憶の中に消え去り、ルネサンス期には再び現れ、バロック期には初期の美術史家が「衰退」とみなした時期を経験し、^[3]新古典主義では洗練された形で再登場し、 ^[4]ポストモダニズムでは再び生まれ変わった。^[5]

1800年代以前は、キリスト教会がヨーロッパの芸術に大きな影響を与え、教会からの委託が芸術家の主な仕事の源となっていた。同時期には、古典神話、大戦争、英雄やヒロイン、宗教とは関係のないテーマへの関心も新たに高まった。^{[6]過去200年間の芸術のほとんどは宗教とは関係なく、特定の}イデオロギーをまったく持たずに制作されてきたが、パトロンや芸術家の懸念を反映してか、芸術はしばしば政治問題に影響されてきた。

ヨーロッパの芸術は、歴史的にさまざまな地域でさまざまなスタイルが栄えたため、いくつかの様式の時代に分かれています。大まかに分けると、古典、ビザンチン、中世、ゴシック、ルネッサンス、バロック、ロココ、新古典主義、近代、ポストモダン、新ヨーロッパ絵画です。^[6]

ヨーロッパの先史時代の美術は、ヨーロッパの文化遺産の重要な部分です。^{[7]先史時代の美術史は通常、}石器時代、新石器時代、青銅器時代、鉄器時代の 4つの主要な時代に分けられます。この時代に残っている遺物のほとんどは、小さな彫刻と洞窟壁画です。

現存する先史時代の美術の多くは小型の持ち運び可能な彫刻であり、中央ヨーロッパ各地で発見されたヴィレンドルフのヴィーナス（紀元前24,000-22,000年）などの女性のヴィーナス像の小グループがある。 ^[8]紀元前30,000年頃の高さ30センチメートルの「狼の像」には、それと関連のある作品はほとんどない。紀元前11,000年頃の「泳ぐトナカイ」は、上部旧石器時代の美術における動物の骨や角のマドレーヌ彫刻の中でも最も優れた作品の一つだが、彫刻に分類されることもある彫刻作品のほうが数では劣る。^{[9]ヨーロッパでは中}石器時代の始まりとともに具象彫刻は大幅に減少し、^[10]ヨーロッパ鉄器時代のグンデストルップの大釜や青銅器時代のトルンドホルムの太陽戦車などの作品はあるものの、ローマ時代まで実用品のレリーフ装飾に比べると芸術においてあまり一般的ではない要素のままでした。^[11]

ヨーロッパ最古の洞窟壁画は40,800年前のもので、スペインのエルカスティージョ洞窟で見ることができます。 ^[12] その他の洞窟壁画の遺跡には、ラスコー、アルタミラ洞窟、クサック洞窟、ペッシュ・メルル、ニオー洞窟、ショーヴェ洞窟、フォン・ド・ゴーム、イギリス・ノッティンガムシャーのクレスウェル・クラッグス（2003年に洞窟のエッチングと浅浮彫が発見された）、ルーマニアのコリボアイア洞窟（中央ヨーロッパで最古の洞窟壁画と考えられている）^[13]、ブルガリア・ベログラトチクのマグラ^{[1]などがあります。 [14]} 岩絵は崖面にも描かれていましたが、浸食のために残っているものは少なくなっています。よく知られている例としては、フィンランドのサイマー地域にあるアストゥヴァンサルミの岩絵があります。 1879 年にマルセリーノ サンス デ サウトゥオラがスペインのカンタブリア州アルタミラ洞窟のマグダレナ朝の壁画に初めて出会ったとき、当時の学者たちはそれを偽物だと考えました。その後、最近の再評価と数多くの追加発見によってその真正性が証明され、同時に後期旧石器時代の人々の芸術性への関心が高まっています。最も基本的な道具のみで描かれた洞窟壁画は、その時代の文化や信仰に関する貴重な洞察も提供します。

イベリア地中海盆地の岩絵は、非常に異なるスタイルを表しており、人物像が主な焦点であり、多くの場合、大規模な集団で描かれ、戦闘、ダンス、狩猟、その他の活動、衣服などの細部が表現されています。人物像は一般に薄い塗料でかなり大ざっぱに描かれており、人間と動物の集団の関係は、個々の人物像よりも注意深く描かれています。他の岩絵のグループは数は少ないものの、多くは塗装ではなく彫刻されており、同様の特徴を示しています。イベリアの例は、おそらく後期旧石器時代、中石器時代、初期新石器時代にわたる長い期間のものだと考えられています。

先史時代のケルト美術は、鉄器時代のヨーロッパの大部分に由来し、主に高級な金属細工の形で生き残り、複雑で優雅で、主に抽象的なデザインで巧みに装飾され、曲線や螺旋形がよく使われています。人間の頭部や完全に表現された動物もありますが、全身像の人物像はどのような大きさであっても非常にまれであるため、それが存在しないことは宗教的なタブーを表している可能性があります。ローマ人がケルト領土を征服すると、ケルト美術はほぼ完全に消滅しましたが、このスタイルはブリテン諸島で限定的に使用され続け、キリスト教の到来とともに中世初期の 島嶼様式として復活しました。

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  ラスコー洞窟の洞窟壁画(フランス、ドルドーニュ県モンティニャック)
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  虫刺されを舐めるバイソン; 紀元前15,000～13,000年;角; 国立先史博物館（レ・ゼイジー・ド・タヤック・シルイユ、フランス）
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  チェルナヴォダの考える人。ルーマニアのハマンギア文化による。紀元前 5000 年頃。テラコッタ。高さ 11.5 cm (4 1 ⁄ 2インチ)。ルーマニア国立歴史博物館(ブカレスト)
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  女性像。セルビアのヴィンチャ文化によるもの。紀元前 4500-3500 年。焼成粘土に絵の具を塗り付けたもの。全長 16.1 cm。クリーブランド美術館(オハイオ州、米国)

クレタ島のミノア文明は、ヨーロッパ最古の文明とみなされている。^[15]ミノア美術は想像力豊かなイメージと並外れた職人技が特徴である。 シンクレア・フッドは「最も優れたミノア美術の本質的な特質は、一連の非常に形式的な慣習に従いながらも、動きと生命の雰囲気を作り出す能力である」と評した。^{[16]これは}エーゲ海美術 というより広いグループの一部を形成し、後期にはキクラデス美術に支配的な影響を与えた時期もあった。木材と織物は分解されているため、ミノア美術の現存する例のほとんどは、陶器、精巧に彫刻されたミノアの印章、風景画を含む宮殿のフレスコ画、さまざまな素材の小さな彫刻、宝石、金属細工である。

ミノア美術と他の同時代の文化、そして後の古代ギリシャ美術との関係については多くの議論がなされてきた。クレタ島がミケーネ人に占領された後も、ミノア美術は同時代のミケーネ美術やキクラデス美術を支配していたことは明らかであるが^{[17] 、}ミケーネ文明崩壊後の ギリシャ暗黒時代を生き延びたのはその伝統の一部に過ぎなかった^[18]。

ミノア美術には多様な主題があり、その多くはさまざまな媒体に現れているが、具象的な場面を含む陶器のスタイルはごくわずかである。 牛跳びは絵画や数種類の彫刻に現れ、宗教的な意味を持っていたと考えられている。また、牛の頭はテラコッタやその他の彫刻材料でも人気の題材である。人物の肖像画のように見える人物像や、明らかに王族の人物像はなく、宗教的人物像の正体はしばしば不確かで、^[19]学者たちは彼らが神なのか、聖職者なのか、信者なのか確信が持てない。^[20] 同様に、絵が描かれた部屋が「神殿」だったのか世俗的なものだったのかもはっきりしない。アクロティリの1つの部屋は、ベッドの跡がある寝室か、神殿だったと主張されている。^[21]

珍しい種類の海洋動物を含む動物がよく描かれている。「海洋様式」はMM IIIとLM IAの彩色宮殿陶器の一種で、タコなどの海の生き物が船全体に広がっている様子を描いており、おそらく同様のフレスコ画の場面から派生したものである。 ^[22]これらは他の媒体で現れることもある。狩猟や戦争、馬や騎手の場面は、主に後期にクレタ人がミケーネの市場向けに、またはクレタ島のミケーネの領主が制作した作品に見られる。

ミノア文明の人物像は、人間であれ動物であれ、生命感と動きが豊かであるが、正確性に欠けることが多く、種族の特定が不可能な場合もある。古代エジプト美術と比較すると、より鮮明ではあるものの、自然主義的ではない。^[23] 他の古代文化の美術と比較すると、女性像の割合が高いが、ミノア文明には女神しかおらず、神はいなかったという考えは現在では否定されている。ほとんどの人物像は横顔か、エジプトの慣習に倣って頭と脚を横顔に、胴体を正面から描いているが、ミノア文明の人物像では、男性の細い腰や女性の大きな胸などの特徴が誇張されている。^[24]

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  カマレス焼きの嘴付き水差し。紀元前 1850-1675 年。陶器。高さ 27 cm。ファイストス(ギリシャ、クレタ島) 出土。イラクリオン考古学博物館(ギリシャ)
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  マリアペンダント；紀元前1800-1700年；金製；高さ4.6cm、幅4.9cm；イラクリオン考古学博物館
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  雄牛跳びのフレスコ画。紀元前1675-1460年。石灰漆喰。高さ0.8m、幅1m。クノッソス宮殿（クレタ島）より。イラクリオン考古学博物館
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  「蛇の女神」像、紀元前 1460-1410 年 (ミノア文明新宮殿時代)、ファイアンス焼き、高さ 29.5 cm、クノッソス神殿収蔵庫より、イラクリオン考古学博物館

古代ギリシャには、偉大な画家、偉大な彫刻家、偉大な建築家がいた。パルテノン神殿は、現代まで残る古代ギリシャ建築の一例である。ギリシャの大理石彫刻は、しばしば古典芸術の最高形態と評される。古代ギリシャの陶器や陶磁器に描かれた絵は、古代ギリシャの社会がどのように機能していたかを垣間見る上で特に有益である。黒絵式壺絵と赤絵式壺絵は、ギリシャ絵画がどのようなものであったかを示す多くの現存する例である。テキストに登場する有名なギリシャの板絵画家には、アペレス、ゼウクシス、パラシウスがいるが、古代ギリシャの板絵の例は残っておらず、同時代の人や後のローマ人による記述のみが残っている。ゼウクシスは紀元前5～6年に生きた人物で、スフマート技法を初めて使用したと言われている。大プリニウスによると、彼の絵画の写実性は、描かれたブドウを鳥が食べようとするほどだったという。アペレスは、完璧な描画技術、鮮やかな色彩、造形により 古代最高の画家と評されています。

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  エウフィレトスの画家によるパナシナイア賞品のアンフォラ、紀元前 530 年、彩色テラコッタ、高さ 62.2 cm、メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  アルテミシオン青銅像; 紀元前 460-450 年; 青銅; 高さ: 2.1 m;国立考古学博物館(アテネ)
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  アテネのアクロポリスにあるパルテノン神殿は、紀元前460年から406年頃に大理石と石灰岩で建てられた最も象徴的なドリス式ギリシャ神殿で、女神アテナに捧げられています^[25]
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  ドレープをまとった女性の形をした台座付きの鏡。紀元前 5 世紀中頃。ブロンズ製。高さ 40.41 cm。メトロポリタン美術館
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  萼片クラテル; 紀元前 400-375 年; 陶器; 高さ: 27.9 cm、直径: 28.6 cm;テーベ(ギリシャ) 出土;ルーブル美術館
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  トラセアスとエウアンドリアの墓のレリーフ；紀元前 375-350 年；ペンテリコス大理石；高さ: 160 cm、幅: 91 cm；ペルガモン博物館(ベルリン)
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  渦巻クラテル、紀元前 320-310 年、陶器、高さ 1.1 m、ウォルターズ美術館(米国ボルチモア)
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  布をまとった女性の小像。紀元前 2 世紀。テラコッタ。高さ 29.2 cm。メトロポリタン美術館
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  ミロのヴィーナス;紀元前 130 ～ 100 年。大理石;身長: 203 cm (80 インチ)。ルーバー
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  ラオコーンとその息子たち、紀元前 1 世紀初頭、大理石、高さ 2.4 m、バチカン美術館(バチカン市国)
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  ディオニュソスの顕現を表すモザイク。紀元 2 世紀。ディオニュソスの別荘 (ギリシャ、ディオン) より。ディオン考古学博物館
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  1874年に描かれた古代ギリシャの装飾と模様の例のイラスト

ローマ美術はギリシャの影響を受け、部分的には古代ギリシャの絵画や彫刻の子孫とみなすことができるが、イタリアのより地元のエトルリア美術の影響も強く受けている。ローマの彫刻は、主に社会の上流階級に由来する肖像画や神々の描写である。しかし、ローマの絵画には重要な独自の特徴がある。現存するローマの絵画の中には壁画があり、その多くは南イタリアのカンパニア州の別荘、特にポンペイとヘルクラネウムの別荘から出土したものである。このような絵画は4つの主要な「様式」または期間に分類でき^[26]、トロンプ・ルイユ、疑似遠近法、純粋な風景画の最初の例が含まれている可能性がある。 ^[27]

古代世界から現存する絵画肖像画のほとんどすべては、後期古代のアルファイユームの墓地で発見された多数の棺桶肖像の胸像です。これらの肖像は、古代の最高の作品がどのような品質であったかを示しています。後期古代の挿絵入りの本のミニアチュールもごく少数現存しており、中世初期からのそれらのコピーはかなり多数残っています。初期キリスト教美術はローマの民衆美術、後には帝国美術から発展し、これらの源泉から図像学を適応させました。

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  ランプ台に乗った哲学者のブロンズ像。紀元前 1 世紀後半。ブロンズ。全長 27.3 cm。重量 2.9 kg。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  プリマ・ポルタのアウグストゥス像、紀元前 20 年頃、白大理石、高さ 2.06 m、バチカン美術館(バチカン市国)
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  古代の別荘の寝室のフレスコ画の修復。紀元前 50 ～ 40 年。部屋の寸法: 265.4 x 334 x 583.9 cm。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  花飾りのある祭壇、紀元後 50 年頃、大理石、高さ 99.5 cm、幅 61.5 cm、奥行き 47 cm、ルーブル美術館
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  萼片-乙女と踊るメナドのレリーフが施されたクラテル。紀元 1 世紀。ペンテリコス大理石。高さ 80.7 cm。メトロポリタン美術館
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  113年から125年の間に建てられたパンテオン（ローマ）のパノラマビュー
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  王冠をかぶった女神の頭部。1～2 世紀。大理石。高さ 23 cm。メトロポリタン美術館
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  ソファとフットスツール。紀元1～2世紀。木、骨、ガラス。ソファ：105.4 × 76.2 × 214.6 cm。メトロポリタン美術館
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  アポロ、ミネルヴァ、ムーサイの石棺。紀元後 200 年頃。アッピア街道発。ベルリン古代コレクション(ベルリン)
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  花飾り付き石棺; 200–225; 大理石; 134.6 x 223.5 cm; メトロポリタン美術館
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  2頭の海馬に引かれた戦車に立つネプチューンの勝利像。3世紀半ば。スース考古学博物館（チュニジア）
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  テセウスのモザイク; 西暦 300-400 年; 大理石と石灰岩の小石; 4.1 x 4.2 m;美術史美術館(ウィーン、 オーストリア )

中世から現存する美術作品のほとんどは宗教的な内容で、教会、司教などの有力な聖職者、修道院などの共同体、裕福な世俗のパトロンなどによって資金提供されていることが多かった。行列用の十字架や祭壇画など、多くの作品には特定の典礼機能があった。

中世美術に関する中心的な疑問の 1 つは、写実性の欠如です。美術における遠近法に関する知識や人物像の理解は、ローマ帝国の崩壊とともに大幅に失われました。しかし、写実性は中世の芸術家にとって主要な関心事ではありませんでした。彼らは単に宗教的なメッセージを伝えようとしただけで、そのためには正確に描かれたものではなく、はっきりとした象徴的なイメージが求められます。

時代：6世紀から15世紀

移住時代の芸術とは、かつてローマ領だった地域に移住した「蛮族」の芸術の総称である。7世紀と8世紀のケルト芸術は、アングロサクソン人との接触を通じてゲルマン伝統と融合し、いわゆるヒベルノサクソン様式または島嶼芸術を生み出した。これは中世の残りの期間に多大な影響を与えた。メロヴィング朝芸術は、 800年頃以前のフランク人の芸術を表し、カロリング朝芸術は島嶼の影響と自覚的な古典復興を融合させ、オットー朝芸術へと発展した。アングロサクソン芸術は、島嶼時代以降のイングランドの芸術である。彩飾写本には、この時代に現存する絵画のほぼすべてが含まれているが、建築、金属細工、木や象牙の小さな彫刻作品も重要な媒体であった。

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  サットン・フーのバックル; 580–620; 金とニエロ; 長さ: 13.1 cm;大英博物館(ロンドン)
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  サットン・フーの兜。7世紀初頭。銅合金、鉄、金、ガーネット。高さ31.8cm。大英博物館
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  サットン・フーの肩章、7 世紀初頭、金、ガラス、ガーネット、長さ 12.7 cm、大英博物館
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  リンディスファーンの書からのマタイへの序文；7 世紀後半；上質紙にインクと顔料；34 x 25 cm；大英図書館（ロンドン）

ビザンチン美術は、730年から843年の偶像破壊の時代まで、いわゆる初期キリスト教美術と重なり合ったり、融合したりしていましたが、この時代には人物を描いた美術作品の大半が破壊され、現在では残っているものはほとんどないため、発見があれば新たな理解が得られます。843年以降、1453年まで、ビザンチン美術の伝統は明らかです。ビザンチン美術は、素材や職人技の質の点で中世最高の美術であることが多く、制作はコンスタンティノープルに集中していました。ビザンチン美術の最高傑作は、ドーム型の教会内部の巨大なフレスコ画やモザイク画でしたが、そのほとんどは自然災害や教会のモスク化により残っていません。

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  イエスの降誕を描いたレリーフのある石板。4 世紀から 5 世紀初頭。大理石。ビザンチンおよびキリスト教博物館(アテネ)
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  ローマのサンタ・マリア・マッジョーレ教会の後陣。5世紀にこの華やかなモザイクで装飾された。
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  ラヴェンナ（イタリア）のサン・ヴィターレ大聖堂の天井と一部の壁のモザイク（西暦 547 年頃）
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  アテネの小都市。9世紀から13世紀の間に建てられた。
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  カメオ、10～11世紀、ジャスパー、アルマンディン、エメラルド、クリソプレーズ、コンスタンティノープル出土、モスクワ クレムリン美術館（ロシア）
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  福音書朗読集。1100 年頃。羊皮紙にテンペラ、金、インクで描かれ、革装丁。全体: 36.8 x 29.6 x 12.4 cm、二つ折り: 35 x 26.2 cm。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  新約聖書の三位一体のイコン。1450 年頃。木製パネル (ポプラ) にテンペラと金彩。クリーブランド美術館(米国オハイオ州クリーブランド)
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  アルメニアの装飾写本のページ。1637～1638年。羊皮紙にテンペラ色、金彩、金箔。高さ25.2 cm。ゲッティ センター（ロサンゼルス）

ロマネスク美術は、1000 年頃からゴシック美術が勃興する 12 世紀までの期間を指します。この時代はますます繁栄し、スカンジナビアからシチリアまでヨーロッパ全土で一貫したスタイルが初めて使用された時代です。ロマネスク美術は力強く直接的で、もともと色彩が鮮やかで、非常に洗練されていることが多いです。ステンドグラスや金属細工のエナメルが重要な媒体となり、円形の大型彫刻が開発されましたが、主な技法は高浮き彫りでした。その建築は厚い壁と丸い窓とアーチが特徴で、彫刻による装飾が多く施されています。

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  マリア・ラーハ修道院（ドイツ、アンダーナッハ近郊）は、最も象徴的なロマネスク様式の教会の一つです。
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  ヴェズレー修道院（フランス、ブルゴーニュ）のイエスの石の浅浮彫
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  福音伝道者聖ヨハネのミニアチュール；1147年以前；羊皮紙の彩色；35.5 cm；アヴェーヌ＝シュル＝エルプ（フランス）
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  聖ステファノの石打ち、1160 年代、フレスコ画、高さ 1.3 m、聖ヨハネ修道院(ヴァル ミュスタイア、グラウビュンデン州、スイス)

ゴシック美術という用語は、工芸、場所、時代によって変わります。この用語は 1140 年のゴシック建築に由来しますが、ゴシック絵画はロマネスク様式から分岐した 1200 年頃まで登場しませんでした (この日付には多くの条件があります)。ゴシック彫刻は、1144 年にフランスでサン・ドニ修道院教会の改築とともに生まれ、ヨーロッパ中に広まり、13 世紀までにはロマネスク様式に代わる国際様式になりました。国際ゴシックとは、1360 年頃から 1430 年頃までのゴシック美術を指し、その後、ゴシック美術はさまざまな時期、さまざまな場所でルネッサンス美術と融合します。この期間中、フレスコ画やパネル画などの形式が新たに重要になり、この期間の終わりには版画などの新しい媒体が含まれます。

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  王の門の一部、1145～1155年、石灰岩、シャルトル大聖堂（フランス、シャルトル）
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  北翼廊の窓; 1230～1235年頃; ステンドグラス; 直径（バラ窓）: 10.2 m; シャルトル大聖堂
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  サラゴサの聖ヴィンセント伝説の場面、1245-1247年、陶器ガラス、ガラス質塗料、鉛、全体：373.4 x 110.5 cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  聖母戴冠と最後の審判を描いたフランスの二連祭壇画。1260-1270年。象牙と金属の台座。全体：12.7 x 13 x 1.9 cm。メトロポリタン美術館
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  玉座に座る聖母子像、1260-1280年、象牙に絵の具と金箔の跡あり、全体：18.4 x 7.6 x 7.3 cm、メトロポリタン美術館
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  グラティアヌスの勅令を記した二葉の書；1290年頃；羊皮紙にテンペラと金彩、茶色のインク、現代の革装丁；全体：48.3 x 29.2 x 1.3 cm、開いた状態：47.2 cm；メトロポリタン美術館
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  宗教的な場面を描いたドイツの二連祭壇画。1300～1325年。半透明と不透明のエナメルを施した金箔銀箔。全体（開いた状態）：6.1 x 8.6 x 0.8 cm。メトロポリタン美術館
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  ベリー公爵の「非常に豊かな時間」のページには、レイモンド・ディオクレの葬儀が描かれている。1411-1416 年および 1485-1486 年。テンペラ、羊皮紙。高さ 29 cm、幅 21 cm。コンデ美術館(フランス、シャンティイ)
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  貴婦人と一角獣、フランドル地方で織られた6 枚のタペストリーのシリーズに付けられたタイトル。このタペストリーは「 À Mon Seul Désir 」と呼ばれています。15 世紀後半、ウールとシルク、377 x 473 cm、クリュニー美術館(パリ)
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  オーストリアの聖母マリアの玉座像。1490～1500年。石灰岩にジェッソを塗り、彩色・金メッキ。80.3 x 59.1 x 23.5 cm。メトロポリタン美術館
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  エルサレムの入り口；1500年頃；絵画；リヨン美術館（リヨン、フランス）
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  オテル・ド・サンスの華やかなゴシック様式の交差窓（パリ）

ルネサンスの特徴は、古代ギリシャとローマの芸術に重点を置いたことで、絵画と彫刻の技術的側面だけでなく、その主題にも多くの変化をもたらした。それは、ローマの遺産が豊富で、芸術家に資金を提供する物質的な繁栄もあったイタリアで始まった。ルネサンスの間、画家たちは遠近法の新しい技法を用いて作品のリアリズムを高め始め、三次元をより本物らしく表現した。芸術家たちはまた、ティツィアーノの多くの肖像画に見られる色調の対比や、レオナルド・ダ・ヴィンチによるスフマートとキアロスクーロの発展など、光と闇を操作する新しい技法を使い始めた。彫刻家たちもまた、コントラポストなど多くの古代の技法を再発見し始めた。時代のヒューマニズム精神に従い、芸術は主題においてより世俗的になり、キリスト教のテーマに加えて古代神話を描くようになった。この芸術のジャンルは、しばしばルネサンス古典主義と呼ばれる。北方では、ルネサンスにおける最も重要な革新は、より豊かな色彩と強度を表現できる油絵の具の普及であった。

13世紀後半から14世紀初頭にかけて、イタリアの絵画の多くはビザンチン様式で、特にシエナのドゥッチョやフィレンツェのチマブーエの作品が目立った。一方、ローマのピエトロ・カヴァリーニの作品はゴシック様式が主流であった。13世紀には、イタリアの彫刻家たちは中世の原型だけでなく古代の作品からもインスピレーションを得始めた。^[30]

1290年、ジョットは伝統的な手法ではなく、より自然観察に基づいた手法で絵を描き始めました。パドヴァのスクロヴェーニ礼拝堂にある彼の有名な連作は、ルネサンス様式の始まりとみなされています。

14 世紀の他の画家たちもゴシック様式を非常に精巧かつ詳細に表現しました。これらの画家の中で有名なのは、シモーネ・マルティーニとジェンティーレ・ダ・ファブリアーノです。

オランダでは、テンペラではなく油絵の技法によって、金箔やエンボス加工に頼らず、自然界を細かく描写する精巧な技法が生まれました。この時代には、質感を非常にリアルに描く芸術が発達しました。ヤン・ファン・エイクやフーゴ・ファン・デル・フースなどのオランダの画家は、後期ゴシックや初期ルネサンスの絵画に大きな影響を与えました。

ルネッサンスの思想は、イタリアの都市国家フィレンツェで最初に現れました。彫刻家ドナテッロは、コントラポストなどの古典的な技法や、支えのない裸体像などの古典的な主題に立ち返りました。彼の2番目のダビデ像は、ローマ帝国以来ヨーロッパで制作された最初の自立型ブロンズ裸体像でした。彫刻家で建築家のブルネレスキは、インスピレーションを得るために古代ローマの建物の建築的思想を研究しました。マサッチオは、構成、個々の表現、人間の形などの要素を完成させ、特にブランカッチ礼拝堂のフレスコ画に驚くほど優雅でドラマチックで感情的な フレスコ画を描きました。

これらの著名な芸術家の多くが、フィレンツェ大聖堂のさまざまな部分に携わりました。ブルネレスキが大聖堂のために設計したドーム屋根は、ゴシック様式のフライング・バットレス以来、真に革新的な建築技術のひとつでした。ドナテッロは、大聖堂の彫刻を数多く制作しました。ジョットとロレンツォ・ギベルティも、大聖堂に貢献しました。

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  ニコラ・ピサーノ作ピサ洗礼堂の説教壇、1260年、大理石、高さ4.6m。^[31]
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  十字架;チマブエ著; 1285年頃。パネル上のテンペラ。 4.29×3.83メートル。サン・ドメニコ（アレッツォ、イタリア）^[32]
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  十字架像;ジョット; 1300年頃; テンペラ板; 5.78 x 4.06 m;サンタ・マリア・ノヴェッラ（フィレンツェ、イタリア）^[33]
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  マエスタの祭壇画;ドゥッチョ著; 1308 ～ 1311 年。パネル上のテンペラ。 2.46×4.67メートル。ドゥオモ美術館(シエナ、イタリア)

盛期ルネサンスの芸術家には、レオナルド ダ ヴィンチ、ミケランジェロ ブオナローティ、ラファエロ サンツィオなどが含まれます。

15 世紀のイタリアにおける芸術的発展 (たとえば、遠近法、解剖学の描写、古典文化への関心) は 16 世紀に成熟し、15 世紀は「初期ルネサンス」、16 ​​世紀は「盛期ルネサンス」と呼ばれるようになりました。盛期ルネサンスを特徴づける単一のスタイルはありませんが、この時代と最も密接に関係するレオナルド ダ ヴィンチ、ラファエロ、ミケランジェロ、ティツィアーノの芸術は、技術面でも美的面でも驚異的な熟達を示しています。盛期ルネサンスの芸術家は、非常に権威のある作品を制作したため、後代の芸術家はこれらの芸術作品を参考にしました。これらの模範的な芸術作品は、芸術家の名声をさらに高めました。芸術家は神の啓示を主張することができ、それによって視覚芸術は、以前は詩だけに与えられていた地位にまで引き上げられました。こうして、画家、彫刻家、建築家が独自の地位を確立し、自分たちの作品が美術界で高い地位を獲得するに至った。ある意味で、16 世紀の巨匠たちは、独自の表現の権利と独自の尊厳ある性格を持つ新しい職業を生み出したのである。

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  ローマのサン・ピエトロ・イン・モントーリオ教会の狭い中庭にあるテンピエット（ 1502年から1510年頃）
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  ダビデ像、ミケランジェロ作、1501-1504年、大理石、517 cm × 199 cm、アカデミア美術館（フィレンツェ）
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  モナ・リザ;レオナルド・ダ・ヴィンチ作; 1503年～1506年頃、おそらく1517年頃まで制作中 ; ポプラ板に油彩 ; 77 cm × 53 cm ;ルーブル美術館
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  アテネの学堂、ラファエロ作、1509-1510年、フレスコ画、5.8 x 8.2 m、バチカン宮殿（バチカン市国）

初期のネーデルラント絵画では、細部を写実的に描く際の制御性を高めるために油絵の技法が開発されました（厳密には発明されたわけではありません） 。ヤン・ファン・エイク（1366年 - 1441年）は、装飾写本から板絵への 移行期を代表する人物でした。

オランダの画家ヒエロニムス・ボス（1450?-1516）も北方ルネサンスの重要な人物です。彼の絵画には宗教的なテーマが使われていましたが、グロテスクな幻想、色彩豊かなイメージ、農民の伝説などが組み合わされていました。彼の絵画には中世末期の混乱や苦悩が反映されていることが多いです。

アルブレヒト・デューラーは15世紀末にイタリアのルネサンス様式をドイツに導入し、ドイツ・ルネサンス美術を支配しました。

期間:

• イタリアルネサンス: 14世紀後半から16世紀初頭
• 北方ルネサンス: 16世紀

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  ゲントの祭壇画、ヤン・ファン・エイクとフーベルト・ファン・エイク作、1432年、オーク材に油彩、3.4 m × 4.6 m（この画像のように開いた状態）、聖バーフ大聖堂（ゲント、ベルギー）
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  アルノルフィーニ夫妻の肖像;ヤン・ファン・エイク作; 1434年 ; 油彩・板 ; 82.2 x 60 cm ;ナショナル・ギャラリー（ロンドン）
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  十字架降下;ロヒール・ファン・デル・ウェイデン作; 1442年頃; オーク材の板に油彩; 220 × 262 cm;プラド美術館（マドリード、スペイン）
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  快楽の園;ヒエロニムス・ボス作; 1504年頃 ; 油彩・板画 ; 2.2 × 1.95 m – 中央パネル ; プラド美術館
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  サイ;アルブレヒト・デューラー作; 1515年 ; 木版画 ; 23.5 cm × 29.8 cm ;国立美術館(ワシントン D.C. )
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  大使たち;ハンス・ホルバイン（子）作; 1533年 ; 油彩・板 ; 2.07 × 2.09 ;ナショナル・ギャラリー（ロンドン）
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  フランス国王アンリ2世のパレードアーマー、エティエンヌ・ドローヌ作、1555年頃、彫刻鋼、高さ187.96cm、重量24.2kg、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  バベルの塔;ピーテル・ブリューゲル (父)作; 1563年 ; 油彩・板 : 1.14 × 1.55 cm ;美術史美術館(オーストリア、ウィーン)

ヨーロッパの芸術では、ルネサンス古典主義が 2 つの異なる運動、マニエリスムとバロックを生み出しました。マニエリスムは、古典主義の理想主義的完璧さに対する反動で、光と空間の枠組みを歪ませることで、絵画の感情的な内容と画家の感情を強調しました。エル・グレコの作品は、 16 世紀後半から 17 世紀初期の絵画におけるマニエリスムの特に明確な例です。北方マニエリスムは発展に時間がかかり、主に 16 世紀後半の運動でした。バロック芸術は、ルネサンスの具象主義を新たな高みに引き上げ、美の探求において細部、動き、照明、ドラマ性を強調しました。おそらく最もよく知られているバロックの画家は、カラヴァッジョ、レンブラント、ピーテル・パウル・ルーベンス、ディエゴ・ベラスケスです。

17世紀オランダ黄金時代の絵画では、北方写実主義の伝統からかなり異なる芸術が発展しました。宗教画や歴史画はほとんどなく、代わりに静物画、日常の風景を描いた風俗画、風景画などの世俗的なジャンルの発展に重要な役割を果たしました。レンブラントの芸術のバロック的性質は明らかですが、フェルメールや他の多くのオランダの芸術家にはそのレッテルはあまり当てはまりません。フランドルのバロック絵画はこの傾向の一部を共有しながらも、伝統的なカテゴリーを生み出し続けました。

バロック芸術は、しばしば対抗宗教改革、つまりローマカトリック教会の精神生活の復興という芸術的要素の一部と見なされている。さらに、バロック芸術が壮大さを重視したことは、絶対主義的性質を持つと見なされている。宗教的および政治的なテーマは、バロック芸術の文脈の中で広く探求され、絵画と彫刻の両方がドラマ、感情、演劇性の強い要素によって特徴づけられた。有名なバロック芸術家には、カラヴァッジョやルーベンスがいる。^[34] アルテミジア・ジェンティレスキも、カラヴァッジョのスタイルに触発された注目すべき芸術家である。バロック芸術は特に華麗で精巧で、暗い色調の豊かで暖かい色彩をよく使用していた。ルイ14世が「私は壮大さの権化である」と言ったことからわかるように、華やかさと壮大さはバロック芸術運動全般の重要な要素であり、多くのバロック芸術家は、この目標を実現しようとした王に仕えた。バロック芸術は多くの点でルネサンス芸術に似ていました。実際、この用語は当初、過度に精巧なポストルネサンス芸術や建築を表現するために軽蔑的な意味で使用されていました。^[34]バロック芸術は、後期ルネサンス芸術のより精巧で劇的な再適応と見ることができます。

しかし、18世紀になると、バロック芸術は多くの人からメロドラマチックすぎる、また暗いとみなされて廃れ、フランスでロココ芸術が誕生した。ロココ芸術はバロック芸術よりもさらに精巧であったが、それほど深刻ではなく、より遊び心があった。^[35]バロックが豊かで強い色彩を用いたのに対し、ロココは淡くクリーミーな色合いを用いた。この芸術運動はもはや政治や宗教に重点を置かず、代わりにロマンス、祝祭、自然への感謝といったより軽いテーマに焦点を当てた。ロココ芸術はまた、対称性を拒否して非対称のデザインを好んだ点でバロック芸術とは対照的であった。さらに、極東アジアの芸術的形態や装飾にインスピレーションを求め、その結果、磁器の置物やシノワズリ全般が好まれるようになった。^[36] 18世紀のスタイルは短期間で繁栄したが、18世紀後半にロココ芸術は衰退した。それにもかかわらず、ロココ様式はすぐに人気を失い、多くの人から意味よりも美学を強調した派手で表面的な運動とみなされました。新古典主義は多くの点でロココの対抗運動として発展しましたが、その原動力はロココの華美な性質に向けられた嫌悪感でした。

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  埋葬；ヤコポ・ダ・ポントルモ作；1525–1528年；油彩・板；3.12 x 1.9 m；サンタ・フェリチタ（イタリア、フィレンツェ）
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  長い首の聖母;パルミジャニーノ作; 1534–1540年; 油彩・板; 2.19 x 1.32 m;ウフィツィ美術館（フィレンツェ）
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  ヴィーナス、キューピッド、愚行と時間;ブロンズィーノ作; 1540 年代中頃 ; 油彩・板画 ; 1.46 x 1.16 m ;ナショナル ギャラリー(ロンドン)
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  夏;ジュゼッペ・アルチンボルド作; 1563年; 油彩・板; 67 x 50.8 cm;美術史美術館（オーストリア、ウィーン）

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  四大陸;ピーテル・パウル・ルーベンス作; 1615年頃 ; キャンバスに油彩 ; 209 x 284 cm ;美術史美術館(、ウィーン)
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  オランダのワードローブ、1625～1650年、オーク材に黒檀と紫檀の突き板、全体：244.5 x 224.3 x 85.2 cm、クリーブランド美術館（オハイオ州クリーブランド、米国）
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  夜警;レンブラント; 1642年 ; キャンバスに油彩 ; 363 × 437 cm ;アムステルダム国立美術館(オランダ、アムステルダム)
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  聖テレサのエクスタシー;ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作; 1647 ～ 1652 年。大理石;高さ: 3.5メートル;サンタ マリア デッラ ヴィットリア(ローマ)
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  ラス・メニーナス;ディエゴ・ベラスケス著; 1656 ～ 1657 年。キャンバスに油彩。 318cm×276cmプラド美術館(マドリッド、スペイン)
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  最も象徴的なバロック建築であるヴェルサイユ宮殿（フランス、ヴェルサイユ）の入り口
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  ルイ14世の胸像、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作、1665年、大理石、105 × 99 × 46 cm、ヴェルサイユ宮殿
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  絵画の芸術;ヨハネス・フェルメール; 1666–1668; キャンバスに油彩; 1.3 x 1.1 m; 美術史美術館
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  名声と勇気を描いたカーペット。1668～1685年。1平方インチあたり約90ノットで織られた、結び目とカットのあるウールパイル。909.3 x 459.7 cm。メトロポリタン美術館
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  ジェズ教会のドーム(ローマ)、1674 年にジョヴァンニ・バッティスタ・ガウリによって作られました。
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  ルイ 14 世の肖像;イヤサント・リゴー作; 1701;キャンバスに油彩。 277×194cmルーバー
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  ウィーン（オーストリア）のカールス教会。1716年から1737年にかけて建設された。

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  ポツダム（ドイツ）のサンスーシ公園にあるシノワズリ風の庭園パビリオン「チャイニーズハウス」
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  ヴィルヘリング修道院（ヴィルヘリング、オーストリア）の素晴らしい内装。この内装の天井にはトロンプ・ルイユがあり、周囲は高度に装飾された漆喰で囲まれています。
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  ヴァランジュヴィル邸のボワズリー。1736～1752年頃。彫刻、塗装、金箔を施したオーク材など、さまざまな材質を使用。高さ：5.58 m、幅：7.07 m、長さ：12.36 m。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）所蔵。
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  タイトルプリント、ジュスト・メッソニエ作、1738-1749年、紙にエッチング、51.6 x 34.9 cm、アムステルダム国立美術館
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  燭台一組、18 世紀、軟質磁器、高さ (左): 26.8 cm、(右): 26.4 cm、チェルシー磁器工場、メトロポリタン美術館
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  アンドリュース夫妻;トーマス・ゲインズバラ作; 1750年頃 ; キャンバスに油彩 ; 69.8 x 119.4 cm ;ナショナル・ギャラリー（ロンドン）
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  ポンパドゥール夫人;フランソワ・ブーシェ作; 1756年; キャンバスに油彩; 2.01 x 1.57 m;アルテ・ピナコテーク（ミュンヘン、ドイツ）
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  ブランコ;ジャン＝オノレ・フラゴナール; 1767–1768年 ; キャンバスに油彩 ; 高さ: 81 cm、幅: 64 cm ;ウォレス・コレクション(ロンドン)

18 世紀を通じて、ヨーロッパのさまざまな場所でロココに対抗する運動が起こり、一般に新古典主義と呼ばれています。この運動は、ロココ芸術の表面的かつ軽薄であると認識されていることを軽蔑し、古典古代、特に古代ギリシャとローマの簡素さ、秩序、および「純粋主義」への回帰を望みました。この運動は、古典芸術の影響を強く受けたルネッサンスからも部分的に影響を受けています。新古典主義は啓蒙主義として知られる知的運動の芸術的要素でした。啓蒙主義は理想主義的で、客観性、理性、経験的真実を重視しました。新古典主義は 18 世紀を通じてヨーロッパ、特にイギリスで広まり、この時期に新古典主義建築の素晴らしい作品が生まれました。新古典主義が古典古代に魅了されていたことは、この10年間に裕福な貴族たちがイタリアやギリシャの古代遺跡を旅したグランドツアーの人気に見て取れる。しかし、新古典主義にとって決定的な瞬間は18世紀後半のフランス革命であった。フランスではロココ美術が、以前の運動よりも真剣なものと見なされていた好まれた新古典主義美術に取って代わられた。多くの点で、新古典主義は芸術的、文化的運動であると同時に政治的運動でもある。^[37]新古典主義美術は秩序、対称性、古典的なシンプルさを重視しており、新古典主義美術の共通のテーマには、古代ギリシャ・ローマ美術でよく探求されていた勇気と戦争が含まれる。最もよく知られている新古典主義者には、アングル、カノーヴァ、ジャック＝ルイ・ダヴィッドがいる。^[38]

マニエリスムが古典主義を拒絶したのと同様に、ロマン主義は啓蒙主義の考えや新古典主義者の美学を拒絶した。ロマン主義は新古典主義の高度に客観的で秩序だった性質を拒絶し、芸術に対するより個人的で感情的なアプローチを選んだ。^[39]ロマン主義は、特に自然界の力と美しさ、そして感情を描写することを目指す場合、自然を重視し、芸術に対する高度に個人的なアプローチを求めた。ロマン主義の芸術は、新古典主義のような共通のテーマではなく、個人の感情に関するものであり、そのように、ロマン主義の芸術は感情や気持ちを表現するために色彩を使用することが多かった。 ^[39]新古典主義と同様に、ロマン主義の芸術は古代ギリシャとローマの芸術と神話から多くのインスピレーションを得ているが、新古典主義とは異なり、このインスピレーションは主に象徴とイメージを生み出す方法として使われた。ロマン主義の芸術はまた、中世主義とゴシック主義、そして神話と民間伝承から多くの美的性質を得ている。ロマン派の偉大な芸術家としては、ウジェーヌ・ドラクロワ、フランシスコ・ゴヤ、JMWターナー、ジョン・コンスタブル、カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ、トーマス・コール、ウィリアム・ブレイクなどがいた。^[38]

ほとんどの芸術家は、新古典主義とロマン主義のスタイルのさまざまな特徴を取り入れて、それらを統合する中道主義的なアプローチを試みました。さまざまな試みはフランスアカデミー内で行われ、総称してアカデミック芸術と呼ばれています。アドルフ・ウィリアム・ブグローは、この芸術の流れの代表的な例と考えられています。

しかし、19 世紀初頭、ヨーロッパの様相は産業化によって根本的に変化しました。貧困、不潔、絶望が、「革命」によって生み出された新しい労働者階級の運命となりました。社会で起こっているこれらの変化に応えて、リアリズム運動が生まれました。リアリズムは、社会を変えることを望み、貧しい人々の状況と苦難を正確に描写しようとしました。本質的に人類に対して楽観的だったロマン主義とは対照的に、リアリズムは貧困と絶望の厳しいビジョンを提示しました。同様に、ロマン主義が自然を賛美したのに対し、リアリズムは都市の荒廃地の奥深くでの生活を描写しました。ロマン主義と同様に、リアリズムは文学運動であると同時に芸術運動でもありました。偉大な写実主義の画家には、ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダン、ギュスターヴ・クールベ、ジャン＝フランソワ・ミレー、カミーユ・コロー、オノレ・ドーミエ、エドゥアール・マネ、エドガー・ドガ（両者とも印象派とみなされている）、トーマス・イーキンスなどが含まれる。

建築は、他の芸術とはまったく対照的に、産業化に対する反応として歴史主義へと向かった。この時代に建てられた鉄道駅は、その精神を最も忠実に反映しているとみなされることが多く、「時代の大聖堂」と呼ばれることもあるが、産業化時代の建築における主な運動は、ゴシック リバイバルなど遠い過去のスタイルの復活であった。関連する運動としては、ラファエロ以前の「純粋」な状態に芸術を戻そうとしたラファエル前派や、大量生産品の非個性性に反発し、中世の職人技への回帰を主張したアーツ アンド クラフツ運動などがある。

期間:

• 新古典主義: 18世紀中期から19世紀初頭
• ロマン主義：18世紀後半から19世紀半ば
• リアリズム: 19世紀

写実主義の自然主義的倫理から、印象派という大きな芸術運動が生まれました。印象派の画家たちは、人間の目から見た光を捉えようと試み、絵画における光の利用を開拓しました。エドガー・ドガ、 エドゥアール・マネ、クロード・モネ、カミーユ・ピサロ、ピエール＝オーギュスト・ルノワールは、いずれも印象派運動に関わっていました。印象派から直接派生して、ポスト印象派が生まれました。ポール・セザンヌ、フィンセント・ファン・ゴッホ、ポール・ゴーギャン、ジョルジュ・スーラは、最もよく知られているポスト印象派の画家です。

印象派とポスト印象派に続いて、フォーヴィスムが登場しました。これは、最初の「近代」芸術ジャンルであると考えられています。印象派が光に革命を起こしたのと同じように、フォーヴィスムは色彩を再考し、明るく野性的な色調でキャンバスを描きました。フォーヴィスムの後、客観的な芸術作品を通して感情を呼び起こすことに関心を持つ表現主義から、 4次元の現実を平らなキャンバスに移し替える芸術であるキュビズム、抽象芸術に至るまで、あらゆる形態の近代芸術が発展し始めました。これらの新しい芸術形態は、従来の「芸術」の概念の限界を押し広げ、人間社会、テクノロジー、思考に起こっていた同様の急速な変化に対応しました。

シュルレアリスムは、しばしば現代美術の一形態として分類されます。しかし、シュルレアリスト自身は、シュルレアリスムを美術史の時代として研究することに反対しており、それは運動の複雑さを単純化しすぎている（彼らは芸術運動ではないとしている）、シュルレアリスムと美学の関係を誤って伝えている、そして進行中のシュルレアリスムを歴史的に完結した完結した時代として誤って特徴づけていると主張しています。その他の現代美術の形態（その一部は現代美術に近い）には、以下のものがあります。

期間:

• 印象派: 19世紀後半
• その他: 20世紀前半

近代美術は、後にポストモダン美術として定義されるもののいくつかの特徴を予見していた。実際のところ、ポップアートなど、いくつかの近代美術運動は、モダンとポストモダンの両方に分類できることが多い。たとえば、ポストモダン美術は、一般的に皮肉、パロディ、ユーモアに重点を置き、近代美術は、後にポストモダンの文脈で発展することになる、より皮肉な芸術へのアプローチを展開し始めた。ポストモダン美術は、高級芸術と美術と低級商業芸術の間の曖昧さを感じており、近代美術はこの曖昧さの実験を始めた。^[39] 近年の芸術の発展は、材料、媒体、活動、概念の点で、現在芸術とみなせるものが大幅に拡大したことを特徴としている。特にコンセプチュアルアートは幅広い影響を与えてきた。これは文字通り、概念を作られたオブジェクトに置き換えることから始まり、その意図の1つは芸術の商品化に異議を唱えることだった。しかし、現在では、作品には対象物があるものの、その作品の主たる主張は、その作品に影響を与えた思考プロセスにあるという芸術作品を指すことが多くなっています。商業主義の側面が作品に戻ってきています。

過去の運動やアーティストを参考にし、そこから正当性を得るアートも増えてきました。

1960 年代から成長してきたアートにおけるポストモダニズムは、モダニズムとは異なり、モダニズムの芸術運動は主に独自の活動と価値観に焦点を当てていたのに対し、ポストモダニズムは以前の運動全体を参照点として使用している。これは定義上、皮肉と価値観に対するある種の不信を伴う相対主義的な見方を生み出し、それぞれの価値観が別のものに置き換えられるように見える。このことのもう 1 つの結果は、商業主義とセレブリティの成長である。ポストモダニズムの芸術は、「ファイン アート」と見なされるものの一般的なルールとガイドラインに疑問を投げかけ、ロー アートをファイン アートと融合させ、完全に区別できない状態にまで至った。^{[40] [41]ポストモダニズムの出現以前は、ファイン アートは、}上流階級または教育を受けた階級にアピールすることを目的とした、審美的な品質、優雅さ、職人技、繊細さ、知的刺激の形を特徴としていた。これにより、ハイアートはローアートと区別され、ローアートは、安っぽく、キッチュで、簡単に作れて、知的刺激がほとんどまたはまったくなく、大衆にアピールすることを意図したアートと見なされていました。ポストモダンアートはこれらの区別を曖昧にし、キッチュ、商業主義、キャンプの強い要素を現代のファインアートにもたらしました。^[39]今日ファインアートと見なされているものは、ポストモダニズムがハイアートやファインアートの真の概念に革命を起こす前は、ローアートと見なされていた可能性があります。^[39]さらに、現代アートのポストモダンの性質により、アートシーンに個人主義が多くの余地が残されています。たとえば、ポストモダンアートは、ゴシックアートやバロックアートなどの過去の芸術運動からインスピレーションを得ることが多く、これらの過去の時代のスタイルを異なる文脈で並置したりリサイクルしたりします。^[39]

一部のシュルレアリスト、特にジョアン・ミロは「絵画の殺害」を訴えた（1930年代以降の数多くのインタビューで、ミロは従来の絵画技法を軽蔑し、より現代的な表現手段のためにそれらを「殺す」、「殺害する」、「強姦する」という願望を表明した）。^{[42]絵画を非難したり「取って代わろうとする」試みもあったし、}ダダやコンセプチュアル・アート など、芸術運動の中には反絵画的な傾向もあった。20世紀後半の絵画離れの傾向は、ミニマル・アート、抒情抽象、ポップ・アート、オプ・アート、新リアリズム、フォトリアリズム、ネオ・ジオ、新表現主義、新ヨーロピアン・ペインティング、スタック主義、過剰主義、その他さまざまな重要で影響力のある絵画の方向性の継続など、さまざまな運動によって対抗されてきた。

• 美術史
• 絵画の歴史
• 最も優れた画家、彫刻家、建築家の伝記（16 世紀の本）
• モダニズム
• ヨーロッパ植民地化以前のアメリカ大陸の絵画
• 期間一覧

• Chapin, Anne P.、「ミノア美術における権力、特権、風景」、Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr、Hesperia (Princeton, NJ) 33、2004、ASCSA、ISBN 0876615337、9780876615331、Google ブックス 
• ゲイツ、チャールズ、「ミノア文明の壁画における絵画的イメージ」、Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr、Hesperia (Princeton, NJ) 33、2004、ASCSA、ISBN 0876615337、9780876615331、Google ブックス 
• フッド、シンクレア、「先史時代ギリシャの芸術」、1978年、ペンギン（ペンギン/イェール美術史）、ISBN 0140561420 
• サンダーズ、ナンシー K.、「ヨーロッパの先史時代の芸術」、ペンギン（ペリカン、現在はイェール、美術史）、1968 年（注：第 1 版。初期の年代は廃止されています）

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