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ライブPA（ライブパブリックアドレスまたはライブパーソナルパフォーマンスを意味する）とは、ナイトクラブ、レイブ、そして最近ではダンスミュージックフェスティバルなど、DJingと関連付けられることが多い場所で、ライブエレクトロニックミュージックを演奏する行為のことです。
パフォーマンスの文脈では、この用語はもともと、12インチシングル、 CD、音楽ダウンロードなどの固定メディア形式で音楽をリリースするスタジオベースのエレクトロニックダンスミュージックのプロデューサーが、 1980年代後半のレイヴイベントなどでライブパフォーマンスを行うことを指すために使われていました。 [ 1 ]ライブPAの概念は、主流の音楽メディアから「顔のない」と批判されていたシーンに、公的な顔を与えるのに役立ちました。[ 2 ]このトレンドは、ダンスミュージックを大衆に売り込もうと必死だった音楽業界によってすぐに利用されました。
一般的に、ライブPAアーティストやパフォーマーは、シンセサイザー、ドラムマシン、デジタルサンプラーなどの音源デバイスをトリガーおよび制御する中央シーケンサーを使用します。これらのデバイスから出力される音声は、ミキシングコンソールを使用してミキシングされ、エフェクトで加工されます。相互接続されたドラムマシンとシンセサイザーにより、電子ライブPAアーティストは、一人でコンサートを効果的にオーケストレーションすることができます。ライブPAアーティストは一人で演奏しますが、ベースライン、ドラムマシンのドラムビート、シンセサイザーのコード、他の録音からサンプリングされたリフなど、多数の音楽パートをトリガーしている場合があります。
ライブPAアーティストは通常、シーケンスやトリガーで構成されたパートに、手弾きの電子キーボード、手弾きのオーディオサンプル、生歌、その他の生楽器などを加えます。ブライアン・トランソーやジェイミー・リデルのようなアーティストは、ライブ表現や即興演奏のために特別に設計されたハードウェアやソフトウェアツールを活用しています。ライブPAアーティストは、あらかじめ作曲された基本的な音楽データ（音符、ループ、パターン、シーケンス）をアレンジ、ミュート、キューイングすることで、パフォーマンスの主要要素を自由に操作し、曲の展開をリアルタイムで変更できます。そのため、ライブPAアーティストがループやパターンを変更するたびに、パフォーマンスは毎回異なるものになります。
多くのライブPAアーティストは、伝統的なバンドとダンスフロアDJの両方の長所を組み合わせようと試みている。バンドからは生演奏の要素を、DJからは曲から曲へと展開していく構成や進行を、そして（バンドとは対照的に）一人の人間がコントロールできる圧倒的な音楽量を取り入れているのだ。
技術の進歩により、ライブPAは2010年代まで進化を続けている。1980年代には、ライブPAアーティストはシンセサイザーキーボード、ドラムマシン、ラックマウント型エフェクトユニットの大型ケースを満載したバンが必要だった。コンピュータの処理能力とソフトウェアベースのオーディオツールや楽器の進歩により、2010年代のライブPAアーティストは、（デジタルオーディオワークステーションソフトウェアとデジタルエフェクトおよびミキサーを搭載した）1台のノートパソコンをバッグに詰め込み、ハウスサウンドシステムを備えた会場に出向いてショーを行うことができる。[ 3 ]この可能性は議論の的となっている。なぜなら、単一の汎用デバイスを使用して自分の音楽をライブで演奏できる能力は、また新たなパフォーマンススタイルを生み出すからである。[ 4 ]
一方では、ラップトップを使用するパフォーマーは、レコーディングおよび編集スタジオで準備した洗練された既成のオーディオファイルを再生するオプションがあります。他方では、パフォーマーはソフトウェアベースのシンセサイザー、シーケンサーなどを使用して、完全にゼロからサウンドを作成することができます。[ 5 ]ほとんどのパフォーマンス設定は、その中間あたりに位置します。非常に人気のあるソフトウェアツールはAbleton Liveです。これにより、ラップトップを使用するパフォーマーは、ソフトウェアシンセサイザー、外部MIDI制御楽器、内部に保存されたサンプリングされたオーディオクリップとループをシーケンスおよびトリガーすることができます。これらはすべてリアルタイムで実行でき、結果として得られるオーディオは Ableton Live のミキサーとエフェクトプロセッサーによって操作されます。
ノートパソコンをオールインワンの電子音楽制作・演奏ツールとして活用できる可能性が明らかになったことで、新たなアーティスト、パフォーマー、そしてパフォーマンスイベントが爆発的に増加した。中でも「ラップトップバトル」と呼ばれる国際的なコンテストは、大きな注目を集めている。
聴衆、批評家、そしてアーティスト自身の間で議論の的となっているのは、演奏がどの程度「生演奏」と言えるかという点である。決定的な要素の一つとして、演奏者が最終的な音楽作品の個々の要素をリアルタイムでどの程度コントロールできるかという点が挙げられるだろう。この基準を用いると、録音済みのCDやデジタルオーディオトラックをPAシステムや放送で流しながら、楽器の演奏を模倣したり、口パクで真似したりするアーティストは、ほとんどの人にとって「生演奏」とはみなされないかもしれない。
スペクトルの反対側には、アイデアやモチーフ（例えばベースライン、リズムパターン、コード進行など）だけを取り、電子楽器を使ってその場でゼロから実現し、それを発展させ、修正し、パフォーマンス全体を通してこの方法を続けるアーティストもいます。これを実現するには、ある程度の規律、高度な音楽的スキル、そして創造性が必要です。さらに、一部の電子音楽家はキーボード、パーカッション、その他の従来の楽器も演奏でき、楽器演奏とサンプル、エフェクト、電子機器のライブ操作を組み合わせます。このような状況は、身体の動きが音楽に直接影響を与えるため、ライブ音楽パフォーマンスの基準を満たしています。[ 6 ]
パフォーマンスの視覚的な側面、例えばパフォーマーの動きや照明演出などは、「ライブ」と呼ぶのに十分だと主張する人もいるかもしれない。何が「ライブ」で何がそうでないかを体系化することは、長年にわたり議論の的となってきた。今日に至るまで、関係者全員が満足できるような定義を成功裏に作り上げた者はいない。[ 7 ]