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| 電子音楽 | |
|---|---|
| その他の名前 | エレクトロニカ[1] |
| 文体の起源 | |
| 文化的起源 | 20世紀初頭、アメリカとヨーロッパ |
| 派生形 | |
| その他のトピック | |
電子音楽は、広義では、電子楽器、回路ベースの音楽技術とソフトウェア、または汎用電子機器（パソコンなど）を使用して作成された音楽ジャンルのグループです。電子的手段と電気機械的手段（電子音響音楽）を使用して作成された音楽の両方が含まれます。純粋な電子楽器は、電子発振器、テルミン、シンセサイザーなどのデバイスを使用するなど、回路ベースの音生成に完全に依存していました。電気機械楽器には、弦、ハンマーなどの機械部品と、磁気ピックアップ、パワーアンプ、スピーカーなどの電気要素が含まれます。このような電気機械デバイスには、テルハーモニウム、ハモンドオルガン、電子ピアノ、エレキギターが含まれます。[3] [4]
最初の電子音楽装置は、19世紀末に開発された。1920年代から1930年代にかけて、いくつかの電子楽器が導入され、それらを使用した最初の楽曲が書かれた。1940年代までには、磁気オーディオテープによってミュージシャンは音を録音し、テープ速度や方向を変更することで音を修正できるようになり、1940年代にはエジプトとフランスで電子音響 テープ音楽が開発された。1948年にパリで生まれたミュジック・コンクレートは、自然音と工業音の録音された断片を編集することに基づいていた。電子発電機のみで制作された音楽は、1953年にドイツでカールハインツ・シュトックハウゼンによって初めて制作された。電子音楽は1950年代から日本と米国でも作成され、同じ10年間にコンピューターによる アルゴリズム作曲が初めて実演された。
1960年代には、デジタルコンピュータミュージックが開拓され、ライブエレクトロニクスの革新が起こり、日本の電子楽器が音楽業界に影響を与え始めました。 1970年代初頭には、Moogシンセサイザーとドラムマシンが合成電子音楽の普及に貢献しました。 1970年代には、ディスコ、クラウトロック、ニューウェーブ、シンセポップ、ヒップホップ、EDMなどのジャンルの出現により、ポリフォニックシンセサイザー、電子ドラム、ドラムマシン、ターンテーブルの採用により、電子音楽がポピュラー音楽に大きな影響を与え始めました。 1980年代初頭には、ヤマハDX7などの量産デジタルシンセサイザーが人気を博し、MIDI（Musical Instrument Digital Interface）が開発されました。同じ10年間で、シンセサイザーへの依存が高まり、プログラム可能なドラムマシンの採用により、電子ポピュラー音楽が前面に出てきた。 1990年代には、音楽技術がますます手頃な価格で普及し、電子音楽の制作はポピュラー文化の一部として定着しました。[5] 1989年に始まったベルリンのラブパレードは、 100万人を超える来場者を誇る最大のストリートパーティーとなり、他の電子音楽の一般的なお祭りに影響を与えました。[6]
現代のエレクトロニック音楽には、実験的な芸術音楽からエレクトロニックダンスミュージックなどのポピュラーな形式まで、さまざまな種類があります。ポップエレクトロニックミュージックは4/4形式で最もよく知られており、ニッチな市場で人気があった以前の形式よりも主流と結びついています。[7]
起源: 19世紀後半から20世紀初頭
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20世紀初頭、新興エレクトロニクスの実験により、最初の電子楽器が誕生した。[8]これらの初期の発明は販売されず、デモンストレーションや公演に使用された。聴衆には、楽器のための新しい作曲ではなく、既存の音楽の複製が披露された。[9]いくつかは目新しいものと考えられ、単純な音色を生み出したが、テルハーモニウムはいくつかのオーケストラ楽器の音をかなり正確に 合成した。これは現実的な一般の関心を集め、電話ネットワークを介した音楽のストリーミングへと商業的に進歩した。[10]
当時の音楽慣習の批評家たちは、これらの発展に将来性を見出していた。フェルッチョ・ブゾーニは、電子楽器による微分音音楽の作曲を奨励した。彼は、機械が将来の音楽に使用されることを予言し、影響力のある『音楽の新美学のスケッチ』（1907年）を書いた。 [11] [12]フランチェスコ ・バリラ・プラテッラやルイージ・ルッソロなどの未来派は、機械の音を想起させるアコースティックノイズを使った音楽を作曲し始めた。彼らは、影響力のある宣言書『雑音の芸術』（1913年）で、電子楽器による音色の拡張を予言した。 [13] [14]
初期の作品
真空管の発達により、電子楽器はより小型で増幅され、演奏に実用的になった。[15]特に、テルミン、オンド・マルトノ、トラウトニウムは1930年代初頭までに商業的に生産された。[16] [17]
1920年代後半から、電子楽器の実用性が高まり、ジョセフ・シリンガーやマリア・シュッペルなどの作曲家が電子楽器を採用するようになった。電子楽器はオーケストラでよく使用され、ほとんどの作曲家は弦楽器で演奏できるパートをテルミン用に作曲した。[16]
前衛的な作曲家たちは、従来の目的で電子楽器が広く使用されていることを批判した。[16]電子楽器は音程資源の拡張を可能にしたため[18] 、チャールズ・アイヴズ、ディミトリオス・レヴィディス、オリヴィエ・メシアン、エドガー・ヴァレーズなどの微分音音楽の支持者たちはそれを活用した。[19] [20] [21]さらに、パーシー・グレインジャーはテルミンを使って固定調性を完全に放棄し[22]、ガブリエル・ポポフなどのロシアの作曲家はテルミンを、本来はアコースティックなノイズ音楽におけるノイズ源として扱った。[23]
実験の記録
初期の録音技術の発展は、電子楽器の発展と並行して進みました。音声を録音・再生する最初の手段は、19世紀後半に機械式蓄音機によって発明されました。[24]レコードプレーヤーは一般的な家庭用品となり、1920年代には作曲家が短い録音を演奏するために使用していました。[25]
1925年に電気録音が導入されると、レコードプレーヤーを使った実験が増えていった。パウル・ヒンデミットとエルンスト・トッホは1930年に楽器とボーカルの録音を速度を調整して重ねていくつかの作品を作曲した。これらの技術の影響を受けて、ジョン・ケージは1939年に録音された音の速度を調整して「想像の風景第1番」を作曲した。 [26]
作曲家たちは、新たに開発されたサウンド・オン・フィルム技術の実験を始めた。録音をつなぎ合わせてサウンド・コラージュを作ることができ、トリスタン・ツァラ、クルト・シュヴィッタース、フィリッポ・トンマーゾ・マリネッティ、ヴァルター・ルットマン、ジガ・ヴェルトフなどがその例である。さらに、この技術によって音をグラフィックで作成したり変更したりすることが可能になった。これらの技術は、アメリカで人気の『ジキル博士とハイド氏』のほか、ドイツやロシアのいくつかの映画のサウンドトラックの作曲に使用された。グラフィック・サウンドの実験は、1930年代後半からノーマン・マクラーレンによって続けられた。 [27]
発展: 1940年代から1950年代
電子音響テープ音楽
最初の実用的なオーディオテープレコーダーは1935年に発表されました。[28] ACバイアス技術を使用して技術が改良され、録音の忠実度が大幅に向上しました。[29] [30] 1942年には早くもステレオでテスト録音が行われていました。[31]これらの開発は当初ドイツに限定されていましたが、第二次世界大戦の終結後にレコーダーとテープは米国に持ち込まれました。[32]これらが1948年に初めて商業的に生産されたテープレコーダーの基礎となりました。[33]
1944年、まだ作曲に磁気テープが使われる前、エジプトの作曲家ハリム・エル・ダブはカイロの学生だったが、扱いにくいワイヤーレコーダーを使って古代のザールの儀式の音を録音した。エル・ダブは中東ラジオスタジオの設備を使って、録音した素材に残響、エコー、電圧制御、再録音を施した。その結果生まれたのが、最古のテープ音楽作品だと考えられている。[34]出来上がった作品は「ザールの表現」と題され、1944年にカイロのアートギャラリーのイベントで発表された。テープを使った作曲の初期の実験は当時エジプト国外ではあまり知られていなかったが、エル・ダブは1950年代後半にコロンビア・プリンストン電子音楽センターで行った電子音楽の後期作品でも知られている。 [35]
ミュージック・コンクレート
ピエール・シェフェールは、1940年代初頭にラジオディフュージョン・フランセーズ（RDF）のスタジオ・デサイで働いた後、ミュージック・コンクレート理論と実践を生み出したとされている。1940年代後半、シェラック製レコードプレーヤーを使用した音に基づく作曲の実験がシェフェールによって初めて行われた。1950年には、磁気テープマシンを使用して速度変化（ピッチシフト）やテープスプライシングなどの音の操作方法を探求し、ミュージック・コンクレート技法が拡張された。[36] [37]
1948年10月5日、RDFはシェーファーの『火の練習曲』を放送した。これは『五つの音の練習曲』の最初の「楽章」であり、スタジオでの実現[38]とミュージック・コンクレート（またはアクースマティック・アート）の始まりを示した。シェーファーはディスク・カッティング・ラテ、ターンテーブル4台、4チャンネル・ミキサー、フィルター、エコー・チャンバー、モバイル録音ユニットを使用した。その後間もなく、ピエール・アンリがシェーファーと共同作業を開始し、このパートナーシップは電子音楽の方向性に深く永続的な影響を及ぼすことになる。シェーファーのもう一人の仲間、エドガー・ヴァレーズは室内オーケストラとテープのための作品『砂漠』の制作を開始した。テープ部分はピエール・シェーファーのスタジオで作成され、後にコロンビア大学で改訂された。
1950年、シェーファーはパリのエコール・ノルマル音楽院で、ミュージック・コンクレートの初公開（非放送）コンサートを行った。「シェーファーはPAシステム、複数のターンテーブル、ミキサーを使用した。ターンテーブルを使ったライブモンタージュの作成はそれまでに行われたことがなかったため、パフォーマンスはうまくいかなかった。」[39]同年後半、ピエール・アンリはシェーファーと共同で、ミュージック・コンクレートの最初の主要作品である『一人の人間のための交響曲』 （1950年）を制作した。 [40] 1951年、パリでは、後に世界的な重要なトレンドとなる、RTFが電子音楽制作のための最初のスタジオを設立した。また1951年、シェーファーとアンリはコンクリートの音と声のためのオペラ『オルフェウス』を制作した。
1951 年までに、シェーファー、作曲家兼打楽器奏者のピエール・アンリ、サウンド・エンジニアのジャック・プーランの作品が公式に認められ、ミュージック・コンクレート研究グループ、ラジオ拡散テレビ・フランセーズ・クラブがその祖先であるパリの RTF に設立されました。ORTFの。[41]
エレクトロニシェ・ミュージック、ドイツ
カールハインツ・シュトックハウゼンは1952年にシェーファーのスタジオで短期間働き、その後はケルンWDRの電子音楽スタジオで長年働きました。
1954 年には、現在では本格的なエレクトリック＋アコースティック作品とみなされる作品が登場した。アコースティック楽器に、操作された、または電子的に生成された音の録音が加わり、伴奏が加えられた作品である。この年、3 つの主要作品が初演された。室内楽とテープ サウンドのためのヴァレーズの『砂漠』と、オーケストラとテープのためのオットー ルーニングとウラディミール ウサチェフスキーの 2 つの作品、ルイビル交響楽団のための『狂詩曲変奏曲』と『周期と鐘の詩』である。ヴァレーズはシェーファーのスタジオで働いていたため、ヴァレーズの作品のテープ パートには、電子音よりもずっと具体的な音が多く含まれている。「管楽器、打楽器、ピアノのグループが、2 つのスピーカーから流れる工場の騒音や船のサイレンやモーターの音と交互に鳴る。」[42]
ハンブルクで行われた『砂漠』のドイツ初演では、ブルーノ・マデルナが指揮を執り、テープレコーダーの操作はカールハインツ・シュトックハウゼンが担当した。[42] 『砂漠』というタイトルはヴァレーズに「（砂、海、雪、宇宙、人けのない通りなどの）物理的な砂漠だけでなく、人間の心の砂漠も連想させた。荒涼とした、孤立した、永遠の自然を暗示する剥き出しの自然の側面だけでなく、望遠鏡が届かない、人間が孤独で、謎と本質的な孤独の世界である、遠い心の空間も」示唆した。[43]
ケルンでは、1953年にNWDRのラジオスタジオに正式にオープンしたが、計画段階にあったのは1950年初頭で、初期の作品が作られ、1951年に放送された。[44]ヴェルナー・マイヤー＝エプラー、ロバート・ベイヤー、ヘルベルト・アイマート（初代所長）の発案によるこのスタジオには、すぐにカールハインツ・シュトックハウゼンとゴットフリート・ミヒャエル・ケーニッヒが加わった。1949年の論文「電子信号から音楽を合成する：電子音楽と合成言語」で、マイヤー＝エプラーは電子的に生成された信号から完全に音楽を合成するというアイデアを考案した。このようにして、電子音楽は、音響源から録音された音を使用するフランスのミュージック・コンクレートとは明確に区別された。[45] [46]
1953年、シュトックハウゼンは「Studie I」を作曲し、続いて1954年には楽譜として出版された最初の電子音楽作品「Elektronische Studie II」を作曲しました。1955年には、より実験的で電子的なスタジオが登場し始めました。特筆すべきものとしては、黛敏郎が東京のNHKに設立したミラノラジオ音楽スタジオや、オランダのアイントホーフェンのフィリップススタジオの設立が挙げられます。フィリップススタジオは1960年にユトレヒト大学に移転し、音響学研究所となりました。
「シュトックハウゼンとマウリシオ・カーゲルが在籍していたことで、ケルンは一年中カリスマ的な前衛芸術の巣窟となった。」[47] 2度にわたり、電子的に生成されたサウンドと比較的従来的なオーケストラを組み合わせた作品、Mixtur (1964) とHymnen, dritte Region mit Orchester (1967) を制作した。[48]シュトックハウゼンは、彼の電子音楽は聴衆に「宇宙」や空を飛んでいるような感覚、あるいは「幻想的な夢の世界」にいるような感覚を与えてくれると言われたと述べている。[49]
アメリカ合衆国
アメリカでは、1939年にジョン・ケージがImaginary Landscape, No. 1を発表したころから、電子音楽が作られていた。このとき、2台の可変速ターンテーブル、周波数録音、ミュートされたピアノ、シンバルが使われていたが、電子的な制作手段は使われていなかった。ケージは1942年から1952年の間にさらに5つの「Imaginary Landscapes」を作曲したが（1つは取り下げられた）、そのほとんどは打楽器アンサンブル用だった。ただし、第4番は12台のラジオ用で、1952年に書かれた第5番は42の録音が使われ、磁気テープとして実現される予定だった。オットー・ルーニングによると、ケージは1954年にもドナウエッシンゲンで8台のスピーカーを使ってウィリアムズ・ミックスを演奏したという。これはケージとのコラボレーションの3年後のことである。[説明が必要] ウィリアムズ・ミックスはドナウエッシンゲン音楽祭で成功を収め、「強い印象」を与えた。[50]
磁気テープ音楽プロジェクトは、ニューヨーク・スクールのメンバー（ジョン・ケージ、アール・ブラウン、クリスチャン・ウルフ、デイヴィッド・テューダー、モートン・フェルドマン）によって結成され、[51] 1954年まで3年間続きました。ケージはこのコラボレーションについて次のように書いています。「したがって、この社会的暗闇の中で、アール・ブラウン、モートン・フェルドマン、クリスチャン・ウルフの作品は、記譜、演奏、試聴のさまざまな点で、行動が挑発的であるため、明るい光を提示し続けています。」[52]
ケージは1953年にミュージック・フォー・マグネティック・テープ・プロジェクトに携わりながら『ウィリアムズ・ミックス』を完成させた。 [53]グループには常設のスタジオがなく、ベベやルイス・バロンのスタジオを含む商業的なサウンドスタジオを借りて作業するしかなかった。
コロンビア・プリンストンセンター
同年、コロンビア大学はコンサートの録音用に初のテープレコーダー、プロ仕様のアンペックス社製マシンを購入しました。コロンビア大学の音楽学部にいたウラジミール・ウサチェフスキー氏がその機器の担当となり、すぐに実験を始めました。
ハーバート・ラスコルは次のように書いている。「すぐに彼は、楽器を録音し、それを互いに重ね合わせることで得られる新しい響きに興味をそそられた。」[54]ウサチェフスキーは後に次のように述べている。「私は突然、テープレコーダーを音変換の楽器として扱うことができることに気づいた。」[54] 1952年5月8日木曜日、ウサチェフスキーはコロンビア大学マクミリン劇場で開かれた作曲家フォーラムで、彼が作成したテープ音楽/効果のいくつかのデモンストレーションを行った。これらには、転置、残響、実験、作曲、水中ワルツが含まれていた。インタビューで彼は次のように述べている。「私はニューヨークでの公開コンサートで、従来の楽器用に書いた他の作品と一緒に、自分の発見のいくつかの例を発表した。」[54] このコンサートに出席していたオットー・ルーニングは次のように述べている。「彼が使用していた機材は、アンペックスのテープレコーダーと、若き優秀なエンジニア、ピーター・マウゼイが設計した、機械的な残響の一種であるフィードバックを作り出すためのシンプルな箱型の装置だけだった。その他の機材は借りたり、個人の資金で購入したものだった。」[55]
わずか3か月後の1952年8月、ウサチェフスキーはルーニングの招待でバーモント州ベニントンに行き、実験を発表した。そこで2人は様々な曲でコラボレーションした。ルーニングはこの出来事について次のように述べている。「イヤホンとフルートを持って、私は初めてのテープレコーダー作曲に取り掛かりました。私たちは2人とも即興演奏が得意で、この媒体が私たちの想像力を刺激しました。」[55]彼らはパーティーで初期の曲を非公式に演奏し、「何人かの作曲家が『これがそれだ』（『それ』は未来の音楽という意味）とほとんど厳粛に祝福してくれました。」[55]
噂はすぐにニューヨークに伝わった。オリバー・ダニエルが電話をかけてきて、2人に「アメリカ作曲家連盟と放送音楽社が主催し、ニューヨーク近代美術館でレオポルド・ストコフスキーの指揮のもと行われる10月のコンサートのために、短い曲をいくつか作曲しないかと誘った。少し迷った後、私たちは同意した。ヘンリー・カウエルは、ニューヨーク州ウッドストックにある自宅とスタジオを私たちに貸してくれた。借りた機材をウサチェフスキーの車の荷台に積み、ベニントンからウッドストックへ出発し、2週間滞在した。1952年9月下旬、移動式実験室はニューヨークのウサチェフスキーの居間に到着し、そこでようやく曲を完成させた。」[55]
2か月後の10月28日、ウラディミール・ウサチェフスキーとオットー・ルーニングは、米国で最初のテープ音楽コンサートを開催した。コンサートには、ルーニングのファンタジー・イン・スペース（1952年）（フルートの録音を加工して使用した「印象派の名人芸」[55]）とロー・スピード（1952年）（フルートの本来の音域をはるかに下回るエキゾチックな作品）[55]が含まれていた。両曲とも、ニューヨーク州ウッドストックのヘンリー・カウエルの自宅で作曲された。数回のコンサートがニューヨーク市でセンセーションを巻き起こした後、ウサチェフスキーとルーニングはNBCのトゥデイ・ショーの生放送に招かれ、インタビューのデモンストレーションを行った。これがテレビで放映された最初のエレクトロアコースティック演奏だった。ルーニングはこのイベントについて次のように語っている。「テープレコーダー用にいくつかの（フルートの）シーケンスを即興で演奏した。ウサチェフスキーはそれをその場で電子的に変換した」[56]
ルイスとベベ・バロンによる『禁断の惑星』の音楽[57]は、1956年に特注の電子回路とテープレコーダーを使用して作曲されました（現代的な意味でのシンセサイザーは使用されていません）。[説明が必要]
ソビエト連邦
1929年、ニコライ・オブホフはテルミンの原理に匹敵する「響きの十字架」（ラ・クロワ・ソノーレ）を発明した。[58] 1930年代には、ニコライ・アナニエフが「ソナー」を発明し、技術者のアレクサンダー・グロフは「ネオヴィオレナ」、I.イルサロフは「イルストン」、[59] A.リムスキー＝コルサコフ、A.イワノフは「エミリトン」を発明した。[58]作曲家で発明家のアルセニー・アヴラーモフは音響合成に関する科学的研究に従事し、後にソビエトの電子楽器の基礎となる数々の実験を行った。[60]
1956年、ヴャチェスラフ・メシェリンは、テルミン、エレクトリック・ハープ、エレクトリック・オルガン、ソ連初のシンセサイザー「エクヴォディン」[58]を使用した電子楽器アンサンブルを結成し、ソ連初のリバーブ・マシンも製作した。メシェリンのアンサンブルの演奏スタイルは「スペース・エイジ・ポップ」として知られている。[60] 1957年、エンジニアのイゴール・シモノフは、ノイズ・レコーダー（エレクトロ・エオリフォン）の実用モデルを組み立て、これにより、ノイズの性質を持つさまざまな音色や協和音を抽出できるようになった。[58] 1958年、エフゲニー・ムルジンは、世界初のポリフォニック音楽シンセサイザーの1つである ANSシンセサイザーを設計した。
1966年にムルジンによって設立されたモスクワ実験電子音楽スタジオは、エドゥアルド・アルテミエフ、アレクサンダー・ネムチン、シャーンドル・カロス、ソフィア・グバイドゥリナ、アルフレッド・シュニトケ、ウラジーミル・マルティノフといった新世代の実験音楽家たちの拠点となった。[58] [60] 1960年代末までに、ソ連では軽めの電子音楽を演奏するグループが登場した。国家レベルでは、この音楽は国への外国人観光客の誘致や外国への放送に使われるようになった。 [61] 1970年代半ば、作曲家アレクサンダー・ザツェピンはメロトロンの改良版である「オーケストローラ」を設計した。[62]
バルト・ソビエト共和国にも独自のパイオニアがいた。エストニアSSRではスヴェン・グルンベルグ、リトアニアSSRではゲドルス・クプリアヴィチウス、ラトビアSSRではオプスとゾディアックである。[60]
オーストラリア
音楽を演奏した世界初のコンピュータはCSIRACで、トレバー・ピアシーとマストン・ビアードによって設計・構築された。数学者のジェフ・ヒルは、1950年代初頭の人気音楽のメロディーを演奏するようにCSIRACをプログラムした。1951年にCSIRACはボギー大佐の行進曲を公開演奏したが、その録音は知られておらず、正確な再構成のみが存在している。[63]しかし、CSIRACは標準的なレパートリーを演奏し、音楽的思考や作曲の練習を拡張するためには使用されなかった。CSIRACが録音されることはなかったが、演奏された音楽は正確に再構成された。コンピュータ生成音楽の最も古い録音は、 1951年秋にマンチェスター大学のBaby Machineの商用バージョンであるFerranti Mark 1コンピュータによって演奏されたものである。 [64]音楽プログラムはクリストファー・ストレイチーによって書かれた。
日本
ヤマハマグナオルガンと専用トーンキャビネット（1935年）[65]
日本で最も古い電子楽器のグループには、1935年に作られたヤマハマグナオルガンという電子音響楽器がある。 [65]第二次世界大戦後、柴田南雄などの日本の作曲家は、他の国での電子楽器の発達について学び始めた。1940年代後半までに、日本の作曲家は電子音楽の実験を始め、組織的な支援により高度な機器での実験が可能になった。アジアの音楽をこの新興ジャンルに取り入れたことは、数十年後の音楽技術の発展における日本の人気を支えることになった。[66]
1946年にエレクトロニクス企業ソニーが設立された後、作曲家の武満徹と柴田南雄はそれぞれ独立して、音楽制作における電子技術の利用可能性を模索した。[67]武満はミュージック・コンクレートに似た考えを持っていたが、彼はそれを知らなかった。一方、柴田はシンセサイザーの発達を予見し、音楽の劇的な変化を予測していた。[68]ソニーは政府や公共向けに人気の磁気テープレコーダーの生産を開始した。 [66] [69]
1950年に設立された前衛音楽集団実験工房は、ソニーから新興のオーディオ技術へのアクセスを提供された。同社は、テープレコーダーを使った電子テープ音楽の作曲と演奏を披露するために武満徹を雇った。[70]このグループによる最初の電子テープ作品は、「囚われの女」と「Piece B」で、1951年に秋山邦晴が作曲した。[71]彼らが制作した電子音響テープ作品の多くは、ラジオ、映画、演劇の付随音楽として使用された。彼らはまた、録音されたサウンドトラックと同期したスライドショーを使ったコンサートを開催した。 [72]芥川也寸志、富永三郎、深井四郎など、実験工房以外の作曲家も、 1952年から1953年にかけてラジオフォニックテープ音楽の実験を行っていた。 [69]
ミュジーク・コンクレートは、ピエール・シェフェールのコンサートに影響を受けた黛敏郎によって日本に紹介された。1952年から、彼はコメディ映画、ラジオ放送、ラジオドラマ用のテープ音楽作品を作曲した。[71] [73]しかし、シェフェールのサウンドオブジェクトの概念は、主に人間の演奏の制約を克服することに興味を持っていた日本の作曲家の間では影響力がなかった。[74]これにより、多くの日本の電子音響音楽家がセリアリズムと十二音技法を利用するようになり、[74]入野義郎の1951年の十二音音楽作品「カメラ協奏曲」や、 [73]黛の「ミュジーク・コンクレートのためのX、Y、Z」の電子音の構成、そして後には柴田の1956年までの電子音楽に顕著に表れている。[75]
1954年、ケルンのNWDRスタジオをモデルに、黛は東京にNHK電子音楽スタジオを設立し、世界有数の電子音楽施設の1つとなった。スタジオには、トーン生成およびオーディオ処理装置、録音および無線音響機器、オンド・マルトノ、モノコードおよびメロコード、正弦波発振器、テープレコーダー、リング変調器、バンドパスフィルター、4チャンネルおよび8チャンネルミキサーなどの技術が備えられていた。スタジオに所属していたミュージシャンには、黛敏郎、柴田南雄、湯浅譲二、一柳慧、武満徹などがいた。スタジオの最初の電子音楽作品は1955年に完成し、スタジオの様々な音源機能を使って制作された黛の5分間の作品「素数比例正弦波音楽第1課」、「素数比例変調波音楽」、「矩形波と鋸歯状波の発明」、そして柴田の20分間のステレオ作品「ステレオ放送のためのミュージック・コンクレート」が含まれていた。[76] [77]
1950年代中期から後半
コンピュータの影響は1956年も続いた。レヤレン・ヒラーとレナード・アイザックソンは、アルゴリズム作曲法を用いたコンピュータ支援作曲の最初の完全な作品である弦楽四重奏のためのイリアック組曲を作曲した。「...ヒラーは、コンピュータに特定のスタイルのルールを教え、それに従って作曲するように要求できると仮定した。」[78]その後の開発には、ベル研究所のマックス・マシューズの研究が含まれ、彼は1957年に電子音楽を演奏する最初のコンピュータプログラムの1つである影響力のあるMUSIC Iプログラムを開発した。ボコーダー技術も、この初期の時代における大きな進歩であった。1956年、シュトックハウゼンはダニエル書のテキストに基づいて、ケルンスタジオの最初の主要作品である少年の歌を作曲した。その年の重要な技術開発は、ロバート・モーグによるサブアセンブリを備えたレイモンド・スコットによるクラビボックスシンセサイザーの発明であった。
1957年、キッド・バルタン（ディック・レイマーカーズ）とトム・ディスヴェルトは、オランダのフィリップス・スタジオで録音したデビューアルバム『Song Of The Second Moon 』をリリースした。 [79]世界中で生み出される新しいサウンドに対する人々の関心は続いており、それは1958年のブリュッセル万国博覧会のフィリップス・パビリオンで400台のスピーカーで再生されたヴァレーズの『電子の詩』が収録されていることからもわかる。同年、アルゼンチンの作曲家マウリシオ・カーゲルが『トランシシオンII』を作曲した。この作品はケルンのWDRスタジオで制作された。2人のミュージシャンがピアノで演奏し、1人は伝統的な方法で、もう1人は弦、フレーム、ケースを演奏した。他の2人の演奏者はテープを使用して、生のサウンドの提示と、後から録音された素材の未来、そしてパフォーマンスの早い段階で行われた録音の過去を結び付けた。
1958年、コロンビア・プリンストンは、初のプログラム可能なシンセサイザーであるRCAマークIIサウンドシンセサイザーを開発した。 [80]ウラディミール・ウサチェフスキー、オットー・ルーニング、ミルトン・バビット、チャールズ・ウーリネン、ハリム・エル・ダブ、ビュレント・アレル、マリオ・ダヴィドフスキーなどの著名な作曲家が、様々な作品でRCAシンセサイザーを多用した。 [81]スタジオの初期に関連する最も影響力のある作曲家の一人はエジプトのハリム・エル・ダブであり、[82]エル・ダブは1944年に世界最古の電子テープ音楽を開発した後、[34] 1959年の電子音楽作品シリーズ「レイラと詩人」でさらに有名になった。このシリーズは、バビットなどの当時の連続音楽作曲家が用いたより数学的なアプローチとは対照的に、電子音楽と民族音楽の没入感とシームレスな融合が際立っていた。 1961年にアルバム『コロンビア・プリンストン電子音楽センター』の一部としてリリースされたエル・ダブの『レイラと詩人』は、ニール・ロルニック、チャールズ・アミルカニアン、アリス・シールズからロックミュージシャンのフランク・ザッパやウェストコースト・ポップアート実験バンドまで、多くのミュージシャンに強い影響を与えたと言われています。[83]
GRMC (ミュージック・コンクレート・グループ) 内で意見の相違が生じたため、ピエール・アンリ、フィリップ・アルテュイ、およびその同僚数名は 1958 年 4 月に辞任しました。シェーファーはグループ・ド・ルシェルシュ・ミュージカル(GRM) と呼ばれる新しい集団を創設し、活動を開始しました。リュック・フェラーリ、ベアトリス・フェレイラ、フランソワ・ベルナール・マシュ、ヤニス・クセナキスを含む新メンバーを募集中、ベルナール・パルメジャーニ、ミレーユ・シャマス=カイルー。その後に到着したのは、イヴォ・マレック、フィリップ・カルソン、ロムアルド・ヴァンデル、エドガルド・カントン、フランソワ・ベイルでした。[84]
拡大: 1960年代
この時期は電子音楽にとって実り多い年だった。シンセサイザー技術がより身近になったため、学術界だけでなく独立系アーティストにとっても実り多き時代だった。この頃までに、新しい音や楽器を扱う作曲家やミュージシャンの強力なコミュニティが確立され、成長していた。1960 年には、ヴァイオリンとテープのためのルーニングの『ガーゴイル』が作曲され、電子音、ピアノ、パーカッションのためのシュトックハウゼンの『コンタクト』が初演された。この作品には 2 つのバージョンがあり、1 つは 4 チャンネル テープ用、もう 1 つは人間の演奏者によるテープ用だった。「 『コンタクト』で、シュトックハウゼンは直線的な展開と劇的なクライマックスに基づく伝統的な音楽形式を放棄した。彼が『瞬間形式』と名付けたこの新しいアプローチは、20 世紀初頭の映画の『映画的スプライス』技法に似ている。」[85]
テルミンは1920年代から使われていたが、1950年代にSF映画のサウンドトラック音楽（例えば、バーナード・ハーマンの名作『地球が静止する日』のスコア）に使用されたことで、ある程度の認知度を得た。[86]
この時期の英国では、BBCラジオフォニック・ワークショップ（1958年設立）が、BBCのSFシリーズ『ドクター・フー』での活動のおかげで、有名になった。この時期の最も影響力のある英国の電子音楽アーティストの1人[87]は、ワークショップスタッフのデリア・ダービーシャーで、ロン・グレイナー作曲の象徴的なドクター・フーのテーマを1963年に電子的に実現したことで有名になった。英国で活動していた電子音楽の作曲家としては、アーネスト・バーク（1955年に最初のスタジオを設立）、トリストラム・ケアリー、ヒュー・デイヴィス、ブライアン・デニス、ジョージ・ニューソン、ダフネ・オラム、ピーター・ジノヴィエフなどがいた。[88]
ヨゼフ・タルは、電子音楽研究のためのユネスコフェローシップ期間中（1958年） 、米国とカナダを視察した。[89]彼はその研究結果を2つの論文にまとめ、ユネスコに提出した。[90] 1961年、彼はエルサレムのヘブライ大学にイスラエル電子音楽センターを設立した。1962年、ヒュー・ル・ケインがエルサレムを訪れ、センターにクリエイティブ・テープ・レコーダーを設置した。 [91] 1990年代、タルはシュロモ・マルケル博士とともに、テクニオン・イスラエル工科大学およびフォルクスワーゲン財団と協力し、電子音楽のための新しい楽譜システムの開発を目的とした研究プロジェクト（「タルマーク」）を実施した。[92]
ミルトン・バビットは、シンセサイザーを使用した最初の電子音楽作品「シンセサイザーのための作曲（1961年）」を作曲しました。この作品は、コロンビア・プリンストン電子音楽センターの RCA シンセサイザーを使用して作成されました。
バビットにとって、RCAシンセサイザーは3つの理由で夢の実現だった。第一に、あらゆる音楽要素を正確に特定して制御する能力。第二に、彼の精巧な連続構造を実現するのに必要な時間が現実的に可能になった。第三に、疑問はもはや「人間の演奏者の限界は何か」ではなく、「人間の聴覚の限界は何か」だった。[93]
共同作業は海や大陸を越えても行われた。1961年、ウサチェフスキーはヴァレーズをコロンビア・プリンストン・スタジオ（CPEMC）に招待した。到着後、ヴァレーズは『砂漠』の改訂に着手した。彼はマリオ・ダヴィドフスキーとビュレント・アレルの助けを受けた。[94]
CPEMCやその他の場所で起こった活発な活動に触発され、1963年にモートン・サボトニックが、ポーリン・オリヴェロス、ラモン・センダー、アンソニー・マーティン、テリー・ライリーらとともにサンフランシスコ・テープ・ミュージック・センターを設立した。[95]
その後、センターはミルズ・カレッジに移転し、ポーリン・オリヴェロスが監督し、現代音楽センターと改名されました。[96] ピエトロ・グロッシは、イタリアにおけるコンピューター作曲とテープ音楽の先駆者であり、60年代初頭に初めて電子技術の実験を行った人物です。グロッシは1917年にヴェネツィアで生まれたチェロ奏者兼作曲家でした。彼は1963年に電子音と作曲の実験を行うためにS 2F M (フィレンツェ音楽スタジオ) を設立しました。
同じ頃サンフランシスコでは、作曲家のスタン・シャフと装置デザイナーのダグ・マッカーチェンがサンフランシスコ州立大学で最初の「オーディウム」コンサート（1962年）を開催し、続いてサンフランシスコ近代美術館（1963年）で作品を発表した。これは、時間の中で空間内の音を制御された動きとして考え出されたものだった。12個のスピーカーが観客を取り囲み、4個のスピーカーは上部の回転するモビールのような構造物に取り付けられていた。[97]翌年（1964年）のSFMOMAでのパフォーマンスで、サンフランシスコ・クロニクル紙の音楽評論家アルフレッド・フランケンシュタインは「空間音連続体の可能性がこれほど広範囲に探究されたことはめったにない」とコメントした。[97] 1967年、最初の「音空間連続体」オーディウムがオープンし、1970年まで毎週公演が行われた。1975年、全米芸術基金からの資金援助により、床から天井まで空間音の作曲と演奏のために設計された新しいオーディウムがオープンした。[98]「対照的に、演奏空間のさまざまな場所に複数のスピーカーを配置し、音源間で音を切り替えたりパンしたりすることで音空間を操作する作曲家もいます。このアプローチでは、空間操作の構成はスピーカーの位置に依存し、通常はエンクロージャの音響特性を活用します。例としては、ヴァレーズのPoeme Electronique (1958 年ブリュッセル万国博覧会のフィリップス パビリオンで演奏されたテープ音楽) や、現在サンフランシスコで活動中のスタン シャフのインスタレーションAudiumなどがあります。」 [99] [100]毎週のプログラム (40 年間で 4,500 回以上) を通じて、シャフは音を「彫刻」し、現在デジタル化された空間作品を 176 個のスピーカーを通じてライブで演奏します。[101]
ジャン＝ジャック・ペリーはシェーファーのテープループ技法を試し、ロバート・モーグが開発し発売されたばかりのモーグ・シンセサイザーを初めて使用した者の一人となった。この楽器でペリーはガーション・キングスレーとの共演やソロ作品をいくつか作曲した。 [102]モーグのフルサイズ・モーグ・モジュラー・シンセサイザーの使用例としては、1968年のウェンディ・カルロスのアルバム『 Switched-On Bach』がよく知られており、これがシンセサイザー音楽の流行のきっかけとなった。[103] 1969年、デイヴィッド・チューダーはサラバイ家の支援を受けて、モーグ・モジュラー・シンセサイザーとアンペックスのテープマシンをアフマダーバードの国立デザイン研究所に持ち込み、インド初の電子音楽スタジオの基礎を築いた。ここでは、ジンラージ・ジョシプラ、ギータ・サラバイ、SC・シャルマ、I・S・マトゥール、アトゥル・デサイの作曲家グループが1969年から1973年の間に実験的なサウンド作品を開発しました。[104]
コンピューター音楽
音楽のメロディーは、1950年にオーストラリアのコンピューターCSIRACによって初めて生成された。アメリカとイギリスの新聞（初期と最近）では、コンピューターがそれ以前に音楽を演奏していた可能性があると報じられていたが、徹底的な調査により、新聞の報道を裏付ける証拠はなく（明らかに推測に基づくものもあった）、これらの話は誤りであることが証明された。調査によると、コンピューターが音楽を演奏しているのではないかと人々が推測していたのは、おそらくコンピューターが音を出すからだろうが、[105]実際に演奏したという証拠はない。[106] [107]
音楽を演奏する世界初のコンピュータはCSIRACで、 1950 年代にTrevor Pearceyと Maston Beardによって設計、構築されました。数学者の Geoff Hill は、1950 年代初頭から人気の音楽メロディーを演奏するように CSIRAC をプログラムしました。1951 年には、録音が存在しない「 Colonel Bogey March」[108]を公開演奏しました。ただし、 CSIRAC は標準的なレパートリーを演奏しただけで、現在のコンピュータ音楽の実践である音楽的思考や作曲の実践を拡張するためには使用されていませんでした。
イングランドで最初に演奏された音楽は、1951年後半にクリストファー・ストレイチーがフェランティ・マークIでプログラムした英国国歌の演奏だった。その年の後半、 BBCの放送局によって3曲の短い抜粋がそこで録音された。国歌、「Ba, Ba Black Sheep」、「In the Mood」であり、これはコンピューターで音楽を演奏した最古の録音として知られている。この録音はマンチェスター大学のサイトで聞くことができる。クライストチャーチのカンタベリー大学の研究者は2016年にこの録音をデクリックして復元し、その結果はSoundCloudで聞くことができる。[109] [110] [64]
1950年代後半、1960年代、1970年代には、大型メインフレームコンピュータ合成の開発も見られました。1957年から、ベル研究所のマックス・マシューズはMUSICプログラムを開発し、最終的に直接デジタル合成言語であるMUSIC Vが完成しました。 [111] ローリー・シュピーゲルは、マッキントッシュ、アミガ、アタリコンピュータ 用のアルゴリズム音楽作曲ソフトウェア「ミュージックマウス」（1986年）を開発しました。
確率音楽
重要な新しい発展は、音を操作したり作ったりするのではなく、音楽を作曲するためのコンピュータの出現であった。ヤニス・クセナキスは、数学的な確率システムを使用する作曲法である、 musique stochastique、または確率的音楽と呼ばれるものを始めた。一連のパラメータの下で曲を作成するために、さまざまな確率アルゴリズムが使用された。クセナキスは、弦楽四重奏のためのST/4 、オーケストラのためのST/48（ともに1962年）、[112] Morsima-Amorsima、ST/10、Atréesなどの曲をコンピュータで作曲した。彼は、グラフィック画像を音楽の結果に変換するコンピュータシステムUPICを開発し、それを使用して Mycènes Alpha （1978年）を作曲した。
ライブエレクトロニクス
1964年にヨーロッパでカールハインツ・シュトックハウゼンは、タムタム、ハンドヘルドマイク、フィルター、ポテンショメーターのための『ミクストフォニーI』と、オーケストラ、4つの正弦波発生器、4つのリングモジュレーターのための『ミクストフォニー』を作曲した。1965年には合唱団、ハモンドオルガン、リングモジュレーターのための『ミクストフォニーII』を作曲した。 [113]
1966年から1967年にかけて、リード・ガザラは「回路曲げ」を発見し、教え始めた。これは創造的な短絡の応用であり、偶然の短絡のプロセスであり、実験的な電子楽器を作り、主に音色の音響要素を探求し、ピッチやリズムにはあまり関係なく、ジョン・ケージの偶然性音楽の 概念に影響を受けたものである。[114]
コージー・ファニ・トゥッティのパフォーマンスアートと音楽のキャリアは、「許容される」音楽の概念を探求し、欲望や不快感の手段としての音の使用を探求し続けました。[115] [検証に失敗]
ウェンディ・カルロスは、セントルイス交響楽団とステージ上でシンセサイザーを使ってアルバム『スイッチド・オン・バッハ』から選曲した曲を演奏した。また、1997年にはカーツワイル・バロック・アンサンブルと「バッハ・アット・ザ・ビーコン」でライブ演奏を行った。 [116] 2018年6月、スザンヌ・シアニは、40年ぶりにブックラ・シンセサイザーでソロ演奏したライブアルバム『LIVE Quadraphonic』をリリースした。これは、30年以上ぶりのクアドラフォニック・ビニール盤リリースの1つとなった。[117]
日本の楽器
1950年代には、[118] [119]日本の電子楽器が世界の音楽業界に影響を与え始めました。[120] [121] 1960年に エーストーンを設立した梯郁太郎は、海外の電子オルガンですでに人気があった電子パーカッションを独自に開発しました。[122] 1964年のNAMMショーで、彼はそれをR-1リズムエースとして発表しました。これは、現代の電子ドラムパッドと同様に、ユーザーがボタンを押すと手動で電子ドラムの音を演奏する手動パーカッションデバイスでした。[122] [123] [124]
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1963年、コルグは電気機械式ドラムマシンであるドンカマティックDA-20を発売した。[125] 1965年、日本コロムビアは完全電子ドラムマシンの特許を取得した。[126]コルグは1966年にドンカマティックDC-11電子ドラムマシンを発売し、その後ヤマハエレクトーン電子オルガンのオプションとして開発されたコルグミニポップスを発売した。[125]コルグのステージマンとミニポップスシリーズは、「自然な金属的なパーカッション」サウンドと、ドラムの「ブレイクとフィルイン」用のコントロールを組み込んだことで有名だった。[121]
1967年、エーストーンの創設者梯郁太郎はダイオードマトリックス回路を使用したプリセットリズムパターンジェネレーターの特許を取得し[127]、これはSeeburgが1964年に出願した米国特許3,358,068（ドラムマシン#歴史を参照）に類似しており、同年FR-1 Rhythm Aceドラムマシンとして発売した。[122]このマシンには16種類のプリセットパターンと、各楽器の音（シンバル、クラベス、カウベル、バスドラム）を手動で演奏するための4つのボタンがあった。リズムパターンは、複数のリズムボタンを同時に押すことでカスケード接続することもでき、リズムパターンの組み合わせは100通り以上あった。[122]エーストーンのRhythm Aceドラムマシンは1960年代後半からポピュラーミュージックに浸透し、1970年代にはコルグのドラムマシンがそれに続いた。[121]梯氏は後にエーストーンを退社し、1972年にローランド株式会社を設立。ローランドのシンセサイザーとドラムマシンはその後数十年にわたって大きな影響力を持つようになった。[122]同社はポピュラー音楽に大きな影響を与え、他のどの企業よりもポピュラーなエレクトロニックミュージックの形成に貢献した。[124]
ターンテーブリズムはダイレクトドライブターンテーブルの発明に端を発する。初期のベルトドライブターンテーブルは起動に時間がかかり、逆回転や傷でベルトが切れるなど、摩耗や破損が起きやすかったため、ターンテーブリズムには不向きであった。[128]最初のダイレクトドライブターンテーブルは、日本の大阪に拠点を置く松下電器産業（現パナソニック）の技術者、小幡修一氏によって発明された。[ 129 ]このターンテーブルはベルトをなくし、代わりにモーターを使ってレコードが載るプラッターを直接駆動した。[130] 1969年、松下電器産業はこれをSP-10として発売した。[ 130] これは市場初のダイレクトドライブターンテーブルであり、[131]同社の影響力の大きいTechnicsシリーズの第1弾でもあった。 [130] 1970年代初頭にはテクニクスSL-1100とSL-1200が後継機として登場し、ヒップホップミュージシャンに広く採用され、[130] SL-1200は数十年にわたってDJ文化で最も広く使用されているターンテーブルであり続けました。[132]
ジャマイカのダブミュージック
ジャマイカでは、1960年代にサウンドシステム文化に根ざしたポピュラーな電子音楽の一種であるダブミュージックが登場した。ダブミュージックは、シルヴァン・モリス、キング・タビー、エロール・トンプソン、リー・「スクラッチ」・ペリー、サイエンティストなどのスタジオエンジニアによって開拓され、レコーディングスタジオやサウンドシステムパーティーで、電子音響技術を用いたレゲエに影響を受けた実験的な音楽を制作した。 [133]彼らの実験には、ミュージック・コンクレートの側面に匹敵するテープベースの作曲形式、ミニマリズムに匹敵する反復的なリズム構造（多くの場合、倍音要素が取り除かれている）、空間の電子的操作、マスメディアからの録音済み音楽素材の音響電子操作、ライブエレクトロニックミュージックに匹敵する録音済み音楽に合わせてトースティングするDJ、[133]音楽のリミックス、[134]ターンテーブリズム、[135]ビニールのミキシングとスクラッチが含まれていた。[136]
キング・タビーやリー・スクラッチ・ペリーのようなダブの先駆者たちは利用できる電子機器が限られていたにもかかわらず、彼らのリミックス文化における実験は音楽的に最先端のものだった。[134]たとえば、キング・タビーはサウンドシステムの所有者であり、電子技術者でもあり、キングストン西部のウォーターハウス・ゲットーにある彼の小さな居間のスタジオはダブ音楽制作の重要な場所だった。[137]
1960年代後半から1980年代前半
人気のエレクトロニックミュージックの台頭
1960年代後半、ザ・ビーチ・ボーイズやビートルズなどのポップやロックのミュージシャンは、サウンドを補完し定義するために、テルミンやメロトロンなどの電子楽器を使い始めた。モーグ・シンセサイザーを最初に使用したバンドは、ドアーズの『ストレンジ・デイズ』[138]やモンキーズの『ピスケス、アクエリアス、カプリコーン＆ジョーンズ・リミテッド』である。トム・ホームズは著書『エレクトロニック・アンド・エクスペリメンタル・ミュージック』の中で、ビートルズの1966年のレコーディング「トゥモロー・ネバー・ノウズ」を、テープ・ループや逆再生・速度操作されたテープ・サウンドを取り入れたバンドの功績により、「ロックやポップ・ミュージックにおける電子音楽の使用における新時代の先駆けとなった」曲であるとしている。[139]
また1960年代後半には、シルバー・アップルズ、ビーバー・アンド・クラウスといった音楽デュオや、ホワイト・ノイズ、ユナイテッド・ステイツ・オブ・アメリカ、フィフティ・フット・ホース、ゴングといった実験的ロックバンドが、サイケデリック・ロックとオシレーターやシンセサイザーを融合させた作品で、エレクトロニック・ロックやエレクトロニカのジャンルの先駆者とみなされている。 [140] [141] [142] [143] [144] [145] 1969年にミュージック・トゥ・モーグ・バイのためにガーション・キングスレーが書いたインストゥルメンタル曲「ポップコーン」は、1972年にホット・バターが作ったバージョンのおかげで世界的に成功した。[146] [147]
ムーグ・シンセサイザーは、1968年にアメリカの作曲家ウェンディ・カルロスがムーグ・シンセサイザー用に編曲したバッハ作品のベストセラー・アルバム「スイッチド・オン・バッハ」によって主流に躍り出ました。このアルバムは批評的にも商業的にも成功し、1970年のグラミー賞で最優秀クラシック・アルバム、最優秀クラシック演奏 - 独奏楽器部門（オーケストラありまたはなし）、最優秀クラシック録音技術賞を受賞しました。
1969年、デヴィッド・ボーデンはニューヨーク州イサカで世界初のシンセサイザーアンサンブル「マザー・マラード・ポータブル・マスターピース・カンパニー」を結成した。 [148]
1960年代の終わりまでに、モーグシンセサイザーは、ピンク・フロイド、イエス、エマーソン・レイク・アンド・パーマー、ジェネシスなどのバンドのサウンドの一部となり、新興のプログレッシブ・ロックのサウンドで主導的な地位を占めるようになった。インストゥルメンタルのプログレッシブ・ロックは特に大陸ヨーロッパで重要であり、クラフトヴェルク、タンジェリン・ドリーム、クラスター、カン、ノイ！、ファウストなどのバンドが言語の壁を乗り越えることができました。[149]彼らのシンセサイザーを多用した「クラウトロック」は、ブライアン・イーノ（一時期ロキシー・ミュージックのキーボード奏者）の作品とともに、その後のエレクトロニック・ロックに大きな影響を与えました。[150]
アンビエント・ダブは、キング・タビーや他のジャマイカのサウンド・アーティストによって開拓され、DJ風のアンビエント・エレクトロニクスを使用し、ドロップアウト、エコー、イコライゼーション、サイケデリックな電子効果を完備している。レイヤリング技術を特徴とし、ワールドミュージックの要素、深いベースライン、ハーモニックサウンドを取り入れている。[151]ロング・エコー・ディレイなどの技術も使用されている。[152]このジャンルの他の著名なアーティストには、ドレッドゾーン、ハイアー・インテリジェンス・エージェンシー、ジ・オーブ、オット、ループ・グル、ウーブ、トランスグローバル・アンダーグラウンドなどがいる。[153]
ダブ・ミュージックは、1970年代初頭にジャマイカ移民のDJクール・ハークがジャマイカのサウンドシステム文化とダブ・ミュージックのテクニックをアメリカに紹介した際に、後にヒップホップ・ミュージックに取り入れられた電子音楽のテクニックに影響を与えた。ヒップホップ・カルチャーで人気となったテクニックの1つは、2台のターンテーブルで同じレコードを交互に再生し、Bダンサーのお気に入りのセクションを拡張することだった。[154]ターンテーブルは最終的に、1980年代と1990年代に最も目立つ電子楽器となり、時には最も熟練した楽器となった。[135]
エレクトロニック・ロックは、現代のポップスやロックの曲をモーグ・シンセサイザーで演奏した冨田勲の『エレクトリック・サムライ スイッチド・オン・ロック』 （1972年） [155]や、北島修のプログレッシブ・ロックのアルバム『弁財天』 （1974年） [156]など、日本のミュージシャンによっても制作された。1970年代半ばには、ジャン・ミッシェル・ジャール、ヴァンゲリス、冨田、クラウス・シュルツェなど、ニューエイジ・ミュージックの発展に大きな影響を与えた電子芸術音楽のミュージシャンが登場した。[151]これらの作品のハイテクな魅力により、数年間、アルバムのジャケットに使用されている電子楽器を特徴として記載するトレンドが生まれた。フランスのバンド、スペースのデビュー・スタジオ・アルバム『マジック・フライ』 [157]やジャールの『オキシジェン』のように、エレクトロニック・ミュージックはラジオ番組やベストセラー・チャートに定期的に登場し始めた。[158] 1977年から1981年にかけて、クラフトヴェルクは『トランス・ヨーロッパ・エクスプレス』、『ザ・マン・マシン』、『コンピューター・ワールド』などのアルバムをリリースし、電子音楽のサブジャンルに影響を与えた。[159]
この時代、マイク・オールドフィールドやアラン・パーソンズ・プロジェクト（ 1975年にデジタル・ボコーダーを使用した最初のロック曲「ザ・レイヴン」の作者として知られる）などのロックミュージシャンのサウンドは、電子効果や音楽がアレンジされブレンドされていたが、これは1980年代半ばにさらに顕著になった。ジェフ・ウェインは1978年にエレクトロニック・ロック・ミュージカル版「宇宙戦争」で長きにわたる成功を収めた[160]。
映画音楽もエレクトロニックサウンドの恩恵を受けている。1970年代から1980年代にかけて、ウェンディ・カルロスは『時計じかけのオレンジ』、『シャイニング』、『トロン』の音楽を作曲した。[161] 1977年、ジーン・ペイジはスティーヴン・スピルバーグ監督の映画『未知との遭遇』のジョン・ウィリアムズのヒットテーマのディスコバージョンを録音した。ペイジのバージョンはR&Bチャートで最高30位に達した。[要出典]イタリアのシンセサイザーの先駆者ジョルジオ・モロダーが作曲した1978年の映画『深夜特急』の音楽は、 1979年にアカデミー賞のオリジナル音楽賞を受賞し、 1981年にはヴァンゲリスが作曲した『炎のランナー』の音楽も再びアカデミー賞を受賞した。[162]パンクロックの到来後、基本的なエレクトロニックロックの一形態が登場し、他の楽器の代わりに新しいデジタル技術を使用することが増えた。ニューヨークのパンクシーンから生まれたアメリカのデュオ、スーサイドは、 1977年の同名アルバムで、ドラムマシンとシンセサイザーを使ったエレクトロニクスとパンクの融合を表現した。[163]
長年にわたり成功を収めたシンセポップの先駆的バンドには、1977年にアルバム『Ha!-Ha!-Ha! 』に収録された「Hiroshima Mon Amour」で知られるUltravoxなどがいる。 , [164]イエロー・マジック・オーケストラのセルフタイトルアルバム（1978年）、バグルスの1979年のデビューシングル「Video Killed the Radio Star」、[165]ゲイリー・ニューマンの1979年のソロデビューアルバム「The Pleasure Principle」とシングル「 Cars」 、 [166]オーケストラ・マヌーヴァーズ・イン・ザ・ダークの1979年のシングル「Electricity」が同名デビューアルバムに収録、[167] [168]デペッシュ・モードの1980年に録音され、1981年のアルバム「Speak & Spell」に収録された最初のシングル「Dreaming of Me」、[169]ア・フロック・オブ・シーガルズの1981年のシングル「Talking」、[170]ニュー・オーダーの1981年の「Ceremony」 [171]、ヒューマン・リーグの1981年のヒット曲「Don't You Want Me」が3枚目のアルバム「Dare」に収録されている。[172]
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MIDIの定義とデジタルオーディオの発達により、純粋に電子的な音の開発がはるかに容易になり、[173]オーディオエンジニア、プロデューサー、作曲家は、メーカーが発売したほぼすべての新しい電子音響機器の可能性を頻繁に模索しました。シンセポップでは、他のすべての楽器の代わりにシンセサイザーを使用することもありましたが、バンドにはギタリスト、ベーシスト、ドラマーに加えて、1人以上のキーボード奏者がいるのが一般的でした。これらの発達によりシンセポップが成長し、ニューロマンティック運動に採用された後、1980年代前半のポップスやロックミュージックではシンセサイザーが主流でしたが、80年代半ばから終わりにかけて人気が低下し始めました。[172]前述の成功した先駆者に加えて、主要なアーティストには、ヤズー、デュラン・デュラン、スパンダー・バレエ、カルチャー・クラブ、トーク・トーク、ジャパン、ユーリズミックスが含まれていました。
シンセポップは世界中で受け入れられ、カナダのメン・ウィズアウト・ハッツ、トランス・エックス、ライム、ベルギーのテレックス、ドイツのピーター・シリング、サンドラ、モダン・トーキング、プロパガンダ、アルファヴィル、スイスのイェロ、スペインのアズール・イ・ネグロなどのアーティストが国際的なヒット曲を生み出しました。また、シンセサウンドはイタロディスコの重要な特徴でもあります。
アメリカのDevoやスペインのAviador Droのように、シンセポップバンドの中には、エレクトロニックサウンドが主にテクノロジーと結びついているという考えを強調するために、自分たち自身の未来的なビジュアルスタイルを作り出したバンドもあった。
キーボードシンセサイザーは非常に一般的になったため、エレクトロニックポップアーティストとは美学、サウンド、ライフスタイルにおいて正反対であるとファンの間でみなされることが多かったヘビーメタルロックバンドでさえ、ヴァン・ヘイレンの1983年の「ジャンプ」[174]やヨーロッパの1986年の「ファイナルカウントダウン」 [175]などのテーマ曲でシンセサイザーを目立つようにフィーチャーし、世界的な成功を収めました。
電子音楽研究機関の急増
エレクトロンミュージックスタジオン [sv] (EMS) は、以前はスウェーデンのエレクトロアコースティックミュージックとして知られ、スウェーデンの電子音楽とサウンドアートの国立センターです。この研究組織は1964年に設立され、ストックホルムに拠点を置いています。
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STEIM（1969年 - 2021年）は、オランダのアムステルダムにあった電子演奏芸術における新しい楽器の研究開発センターであった。ミシャ・メンゲルベルク、ルイス・アンドリーセン、ピーター・シャット、ディック・ライマーカーズ、ヤン・ファン・フライメン [nl]、ラインベルト・デ・レーウ、コンラート・ベーマーによって設立された。このオランダ人作曲家グループは、アムステルダムの封建的な音楽構造の改革のために闘い、ブルーノ・マデルナをコンセルトヘボウ管弦楽団の音楽監督に任命するよう主張し、オランダで実験的かつ即興的な電子音楽に対する最初の公的資金提供を実施した。1981年から2008年まではミシェル・ワイスヴィスが芸術監督を務め、クラックルボックスやザ・ハンズなどの彼のライブ電子楽器は、1992年以来レジデンシープログラムを開催しているSTEIMで働く国際的なアーティストに影響を与えた。
パリのIRCAMは、当時革命的なリアルタイムデジタル信号処理を特徴とするSogitec 4Xコンピュータシステム[176]の実現と開発、コンピュータ音楽研究の主要な中心地となった。ピエール・ブーレーズの24人のミュージシャンと6人のソリストのためのレポン（1981年）では、ソリストの音をスピーカーシステムに送るために4Xが使用された。
Barry Vercoe 氏は、初期のコンピューター サウンドに関する自身の体験を次のように語っています。
1982年、パリのIRCAMで、フルート奏者のラリー・ボーリガードがフルートをディジュノの4Xオーディオプロセッサに接続し、リアルタイムのピッチ追従を可能にしました。当時、私はグッゲンハイムで、自動同期伴奏によるリアルタイムの楽譜追従にこの概念を拡張し、その後2年間、ラリーと一緒に室内楽奏者としてコンピュータのデモンストレーションを数多く行い、ヘンデルのフルートソナタ、ブーレーズのフルートとピアノのためのソナチネ、そして1984年には私自身のフルートとコンピュータのためのSynapse IIを演奏しました。これは、このようなセットアップ専用に作曲された最初の作品でした。大きな課題は、非常に敏感で応答性の高い伴奏をサポートする適切なソフトウェア構造を見つけることでした。これらはすべてMIDI以前のことでしたが、テンポルバートの多用が私のSynthetic Performerを絶えず驚かせたにもかかわらず、結果は印象的でした。 1985年、私たちはリハーサルからの学習を取り入れることでテンポ・ルバートの問題を解決しました（このように演奏するたびにマシンは改善されました）。また、若く優秀なフルート奏者が致命的な癌にかかったため、バイオリンのトラッキングも行いました。さらに、このバージョンではMIDIと呼ばれる新しい標準が使用され、ここで私は元生徒のミラー・パケットの助けを受けました。パケットはこのタスクの最初のコンセプトを後にMAXと呼ばれるプログラムに拡張しました。[178]
キーボードシンセサイザー
1970年にMoog Musicから発売されたMini -Moogは、広く普及し、持ち運び可能で、比較的手頃な価格のシンセサイザーの1つでした。当時、ポピュラー音楽と電子音楽の両方で最も広く使用されたシンセサイザーになりました。 [179] 1970年代初頭に ハービー・ハンコックとライブで演奏していたパトリック・グリーソンは、ツアーでのシンセサイザーの使用を開拓しました。ツアーでは、初期のマシンは想定されていなかったストレスにさらされました。[180] [181]
1974年、ケルンのWDRスタジオはEMS Synthi 100シンセサイザーを購入し、多くの作曲家がこのシンセサイザーを使用して、ロルフ・ゲルハールの『ドイツ舞曲』（1975年）、カールハインツ・シュトックハウゼンの『シリウス』（1975年 - 1976年）、ジョン・マクガイアの『パルス・ミュージックIII』（1978年）など、著名な電子音楽作品を制作しました。[182]
1970 年代の電子機器の小型化により、1980 年代初頭にはキーボード シンセサイザーは軽量化され、手頃な価格になりました。必要なオーディオ合成電子機器とピアノ スタイルのキーボード自体がすべて 1 つのスリムなユニットに統合されており、1960 年代と 1970 年代に使用されていたかさばる機械と「ケーブル スパゲッティ」とは対照的です。最初はアナログ シンセサイザーでしたが、その後デジタル シンセサイザーとサンプラーもこの傾向に続きました (以下を参照)。
デジタルシンセサイザー
1975年、日本のヤマハは、1971年からスタンフォード大学で実験していたジョン・チョウニングから周波数変調合成（FM合成）のアルゴリズムのライセンスを取得しました。[183] [184]ヤマハのエンジニアは、周波数変調中にアナログシステムで通常発生する歪みの導入を回避するために、「キースケーリング」方式などの改良を加えて、チョウニングのアルゴリズムをデジタルシンセサイザーでの使用に適応させ始めました。[185]
1980年、ヤマハはついに初のFMデジタルシンセサイザー、ヤマハGS-1を発売したが、高価であった。[186] 1983年、ヤマハは初のスタンドアロンデジタルシンセサイザー、DX7を発表した。これもFM合成を採用しており、史上最も売れたシンセサイザーの1つとなった。[183] DX7は、 57kHzという過剰な サンプリングレートもあって、特徴的な明るい音色で知られていた。 [187]
Korg Poly-800は、1983 年にKorgがリリースしたシンセサイザーです。当初の定価は 795 ドルで、1,000 ドル未満で販売された初の完全にプログラム可能なシンセサイザーでした。8 ボイスのポリフォニーを備え、ボイスごとに1 つのデジタル制御オシレーター(DCO) を備えています。
Casio CZ-101 は、Casio CZラインの最初の、そして最も売れた位相歪みシンセサイザーでした。1984 年 11 月にリリースされ、500 ドル未満で購入できる最初の (または最初の) 完全にプログラム可能なポリフォニック シンセサイザーの 1 つでした。
Roland D-50 は、 Rolandが製造し、1987 年 4 月に発売されたデジタル シンセサイザーです。減算合成、オンボード エフェクト、データ操作用のジョイスティック、アナログ合成スタイルのレイアウト デザインなどの機能があります。外部 Roland PG-1000 (1987–1990) プログラマーを D-50 に接続して、サウンドをより複雑に操作することもできます。
サンプラー
サンプラーは、実際の楽器の音(ピアノ、バイオリン、トランペットなど)、録音された曲の抜粋 (ファンク ソングの 5 秒間のベース ギターのリフなど)、または見つかった音(サイレンや海の波など) の録音 (または「サンプル」 ) を使用する電子楽器またはデジタル楽器です。サンプルは、ユーザーまたはメーカーによって読み込まれたり録音されたりします。これらのサウンドは、サンプラー プログラム自体、MIDI キーボード、シーケンサー、または別のトリガー デバイス (電子ドラムなど) を使用して再生され、音楽を演奏または作曲します。これらのサンプルは通常デジタル メモリに保存されるため、情報にすばやくアクセスできます。1 つのサンプルをさまざまなピッチにピッチ シフトして、音階やコードを作成することがよくあります。
コンピュータ メモリ ベースのサンプラーが登場する前、ミュージシャンは録音をアナログ テープに保存するテープ再生キーボードを使用していました。キーを押すと、テープ ヘッドが動いているテープに接触し、音が鳴ります。メロトロンは最も有名なモデルで、1960 年代後半から 1970 年代にかけて多くのグループで使用されましたが、このようなシステムは複数のテープ メカニズムが関係するため高価で重く、楽器の音域は最大 3 オクターブに制限されていました。音を変えるには、楽器に新しいテープ セットをインストールする必要がありました。デジタルサンプラーの出現により、サンプリングははるかに実用的になりました。
最も初期のデジタル サンプリングは、1969 年頃に Peter Grogono (ソフトウェア)、David Cockerell (ハードウェアとインターフェイス)、Peter Zinovieff (システム設計と操作) によってロンドン (Putney) のスタジオで開発されたEMS Musys システムで行われました。
最初の市販のサンプリング シンセサイザーは、ハリー メンデルのComputer Music Melodian (1976) でした。
1977年から1978年にかけて最初に発売された[188] FM音源を使用したシンクラヴィアIは、ヤマハから再ライセンスを受け、[189]主に大学に販売され、その汎用性、最先端の技術、独特のサウンドにより、商業界からの早期導入者であるマイク・ソーンを含む電子音楽の作曲家と音楽プロデューサーの両方に大きな影響を与えました。
最初のポリフォニックデジタルサンプリングシンセサイザーは、オーストラリアで製造されたフェアライトCMIで、1979年に初めて発売されました。これらの初期のサンプリングシンセサイザーは、ウェーブテーブルサンプルベースの合成を使用していました。[190]
MIDIの誕生
1980年、ミュージシャンと音楽商人のグループが集まり、新しい楽器が他の楽器やコンピュータと制御命令を通信するために使用できるインターフェイスを標準化しました。この標準は、Musical Instrument Digital Interface（MIDI ）と呼ばれ、最初はSequential Circuits、Oberheim、Rolandなどの大手メーカー間のコラボレーションの成果であり、後にYamaha、Korg、Kawaiなどの他の参加者も加わりました。[191] Sequential CircuitsのDave Smithによって論文が執筆され、 1981年にAudio Engineering Societyに提案されました。その後、1983年8月にMIDI仕様1.0が完成しました。
MIDI テクノロジーにより、単一のキーストローク、コントロール ホイールの動き、ペダルの動き、またはマイクロコンピュータからのコマンドによって、スタジオ内のすべてのデバイスをリモートで同期してアクティブ化することができ、各デバイスは作曲者が事前に設定した条件に従って応答します。
MIDI 楽器とソフトウェアにより、多くのスタジオや個人が、高度な楽器を強力に制御できるようになりました。アコースティック サウンドは、サンプリングとサンプリング ROM ベースの楽器を通じてスタジオに再統合されました。
ミラー・パケットは4X用のグラフィック信号処理ソフトウェアMax（マックス・マシューズにちなんで）を開発し、後にリアルタイムMIDIコントロールのためにMacintoshに移植し（デイブ・ジカレリがOpcode用に拡張）、コンピュータプログラミングの知識のないほとんどの作曲家がアルゴリズムによる作曲を行えるようにした [192] 。
シーケンサーとドラムマシン
1980年代初頭にはベースシンセサイザーが台頭し、最も影響力があったのは1981年後半に発売されたベースシンセサイザー兼シーケンサーのローランドTB-303で、後にエレクトロニックダンスミュージック、[193] 、特にアシッドハウスの定番となった。[194]最初にこれを使用した人の1人は1982年のチャランジット・シンだが、1987年のPhutureの「Acid Tracks」まで普及することはなかった。 [194]音楽シーケンサーは20世紀半ば頃から使用され始め、1970年代半ばのトミタのアルバムはその後の例である。[155] 1978年、イエロー・マジック・オーケストラはポピュラー音楽の制作にコンピュータベースの技術とシンセサイザーを組み合わせて使用しており、[195]マイクロプロセッサベースのローランドMC-8マイクロコンポーザーシーケンサーを初期から使用していた。[196] [197] [検証失敗]
ドラムマシン（リズムマシンとも呼ばれる）も1950年代後半頃から使われ始め、後の例としては、北島修のプログレッシブ・ロック・アルバム『弁財天』 （1974年）があり、このアルバムでは電子ドラムやシンセサイザーとともにリズムマシンが使用されていました。 [156] 1977年、ウルトラヴォックスの「ヒロシマ・モナムール」は、ローランドTR-77ドラムマシンのメトロノームのようなパーカッションを使用した最初のシングルの1つでした。[164] 1980年、ローランド社は最初で最も人気のあるプログラム可能なドラムマシンの1つであるTR-808をリリースしました。これを最初に使用したバンドは1980年のイエロー・マジック・オーケストラで、その後1982年にマーヴィン・ゲイの『セクシャル・ヒーリング』やアフリカ・バンバータの『プラネット・ロック』がリリースされ、広く人気を博した。 [198] TR-808は1980年代後半のデトロイト・テクノ・シーンの基本的なツールであり、デリック・メイやフアン・アトキンスが好んで使用したドラムマシンであった。[199]
チップチューン
チップミュージックの特徴的なローファイサウンドは、当初は初期のコンピュータのサウンドチップとサウンドカードの技術的な制限の結果でしたが、その後、そのサウンドは独自の魅力を持つようになりました。
1980 年代の初期の家庭用コンピュータで一般的に使用されていた安価で人気のあるサウンド チップには、 Commodore 64のSIDやGeneral Instrument AYシリーズ、およびZX Spectrum、Amstrad CPC、MSX互換機、Atari STモデルなどで使用されていたクローン (Yamaha YM2149 など) などがあります。
1980年代後半から1990年代
ダンスミュージックの台頭
シンセポップは1980年代後半まで続き、ダンスミュージックに近い形式をとった。イギリスのデュオ、ペット・ショップ・ボーイズ、イレイジャー、ザ・コミュナーズなどの作品もそのひとつで、1990年代の大半にわたって成功を収めた。
この傾向は今日まで続いており、世界中の現代のナイトクラブではエレクトロニック・ダンス・ミュージック（EDM）が定期的にプレイされている。今日、エレクトロニック・ダンス・ミュージックには、このジャンルだけを専門とするラジオ局、 [200]、ウェブサイト、[201]、Mixmagのような出版物がある。業界が特定のEDMブランドを作成しようとしているにもかかわらず、その頭文字は、ダンスポップ、ハウス、テクノ、エレクトロ、トランス、およびそれぞれのサブジャンルを含む複数のジャンルの包括的な用語として使用され続けている。[202] [203] [204]さらに、このジャンルは、米国のポップミュージックに組み込まれた大人気のビッグルームハウス/EDMサウンド[205]と、エレクトリック・デイジー・カーニバル、トゥモローランド、ウルトラ・ミュージック・フェスティバルなどの大規模な商業レイブの台頭により、米国と北米で商業的、文化的に重要な意味を持つようになった。
エレクトロニカ
一方、ダンス用というよりは聴くための幅広いエレクトロニック音楽スタイルが「エレクトロニカ」の傘下となり、[206] [207]イギリスでも1990年代初頭の音楽シーンで使われていた。[207] 1997年のビルボードの記事によると、「クラブコミュニティと独立系レーベルの融合」が実験的で流行を先導する環境を提供し、エレクトロニカのアーティストが成長して最終的に主流になったとされ、アメリカのレーベルであるアストラルワークス（ケミカル・ブラザーズ、ファットボーイ・スリム、フューチャー・サウンド・オブ・ロンドン、フルーク）、ムーンシャイン（DJケオキ）、シムズ、ダフト・パンク、シティ・オブ・エンジェルス（クリスタル・メソッド）が最新版のエレクトロニック音楽を普及させたとされている。[要出典]
インディーエレクトロニック
「インディーエレクトロニック」（または「インディートロニカ」） [208]というカテゴリーは、インディーズロックにルーツを持ち、電子的な要素（シンセサイザー、サンプラー、ドラムマシン、コンピュータプログラムなど）や、初期の電子音楽作曲、クラウトロック、シンセポップ、ダンスミュージックなどの影響を取り入れた一連のグループを指すために使われてきました。[209]録音は、通常、デジタルオーディオワークステーションを使用してラップトップで行われます。[208]
インディーズエレクトロニックアーティストの第一波は、ステレオラブ（ビンテージ機材を使用）やディスコインフェルノ（現代のサンプリング技術を採用）などのアーティストによって1990年代に始まり、2000年代には家庭用レコーディングやソフトウェアシンセサイザーが一般的になり、このジャンルは拡大した。[209]その他のアーティストには、ブロードキャスト、ラリプナ、ムム、ザ・ポスタル・サービス、スケルトンズ、スクール・オブ・セブン・ベルズなどがある。 [209]このスタイルに関連する独立系レーベルには、ワープ、モー・ミュージック、サブポップ、ゴーストリー・インターナショナルなどがある。 [ 209 ]
2000年代と2010年代
コンピュータ技術がより身近になり、音楽ソフトウェアが進歩するにつれて、伝統的な音楽演奏の慣習とは関係のない手段を使って音楽制作技術とやりとりすることが可能になった。[210]例えば、ラップトップ演奏（ラプトロニカ）、[211] ライブコーディング[212] [213]やアルゴレイブなどである。一般的に、ライブPAという用語は、ラップトップ、シンセサイザー、その他のデバイスを使用した電子音楽のライブ演奏を指す。
2000 年頃から、ソフトウェアベースの仮想スタジオ環境が登場し、Propellerhead のReasonやAbleton Liveなどの製品が人気を集めました。[214]このようなツールは、一般的なハードウェアベースの制作スタジオに代わる現実的で費用対効果の高い選択肢であり、マイクロプロセッサ技術の進歩により、今ではラップトップ コンピューター 1 台だけで高品質の音楽を作成できるようになりました。このような進歩により音楽制作が民主化され、[215]インターネット経由で一般の人々が利用できる自家製の電子音楽の量が大幅に増加しました。ソフトウェアベースの楽器やエフェクト ユニット (いわゆる「プラグイン」) は、VST プラットフォームを使用してコンピューター ベースのスタジオに組み込むことができます。これらの楽器の中には、既存のハードウェア (Roland D-50、ARP Odyssey、Yamaha DX7、Korg M1 など) とほぼ同一のレプリカがあります。[要出典]
回路曲げ
サーキットベンディングとは、電池式のおもちゃやシンセサイザーを改造して、新しい予期せぬ音響効果を生み出すことである。1960年代にリード・ガザラが先駆者となり、1992年にリードが「サーキットベンディング」という名前を作り出した。[216]
モジュラーシンセの復活
回路を曲げる文化に続いて、ミュージシャンも独自のモジュラー シンセサイザーを作り始め、1960 年代初期の設計に対する関心が再び高まりました。ユーロラックは人気のシステムになりました。
参照
- ライブエレクトロニックミュージック
脚注
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外部リンク
Wikiquoteに電子音楽に関する引用があります。
ウィキメディア・コモンズのエレクトロニック音楽に関連するメディア- エレクトロアコースティック音楽の歴史 - タイムライン 2010 年 6 月 26 日にWayback Machineにアーカイブされました
- エレクトロニックミュージック財団
- 電子音楽の歴史と発展 2020年10月24日アーカイブWayback Machine