作曲家

作曲家とは、音楽を書く人のことである。^[1]この用語は特に西洋クラシック音楽の作曲家、^[2]または職業上作曲家である人を指すために使用される。^[3]多くの作曲家は、熟練した音楽演奏家でもある、またはあった。

この用語はラテン語のcompōnōに由来し、文字通り「まとめる人」を意味します。^[4]オックスフォード英語辞典によると、この用語が音楽の文脈で最初に使用されているのは、トーマス・モーリーの1597年の著書『実用音楽への平易な入門』で、モーリーは「優れたデスキャンターもいるが、下手な作曲家もいる」と述べています。^[1]

「作曲家」は、一般的に音楽を書く人を指す曖昧な用語です。^[1]より具体的には、職業上作曲家である人、^[3]または西洋クラシック音楽の伝統に従って活動する人を指すためによく使用されます。^[2]専らまたは主に歌を書く作家は作曲家と呼ばれることがありますが、20世紀以降、「ソングライター」または「シンガーソングライター」という用語が、特にポピュラー音楽のジャンルでより頻繁に使用されています。 ^[5]他の文脈では、「作曲家」という用語は文学作家を指すこともあります。^[6]またはよりまれで一般的には、作品をまとめて1つの作品にする人を指すこともあります。^[7]

文化や伝統を超えて、作曲家は様々な方法で音楽を書き、伝えることができる。多くのポピュラー音楽では、作曲家が作品を書き、それが口承によって伝えられる。逆に、西洋のクラシック音楽の伝統では、音楽は聴覚的に、つまり「音楽家の心の中で」作曲され、その後、文書に書かれ、伝えられることがある。^[8]

ヨーロッパのクラシック音楽の発展において、当初、音楽を作曲する機能は、演奏する機能ほど重要ではありませんでした。^[要出典]個々の作品の保存はそれほど重視されず、音楽家は一般的に、演奏のために作品を変更することに何の抵抗も感じませんでした。

19世紀のロマン主義時代以前の西洋世界では、作曲は歌唱、指導、理論化のいずれかの組み合わせとほぼ同時に行われていました。^[9]

従来の西洋の器楽作品では、メロディー、コード、ベースラインのすべてが楽譜に記されているが、演奏者はアーティキュレーションやフレージングを変えたり、フェルマータ（持続音）や休止の長さを選んだり、擦弦楽器、木管楽器、金管楽器の場合はビブラートやポルタメントなどの表現効果を使用するかどうかを決めたりすることで、作品に芸術的な解釈を加える自由度がある程度ある。歌手や器楽演奏者にとって、以前に作曲され記譜された音楽をどのように演奏するかを決めるプロセスは「解釈」と呼ばれる。同じ音楽作品でも、演奏者によって解釈は大きく異なる可能性があり、テンポの選択やメロディーの演奏や歌唱スタイル、フレージングの点で異なる。自分の音楽を発表する作曲家や作詞家は、他人の音楽を演奏するのと同じくらい解釈している。特定の時間と場所に存在する標準的な選択肢とテクニックの集合は演奏実践と呼ばれ、解釈は一般に演奏者の個々の選択を意味するために使用されます。^[要出典]

楽曲の作者は一人であることが多いですが、常にそうであるとは限りません。音楽作品には複数の作曲家がいる場合があり、これはポピュラー音楽でバンドが協力して曲を書く場合や、ミュージカル劇場で曲は一人の作曲者によって書かれ、伴奏部分の編曲と序曲の作曲はオーケストラ編曲者によって行われ、歌詞は第三者によって書かれる場合があります。

楽曲は、言葉や画像で作曲されることもある。また、20世紀や21世紀には、歌手や音楽家がどのように音楽の音を作り出すべきかを説明または記譜するコンピュータ プログラムで作曲されることもある。その例としては、そよ風に揺れるウィンドチャイム、図形記譜法を使用する20世紀の前衛音楽、 Aus den Sieben Tagenなどのテキスト作曲、楽曲の音を選択するコンピュータ プログラムなどがある。ランダム性と偶然性を多用する音楽は偶然性音楽と呼ばれ、ジョン ケージ、モートン フェルドマン、ヴィトルド ルトスワフスキなど、20世紀に活躍した現代作曲家と関連付けられている。

音楽の個々のバリエーションの性質と手段は、その国の音楽文化とそれが書かれた時代によってさまざまです。たとえば、バロック時代に作曲された音楽、特に遅いテンポの音楽は、演奏者が演奏中にメロディーラインに即興の装飾を加えることが期待され、アウトラインのみで書かれることが多かったです。このような自由は、後の時代になると、作曲家が強弱やアーティキュレーションなどの形でより詳細なスコアリングを使用することが増えたことと相関して、一般的に減少しました。作曲家は、自分の音楽がどのように解釈されることを望んでいるかについて一様に明確になりましたが、これらがどの程度厳密に細かく指示されるかは、作曲家によって異なります。作曲家が演奏者への指示をますます具体的かつ詳細にする傾向のため、最終的には、作曲家の書かれた意図への忠実さが非常に評価される文化が生まれました (たとえば、Urtext 版を参照)。この音楽文化は、主要なクラシック音楽の作曲家が演奏家からしばしば高い評価（崇拝に近い）を受けていることとほぼ間違いなく関係しています。

歴史的に情報に基づいた演奏運動は、特にバロック音楽や初期古典派音楽において、演奏者が楽譜に記された音楽を真剣に練り上げる可能性をある程度復活させた。この運動は、演奏者に即興が求められた時代に作曲された作品において、原曲にさらに忠実なものを創り出す方法であると考えられるかもしれない。古典派音楽以外のジャンルでは、演奏者には通常、より多くの自由がある。したがって、たとえば西洋のポピュラー音楽の演奏者が以前の曲の「カバー」を作成する場合、原曲の正確な演奏はほとんど期待されず、また、正確な忠実さが必ずしも高く評価されるわけでもない（有名なギターソロの「音符ごとの」転写は例外かもしれない）。

西洋芸術音楽では、作曲家が通常、作品のオーケストラを編成するが、ミュージカルやポップミュージックでは、作詞家が編曲家を雇うことがある。場合によっては、ポップソングライターは記譜法をまったく使用せず、代わりに頭の中で曲を作曲し、それを記憶から演奏または録音することがある。ジャズやポピュラー音楽では、影響力のある演奏家による注目すべき録音は、クラシック音楽における楽譜の重要性を帯びている。作曲の研究は、伝統的に西洋クラシック音楽の手法と実践の検討が中心であったが、作曲の定義は、ポピュラー音楽や伝統音楽の歌曲や器楽作品の創作にまで及び、フリージャズの演奏家やエウェ族のドラマーなどのアフリカの打楽器奏者による即興作品も含まれるほど広い。

中世には、ほとんどの作曲家がカトリック教会のために働き、聖歌のメロディーなど宗教的な儀式のための音楽を作曲しました。ルネサンス音楽の時代には、作曲家は通常、貴族の雇用主のために働きました。貴族は通常、作曲家にミサ曲などの大量の宗教音楽の制作を要求しましたが、作曲家はまた、遠く離れた偉大な女性への敬意と崇敬の念を込めた宮廷愛をテーマにした非宗教的な歌も数多く書きました。宮廷愛の歌はルネサンス時代に非常に人気がありました。バロック音楽の時代には、多くの作曲家が貴族に雇われたり、教会の職員として雇われたりしました。古典派の時代には、作曲家は営利目的でより多くの公開コンサートを企画するようになり、それによって作曲家は貴族や教会の仕事への依存度が低くなりました。この傾向は19世紀のロマン派音楽の時代にも続きました。20世紀には、作曲家は大学や音楽院の教授としての職を求めるようになりました。 20 世紀には、作曲家は歌や楽曲の楽譜の出版や作品の録音など、作品の販売からも収入を得ていました。 ^[要出典]

1993年、アメリカの音楽学者 マーシャ・シトロンは「なぜ女性作曲の音楽は標準的な『クラシック』レパートリーから外れているのか？」と疑問を呈した。 ^{[10]シトロンは「女性作曲家が演奏される音楽作品の『}規範』から排除されるに至った慣習と態度を検証している」と述べている。彼女は、1800年代には女性作曲家は大ホールでオーケストラと演奏するための交響曲よりも、小規模なリサイタルで演奏するための芸術歌曲を書いたのが典型的であり、後者の作品が作曲家にとって最も重要なジャンルとみなされていたと主張している。女性作曲家は交響曲をあまり書いていないため、作曲家として注目に値しないと考えられていた。^[10]

アビー・フィリップスによれば、「女性音楽家がブレイクし、当然の評価を得るのは非常に困難だった」という。^[11]中世の時代、芸術音楽のほとんどは典礼（宗教）目的のために創作され、宗教指導者が女性の役割について抱いていた見解のため、修道女ヒルデガルト・フォン・ビンゲンを例外として、このタイプの音楽を作曲した女性はほとんどいなかった。音楽史に関する大学の教科書のほとんどは、男性作曲家の役割についてのみ論じている。同様に、女性作曲家の作品がクラシック音楽の標準的なレパートリーの一部になっていることは非常に少ない。簡潔なオックスフォード音楽史では、「クララ・シューマンは言及されている数少ない女性作曲家の一人である」とされている^[11]が、一般的な慣習時代の他の著名な女性作曲家にはファニー・メンデルスゾーンやセシル・シャミナードがおり、20世紀半ばの作曲家にとって最も影響力のある教師はナディア・ブーランジェであると言える^[要出典]。フィリップスは「20世紀には、作曲/演奏する女性は男性に比べて注目されることがはるかに少なかった」と述べている^[11]。

今日、女性はコンサート音楽の分野でより真剣に受け止められるようになっていますが、認知度、賞、雇用、全体的な機会の統計は依然として男性に偏っています。^[12]

有名な作曲家は歴史を通じて特定の都市に集中する傾向があります。Grove Music Onlineに掲載されている12,000人以上の著名な作曲家に基づき、単語数測定技術を使用することで、クラシック音楽にとって最も重要な都市を定量的に特定することができます。^[13]

パリは、あらゆる時代において西洋クラシック音楽の中心地でした。15世紀と16世紀には5位でしたが、17世紀から20世紀までは1位でした。ロンドンは2番目に重要な都市で、15世紀には8位、16世紀には7位、17世紀には5位、18世紀と19世紀には2位、20世紀には4位でした。ローマは15世紀にランキングのトップでしたが、16世紀と17世紀には2位、18世紀には8位、19世紀には9位に下がりましたが、20世紀には6位に戻りました。ベルリンは18世紀にのみトップ10のランキングに登場し、19世紀と20世紀の両方で3番目に重要な都市にランクされました。ニューヨーク市は19世紀にランキングに登場し（5位）、20世紀には2位でした。 522人のトップ作曲家のサンプルでもパターンは非常に似ています。^[14]

プロのクラシック作曲家は、多くの場合、子供時代や十代の頃に、合唱団の歌手、ユースオーケストラの演奏者、またはソロ楽器（ピアノ、パイプオルガン、バイオリンなど）の演奏者として、クラシック音楽を演奏した経験を持っています。作曲家を目指す十代の若者は、大学、音楽院、大学など、さまざまな正式なトレーニング環境で高等教育を続けることができます。フランスやカナダなどの国の標準的な音楽トレーニングシステムである音楽院では、作曲を学ぶ学生にレッスンやアマチュアのオーケストラや合唱の経験を提供しています。大学では、学士号、音楽修士号、音楽芸術博士号など、さまざまな作曲プログラムを提供しています。また、クラシックサマーキャンプやフェスティバルなど、学生が作曲家から指導を受ける機会を提供するさまざまなトレーニングプログラムもあります。

作曲の学士号 ( B.Mus.または BMと呼ばれる) は、個人作曲レッスン、アマチュア オーケストラ/合唱団の経験、音楽史、音楽理論、教養科目 (例: 英文学) の一連のコースを含む 4 年間のプログラムで、学生に総合的な教育を提供します。通常、作曲の学生は卒業前に重要な作品または歌曲を完成させる必要があります。すべての作曲家が作曲の B.Mus. を取得しているわけではありません。作曲家は音楽演奏または音楽理論の B.Mus. も取得している場合があります。

作曲の音楽修士号 (M.mus.) は、作曲の教授による個人レッスン、アンサンブル体験、音楽史と音楽理論の大学院課程、作曲学生の作品をフィーチャーした 1 回または 2 回のコンサートで構成されています。音楽の修士号 (M.Mus. または MM と呼ばれる) は、大学や音楽院で作曲を教えたい人にとって、最低限必要な資格であることがよくあります。M.Mus. を取得した作曲家は、大学の非常勤教授または講師になることができますが、2010 年代にこの学位で終身在職権を持つ教授のポジションを得ることは困難です。

多くの大学では、終身在職権を持つ教授になるには博士号が必要です。作曲では、博士号はPhDではなく音楽芸術博士号です。PhDは音楽で授与されますが、通常は音楽学や音楽理論などの科目に対して授与されます。

作曲の音楽芸術博士号 (DMA、DMA、D.Mus.A.、または A.Mus.D と呼ばれる) は、最高レベルの芸術および教育学の高度な研究の機会を提供します。通常、修士号に加えて 54 単位以上 (学士号に加えて約 30 単位以上) が必要です。このため、入学は厳しく選抜されます。学生は作曲作品のサンプルを提出する必要があります。学校によっては、学生の作品の演奏のビデオまたはオーディオ録音も受け付ける場合があります。音楽史、音楽理論、聴音訓練/ディクテーションの試験、および入学試験が必要です。

学生は、学部の作曲教授の指導の下で重要な作曲を準備する必要があります。一部の学校では、DMA 作曲コースの学生に、通常、学校の歌手や音楽家が演奏する作品のコンサートを行うことを義務付けています。上級コースの修了と最低平均 B も、DMA プログラムに求められる一般的な要件です。DMA プログラム中、作曲コースの学生は、学部の音楽学生を教える経験を積むことができます。

作曲家の中には、作曲プログラムを修了せず、声楽や楽器の演奏、あるいは音楽理論の研究に重点を置き、他の音楽職に就きながら作曲スキルを磨いた人もいます。

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