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マドリガルは、ルネサンス期（15世紀～16世紀）と初期バロック期（1600年～1750年）[要出典]に最も典型的であった世俗的な 声楽の形式であるが、後世のヨーロッパの作曲家によって再検討された。[1]多声のマドリガルは無伴奏で、声部の数は2～8だが、通常は3～6声で構成され、マドリガルの韻律は2～3の三重奏とそれに続く1～2の連句で構成される。[2]同じ音楽に合わせて歌われる詩節を繰り返す連節形式とは異なり、 [3]ほとんどのマドリガルは通し作曲で、歌詞の各節ごとに異なる音楽が使用され、作曲家は歌われる詩の各行と単語に含まれる感情を表現する。 [4]
1520年代にイタリア風にアレンジされたフランドルの作曲家によって書かれたマドリガルは、3〜4声のフロットラ（1470〜1530年）、イタリア語の詩に対する作曲家の新たな関心、フランスのシャンソンのスタイルの影響、モテット（13〜16世紀）のポリフォニーに由来しています。これらの音楽形式の技術的な違いは、フロットラがテキストの節に設定された音楽であるのに対し、マドリガルは通し作曲、つまり節ごとに異なる音楽の作品である点です。[5]ルネサンスのマドリガーレは、作曲としては14世紀の2〜3声のイタリアのトレチェント・マドリガーレ（1300-1370）とは異なり、共通点はマドリガーレという名前だけです。[6]これは、母教会に奉仕する音楽作品を意味するラテン語のmatricalis （母性の） [2] [検証には引用が必要]、または古典期以降のラテン語のmatricalis（母性の、単純な、原始的な）に由来しています。[7]
芸術的には、マドリガルはルネサンス期のイタリアで最も重要な世俗音楽の形式で、16世紀後半に形式的および歴史的に頂点に達しました。このとき、ジョン・ウィルビー(1574–1638)、トーマス・ウィールクス(1576–1623)、トーマス・モーリー(1557–1602) などのドイツ人作曲家やイギリス人作曲家もこの形式を取り入れました。イギリス風ではありますが、ほとんどのイギリスのマドリガルは3人から6人の声のためのアカペラ作品で、イタリアの元のマドリガルの音楽スタイルを模倣または翻訳したものです。[2] 16世紀半ばまでに、イタリアの作曲家はマドリガルをカンタータや対話の作曲に取り入れ始め、17世紀初頭までにオペラではマドリガルがアリアに取って代わられました。[6]
歴史
起源と初期のマドリガル
マドリガルは、16世紀イタリアの人文主義的潮流の収束から生まれた音楽作品である。まず、日常生活やコミュニケーションのための母国語としてラテン語ではなくイタリア語を使用することに新たな関心が寄せられた。1501年、文学理論家ピエトロ・ベンボ（1470-1547）は、詩人ペトラルカ（1304-1374）の版を出版し、ラテン語の韻律（単語の発音への細心の注意）と統語論（テキストの行内での単語の位置）を適用することで優雅な文章を実現することについて論じた『ギリシャ文学のための弁論』（1453）を出版した。詩の形式として、マドリガルは不規則な行数（通常7～11音節）の繰り返しのない構成であった。[6] [8] [9]
第二に、イタリアは、イタリア文化に魅了され、貴族の宮廷やローマカトリック教会での仕事に惹かれたフランコ・フランドル派のオルトレモンターニ（「アルプスの向こうから来た人々」）作曲家たちの通常の行き先でした。フランコ・フランドル派の作曲家たちは、宗教音楽のポリフォニー作曲のスタイルを習得しており、シャンソンなどの故郷の世俗的な作曲を知っていた。シャンソンは、15世紀後半から16世紀初頭のイタリアの世俗的で軽い作曲スタイルとは大きく異なっていた。[6]
第三に、印刷機の登場によりイタリアでは楽譜の入手が容易になった。当時一般的に使用されていた音楽形式、すなわちフロットラやバッラータ、カンツォネッタ、マスケラータは、文学的質の低い詩を含む軽い作品であった。これらの音楽形式では、反復やソプラノ主体のホモフォニー、和音のテクスチャやスタイルが用いられており、フランドル楽派の作曲スタイルよりも単純であった。さらに、イタリアの文学における大衆の嗜好は、軽薄な詩から、フロットラや関連する音楽形式よりも作曲の柔軟性が求められたベンボとその流派が用いたような真剣な詩へと変化しつつあった。[6] [9]
マドリガーレは、1520年代の過渡期に徐々にフロットラに取って代わっていった。初期のマドリガーレは、ベルナルド・ピサーノ（1490–1548）の『ペトラルカの歌曲集』（1520年）に収録されている。マドリガーレと名付けられた作品はないが、いくつかの曲はペトラルカ風の韻文と言葉による描写で、後のマドリガーレの作曲上の特徴となった。[6]フィリップ・ヴェルドロ（1480–1540）の『マドリガーレ・デ・ディヴァーシ・ムジチ：リブロ・プリモ・デ・ラ・セレナ』（1530年）には、セバスティアーノ・フェスタ（1490–1524）、コスタンツォ・フェスタ（1485–1545）、マスター・ジャン（1485–1538）、そしてヴェルドロ自身の楽曲が収録されている。[6]
1533年から1534年にかけて、ヴェネツィアでヴェルドロは4声のマドリガーレの人気本を2冊出版し、1540年に再版された。1536年、この出版の成功により、フランドル楽派の創始者アドリアン・ヴィラールト（1490年 - 1562年）は4声のマドリガーレの一部を単声とリュート用に編曲した。1541年、ヴェルドロは5声と6声のマドリガーレも出版した。[6]ジャック・アルカデルト（1507年 - 1568年）による最初のマドリガーレ本『マドリガーレの原典』（1539年）は成功を収め、当時最も多く再版されたマドリガーレ本となった。[10]様式的には、アルカデルトとヴェルドロの本の音楽は、彼らの母国語がフランス語であることを考えると、イタリアのフロットラやモテットよりもフランスのシャンソンに近いものでした。作曲家として、彼らはベンボの考えに従ってテキストの設定に注意を払い、フランスの世俗音楽に共通するリフレインと詩の構成を使用するのではなく、音楽を通し作曲しました。[11]
16世紀半ば
マドリガルはフィレンツェとローマの都市で生まれましたが、16 世紀半ばまでにヴェネツィアが音楽活動の中心地になりました。ローマ略奪 (1527 年)とフィレンツェ包囲 (1529 ～ 1530 年)の政治的混乱により、音楽の中心地としてのヴェネツィアの重要性は低下しました。さらに、ヴェネツィアはヨーロッパの音楽出版の中心地であり、サン マルコ寺院(サン マルコ寺院) はヨーロッパの音楽家を惹きつけ始めていました。ピエトロ・ベンボは1529年にヴェネツィアに戻っていた。アドリアン・ヴィラールト（1490年 - 1562年）とサン・マルコ寺院の仲間、ジローラモ・パラボスコ（1524年 - 1557年）、ジャック・ブース（ 1524年 - 1557年）、バルダッサーレ・ドナート（1525年 - 1603年）、ペリソーネ・カンビオ（1520年 - 1562年）、チプリアーノ・デ・ローレ（1515年 - 1565年）は、15世紀半ばのマドリガーレの主要な作曲家であった。
アルカデルトやヴェルデロとは異なり、ウィラールトは多声言語の複雑なテクスチャを好み、そのため彼のマドリガルはモテットのようであったが、詩節のテキストを際立たせるためにホモフォニックと多声的なパッセージの間で作曲上のテクスチャを変化させた。詩については、ウィラールトはペトラルカのソネットを好んだ。 [6] [12] [13]ウィラールトに次いで、チプリアーノ・デ・ローレはマドリガルの最も影響力のある作曲家であった。ウィラールトがテキストの設定において抑制された繊細なものであり、鋭い対比よりも均質性を追求したのに対し、ローレは言葉の絵画化や珍しい半音階の関係など、派手な修辞的ジェスチャーを用いた。これは音楽理論家ニコラ・ヴィチェンティーノ（1511年 - 1576年）によって奨励された作曲の傾向であった。[10] [14]ローレの音楽言語から、このジャンルを特徴づけるマドリガリズムと、作曲の標準となった五声のテクスチャが生まれました。[15]
1550年代～1570年代
マドリガルの後者の歴史は、17世紀初頭までに存在していたマドリガル作曲の基本的な音楽形式となった作品を残したチプリアーノ・デ・ローレに始まる。[6] [16]関連する作曲家としては、初期に世俗音楽を作曲したジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ（1525–1594）、12のモテット『シビュラの予言』（1600年）を作曲し、後に1556年にミュンヘンに移り、イタリア国外でのマドリガル作曲の歴史を始めたオルランド・デ・ラッスス（1530–1594）、そして最も多作なマドリガーレ作曲家で1554年に最初の作品を出版したフィリップ・デ・モンテ（1521–1603）がいる。[6] [17]
ヴェネツィアでは、アンドレア・ガブリエリ（1532年 - 1585年）が、モテット作品のように、明るく開放的な多声的なテクスチャーのマドリガルを作曲しました。フェラーラ公アルフォンソ2世デステ（在位1559年 - 1597年）の宮廷では、女性歌手3人による協奏曲「女性のための協奏曲」（1580年 - 1597年）があり、ルッツァスコ・ルッツァスキ（1545年 - 1607年）、ジャチェス・デ・ウェルト（1535年 - 1596年）、ルドヴィーコ・アゴスティーニ（1534年 - 1590年）が、しばしば器楽伴奏付きの装飾マドリガルを作曲しました。フェラーラの「女性のための協奏曲」の優れた芸術性に刺激されて、作曲家たちはフェラーラの宮廷を訪れ、女性たちの歌声を聴き、彼女たちに歌ってもらうために作品を提供しました。代わりに、他の都市でも独自のコンチェルト・デレ・ドンネが設立されました。フィレンツェでは、メディチ家がアレッサンドロ・ストリッジオ（1536年 - 1592年）にルッツァスキ風のマドリガーレの作曲を依頼しました。 [6]ローマでは、ルカ・マレンツィオ（1553年 - 1599年）の作品が、当時のさまざまなスタイルを最も統一したマドリガーレでした。[18]
1560年代には、モンテヴェルディの教師であったマルク・アントニオ・インジェニェーリ（1535年 - 1592年）、アンドレア・ガブリエーリ（1532年 - 1585年）、ジョヴァンニ・フェレッティ（1540年 - 1609年）らが、マドリガーレに軽い作曲要素を再び取り入れ、愛、憧れ、死を歌ったペトラルカ風のシリアスな詩は、舞踏のリズムと気楽な生活を歌った詩を含むヴィラネッラとカンツォネッタに置き換えられた。 [10] 16世紀後半には、作曲家らは言葉による絵画表現を用いてマドリガリズム、つまり歌詞の単語の意味と音楽が一致するパッセージを適用した。例えば、作曲家は、笑いを真似た素早い音符の部分には「riso（微笑み）」を設定し、その下の音符に下がる音符には「sospiro（ため息）」を設定する。 17世紀には、音楽形式としてのワードペインティングの受容が変化し、詩人で作曲家のトーマス・キャンピオン（1567-1620）は、エアーズ第一巻（1601年）の中で、ワードペインティングをマドリガルの否定的なマニエリスムとして批判した。「すべての単語の性質が音符で正確に表現されているのに...そのような子供じみた言葉の観察はまったくばかげている。」[19]
世紀の変わり目
16 世紀末、マドリガルの社会的役割の変化は、新しい形式の音楽への発展に貢献しました。発明以来、マドリガルには 2 つの役割がありました。(i) 熟練したアマチュア歌手や音楽家の小グループのための私的な娯楽、および (ii) 一般向けの音楽の儀式演奏の補足。アマチュアの娯楽機能によりマドリガルは有名になりましたが、マドリガーレ奏者がより広い音域と劇的な力を持つ、歌うのがより難しい音楽を作曲すると、プロの歌手がアマチュア歌手に取って代わりました。表現される感情には、中音域の歌手のアンサンブルではなく、広い音域の独唱歌手が必要だったからです。
特に文化的に進歩的な都市であったフェラーラとマントヴァでは、能動的な演奏者と受動的な聴衆の間に分裂が生じた。1590年にマドリガーレで感情が伝えられ、 17世紀初頭にはオペラでアリアが表現されたが、作曲家たちは新世紀に入ってもマドリガーレを使い続けた。例えば、多声用の古いスタイルのマドリガーレ、器楽伴奏付きのソロマドリガーレ、そしてクラウディオ・モンテヴェルディ（1567–1643）が最も有名な作曲家である協奏的マドリガーレなどである。[ 6 ]
ナポリでは、弟子のカルロ・ジェズアルドの作曲スタイルは、6冊のマドリガーレ集と宗教音楽『聖週間の応答』( 1611年)を出版していた師匠のルッツァスコ・ルッツァスキ(1545年 - 1607年)のスタイルを踏襲していた。1590年代初頭、ジェズアルドはアルフォンソ・フォンタネッリ(1557年 - 1622年)やルッツァスキといったフェラーラ地方の作曲家たちの半音階主義やテクスチャの対比を学んでいたが、彼の様式的なマニエリスムや極端な半音階主義を真似したマドリガーレ奏者は少なかった。これらは、アントニオ・チフラ(1584年 - 1629年)、シジスモンド・ディンディア(1582年 - 1629年)、ドメニコ・マッツォッキ(1592年 - 1665年)らが音楽作品で選択的に用いた作曲技法であった。 [6] [20] [21] 1620年代、ジェズアルドの後継のマドリガーレ作曲家はミケランジェロ・ロッシ（1601-1656）で、彼の無伴奏マドリガーレ集2冊は持続的で極端な半音階を特徴としている。[22]
協奏的マドリガルへの移行
ルネサンス音楽（1400年 - 1600年）からバロック音楽（1580年 - 1750年）への移行期において、クラウディオ・モンテヴェルディは、 16世紀後半のポリフォニーから初期バロック時代のモノディや通奏低音を伴う協奏曲のスタイルへの様式的、技術的移行を示すマドリガーレ集9冊を著した主要なマドリガーレ作曲家として一般に認められている。モンテヴェルディは表現力豊かな作曲家として、ジェズアルドの半音階主義のような極端な様式を避け、マドリガーレの音楽形式に固有のドラマ性に集中した。彼の第5巻と第6巻には、等声部のためのポリフォニック・マドリガーレ（16世紀後半のスタイル）と、通奏低音を伴奏とする独声部マドリガーレが含まれており、これらは準備されていない不協和音とレチタティーヴォのパッセージを特徴としており、独声マドリガーレとアリアの作曲上の統合を予兆している。第5巻のマドリガーレで、モンテヴェルディは「セコンダ・プラティカ（第二の練習）」という言葉を使って、歌詞はマドリガーレの「ハーモニーの女王」でなければならないと述べている。これは、協奏的マドリガーレに対して旧式のポリフォニック・マドリガーレの不協和音と等声部の限界を否定的に擁護したジョヴァンニ・アルトゥージ（1540年 - 1613年）に対する彼の進歩的な回答であった。[23] [24]
協奏的マドリガルからの移行
17 世紀の最初の 10 年間に、イタリアのマドリガーレの作曲技法は、バランスのとれた声部によるア・カペラの声楽作品という古い理想から、楽器の伴奏を伴う 1 つ以上の声部による声楽作品へと進歩しました。内声はソプラノとベースラインに次ぐものとなり、機能的な調性が発達し、不協和音を自由に扱うことで、作曲家は声楽グループと楽器間の劇的な対比を強調するようになりました。17 世紀のマドリガーレは、(i) 通奏低音を伴うソロ マドリガーレ、および (ii) 通奏低音を伴う 2 つ以上の声部によるマドリガーレという、2 つの音楽作曲の潮流から生まれました。イングランドでは、作曲家は 16 世紀の古いスタイルでアンサンブル マドリガーレを書き続けました。[23] [6] 1600年には、マドリガーレの作曲における和声的および劇的な変化が楽器伴奏を含むまでに拡大した。これは、マドリガーレが元々、才能あるアマチュア芸術家による受動的な聴衆なしのグループ演奏のために作曲されたためであり、したがって楽器が欠落した部分を埋めた。作曲家は通常、楽器編成を指定しなかった。クラウディオ・モンテヴェルディは『マドリガーレ第5巻』と『マドリガーレ第6巻』で、アンサンブル・マドリガーレにおける楽器のベースパートであるbasso seguenteはオプションであると述べている。ベースラインを演奏し、内声部を埋めるための通常の楽器は、リュート、テオルボ（キタローネ）、チェンバロであった。[23] [6]
マドリガーレ奏者のジュリオ・カッチーニ（1551年 - 1618年）は、独奏通奏低音様式のマドリガーレを作曲した。これは技術的にはモノディに関連し、フィレンツェのカメラータ（1573年 - 1587年）の実験音楽の流れを汲む作品である。独奏マドリガーレ集『新しい音楽』 （1601年）の中で、カッチーニは、この作品の要点は反対位法的であると述べた。なぜなら、歌の歌詞と言葉が第一であり、均衡のとれた声のポリフォニーが歌の歌詞の聞き取りを妨げているからである。カッチーニの発展の後、作曲家マルコ・ダ・ガリアーノ（1582年 - 1643年）、シジスモンド・ディンディア（1582年 - 1629年）、クラウディオ・サラチーニ（1586年 - 1630年）も独奏通奏低音様式のマドリガーレ集を出版した。カッチーニの音楽は主に全音階だったが、後の作曲家、特にディンディアは、実験的な半音階表現を用いて独奏通奏低音のマドリガルを作曲した。モンテヴェルディは第7のマドリガル集（1619年）で、1つの歌声と3つの楽器群を使用する独奏通奏低音様式の唯一のマドリガルを出版した。これは、1600年代のカッチーニの単純な声と通奏低音の作品から技術的に大きな進歩であった。[6]
1620年頃から、アリアはモノラル形式のマドリガルに取って代わった。1618年に出版された最後のソロマドリガル集にはアリアは収録されておらず、同様にその年にはアリア集にもマドリガルは収録されていなかったため、出版されたアリアの数はマドリガルの数を上回り、多作なマドリガル奏者サラチーニとディンディアは1620年代半ばに出版をやめた。[6]
1630年代後半、2つのマドリガーレ集が、後期様式のマドリガーレの作曲上および技術的な実践をまとめた。ドメニコ・マッツォッキは『マドリガーレ、5声の楽譜』（1638年）で、マドリガーレを集め、アカペラ演奏用に特別に作曲された通奏低音とアンサンブル作品にまとめた。マドリガーレ音楽集としては初めて、マッツォッキはクレッシェンドとデクレッシェンドの記号を含む正確な指示を出版した。しかし、これらのマドリガーレは演奏用ではなく音楽学研究用であり、作曲家マッツォッキがマドリガーレを古い音楽作品として回顧的に見直したことを示している。[25]モンテヴェルディはマドリガーレ第8巻（1638年）で、最も有名なマドリガーレであるタンクレディとクロリンダの戦いを出版した。これは世俗的なオラトリオによく似た劇的な作品で、弦楽器のトレモロを使ったスティレ・コンチタート（興奮したスタイル）などの音楽的革新を特徴としている。しかし、音楽作品の進化により、マドリガーレは個別の音楽形式としては消滅し、ソロ・カンタータとアリアがソロ通奏低音マドリガーレに取って代わり、アンサンブル・マドリガーレはカンタータと対話に取って代わられ、1640年までにはオペラが17世紀の主流の劇的な音楽形式となった。[23]
イギリスのマドリガル学校
16世紀のイギリスでは、ニコラス・ヤング（1560年 - 1619年）が『トランスアルプスの音楽』 （1588年）を出版するとマドリガルが大人気となり、イタリアのマドリガル集とその歌詞の英訳が収録され、後にイギリスでマドリガル作曲の端緒となった。無伴奏マドリガルは、マドリガル音楽形式が人気を失っていたヨーロッパ大陸よりもイギリスで長く生き残ったが、イギリスのマドリガーレ奏者は16世紀後半のイタリア風の音楽を作曲し、制作し続けた。
18世紀初頭のイギリスでは、キャッチ・クラブやグリー・クラブによってマドリガルの歌唱が復活し、この形式への関心が高まり[26] [27] 、 1741年に弁護士でアマチュア音楽家のジョン・イミンズによってロンドンに設立されたマドリガル協会などの音楽団体が設立された。 [28] 19世紀には、作曲家パレストリーナ（ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ）のマドリガルが再発見される前から、16世紀と17世紀には楽譜が大量に出版された結果、マドリガルはルネサンス（15世紀～16世紀）の最もよく知られた音楽となった。[6]
大陸ヨーロッパ
16世紀、イタリアのマドリガーレという音楽形式は、作曲家がイタリア語または母国語で書いたヨーロッパ全土の世俗音楽に大きな影響を与えた。マドリガーレ音楽の影響の程度は、世俗音楽の地方伝統の文化的強さに依存していた。フランスでは、シャンソンという土着の作曲法のため、フランス風のマドリガーレは発展しなかったが、オルランド・ド・ラシュス（1532年 - 1594年）やクロード・ル・ジューヌ（1528年 - 1600年）などのフランスの作曲家は、マドリガーレの技法を音楽に応用した。[6]オランダでは、コルネリス・フェルドンク（1563年 - 1625年）、ヒューバート・ウェルラント（1517年 - 1595年）、ヤン・ピーテルスゾーン・スウェーリンク（1562年 - 1621年）がイタリア語でマドリガーレを作曲した。[6]
ドイツ語圏のヨーロッパでは、ミュンヘンのラッソスやウィーンのフィリップ・ド・モンテ（1521年 - 1603年）らがマドリガーレの多作な作曲家であった。特にヴェネツィアでマドリガーレ作曲のためのイタリアの技法を学んだドイツ語圏の作曲家には、アンドレア・ガブリエリに師事したハンス・レオ・ハスラー（1564年 - 1612年）や、ジョヴァンニ・ガブリエリに師事したハインリヒ・シュッツ（1585年 - 1672年）らがいた。北ヨーロッパからは、デンマークとポーランドの宮廷作曲家がイタリア様式のマドリガーレを学ぶためにイタリアへ渡り、一方、ルカ・マレンツィオ（1553年 - 1599年）はワルシャワのジグムント3世ヴァーサ（在位1587年 - 1632年）のマエストロ・ディ・カペラ（礼拝堂の音楽監督）として働くためにポーランドの宮廷へ渡った。[6]さらに、ヴィッテンベルク大学の学長カスパー・ツィーグラー（1621年 - 1690年）とハインリヒ・シュッツは論文「フォン・デン・マドリガーレン」（1653年）を執筆した。[29]
マドリガリスト
トレチェントマドリガル
初期の作曲家
- ジャック・アルカデルト– I Libro a 4、1543年。最も多く再版されたマドリガーレ集の著者。
- フランチェスコ・コルテッチャ–コジモ1世・デ・メディチの宮廷作曲家
- コスタンツォ フェスタ– I Libro a 3、1541 年。
- ベルナルド・ピサーノ
- シプリアーノ・デ・ロレ- I Libro a 5、1542
- フィリップ・ヴェルデロ– I Libro a 5、1535年。最初のマドリガーレ奏者の一人であり、メディチ家の宮廷とも関係があった。
- エイドリアン・ヴィラールト– フランドル出身の作曲家、ヴェネツィア楽派の創始者
後期ルネサンス作曲家
- アンドレア・ガブリエリ– I Libro a 3、1575
- オルランド・ディ・ラッソ
- フランシスコ・レオンタリティス
- フィリップ・ド・モンテ– 最も多くのマドリガーレ集を著した作家。
- ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ– 主に宗教音楽で有名ですが、少なくとも 140 曲の世俗的なマドリガーレも作曲しました。
- ジョヴァン・レオナルド・プリマヴェーラ
バロックの境界で
- カミーロ・コルテッリーニ– I Libro a 5 e 6、1583
- カルロ・ジェズアルド– I Libro、1594
- シジスモンド ディンディア– I Libro a 5、1606
- ルッツァスコ・ルッツァスキ– I Libro a 5、1571
- ルカ・マレンツィオ– I Libro a 5、1580
- クラウディオ・モンテヴェルディ– I Libro a 5、1587
- Giaches de Wert – I Libro a 5、1558
バロックのマドリガリスト
4 声または 5 声のア・カペラによる古いスタイルのマドリガーレは、新しいコンチェルタートスタイルのマドリガーレと並行して継続されましたが、作曲上の分岐点であるセコンダプラッティカによって、クラウディオ モンテヴェルディの『マドリガーレ第 5 巻』 （1605 年）に提示された、自律的な通奏低音のラインが生まれました。
イタリア
- アゴスティーノ・アガザーリ– I Libro a 5、1600
- アドリアーノ・バンキエリ
- アントニオ・カルダーラ
- アントニオ・ロッティ
- ジュリオ・カッチーニ
- アントニオ・シフラ– I Libro a 5、1605
- シジスモンド・ディンディア
- マルコ・ダ・ガリアーノ– I Libro a 5、1602
- アレッサンドロ・グランディ
- マルコ・マラッツォリ
- ドメニコ・マッツォッキ– マドリガーリ a 5、1638
- クラウディオ・モンテヴェルディ
- ジョヴァンニ・プリウリ– I Libro、1604
- パオロ・クアリアーティ– I Libro a 4、1608
- ミケランジェロ・ロッシ
- サラモーネ・ロッシ– I Libro a 5、1600年。彼のSecondo Libro（1602年）は、通奏低音付きで出版されたマドリガーレの最初の例です。
- クラウディオ・サラチーニ
- バルバラ・ストロッツィ– I Libro a 2-5vv with bc、1644年
- オラツィオ・ヴェッキ– I Libro a 6、1583
ドイツ
- ハンス・レオ・ハスラー– I Libro、1600
- ヨハン・ヘルマン・シャイン
- ハインリヒ・シュッツ– I Libro a 5、ヴェネツィア 1611 年。
イギリスのマドリガル学校
イギリス楽派のマドリガル約60曲が『オックスフォード・ブック・オブ・イングリッシュ・マドリガル』に掲載されている。
古典派時代のイギリスの作曲家
19世紀の作曲家
20世紀の作曲家
コンテンポラリー
音楽の例
- ステージ 1 マドリガル: アルカデルト、アヒメ、ドヴェ ベル ヴィソ、1538
- ステージ 2 マドリガル (初級練習): Willaert、Aspro core e selvaggio、1540 年代半ば
- ステージ 3 マドリガル (第 2 実践): ジェズアルド、Io parto e non piu dissi、1590 ～ 1611
- ステージ 4 マドリガル: カッチーニ、ペルフィディッシモ ボルト、1602
- ステージ 5 マドリガル: モンテヴェルディ、タンクレディとクロリンダの戦闘、1624
- イギリスのマドリガル：ウィールクス、おお、心配よ、汝は私を派遣するであろう、16 世紀後半/17 世紀初頭
- 19 世紀のイギリスのマドリガルの模倣:ギルバートとサリバンの喜劇オペラ『ミカド』 (1885 年)より「私たちの結婚式の日は明るく明ける」
参考文献
注記
- ^ ホブソン、ジェームズ (2015)。「1726-1851年のイギリスにおける音楽古物収集とマドリガルの復活」 (Ph.D.)。ブリストル大学。2022年10月2日閲覧 – EThOS経由。
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出典
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- リース、グスタフ（1954年）。ルネサンスの音楽。ニューヨーク：WWノートン。ISBN 0-393-09530-4。
さらに読む
- イアン・フェンロン、ジェームズ・ハール：16世紀初頭のイタリアのマドリガル：出典と解釈。ケンブリッジ、1988年
- オリファント、トーマス編 (1837) 『ラ・ムーサ・マドリガレスカ、または、マドリガーレ、バレエ、ラウンドレイなどのコレクション：主にエリザベス朝時代のもの。注釈付き』 ロンドン：カルキン・アンド・バッド
- 合唱パブリックドメインライブラリには多くのマドリガルの楽譜が含まれています
外部リンク
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ウィキメディア・コモンズには、マドリガルに関連するメディアがあります。
- エドモンド・ウィリアム・ゴス;ドナルド・フランシス・トーヴィー（1911年）。。ブリタニカ百科事典。 Vol. 17（第11版）。 p. 295.
- 古楽。スウェーデン、ウメオ大学、ウメオ学術合唱団、学術コンピュータ クラブによる、英語マドリガルの無料録音、ドイツ歌曲の無料録音、スペイン語マドリガルの無料録音
- イタリアのマドリガルリソースセンター
