クラシック音楽

クラシック音楽は一般に西洋世界の芸術音楽を指し、西洋の民俗音楽やポピュラー音楽の伝統とは異なるものと考えられています。 「クラシック音楽」という用語は非西洋の芸術音楽にも適用されるため、西洋クラシック音楽として区別されることもあります。クラシック音楽は、音楽形式と和声構成の形式と複雑さを特徴とすることが多く、^[1]特にポリフォニーの使用が顕著です。^[2]少なくとも9世紀以降、主に書き記された伝統であり、^[2]洗練された記譜システムを生み出したほか、分析、批評、歴史学、音楽学、哲学の実践に関する文献も生まれました。西洋文化の基礎となる要素であるクラシック音楽は、作品、個性、信念が歴史を根本的に形作ってきた作曲家個人または作曲家グループの視点から見られることが多いです。

西ヨーロッパの教会と宮廷の庇護に根ざした^[1]中世初期の現存する音楽は、主に宗教音楽、単旋律音楽、声楽であり、古代ギリシャとローマの音楽がその思想と理論に影響を与えている。現存する最古の楽譜はカロリング朝（800-888）のもので^{[3] 、西洋の}聖歌が徐々にグレゴリオ聖歌と呼ばれるものに統一されていった頃である。^[4]音楽の中心地はザンクト・ガレン修道院、サン・マルティアル修道院、サン・エメラム修道院にあり、11世紀には五線譜が発達し、中世の音楽理論家による作品の発表が増加した。 12世紀半ばまでに、フランスはヨーロッパの音楽の中心地となった。^[3]宗教的なノートルダム楽派が最初に組織的なリズムとポリフォニーを本格的に探求し、一方世俗音楽は詩人であり音楽家でもある貴族が率いたトルバドゥールとトルヴェールの^{伝統によって栄えた。 [5]}これは、宮廷が後援したフランスのアルス・ノヴァとイタリアのトレチェントに至り、これらは極端なリズムの多様性を持つ様式的な運動であるアルス・スブティロール^{へと発展した。 [5]} 15世紀初頭から、ルネサンス時代の作曲家たちで影響力のあったフランコ・フランドル楽派が、イギリスのコンテナンス・アングロワーズの和声原理を基にして、特にミサ曲とモテットで合唱音楽を新たな基準に引き上げた。^[6]すぐに北イタリアが音楽の中心地となり、ローマ楽派がマドリガルなどのジャンルで高度に洗練されたポリフォニー手法を採用し、^[6]短期間ではあるがイギリスのマドリガル楽派に影響を与えた。

バロック時代（1580-1750年）には、一般的な 調性が比較的標準化され、^[7]楽器の重要性が高まり、かなりの規模のアンサンブルが生まれました。イタリアはオペラ、ソリスト中心の協奏曲のジャンル、組織化されたソナタ形式、そして大規模な声楽中心のオラトリオとカンタータのジャンルの発祥地であり、依然として優位に立っていました。ヨハン・セバスチャン・バッハが推進したフーガ技法は、バロックの複雑さの傾向を例示し、その反応として、より単純で歌曲のようなガラント音楽とエンプフィントザムカイトのスタイルが開発されました。より短いが極めて重要な古典派時代（1730年 - 1820年）には、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンなどの作曲家が、交響曲、弦楽四重奏曲、協奏曲など、広く賞賛される絶対音楽の代表作を生み出した。 ^{[8] [9]}その後のロマン派音楽（1800年 - 1910年）では、代わりに標題音楽に重点が置かれ、芸術歌曲、交響詩、さまざまなピアノのジャンルが重要な媒体となった。この時期には、技巧が称賛され、広大さが奨励され、哲学と国家主義が根付いたが、これらすべての側面がリヒャルト・ワーグナーのオペラに集約されている。20世紀までに、様式の統一は徐々に薄れ、ポピュラー音楽の重要性が大幅に高まった。多くの作曲家は、モダニズムの観点から過去の技法やジャンルを積極的に避け、調性を捨ててセリアリズムを採用した者もいれば、民謡や印象派の感情に新たなインスピレーションを見出した者もいた。第二次世界大戦後、聴衆は初めて現代の作品よりも古い音楽を評価するようになり、この好みは商業録音の出現と普及によって満たされた。^[10] 20世紀半ばから現在までの傾向には、新しいシンプルさ、新しい複雑性、ミニマリズム、スペクトル音楽、そして最近ではポストモダン音楽とポストミニマリズムがある。ますますグローバル化が進み、アメリカ、アフリカ、アジアの演奏家が重要な役割を担うようになり、^[3]交響楽団やオペラハウスが世界中に出現するようになりました。

英語のclassicalとドイツ語のKlassik はどちらもフランス語のclassiqueから派生したもので、フランス語の classique 自体はラテン語のclassicusに由来し、元々は古代ローマ市民の最高級階級を指していました。^{[11] [n 1]}ローマでの使用では、この用語は後に尊敬される文学上の人物を区別する手段になりました。 ^[11]ローマの作家アウルス・ゲッリウスは、デモステネスやウェルギリウスなどの作家をclassicusと称賛しました。^[13]ルネッサンスまでには、この形容詞はより一般的な意味を獲得しました。ランドル・コットグレイブの 1611 年の『フランス語と英語の辞書』の項目は、現存する最も古い定義の 1 つであり、classique を「古典的な、正式な、整然とした、適切な順位の、また、承認された、本物の、最高の、主要な」と翻訳しています。^{[11] [14]}音楽学者ダニエル・ハーツは、これを2つの定義にまとめている。1)「正式な規律」と2)「卓越性のモデル」である。^[11]ゲッリウスのように、ラテン語で著述した後期ルネサンス学者は、古典古代の作家を指してclassicusを使用した。^{[12] [n 2]}しかし、この意味は徐々に発展し、しばらくの間、より広範な古典の形式と卓越性の理想に従属していた。^[15]文学と視覚芸術（古代ギリシャとローマの相当な例が存在する）は、最終的に古典古代に関連する用語として「クラシック」という用語を採用したが、当時の音楽はルネサンス音楽家がほとんど利用できなかったため、クラシック音楽とギリシャ・ローマ世界とのつながりは限られていた。^{[15] [n 3]}

18世紀のイギリスで、「クラシック」という用語が「演奏される特定の作品群を初めて表すようになった」。^[15] ロンドンは、他のヨーロッパの都市では例を見ない、また比類のない、著名な公共コンサートの音楽シーンを発展させていた。^[11]王室は、イングランド共和国の解体と名誉革命が宮廷音楽家に与えた不安定さから、徐々に音楽の独占権を失っていった。 ^{[11] [n 4]} 1672年、元宮廷音楽家のジョン・バニスターがロンドンの酒場で大衆向けの公共コンサートを始めた。 ^{[n 5]}彼の人気により、ロンドンでの公共コンサートは急速に注目を集めるようになった。^[19]「クラシック」、あるいはより一般的には「古代音楽」という概念が生まれたが、それは依然として形式と卓越性の原則に基づいており、ハーツによれば「市民の儀式、宗教、道徳的活動が、この新しい音楽趣味の構築に大きく影響した」。^[15]こうした音楽の演奏は、古代音楽アカデミーによって専門化され、後には古代音楽演奏会シリーズで、選りすぐりの16世紀と17世紀の作曲家の作品が取り上げられ、^[20]特にゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルが演奏された。^{[15] [n 6]フランスでは、}ルイ14世（在位 1638年 - 1715年）の治世に文化的ルネッサンスが起こり、その終わりまでにモリエール、ジャン・ド・ラ・フォンテーヌ、ジャン・ラシーヌなどの作家は古典古代の業績を超えたと考えられていた。^{[21]そのため、彼らは「古典的」と特徴づけられ、}ジャン＝バティスト・リュリ（および後のクリストフ・ヴィリバルト・グルック）の音楽も同様に「フランス古典オペラ」と指定された。^[21]ヨーロッパ大陸の他の地域では、「古典」をギリシャ・ローマ世界と類似したものとして定義することの放棄はより緩やかであったが、これは主に、規範となるレパートリーの形成が最小限であったか、上流階級に限定されていたためである。^[15]

19世紀初頭のヨーロッパの評論家の多くは、クラシック音楽の定義に新たな統一性を見出しました。それは、古い時代の作曲家であるヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、そして（後期の作品の一部は除く）ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンを「クラシック」として、台頭しつつあったロマン派音楽のスタイルと対比させることでした。^{[22] [23] [24]}特にこの3人の作曲家は、第1ウィーン楽派（「ウィーン古典派」と呼ばれることもあります）に分類されましたが、^{[n 7]}この組み合わせは、3人ともウィーンで生まれておらず、ハイドンとモーツァルトがウィーンで過ごした時間がほとんどなかったという理由で、依然として問題が残っています。^[25]これはよく表現される特徴づけではありますが、厳密なものではありませんでした。 1879年、作曲家チャールズ・ケンジントン・サラマンは、バッハ、ヘンデル、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェン、ウェーバー、シュポーア、メンデルスゾーンをクラシック音楽の作曲家と定義した。^[26]より広い意味では、一部の作家は「クラシック」という用語を、確立されたジャンルで多くの作品を生み出した作曲家を中心に、様々な作曲家による高く評価されている作品を一般的に賞賛するために使用した。^{[11] [n 8]}

「クラシック音楽」という用語の現代的な理解は、あいまいで多面的である。^{[30] [31]}「芸術音楽」、「カノン音楽」、「教養音楽」、「シリアス音楽」などの他の用語は、ほぼ同義である。^[32]「クラシック音楽」という用語は、西洋世界のみに関係するものであると示唆または暗示されることが多く、^[33]逆に、多くの学術的歴史では、「西洋音楽」という用語は非古典的な西洋音楽を除外している。^{[34] [n 9]}もう1つの複雑な点は、「クラシック音楽」が、同様に長期にわたる複雑な特徴を示す非西洋の芸術音楽を説明するために使用されることがある点である。例としては、インドの古典音楽（すなわち、カルナータカ音楽、 ヒンドゥスターニー音楽、オディッシー音楽）、ガムラン音楽、中国帝国の宮廷のさまざまなスタイル（例えば、雅楽^{を参照）などがある。 [1]}そのため、20世紀後半には、「西洋クラシック音楽」や「西洋芸術音楽」などの用語が、これに対処するために使用されるようになった。^[33]音楽学者ラルフ・P・ロックは、どちらの用語も理想的ではないと指摘しており、「非西洋文化圏出身の西洋芸術音楽ジャンルの特定の演奏家」を考慮すると「興味深い複雑さ」を生み出すとしている。^{[36] [n 10]}

音楽形式とハーモニー構成の複雑さは、クラシック音楽の典型的な特徴である。^[1]オックスフォード英語辞典（OED）は、音楽に関して「クラシック」という言葉に3つの定義を提供している。^[27]

1. 「認められた優秀さ」
2. 「ポピュラー音楽やフォーク音楽とは区別される、正式な音楽の伝統に関連する、またはその特徴を持つ」
3. より具体的には、「調和、バランス、確立された作曲形式への忠実さを特徴とする、18 世紀後半から 19 世紀初頭の正式なヨーロッパ音楽の、またはそれに関連するもの」です。

最後の定義は、現在では古典派音楽時代と呼ばれている、18世紀後半から19世紀初頭にかけてのヨーロッパ音楽の特定の様式の時代に関するものである。^[37]

西洋古典音楽の伝統は、正式には初期キリスト教会によって、また初期キリスト教会のために創作された音楽から始まる。^[38]初期教会は、古代ギリシャとローマで支配的だった音楽との関係を断ち切りたいと考えていた可能性が高い。それは、その音楽が、教会が迫害し、また教会が迫害された異教を思い起こさせるものだったからである。 ^[38]そのため、キリスト教会の音楽、ひいては西洋古典音楽全体が、先行する古代音楽からどの程度影響を受けたのかは不明である。^[39]音楽に対する一般的な姿勢は、古代ギリシャとローマの音楽理論家や評論家から受け継がれたものである。^{[40] [n 11]}ギリシャ・ローマ社会と同様に、音楽は教育の中心と考えられており、中世の標準的な教養教育の上級課程の4科目である四科に、算数、幾何学、天文学とともに音楽が含まれた。^[42]音楽に対するこうした高い評価は、カシオドルス、セビリアのイシドールス、^[43]、そして特にボエティウス^{[44 ] といった学者によって最初に推進され、}ピタゴラス、アリストテレス、プラトンからの音楽観点の伝達と拡張は、中世の音楽思想の発展に極めて重要であった。^[45]しかし、学者、中世の音楽理論家、作曲家は、ギリシャやローマの先人たちの著作を頻繁に誤解していた。^[46]これは、中世の音楽家が利用できるギリシャ・ローマ音楽作品がまったく現存していなかったためであり、^{[46] [注 12]セビリアのイシドールス (} c.  559 – 636 ) は「音は人間に記憶されなければ、書き留めることができないため、消滅する」と述べているほどであるが、これは何世紀も前の古代ギリシャの体系的な記譜法を知らないことによるものである。 ^{[47] [n 13]}音楽学者のグスタフ・リースは、中世の音楽家がギリシャ・ローマの作品を定期的に読んでいたため、多くのギリシャ・ローマのテキストが西洋のクラシック音楽に影響を与えたと今でも言えると指摘している。それは、正しく読んでいたかどうかに関わらずである。^[46]

しかし、古代世界から音楽が継承されていることは疑いようがありません。^[48]モノフォニー、即興、音楽の設定におけるテキストの優位性などの基本的な側面は、中世初期とほぼすべての古代文明の音楽の両方で顕著です。 ^[49]特にギリシャの影響には、教会旋法（アリストクセノスとピタゴラスによる発展の子孫）、^[50]ピタゴラスの調律による基本的な音響理論、^[39]テトラコルドの中心的な機能などがあります。^[51]アウロス（リード楽器）やリラ（小さなハープのような弦楽器）などの古代ギリシャの楽器は、最終的に交響楽団のいくつかの現代の楽器につながりました。^[52]しかし、ドナルド・ジェイ・グラウトは、古代音楽から中世初期への直接的な進化的つながりを作り出そうとする試みは根拠がなく、それは演奏や実践ではなく、ギリシャ・ローマ音楽理論の影響をほぼ受けていたと指摘している。^[53]

中世音楽には、西ローマ帝国が476年に滅亡した後から1400年頃までの西ヨーロッパの音楽が含まれます。単旋律の聖歌は、平歌やグレゴリオ聖歌とも呼ばれ、1100年頃まで主流でした。 ^[54]キリスト教の修道士は、教会全体で典礼を標準化するために、ヨーロッパ初の音楽記譜法を考案しました。^{[55] [56]} 多声音楽は、中世後期からルネサンスにかけて単旋律の聖歌から発展し、モテットのより複雑な声部構成も含まれています。中世初期には、典礼ジャンルの声楽、主にグレゴリオ聖歌は単旋律であり、単一の無伴奏の声楽旋律ラインを使用していました。^{[57]複数の独立した声楽旋律を使用する} ポリフォニー声楽のジャンルは、中世盛期に発展し始め、13世紀後半から14世紀初頭にかけて普及しました。著名な中世の作曲家には、ヒルデガルト・フォン・ビンゲン、レオナン、ペロタン、フィリップ・ド・ヴィトリー、ギヨーム・ド・マショー、フランチェスコ・ランディーニ、ヨハネス・チコニアなどがいます。

中世の楽器は今も数多く残っているが、形は異なる。中世の楽器には、フルート、リコーダー、リュートのような撥弦楽器などがある。また、オルガンやフィドル（またはヴィエール）の初期のバージョンも存在した。ヨーロッパの中世の楽器は、ほとんどの場合単独で使用され、ドローン音を伴奏として演奏されることが多かったが、時にはパートで演奏されることもあった。少なくとも13世紀から15世紀にかけて、楽器はオー（大きな音を出す、甲高い、屋外用の楽器）とバス（静かな、より親密な楽器）に分けられていた。^[58]多くの楽器は、中世イスラム世界から取り入れられた東洋の先祖にルーツがある。^[59]たとえば、アラビアのレバブは、リラ、レベック、バイオリンを含むすべてのヨーロッパの擦弦楽器の祖先である。^{[60] [61]}

音楽ルネサンス時代は1400年から1600年まで続いた。楽器の使用が増え、複数の旋律線が絡み合い、低音楽器の初期の形態が使用されたのが特徴である。社交ダンスがより普及したため、ダンスの伴奏に適した音楽形式が標準化され始めた。五線譜やその他の楽譜の要素が形になり始めたのはこの時代である。^[62]この発明により、楽曲の作曲とその伝達を切り離すことが可能になった。楽譜がなければ、伝達は口頭で行われ、伝達されるたびに変更される可能性がありました。楽譜があれば、作曲家が立ち会わなくても楽曲を演奏できるようになった。^[63] 15世紀の活版印刷機の発明は、音楽の保存と伝達に広範囲にわたる影響を及ぼした。^[64]

多くの楽器はルネッサンス時代に生まれましたが、それ以前に存在していた楽器のバリエーションや改良版もあります。現在まで残っているものもあれば、姿を消したものの、当時の楽器で音楽を演奏するために再作成されたものもあります。現代と同様に、楽器は金管楽器、弦楽器、打楽器、木管楽器に分類できます。ルネッサンス時代の金管楽器は伝統的にギルドのメンバーである専門家によって演奏され、スライド トランペット、木製のコルネット、バルブのないトランペット、サックバットなどがありました。弦楽器には、ヴィオル、レベック、ハープのようなリラ、ハーディガーディ、リュート、ギター、シターン、バンドーラ、オルファリオンがありました。弦楽器には、チェンバロとクラヴィコードがありました。打楽器には、トライアングル、口琴、タンバリン、ベル、ランブルポット、さまざまな種類の太鼓があります。木管楽器には、ダブルリードショーム（オーボエファミリーの初期のメンバー）、リードパイプ、バグパイプ、横笛、リコーダー、ダルシアン、クルムホルンがあります。簡単なパイプオルガンは存在しましたが、持ち運び可能な種類はありましたが、主に教会に限られていました。^[65]印刷によって、楽器の説明と仕様、および使用方法の指導の標準化が可能になりました。^[66]

ルネサンスの声楽は、ますます精巧になる多声音楽のスタイルの栄えで知られる。ルネサンス期を通じて存続した主要な典礼形式はミサ曲とモテットであり、特に宗教音楽の作曲家が世俗的な形式（マドリガーレなど）を独自のデザインに取り入れ始めたため、終わりに向かっていくつかの発展があった。この時代の終わりに向かって、モノディ、マドリガーレ・コメディ、インテルメディオなど、オペラの初期の劇的な前身が見られる。1597年頃、イタリアの作曲家ヤコポ・ペリが、今日オペラと呼ばれる最初の作品であるダフネを作曲した。彼はまた、今日まで残っている最初のオペラである エウリディーチェも作曲した。

著名なルネサンスの作曲家には、ジョスカン・デ・プレ、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、ジョン・ダンスタプル、ヨハネス・オケゲム、オルランド・ド・ラッスス、ギョーム・デュ・フェイ、ジル・バンチョワ、トーマス・タリス、ウィリアム・バード、ジョヴァンニ・ガブリエリ、カルロ・ジェズアルド、ジョン・ダウランド、ヤコブ・オブレヒトが含まれる。、エイドリアン・ウィラート、ジャック・アルカデル、シプリアーノ・デ・ロレ。

慣習期間は通常、慣習的な調性の形成から消滅までの時代として定義されます。^[要出典]この用語は通常、バロック時代、古典派時代、ロマン派時代を含むおよそ 2 世紀半にわたります。

バロック音楽は、複雑な調性対位法と、連続的なベースラインである通奏低音の使用が特徴です。音楽は、それ以前のすべての時代の単純な歌曲と比較して、より複雑になりました。 ^[67]ソナタ形式の始まりは、主題と変奏のより形式化された概念と同様に、カンツォーナで形作られました。音楽における不協和音と半音階を管理する手段としての長調と短調の調性が完全に形作られました。^[68]

バロック時代には、チェンバロやパイプオルガンで演奏される鍵盤楽器の人気が高まり、ヴァイオリン系の弦楽器は現在一般的に見られるような形をとった。舞台音楽としてのオペラは、それ以前の音楽や演劇の形式とは一線を画し始め、カンタータやオラトリオのような声楽形式がより一般的になった。^[69]声楽家が初めて音楽に装飾音を加え始めた。^[67]

平均律の理論は、調律が難しい鍵盤楽器でより幅広い半音階の可能性を可能にしたため、広く実践されるようになった。J.S .バッハは平均律を使用しなかったが、当時一般的だった中全音律から、あらゆるキー間の変調が音楽的に受け入れられるさまざまな音律への変化により、彼の平均律クラヴィーア曲集が作曲可能になった。^[70]

バロック楽器には、初期の楽器（ハーディガーディやリコーダーなど）と、多くの新しい楽器（オーボエ、ファゴット、チェロ、コントラバス、フォルテピアノなど）が含まれていました。ショーム、シターン、ラケット、木製コルネットなど、以前の時代の楽器の中には使われなくなったものもあります。バロック時代の重要な弦楽器には、バイオリン、ヴィオル、ビオラ、ヴィオラ・ダモーレ、チェロ、コントラバス、リュート、テオルボ（通奏低音のパートを演奏することが多かった）、マンドリン、バロック・ギター、ハープ、ハーディガーディがありました。木管楽器には、バロック・フルート、バロック・オーボエ、リコーダー、ファゴットがありました。金管楽器には、コルネット、ナチュラルホルン、ナチュラルトランペット、セルパン、トロンボーンがありました。鍵盤楽器には、クラヴィコード、タンジェントピアノ、ハープシコード、パイプオルガンがあり、後期にはフォルテピアノ（ピアノの初期のバージョン）も登場しました。打楽器には、ティンパニ、スネアドラム、タンバリン、カスタネットがありました。

バロック音楽とその後の古典派音楽の大きな違いは、バロックアンサンブルで使用される楽器の種類がそれほど標準化されていなかったことです。バロックアンサンブルには、数種類の鍵盤楽器（パイプオルガンやハープシコードなど）、^[71]追加の弦楽器（リュートなど）、擦弦楽器、木管楽器、金管楽器、および通奏低音を演奏する不特定多数の低音楽器（チェロ、コントラバス、ビオラ、ファゴット、セルパンなど）が含まれます。

バロック時代の声楽作品にはオラトリオやカンタータなどの組曲が含まれていた。^{[72] [73]}世俗音楽はそれほど一般的ではなく、典型的には器楽のみで特徴づけられた。バロック芸術と同様に、^[74]主題は一般的に神聖であり、カトリックの雰囲気を醸し出すものであった。

この時代の重要な作曲家には、ヨハン・セバスティアン・バッハ、アントニオ・ヴィヴァルディ、ゲオルク・フリデリック・ヘンデル、ヨハン・パッヘルベル、ヘンリー・パーセル、クラウディオ・モンテヴェルディ、バルバラ・ストロッツィ、ドメニコ・スカルラッティ、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アルカンジェロ・コレッリ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ジャン＝フィリップ・ラモー、ジャン＝バティストが含まれる。リュリー、ハインリヒ・シュッツ。

「クラシック音楽」という用語には中世から2010年代初頭までの西洋芸術音楽すべてが含まれますが、クラシック時代は1750年代から1820年代初頭^{[75]までの西洋芸術音楽の時代、つまり}ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの時代を指します。

古典派の時代には、作曲、演奏、スタイルの多くの規範が確立され、ピアノが鍵盤楽器の主流となった。オーケストラに必要な基本的な編成は、ある程度標準化された（ただし、より幅広い楽器の可能性が開発されるにつれて、編成も拡大した）。室内楽は、セレナーデでは8人から10人ほどのアンサンブルを含むまでに成長した。オペラは、イタリア、フランス、ドイツ語圏の地域的なスタイルで発展し続けた。喜劇オペラの一種であるオペラ・ブッファの人気が高まった。交響曲は音楽形式として独自の地位を確立し、協奏曲は名人技の演奏技術を披露する手段として発展した。オーケストラはもはやチェンバロを必要とせず、リードヴァイオリニスト（現在はコンサートマスターと呼ばれる）が指揮することが多かった。 ^[76]

古典派時代の音楽家は、チェロ、コントラバス、リコーダー、トロンボーン、ティンパニ、フォルテピアノ（現代のピアノの前身）、オルガンなど、バロック時代の楽器の多くを使い続けました。テオルボやラケットなど、一部のバロック楽器は使われなくなりましたが、多くのバロック楽器は、バロックバイオリン（後にバイオリン）、バロックオーボエ（後にオーボエ）、バロックトランペット（通常のバルブ付きトランペットに移行）など、現在でも使用されているバージョンに変更されました。古典派時代には、オーケストラや弦楽四重奏などの室内楽で使用される弦楽器は、オーケストラの弦楽セクションを形成する4つの楽器、つまりバイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバスに標準化されました。フレット付きの弓奏ビオラなどのバロック時代の弦楽器は段階的に廃止されました。木管楽器には、バセットクラリネット、バセットホルン、クラリネットダムール、クラリネット、シャリュモー、フルート、オーボエ、ファゴットがありました。鍵盤楽器には、クラヴィコードとフォルテピアノがありました。チェンバロは1750年代と1760年代には通奏低音の伴奏にまだ使用されていましたが、世紀の終わりには使用されなくなりました。金管楽器には、ブッチン、オフィクレイド（チューバの前身であるバスセルパンの代わり）、ナチュラルホルンがありました。

管楽器は古典派時代にさらに洗練されていった。オーボエやファゴットのようなダブルリード楽器はバロック時代にある程度標準化されたが、シングルリードのクラリネットはモーツァルトがオーケストラ、室内楽、協奏曲の分野でその役割を拡大するまで広く使われなかった。^[77]

ロマン派時代の音楽は、およそ19世紀の最初の10年から20世紀初頭にかけて、他の芸術形態におけるロマン主義と並行して、拡張された旋律線や表現的、感情的要素への注目が高まったのが特徴であった。音楽形態は古典派時代の形式（それらが体系化されていたにもかかわらず）から脱却し始め、夜想曲、幻想曲、前奏曲などの自由形式の作品が書かれ、主題の提示や展開に関する一般的な考えは無視または最小限に抑えられた。^[78]音楽はより半音階的で不協和で、音色が多彩になり、調号に関する緊張が（古い形式の一般的な規範に関して）高まった。^[79]芸術歌曲（またはリート）はこの時代に成熟し、グランドオペラの壮大なスケールも同様であり、最終的にはリヒャルト・ワーグナーのニーベルングの指環によって超越された。^[80]

19世紀には、音楽団体が裕福なパトロンの支配から脱却し、作曲家や音楽家は貴族から独立した生活を送ることができるようになった。西ヨーロッパ全域で中産階級が拡大し、音楽への関心が高まったことで、音楽の指導、演奏、保存のための団体が設立された。この時代に近代的な構造を実現したピアノ（冶金学の産業的進歩も一因）は中産階級に広く普及し、ピアノを求める中産階級の要望に応えて多くのピアノ製作者が生まれた。多くの交響楽団の創設はこの時代である。^[79]音楽家や作曲家の中には当時のスターがいたが、フランツ・リストやニコロ・パガニーニのように両方の役割を果たした者もいた。^[81]

ヨーロッパの文化的思想や制度は、世界の他の地域への植民地拡大に追随し始めた。また、特に時代の終わりにかけて、音楽におけるナショナリズム（場合によっては当時の政治的感情を反映したもの）が高まり、エドヴァルド・グリーグ、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、アントニーン・ドヴォルザークなどの作曲家が、祖国の伝統音楽を作品に反映させた。^[82]

ロマン派時代には、より力強く持続的な音色とより広い音域を持つモダンピアノが、より繊細な音色のフォルテピアノに取って代わった。オーケストラでは、既存のクラシック楽器とセクション（弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器）が保持されたが、これらのセクションは通常、より豊かで大きな音を出すために拡張された。たとえば、バロックオーケストラには2人のコントラバス奏者がいたかもしれないが、ロマン派オーケストラには10人ものコントラバス奏者がいた。「音楽がより表現豊かになるにつれて、多くのロマン派作曲家にとって標準的なオーケストラの音色は十分ではなくなった。」^[83]

特にオーケストラで使用される楽器の種類は増え、20 世紀初頭には後期ロマン派やモダニズムの作曲家が使用する非常に大規模なオーケストラが登場し、そのプロセスは最高潮に達しました。打楽器の種類も幅広くなり始めました。ロータリーバルブの導入により金管楽器がより広い音域を演奏できるようになり、金管楽器の役割も大きくなりました。オーケストラの規模（古典派時代には通常40人程度）は100人以上にまで成長した。^[79] 例えば、グスタフ・マーラーの1906年の交響曲第8番は、150人以上の楽器奏者と400人以上の合唱団によって演奏されてきた^。[84]コントラファゴット、バスクラリネット、ピッコロなどの新しい木管楽器が追加され、木琴、スネアドラム、チェレスタ（鐘のような鍵盤楽器）、ベル、トライアングルなどの新しい打楽器、^[83]大型のオーケストラハープ、さらには音響効果用のウィンドマシーンまでもが追加された。サクソフォンは19世紀後半以降のいくつかの楽譜に登場し、通常はオーケストラの不可欠な部分としてではなく、ソロ楽器として取り上げられている。

ワーグナーチューバはホルン属の改良型で、リヒャルト・ワーグナーの交響曲第7番ホ長調に登場します。また、アントン・ブルックナーの交響曲第7番ホ長調でも重要な役割を果たし、リヒャルト・シュトラウス、バルトーク・ベーラらの後期ロマン派やモダニズムの作品にも使用されています。 ^[85]コルネットは、少なくとも19世紀末までは、機敏さに欠けると考えられていたトランペットと並んで、19世紀の楽譜に頻繁に登場します。

この時代を代表する作曲家には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー、フレデリック・ショパン、エクトル・ベルリオーズ、フランツ・シューベルト、ロベルト・シューマン、フェリックス・メンデルスゾーン、フランツ・リスト、ジュゼッペ・ヴェルディ、リヒャルト・ワーグナー、ヨハネス・ブラームス、アレクサンダー・スクリャービン、ニコライ・メトネル、エドヴァルド・グリーグ、ヨハン・シュトラウス2世などがいます。グスタフ・マーラーとリヒャルト・シュトラウスは、後期ロマン派と初期モダニズムの要素を融合した音楽を作曲した過渡期の作曲家としてよく知られています。

世紀の変わり目には、音楽は表現力豊かなメロディー、複雑なハーモニー、そして拡張的な形式を特徴とする後期ロマン派のスタイルを特徴としていた。この時代は、ポストロマン派の 交響曲作曲を推進した数人の作曲家の作品によって特徴づけられた。グスタフ・マーラーやリヒャルト・シュトラウスなどの作曲家は、拡張的な交響曲やオペラで西洋古典派の伝統を発展させ続け、ジャン・シベリウスやヴォーン・ウィリアムズなどの作曲家は、作品に民族主義的な要素や民謡の影響を吹き込んだ。セルゲイ・プロコフィエフはこの伝統から始まったが、すぐにモダニズムの領域に踏み込んだ。同時に、クロード・ドビュッシーが先導する印象派運動がフランスで発展し、モーリス・ラヴェルも著名な先駆者であった。^[86]

モダニズムのクラシック音楽には、ポストロマン派、印象派、表現主義、新古典派と特徴付けられる多くの作曲スタイルが含まれます。モダニズムは、多くの作曲家が伝統的な調性、メロディー、楽器編成、構造など、当時の一般的な慣習の特定の価値観を拒否した時代を特徴づけました。^[87]音楽史家の中には、音楽のモダニズムを 1890 年から 1930 年頃までの時代と見なす人もいます。 ^{[88] [89]}モダニズムは 2 つの世界大戦のいずれかで終わったと考える人もいます。^{[90]さらに他の権威者は、モダニズムは歴史的時代とは関係がなく、「作曲家の}姿勢であり、時代とともに進化できる生きた構成物」であると主張しています。^[91] 20世紀最後の3分の1に衰退したにもかかわらず、世紀末にはピエール・ブーレーズ、ポーリン・オリヴェロス、武満徹、ジョージ・ベンジャミン、ジェイコブ・ドラックマン、ブライアン・ファーニホウ、ジョージ・パール、ヴォルフガング・リーム、リチャード・ワーニック、リチャード・ウィルソン、ラルフ・シャピーなど、モダニズムの思想と形式を前進させ続けた作曲家の中核が残っていた。^[92]

この時期に支配的だった2つの音楽運動は、1890年頃に始まった印象派と、1908年頃に始まった表現主義である。この時代は、古い音楽のカテゴリーに挑戦し、再解釈する多様な反応、音楽のハーモニー、メロディー、音響、リズムの側面を組織し、アプローチする新しい方法につながる革新、そして当時の芸術におけるモダニズムのより広い識別可能な時代と密接に関連した美的世界観の変化の時代であった。この時代と最も関連のある言葉は「革新」である。 ^[93]その主な特徴は「言語の多様性」であり、つまり単一の音楽ジャンルが支配的な地位を占めることはなかったということである。^[94]

オーケストラはモダニズム初期の時代にも成長を続け、20世紀の最初の20年間にピークを迎えた。19世紀にはほとんど登場しなかったサクソフォンは補助楽器としてより一般的に使用されるようになったが、オーケストラのコアメンバーになることはなかった。サクソフォンは、例えばモーリス・ラヴェルによるモデスト・ムソルグスキーの『展覧会の絵』やセルゲイ・ラフマニノフの交響的舞曲のオーケストラ版など、一部の作品ではソロ楽器としてのみ登場するが、セルゲイ・プロコフィエフの『ロメオとジ​​ュリエット』第1組曲と第2組曲など、他の多くの作品ではオーケストラアンサンブルの一員として登場する。ラヴェルの『ボレロ』などの一部の作品では、オーケストラの他のセクションと同様に、異なるサイズのサクソフォンを2本以上使用してセクション全体を構成する。ユーフォニアムは、グスタフ・ホルストの『惑星』やリヒャルト・シュトラウスの『英雄の生涯』など、後期ロマン派や20 世紀の作品のいくつかに登場し、通常は「テナー・チューバ」と記された部分を演奏します。

20 世紀初頭の著名な作曲家には、イーゴリ・ストラヴィンスキー、クロード・ドビュッシー、セルゲイ・ラフマニノフ、セルゲイ・プロコフィエフ、アルノルド・シェーンベルク、ニコス・スカルコッタス、エイトル・ヴィラ＝ロボス、カロル・シマノフスキ、アントン・ウェーベルン、アルバン・ベルク、セシル・シャミナード、パウル・ヒンデミット、アラム・ハチャトゥリアン、ジョージ・ガーシュイン、エイミー・ビーチ、バルトーク・ベーラ、ドミトリ・ショスタコーヴィチなどがおり、さらに前述のマーラーやシュトラウスも 19 世紀から引き継がれた過渡期の作曲家として挙げられます。

ポストモダン音楽は、ある権威者によれば1930年頃に始まった音楽の時代である。^{[88] [89]それは}ポストモダニズム芸術、つまりモダニズムの後に現れ、それに反発する芸術と特徴を共有している。

他の権威の中には、ポストモダン音楽を、1930年以降、20世紀後半から21世紀初頭にかけて作曲された「現代音楽」とほぼ同一視する者もいる。^{[95] [96]}ポストモダン/現代音楽時代の多様な運動には、新ロマン主義、新中世主義、ミニマリスト、ポスト・ミニマリストなどがある。

21世紀初頭の現代クラシック音楽は、 1945年以降のすべての音楽形式を含むと考えられていました。 ^[97]一世代後の現在、この用語は、現在も存命の作曲家によって書かれた今日の音楽、つまり1970年代半ばに注目を集めた音楽を適切に指しています。これには、モダニズム、ポストモダン、新ロマン主義、多元主義の音楽のさまざまなバリエーションが含まれます。^[92]

クラシック音楽を広範囲に学んだ演奏家は「クラシック音楽の訓練を受けている」と言われる。この訓練は、楽器や声楽の教師からの個人レッスン、または音楽学校や大学が提供する音楽学士号や音楽修士号（教授からの個人レッスンを含む）などの正式なプログラムを修了することで得られる。クラシック音楽では、「…大学院レベル（修士号レベル）までの広範囲にわたる正式な音楽教育と訓練」が求められる。^[98]

クラシック音楽のレパートリーを演奏するには、初見演奏とアンサンブル演奏、和声原理、強力な聴覚訓練（耳で音程を修正および調整する）、演奏実践に関する知識（例：バロックの装飾）、特定の作曲家または音楽作品（例：ブラームスの交響曲またはモーツァルトの協奏曲）に期待されるスタイル/音楽的表現法に関する知識が必要です。^[要出典]

ヨーロッパのクラシック音楽が、ポピュラー音楽、フォークミュージック、インドクラシック音楽などの他のクラシック音楽の伝統と異なる主な特徴は、レパートリーが楽譜に記され、音楽パートまたはスコアが作成される傾向があることです。このスコアは通常、リズム、ピッチ、および2人以上のミュージシャン（歌手または楽器奏者）が関与する場合はさまざまなパートの調整方法の詳細を決定します。音楽が記譜されたものであることにより、高度な複雑さが可能になりました。たとえばフーガでは、大胆で独特の旋律線が対位法で織り交ぜられながらも首尾一貫した和声の論理が生み出され、見事な融合が実現しています。記譜法の使用により、作品の記録も保存され、クラシック音楽家が何世紀も前の音楽を演奏できるようになります。

2000年代のクラシック音楽は、バロック時代からロマン派時代にかけての音楽即興の伝統のほとんどを失ってしまったが、その時代のスタイルで即興演奏できた演奏者の例は存在する。バロック時代には、オルガン奏者は前奏曲を即興で演奏し、チェンバロを演奏するキーボード奏者は通奏低音のベース音の下の数字付き低音記号から和音を即興で演奏し、声楽と器楽の演奏者はともに音楽の装飾音を即興で演奏した。 [ 99 ]ヨハン・^{セバスチャン}・バッハは、特に複雑な即興演奏で知られていた。^[100]古典派時代には、作曲家であり演奏家でもあるヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが、様々なスタイルでメロディーを即興で演奏する能力で知られていた。^[101]古典派時代には、ソリストの名手が協奏曲のカデンツァ部分を即興で演奏することもあった。ロマン派の時代には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンはピアノで即興演奏をしていた。^[102]

クラシック音楽の教科書に載っていて、標準的なコンサートのレパートリーとして広く演奏されている作曲家のほとんどは男性作曲家であるが、クラシック音楽の歴史を通じて多くの女性作曲家が存在してきた。音楽学者のマルシア・シトロンは「なぜ女性作曲の音楽は標準的な「クラシック」レパートリーからそれほど外れているのか」と疑問を呈している。 ^{[103]シトロンは「女性作曲家が演奏される音楽作品の「}規範」から排除されることになった慣習や態度を検証している」。彼女は、1800年代には女性作曲家は大ホールでオーケストラと演奏することを意図した交響曲よりも、小規模なリサイタルで演奏するための芸術歌曲を書いたのが典型的であり、後者の作品は作曲家にとって最も重要なジャンルとみなされていたと主張している。女性作曲家は交響曲をあまり書いていないため、作曲家として注目に値するとはみなされていなかった。^{[103] 「}オックスフォード音楽史概説」では、クララ・シューマンは数少ない女性作曲家の一人として言及されている。^[104]アビー・フィリップスは「20世紀には、作曲や演奏をする女性は男性に比べて注目されていなかった」と述べている。^[104]

歴史的に、主要なプロオーケストラは、ほとんどまたは完全に男性の演奏家で構成されてきました。プロのオーケストラに女性が雇用された最も初期の例のいくつかは、ハープ奏者のポジションでした。たとえば、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は、1997年まで女性の常任団員を受け入れませんでした。これは、 2008年にグラモフォン誌^{によって世界のトップ5にランクされた他のオーケストラよりもはるかに遅いことです。 [105] [n 14]}女性を常任団員に任命した最後の主要なオーケストラは、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団でした。^[109] 1996年2月になっても、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の首席フルート奏者であるディーター・フルーリーは、女性を受け入れることは「この組織が現在持っている感情的な統一性（ emotionelle Geschlossenheit ）を賭けること」であると西ドイツ放送に語っていました。^{[110] 1996年4月、オーケストラの広報担当者は、}出産休暇による「予想される欠勤の補償」が問題になるだろうと書いた。^[111]

2013年、マザー・ジョーンズの記事では、「多くの名門オーケストラには女性メンバーが多数おり、ニューヨーク・フィルハーモニックのヴァイオリン部門では女性の数が男性を上回っている。また、国立交響楽団、デトロイト交響楽団、ミネソタ管弦楽団など、いくつかの有名なアンサンブルは女性ヴァイオリニストが指揮をとっている」と述べられているが、主要オーケストラのコントラバス、金管楽器、打楽器部門は「依然として男性が大部分を占めている」。^[112] 2014年のBBCの記事では、「審査員が性別や人種による偏見を持たないように、将来の楽器奏者がスクリーンの後ろで演奏する『ブラインド』オーディションの導入により、伝統的に男性が主流であった交響楽団の男女比が徐々に変化している」と述べている。^[113]

クラシック音楽は、作曲家の時代のポピュラー音楽の要素や素材を取り入れることが多い。例としては、ブラームスの大学祝典序曲における学生の飲酒歌の使用、クルト・ヴァイルの三文オペラに代表されるジャンル、モーリス・ラヴェルを含む20世紀初頭から中期の作曲家に対するジャズの影響（ヴァイオリンとピアノのためのソナタの「ブルース」と題された楽章に代表される）などが挙げられる。^[114]ポストモダン、ミニマリスト、ポストミニマリストのクラシック作曲家の中には、ポピュラー音楽に負っていることを認めている者もいる。 ^{[115] [検証に失敗した]}

ジョージ・ガーシュインの 1924 年の管弦楽曲「ラプソディ・イン・ブルー」は、管弦楽ジャズまたは交響曲ジャズと評されています。この作品は、クラシック音楽の要素とジャズの影響を受けた効果を組み合わせています。

反対方向への影響を示す例は数多くあり、クラシック音楽をベースにしたポピュラーソング、1970年代から使用されているパッヘルベルのカノン、クラシック音楽のミュージシャンがポピュラー音楽の分野で成功を収めた音楽のクロスオーバー現象などがある。 ^[116]ヘビーメタルでは、リッチー・ブラックモアやランディ・ローズを含む多くのリードギタリスト（エレキギターを演奏）が^[117]、バロック時代や古典時代の器楽音楽をモデルに演奏している。^[118]

クラシック音楽の作曲家は、しばしば民俗音楽（一般にクラシック音楽の訓練を受けていない音楽家によって創作され、純粋に口承の伝統から生まれた音楽）を利用してきた。ドヴォルザークやスメタナ^[119]などの作曲家は、作品に民族主義的な趣を与えるために民俗のテーマを使用し、バルトークなどの作曲家は、民俗音楽の起源から完全に取り上げた特定のテーマを使用している。^[120] ハチャトゥリアンは、故郷のアルメニアの民俗音楽を広く作品に取り入れたが、中東や東ヨーロッパの他の民族グループも取り入れた。^{[121] [122]}

クラシック音楽の定番曲の中には、商業的に使用されるもの（広告や映画のサウンドトラック）が数多くあります。テレビコマーシャルでは、リヒャルト・シュトラウスの『ツァラトゥストラはかく語りき』 (映画『2001年宇宙の旅』で有名になった)の冒頭や、カール・オルフの『カルミナ・ブラーナ』の冒頭部分「ああ幸運を」など、いくつかの一節が決まり文句になっています。他の例としては、ヴェルディのレクイエムより「怒りの日」 、エドヴァルド・グリーグのペール・ギュントより「山の魔王の宮殿で」、ベートーヴェンの交響曲第5番の冒頭の小節、アラム・ハチャトゥリアンの「剣の舞」、ワーグナーのワルキューレより「ワルキューレの騎行」 、リムスキー＝コルサコフの「熊蜂の飛行」、アーロン・コープランドのロデオからの抜粋などがある。^[要出典]アニメーションの黄金時代のいくつかの作品は、アクションをクラシック音楽とマッチさせている。有名な例としては、ウォルト・ディズニーのファンタジア、トムとジェリーのヨハン・マウス、ワーナー・ブラザースのセビリアのウサギとオペラって何？

同様に、映画やテレビでは、洗練さや豪華さを伝えるために、クラシック音楽の標準的な決まりきった抜粋がよく使用されます。このカテゴリで最もよく聞かれる曲には、バッハの無伴奏チェロ組曲第1番、モーツァルトのアイネ・クライネ・ナハトムジーク、ヴィヴァルディの四季、ムソルグスキーの禿山の一夜（リムスキー＝コルサコフ編曲）、ロッシーニの「ウィリアム・テル序曲」などがあります。ショーン・ヴァンクールは、1920年代のクラシック音楽の商業化が音楽業界に損害を与えた可能性があると主張しています。^[123]

1990 年代には、いくつかの研究論文や一般向けの書籍で、後に「モーツァルト効果」と呼ばれるようになった現象について書かれました。これは、モーツァルトの音楽を聴いた結果、空間推論テストのスコアが一時的にわずかに上昇するという現象です。このアプローチはドン・キャンベルの書籍で普及し、ネイチャー誌に掲載された実験に基づいています。この実験では、モーツァルトを聴くと学生のIQ が一時的に8 ～ 9 ポイント上昇したと示唆しています。 ^[124]この一般向けの理論は、ニューヨーク タイムズの音楽コラムニスト、アレックス・ロスによって簡潔に表現されています。「研究者は、モーツァルトを聴くと実際に賢くなることを突き止めました。」^[125]プロモーターは、この効果を誘発すると主張する CD を販売しました。フロリダ州は、州立学校の幼児に毎日クラシック音楽を聴くことを義務付ける法律を可決し、1998 年にはジョージア州知事が、ジョージア州で生まれたすべての子供にクラシック音楽のテープまたは CD を提供するために年間 105,000 ドルの予算を計上しました。モーツァルト効果に関する最初の研究の共著者の一人は、「害になるとは思いません。子供たちに素晴らしい文化的体験をさせることに私は大賛成です。しかし、その資金は音楽教育プログラムに使った方がよいと思います」とコメントした。^[126]