イタリアのクラシック音楽

平歌、より具体的にはグレゴリオ聖歌、アンブロジオ聖歌、ガリア聖歌は、一般的には、修道士によって歌われ、主に800年から1000年の間にローマカトリック教会で発展した、単旋律で無伴奏の初期キリスト教の歌唱スタイルを指します。違いはわずかですが、場合によっては大きなものさえあります。これらの違いは、イタリア半島でローマ帝国が崩壊した後に存在した大きな民族的、文化的、言語的多様性を反映しています。イタリア全土のローマカトリック教会では、さまざまな修道院の伝統が生まれましたが、場所は異なり、時代も古いものでした。音楽の専門家でなくても、たとえばミラノのアンブロジオ聖歌のシンプルな音作りと、ギリシャ正教会の声楽の伝統を反映した、声に独特の「東方」の装飾的な震えが見られるベネヴェントの聖歌の違いを聞き分けることができます。しかし、違いがあるにもかかわらず、類似点も大きくあります。いずれにせよ、正式なグレゴリオ聖歌は 1100 年までにイタリア全土に押し付けられましたが、ギリシャの儀式の音楽は半島のさまざまな場所、特にラヴェンナや、1000 年以前にビザンチン帝国の大きな偶像破壊論争 から逃れてきたギリシャ人が避難した南半島などのビザンチン帝国がかつて支配していた場所で引き続き聞かれました。明らかに、ギリシャの儀式が行われていた場所では、聖歌はローマカトリックの典礼のようにラテン語では なくギリシャ語で歌われました。

トレチェントは、1300年から1420年頃まで、イタリアで絵画、建築、文学、音楽などの芸術が活発に活動した時代です。トレチェントの音楽は、特に世俗的な歌やイタリア語という母国語の使用において、新しい表現形式の先駆けとなりました。これらの点で、トレチェントの音楽はルネサンス現象のように思われるかもしれませんが、支配的な音楽言語は中世後期のものとより密接に関連しており、音楽学者は一般的にトレチェントを中世の終わりに分類しています。^[1]

1500 年以前の世俗音楽は、主に歌い手、吟遊詩人、パントマイムの作品でした。この時代はイタリア、そしてヨーロッパ全体で言語の大きな地方化が進んだ時代でした。つまり、人々はラテン語ではなく、その地域で話されていた中世のネオラテン語の地方語で歌を書き、歌い始めました。このように、ダンテは1300 年に『神曲』で、共通言語 (彼の言語は 18 世紀まで「イタリア語」ではなく「トスカーナ語」と呼ばれていました) が優れた文学の媒体になり得ることを示しました。当然、それは人々が歌う歌の歌詞にも及びました。

この点については、2 つの点について言及する価値があります。(1) 私たちは、音楽の実際の音よりも、歌詞についてはるかに多くのことを知っています。歌詞は、メロディーを記譜するよりもはるかに簡単に書き留められました。(楽譜を参照)。したがって、12 世紀のプロヴァンスでは、彼らの言語で活気のあるトルバドールの伝統があったことがわかっており、1,000 マイル離れたシチリア島のフリードリヒ 2 世のホーエンシュタウフェン宮廷でも 、人々の方言 (たとえばアラビア語の影響を強く受けている) で歌われた活気のあるトルバドールの伝統があったことがわかっていますが、どちらも正確にどのように聞こえたかについては推測の域を出ません。私たちが知っているのは、今日、南フランスの民俗音楽は、シチリアの民俗音楽とはかなり違って聞こえるということだけです。民俗音楽は急速な変化に抵抗する点で比較的保守的であるため、現在存在するメロディー、音階、発声方法の明らかな違いの少なくともいくつかは、当時も存在していたと想定できます。中世によく見られた合唱のコール・アンド・レスポンスの性質、つまり独唱者が一節を歌い、グループがそれに応答するという性質は、会衆全員を巻き込む方法として中世の教会音楽に取り入れられました。

アルス・ノヴァと呼ばれる複雑なポリフォニーは、14世紀と15世紀に聞かれるようになりました。マドリガルなどの人気曲では、同時に歌われるさまざまなメロディーの密度が増すオーバーレイが使用され、その目的は、絡み合った美しい音の質感を作り出すことでした。これは、和音を形成するために多くの音を同時に鳴らすハーモニーとは異なります。これは後になって発明されたものです。とはいえ、聖歌のモノフォニックな音からポリフォニーの多数の同時メロディーへの移行は、私たちの音楽認識に革命をもたらしました。つまり、同時に鳴らされるものが増えても、それを聴いて心地よく感じることができるのです。

ルネサンスという言葉を聞いて、ほとんどの人は音楽を思い浮かべません。しかし、16世紀の建築家、画家、彫刻家が古代ギリシャの新たに発見された価値観に敬意を表したのと同じように、その時代の詩人や音楽家も同じことをしようとしました。1500年から1600年は、ヨーロッパの音楽史上最も革命的な時代です。それは、ハーモニーが発達した世紀であり、オペラが生まれた世紀です。

これら 2 つの発展は関連しています。読者は、グレゴリオ聖歌のモノフォニーから、1500 年以前の数世紀のマドリガルやその他の音楽の複雑なポリフォニーへの移行に気付いたことでしょう。音楽認識の次の変化は、あまり一般的ではない用語であるホモフォニーに関係しています。ホモフォニーとは、目立つことを意図したものではなく、ハーモニーの上に明らかなメロディーをサポートする、ハーモニック コードまたはコード進行の発音です。

ホモフォニック音楽への欲求、あるいは必要性は、いくつかの要因から生じました。まず、多くの異なるメロディーが同時に演奏される過度に複雑なポリフォニーが拒絶されました。次に、その時代の一般的な新しい音楽美学が生まれました。これは、 1500 年にレオナルド ダ ヴィンチが「音楽は比例部分の同時結合である」と述べた言葉に最もよく要約されています。つまり、2:1 (オクターブの音を生成)、3:2 (5 度の音を生成)、5:4 (長 3 度の音を生成) などの単純な算術比率に基づいて音符を一緒に鳴らすことです。したがって、1 秒あたり 400、600、800、1000 サイクルで音符を生成すれば、音楽の中で最も単純で最も調和のとれた音である長和音のすべての音符が得られます。それは本当にそれほど単純なのです。 （音楽音響学を参照。）16世紀を非常に重要なものにしている要因のリストの3番目は、物語を語りたいというルネサンス時代の願望、つまり小さな舞台に人々を呼び出してギリシャ神話の歌、たとえばオルフェウスの物語を歌わせることだった。全員が同時にメロディーを歌っていたら難しいため、ポリフォニーはホモフォニーに取って代わられ、初期のオペラは比較的単純なメロディーとギリシャ神話のテキストで構成され、イタリア語で歌われ、単純なハーモニーが支えていた。16世紀のこの音楽の発展においてイタリアで重要な都市はフィレンツェだった。（フィレンツェのカメラータ、ヴィンチェンツォ・ガリレイ、ヤコポ・ペリ、クラウディオ・モンテヴェルディ、パレストリーナ、アルカンジェロ・コレッリも参照。）

フィレンツェのほかに、1600 年頃のイタリアの都市が 2 つあります。イタリアの音楽の発展の歴史においてどちらがより重要かという点について、両都市の支持者の間では友好的な競争が繰り広げられています。ヴェネツィアは商業オペラの発祥地として正当に位置づけられています。一方、ナポリは教会が後援する音楽学校の歴史を誇ります。この学校は「フィーダー システム」へと発展し、イタリア、そしてヨーロッパ全体の音楽界に作曲家や演奏家を提供しました。(ヴェネツィアの音楽と ナポリの音楽も参照してください。)

1600 年から 1750 年頃までの期間は、音楽のバロック時代を包含します。この時代には多くの重要な出来事がありました。1 つは、ポリフォニーのメロディーの複雑さへの回帰です。ただし、メロディーは、コードと長音階と短音階に基づく、現代的で確立されたハーモニー システムの範囲内で進行しました。この後者の要素は、ホモフォニック音楽の概念の延長であり、テキストの重要性よりも、あらゆるバリエーションのメロディーの複雑さが優位に立つことを可能にしました。テキストと音楽の優位性をめぐる争いは、ギリシャの音楽にまで遡り、ヨーロッパの芸術音楽やポピュラー音楽のあらゆる形態で今も続いています。テキストを犠牲にしてハーモニー内でメロディーが優位に立つようになったこの新しい傾向は、オーケストラの楽器リソースの拡張と発明を含む大きな変化をもたらしました。キーボードは双方向に拡張され、ストラディバリウスのような楽器の製造はクレモナで大きな産業となり、器楽音楽は、人間の声を伴奏するという伝統的な役割から完全に離れた、独立した「トラック」として発展し始めました。器楽形式には、ソナタやフーガなどがあります。この時代イタリアで有名で影響力のある音楽家としては、アレッサンドロとドメニコ・スカルラッティ、ベネデット・マルチェッロ、アントニオ・ヴィヴァルディなどがおり、それぞれこの時代におけるナポリとヴェネツィアの重要性を象徴しています。

18 世紀初頭からその世紀末にかけては、歴史家が「クラシック音楽」と呼ぶものが含まれます。(「クラシック」という用語のこの用法は、歴史家以外の人が言う「クラシック音楽」、つまり「ポピュラー音楽」ではなく、すべてのオペラと交響曲を意味するものではないことに注意してください。)

「クラシック」という用語は、交響曲や協奏曲などの音楽形式の標準化を示すという点で、この時代の音楽にふさわしいものです。したがって、「クラシック」という用語は、ルネサンス時代のギリシャ古典哲学の意味で使用されています。つまり、美などのものは理想として永遠に存在し、芸術家 (この場合は作曲家) の仕事はその理想を形にすることであるという考え方であるプラトン形式です。したがって、たとえば、交響曲はオーケストラ用の 4 つの楽章からなる標準的な作品として形式化されています。

イタリアにおける音楽の作曲と演奏の設備は、この世紀に大きく進歩した。ナポリとミラノにそれぞれサンカルロ劇場とスカラ座という大きなオペラハウスが建てられたのもこの時代である。また、ナポリ、そしてイタリアの喜劇オペラが台頭した時代でもある。また、メタスタージオの台本を中心に、オペラのテキストと音楽のバランス感覚が見直されたことも重要である。

今世紀における重要なイタリアの作曲家は、ジョヴァンニ・バッティスタ・ペルゴレージ、ニッコロ・ピッチーニ、ジョヴァンニ・パイジエッロ、ルイージ・ボッケリーニ、ドメニコ・チマローザ、ムツィオ・クレメンティ、ルイージ・ケルビーニ、ジョヴァンニ・バッティスタ・ヴィオッティ、ニッコロ・パガニーニです。この時代は、イタリアの作曲家たちの多くが海外で活動し始め、いわば「イタリア音楽」が国際化した時代でもあります。

ヨーロッパの文学、芸術、音楽におけるこの世紀はロマン主義の世紀である。音楽におけるロマン主義は、その世紀の文学や絵画を特徴づける多くの同じ特徴によって特徴づけられる。すなわち、古典主義の形式主義へ​​の関心が低く、愛、英雄的行為、勇気、自由など人間の情熱への関与が高いことであり、これらはすべてフランス啓蒙主義のヒューマニズムから直接派生したものである。イタリアのオペラは、喜劇オペラの軽快さを捨て、イタリアの抒情ロマン主義のより深刻な作品を好む傾向がある。常に人気のあるロッシーニは確かにその例外ではあるが、19世紀のイタリア音楽は、最初は ベッリーニやドニゼッティのような作曲家が支配し、そしてもちろん、世紀の最後の50年間は、イタリア史上最大の音楽的象徴であるジュゼッペ・ヴェルディが支配した。また、イタリア音楽史上おそらく最も偉大な、そして間違いなく最後の純粋旋律の作曲家であるジャコモ・プッチーニがキャリアをスタートさせた時代でもある。プッチーニは20世紀の新しい音楽の時代への架け橋です。

ヨーロッパ音楽全体におけるロマン主義は、世紀の変わり目まで確実に存続した。イタリアでは、ヴェルディとプッチーニの音楽が何年もの間支配的であった。その他のイタリアのロマン派作曲家、少なくとも西洋音楽の調性伝統に従って作曲を続けた作曲家（第一次世界大戦後のヨーロッパの新しい無調性と不協和音とは対照的）で 20 世紀まで「生き残った」作曲家には、アリーゴ・ボーイト、ルッジェーロ・レオンカヴァッロ、ピエトロ・マスカーニ、フランチェスコ・チレア、オットリーノ・レスピーギがいる。

しかし、第一次世界大戦や、少なくともロバート・ルイス・スティーブンソンによれば「人間は皆、地獄をも恥じ入らせるような秘密の考えを持っている」精神分析などの文化的/科学的現象によって多くのヨーロッパの芸術界で引き起こされたロマン主義の衰退した価値観やシニシズムにイタリアの作曲家が反応するのは必然だった。ロマン主義は、オペラファンの間で根強い人気があったにもかかわらず、第一次世界大戦で消滅した。しかし、ミニマリスト音楽に道を譲ったドイツの後期ロマン派音楽の長すぎるオーケストラ作品のように、イタリアのロマン派音楽が自らの重みで消滅したとは言えない。しかし、抽象化、無調性、そして単純に「難しい」音楽は、プッチーニの死後イタリアにもたらされた。20世紀音楽で最も重要なイタリア人の名前には、ルチアーノ・ベリオ、ルイジ・ダッラピッコラ、ゴッフレード・ペトラッシ、ルイジ・ノーノがいる。