メトロノーム

メトロノーム（古代ギリシャ語のμέτρον ( métron )  「計る」とνόμος ( nómos )  「法則」に由来）は、ユーザーが設定できる一定の間隔（通常は1分間の拍数（BPM））でクリック音などの音を出す装置である。メトロノームには、揺れる振り子や点滅する光など、同期した視覚的な動きが含まれることもある。ミュージシャン、ダンサー、アスリート、医療従事者などの人々は、タイミング、特に一定の拍子や脈拍で一定のテンポを維持する能力を向上させるために、メトロノームを使って練習することが多い。作曲家や指揮者は、演奏の準備をしているミュージシャンに好みのテンポを伝えるために、メトロノームの数字マークをよく使用する。

アンダルシアの 博学者 アッバース・イブン・フィルナス（810-887）の発明の中に、ある種のメトロノームがありました。1815年、ドイツの発明家ヨハン・メルツェルは、音楽家のための道具として、機械式の巻き上げ式メトロノームの特許を取得し、「メトロノームと呼ばれるあらゆる音楽演奏の向上のための楽器/機械」というタイトルで特許を取得しました。^[1] 20世紀には、電子メトロノームとソフトウェアメトロノームが発明されました。

音楽の感情やその他の性質を表現する際、演奏者がすべての拍子を正確に演奏することはめったにありません。音楽的に表現力豊かな演奏では、拍子はメトロノームのクリック音とは通常一致しません。^{[2] [3]}このため、一部のミュージシャンはメトロノームの使用を批判しています。「音楽の時間が時計の時間に置き換えられる」からです。^[4]

メトロノームという語は、1815年のマエルツェルの特許出願で初めて英語で登場した。語源はギリシャ語で、metron（測定）とnomos（規制、法律）に由来している。^{[5] [6]}ロンドン特許では、この機械を「メトロノームまたは音楽のタイムキーパー」と呼んでいる。^[1]

機械式メトロノームの歴史的功績は、スペイン、イタリア、フランス、オランダ、ドイツの貢献者にまで及びます。

歴史家のリン・タウンゼント・ホワイト・ジュニアによると、アンダルシアの発明家アッバース・イブン・フィルナスは9世紀に「ある種のメトロノーム」を作った。^{[7] [8]} ガリレオ・ガリレイは16世紀後半から17世紀初頭にかけて、ピサ大聖堂の揺れるシャンデリアにインスピレーションを得て、振り子に関する重要な概念を研究し発見した。^[9] 1696年、音楽家のエティエンヌ・ルーリエは、6フィート（2メートル）の垂直定規の横に、調節可能な紐からぶら下がった鉛の重りからなる振り子ベースの「クロノメーター」を製作した。しかし、彼の設計では音が出ず、振り子を動かし続けるための脱進機機構もなかった。 ^[10]この種の視覚装置で正しいテンポを得るには、音楽家は指揮者の指揮棒を見るように振り子を見る必要があった。

より一般的な機械式ミュージカルクロノメーターは、1814年にアムステルダムでディートリッヒ・ニコラウス・ヴィンケルによって発明されました。バネ動力の倒立振り子棒をベースに、固定重りと調整可能な重りをコンパクトにしたものがベースになっています。疑問視された実践を経て、^[11]ヨハン・メルツェルはヴィンケルのアイデアを取り入れ、数字の目盛りを追加してメトロノームと呼び、1816年にピラミッド型の装置を「メルツェルのメトロノーム」という自分の名前で大量生産し始めました。メルツェルのイギリスでの特許（1815年）の原文はダウンロードできます。^[1]

マールツェルの機械式メトロノームは、倒立振り子棒の調整可能な重りを使ってテンポをコントロールする。重りは、テンポを遅くするには振り子棒の上をスライドし、テンポを速くするには下にスライドする。（この機構は、メトロノームケース内の振り子の軸の反対側に2つ目の固定重りがあるため、二重重り振り子とも呼ばれる。）振り子はテンポに合わせて前後に揺れ、メトロノーム内部の機構が各振動ごとにクリック音を出す。機械式メトロノームは電池を必要とせず、ゼンマイ巻きの時計仕掛けの脱進機で動く。^[1]均一なビートを得るには、メトロノームを硬くて水平で動かない表面に設置し、強力な磁石から離す必要がある。振り子の速度の小さな変化は、温度、気圧、重力の違いによっても生じることがある。^[9]

マールツェルの時代以来、音楽のテンポはほぼ常に1分間の拍数（BPM）で測定される。メトロノームにはBPMの数字と伝統的なテンポマークの両方が表示されることが多く、テンポの範囲とそれに関連する特徴を伝える文字である。たとえば、イタリア語の「Vivace 」は、通常156から176 BPMのテンポを示すが、音楽は活発な特徴で演奏されるべきであることも伝えている。^[12]

機械式メトロノームのテンポは通常 40 ～ 208 BPM の範囲で調整可能です。マールツェルメトロノームの最も一般的なテンポの設定は、1分あたり40拍から始まり、2 BPMずつ増加していき: 42 44 46 48 50 52 54 56 58 60、次に3 BPMずつ増加して: 63 66 69 72、次に4 BPMずつ増加して: 76 80 84 88 92 96 100 104 108 112 116 120、次に6 BPMずつ増加して: 126 132 138 144、次に8 BPMずつ増加して: 152 160 168 176 184 192 200 208。最近のメトロノームの中には、より正確なテンポに調整できるものもありますが (例: 120 を 121 に増やす)、そのような違いはほとんど知覚できません。^[13]

電気機械式メトロノームは、米国のフレデリック・フランツによって発明され、1953年に特許を取得しました。^{[14]時計仕掛けや}水晶の代わりに、プラグイン電気モーターが機構を動かします。ほとんどは、機械式可変速ドライブとモーメンタリースイッチ、カムホイールを組み合わせてビートのタイミングを計ります。ビートに合わせて点滅するネオンランプが埋め込まれているのがよく見られます。フランツとヤマハは、1960年代と1970年代によく使われたメーカーで、人気のモデルはフランツLB4でした。

1991年のソビエト圏崩壊後、高さ75フィート（23メートル）の電気機械式プラハメトロノームが、街を見下ろす静かなキネティック彫刻として設置されました。これは時間の経過を象徴する倒立振り子です。 ^[15]ジュネーブ（1972年以降）とグダニスク（2016年以降）にはそれぞれより大きな振り子時計がありますが、これは今でも世界最大のメトロノームである可能性があります。^{[16] [17]}

現代のメトロノームのほとんどは電子式で、電池式の水晶振動子を使用してどの位置でも精度を維持しており、1980 年代以降の腕時計に匹敵します。電子メトロノームは以前のタイプよりもかなり小型で頑丈です。最もシンプルな電子メトロノームには、テンポと音量を制御するダイヤルまたはボタンがあります。また、通常A440 (440ヘルツ) の範囲の調律音を生成または測定するものもあります。高度なメトロノームは、2 つ以上の異なる音を生成できます。音は、ダウンビートを他のビートと区別するため、ピッチ、音量、および/または音色が異なる場合があり、複合拍子や複雑な拍子記号も区別できます。多くの電子音楽キーボードには、選択可能なリズム パターンを備えたメトロノーム機能が組み込まれています。

21 世紀のデジタル ソフトウェア メトロノームは、コンピューターやスマートフォン上のスタンドアロン アプリケーションとして、または音楽シーケンスやオーディオマルチトラックソフトウェア パッケージ内で実行されます。映画音楽などのレコーディング スタジオアプリケーションでは、ソフトウェア メトロノームがミュージシャンを同期させるためのクリック トラックを提供する場合があります。

iPodなどのポータブルMP3プレーヤーは、録音済みのMP3メトロノームクリックトラックを再生することができ、通常のメトロノームクリックやビープ音の代わりにさまざまなサウンドやサンプルを使用できます。スマートフォンのユーザーは、さまざまなメトロノームアプリケーションをインストールできます。Google検索エンジンには、40〜218 BPMで再生できるインタラクティブメトロノームが含まれています。^[18]どちらの方法でも、レッスンや練習セッションに物理的なメトロノームを持ち込む必要はありません。

1800 年代初頭以来、作曲家や指揮者 (または編集者) は、演奏の準備に役立てるために、BPM メトロノーム速度を使用して好みのテンポを示すことがよくあります。ルバート付きの楽譜など、厳密に一定のテンポを必要としない作品でも、全体的なテンポを示すために BPM マークが付けられることがあります。テンポを示す別のマークは、Maelzel のメトロノームを表す MM (または MM) です。MM という表記の後には、通常、音価とテンポを示す数字が続きます ( MMなど)。= 60 です。

メルツェルの個人的な知人であったルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、自身の音楽に特定のメトロノーム記号を記した最初の著名な作曲家となった。これは1815年12月に行われ、カンタータ作品112の楽譜の訂正版にベートーヴェンの最初のメトロノーム記号が記されていた。^[19]

ミュージシャンは、タイミングとテンポの感覚を養い、維持するためにメトロノームを使って練習することがよくあります。メトロノームは、ミュージシャンだけでなく、ダンサー、^[20]ランナー、^[21]スイマー、^[22]なども、望ましいパフォーマンス速度を達成するためのトレーニングツールとして使用されています。

具体的な用途としては、テンポとビートを一定に保つことを学ぶことが挙げられます。たとえば、演奏速度を上げがちな傾向と戦っているミュージシャンは、より安定して演奏するために、BPM 設定を少しずつ遅くしながらフレーズを繰り返し練習するかもしれません。技術的な熟練度を向上させたいミュージシャンやアスリートは、希望するテンポに達するまでメトロノームの速度を徐々に上げていくかもしれません。これは、技術的な問題や疲労による意図しない速度低下を明らかにするのにも役立ちます。さらに、レコーディング ミュージシャンは、メトロノームのクリック トラックを使用して、オーディオ エンジニアがオーディオ トラックを同期 できるようにします。

医療の分野では、メトロノームはさまざまな生理学的検査や処置において望ましいペースを維持するために使用できます。^[23]たとえば、病院の救急室で可聴メトロノームが使用されている場合、または病院以外の場所で救助者が適切なペースの歌を「メンタルメトロノーム」として覚えている場合、 CPR胸部圧迫は推奨される 100～120 BPM に従う可能性が大幅に高まります。^[24]

「メトロノームテクニック」は広範囲に渡っており、音楽家向けの書籍でも取り上げられています。^{[25] [26] [27]}「直感的な」アプローチは、メトロノームのダウンビートに合わせて、楽曲全体を練習するだけです。より高度なメトロノームテクニックでは、音楽家はリズム、テンポ、音楽の時間感覚を強化するために個別の練習を行い、柔軟性と表現力を養います。

必要な基本スキルは、「ポケット」で演奏する能力、つまりメトロノームのクリック音に正確に、リラックスして演奏する能力です。これにより、ミュージシャンは 1 秒の何分の 1 かに相当する間隔で、強い時間感覚を養うことができます。このアプローチの課題の 1 つは、特にピアニストやパーカッショニストにとって、クリック音を正確に打つとメトロノームのクリック音が消えてしまう (または少なくともあまりはっきりと聞こえない) ように見えることです。確立されたテクニックを持たずにメトロノームのポケットで演奏しようとするミュージシャンは、演奏に緊張と努力がもたらされることに気付くかもしれません。これらの困難に対処するには、ミュージシャンはまず、いつでもクリック音より前後に演奏することを学ぶ必要があります。その結果、クリック音が「どこにあるか」を明確に認識できるようになり、クリック音を打つ練習もできるようになります。^{[28] [29]}

現代のメトロノームテクニックの多くは、メトロノームに過度に依存することなくタイミングの問題を解決することを目的としています。典型的な練習は、メトロノームをミュートした状態でテンポを維持する練習を徐々に長くしたり、^[30]メトロノームに対してクリックをずらしたり（通常のダウンビートからオフセット）ポリリズムを練習したりすることです。 ^[31]

演奏におけるリズムの柔軟性と音楽表現力を高めるために、メトロノームを使った準備練習では、流動的なタイミング感覚を養うことが多い。例えば、ミュージシャンは、ある拍子から次の拍子へと徐々に移り変わる練習や、クリック音の後ろや前に出る練習を交互に行う。 ^[32]作家でドラマーのマック・サンティアゴは次のように書いている。「脈拍を聞きながら、わずかに加速したり減速したりする能力は、音楽演奏に人間の感覚を取り入れる素晴らしい方法である。…これは、リタルダンドやアッチェレランドにも当てはまる。これらは一定の脈拍に相対的なものであり、突然の変化よりも徐々に行うのが最適だからである。」^[33]

おそらく、メトロノームを型破りな楽器として最も有名かつ直接的に使用した作品は、ジェルジ・リゲティの『100台のメトロノームのための交響詩』（1962年）だろう。その2年前には、一柳慧が『電気メトロノームのための音楽』 （1960年）を作曲していた。モーリス・ラヴェルは、時計職人を題材にしたオペラ『スペインの時』 （1911年）の冒頭で、異なる速度のメトロノームを3台使用した。^[34]

機械式メトロノームのクリック音は、通常の打楽器を一切使わずに柔らかいリズムトラックを提供するために使われることがある。ポール・マッカートニーは「ディストラクションズ」（フラワーズ・イン・ザ・ダート、1989年）でこれを行った。メトロノームに続いて、マッカートニーは体のさまざまな部分を叩いてリズムトラックを演奏した。^[35]また、エンニオ・モリコーネのテーマ曲「シャイアンよさらば」（映画「ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ザ・ウェスト」（1968年）に収録）では、機械式メトロノームの意図的に歪ませて遅くした音によって、一定のカチカチという音のビートが作られている。^[36]

5つのメトロノームが、ウィリアム・ケントリッジのビデオインスタレーション「時間の抵抗」（2012年）のフィリップ・ミラーの音楽スコアの始まりとなる。 ^[37]

メトロノームは、演奏家、教師、音楽学校、音楽学者（メトロノームのマークの分析にかなりの時間を費やす）から、一般的に好意的に見られています。メトロノームは、その安定したビートと「数学的に完璧で、完全に正しい」ことから、優れた練習ツールと考えられています。^[38]これにより、推測がなくなり、テンポの維持、意図しない速度低下や速度上昇の傾向への対処、技術の進歩の監視、特に速いパッセージでの均一性と正確性の向上など、さまざまな方法でミュージシャンを支援します。メトロノームは、初心者からプロのミュージシャンまで、すべてのスキルレベルで一般的に使用されており、音楽の学生にためらいなく推奨されることがよくあります。^[39]評論家兼ヴィオラ奏者のマイルス・ホフマンは、1997年に次のように書いています。「ほとんどの音楽教師はメトロノームを不可欠なものと見なし、ほとんどのプロのミュージシャンは、実際にキャリアを通じてメトロノームを使用して練習を続けています。」^[40]一部のミュージシャンは、19世紀初頭にメトロノームが発明されてすぐにこの見解を採用しました。^{[41] [42]}オンラインブック「メトロノームテクニック」には、メトロノーム練習を支持する音楽教師からの数十の引用を含む「ポプリ」の章が含まれています。^[43]

メトロノームは演奏の実践において非常に重要となり、「20世紀以降、音楽教育や学問においてほとんど異論を唱えられることはなかった」。^[44] 19世紀には、メトロノームは曲全体を通して刻むために使われることはなく、テンポをチェックして脇に置くためだけに使われていた。これは、曲全体を通してメトロノームをバックグラウンドで鳴らしながら練習し、一般的に安定した演奏につながる今日の多くの音楽家とは対照的である。^[45]

オーボエ奏者で音楽学者のブルース・ヘインズは、著書『古楽の終焉』で、現代の演奏スタイルにおけるメトロノームの役割を詳細に説明している。彼は、表現力豊かな19世紀のロマン派音楽の特徴である、溢れんばかりのルバートと荒々しい音に比べて、現代のスタイルははるかにリズム的に硬直していると強調した。このため、音楽学者で批評家のリチャード・タラスキンは、モダニズムを「秩序と精密さへの逃避、主観性への敵意、個性の気まぐれへの敵意」と呼んだ。^{[46]これらの特性から、}メトロノームという用語が生まれ、音楽評論家は、揺るぎないテンポ、機械的なリズムアプローチ、すべての小音程への均等なストレスを伴う演奏を説明するためにこの用語を使用する。バイオリニストのソル・バビッツは、これを柔軟性が限られた「ミシン」スタイルとみなした。^[46]一部の作家は、時計で秩序づけられる現代の技術社会との類似点を指摘している。^{[3] [47]}

大まかで説明的なテンポ記号とは異なり、公表されているメトロノームの速度は、音楽の美学、コンサートホールの音響、楽器自体の変化に適応できない非常に具体的なテンポを示しています。^[48]これが、フェリックス・メンデルスゾーンやリヒャルト・ワーグナーなどの作曲家がメトロノーム記号の公表を批判した理由の1つです。^[49]ヨハネス・ブラームスはかつてドイツ・レクイエムについて次のようにコメントしました。「この曲でも他のすべての音楽でも、メトロノームは役に立たないと思います。少なくとも私の経験では、遅かれ早かれ誰もがメトロノーム記号を撤回しました。」^[50]

メトロノームは一定の連続した拍子しか提供しない。そのため、楽譜上のメトロノームのマークは基準にはなるが、音楽の脈拍、スイング、グルーヴを正確に伝えることはできない。脈拍は、例えば、アッチェレランド、ラレンタンド、ルバートなどの表現力豊かな音楽フレーズなどでは不規則になることが多い。^[51]サンバのような非常にリズミカルな音楽形式であっても、初期の演奏者による録音と一致する文化的に本格的なスタイルで演奏された場合、メトロノームのビートで捉えることはできない。リズムが常に規則的な演奏は、メトロノーム的であり、このジャンルの特徴的なスイングが欠けていると批判されるかもしれない。^[52]

「メトロノームには本当の音楽的価値はない」と主張する者もおり、ミュージシャンのリズム感を助けるどころか、むしろ害している。メトロノームの使用は、機械による描画と手書きの描画の違いに例えられ、メトロノームによる出力は硬直していて創造性を妨げると言われている。^[53]アメリカの作曲家で批評家のダニエル・グレゴリー・メイソンは、メトロノームの使用は「危険」であると書いている。なぜなら、メトロノームはミュージシャンをフレーズではなく小節や拍子で演奏するように導き、活気、本能、リズムのエネルギーを犠牲にし、「生きた音楽有機体の代わりに死体」になるからだ。^[54]メトロノームの支持者でさえ、その厳格な速度と反復は「過度に使用」すると内部のリズムと音楽性を妨げる可能性があると警告している。^[55]

ミュージシャンがメトロノームを使用しないことに決めた場合、タイミングやテンポの乱れ、急ぎすぎや遅れに対処するために他の方法が必要になります。これらの戦略は、補完的なアプローチとしてメトロノームのテクニックと組み合わせることもできます。

人間は、歩く、釘を打つ、野菜を切るといった日常的な動作を行うのに、生来のリズム感覚に頼っています。話すことや考えることにも、ある種のリズムがあります。作家でドラマーのアンドリュー・C・ルイスは、こうした日常のリズムを音楽に取り入れるよう努力することを勧めています。

「リズムはどこにでもある。リズムに敏感になり、リズムの発達を促すような自発的な出来事に気を配りましょう。常に耳を傾け、想像力を働かせましょう。リズムのアンテナになりましょう。」^[56]

ヨーロッパでは19世紀まで、人々は仕事中に日々の仕事のリズムに合わせて歌っていた。今日でも世界の多くの地域、特に部族地域では、人々は日常の活動に従事しながら頻繁に、そして自発的に歌っている。^[57]歌わなくても、楽器奏者は呼吸、歩行、足踏み、その他の活動などのより静かな身体のリズムを使って、生来の脈拍感覚を強化することができる。（同様に、リスナーはリズミカルな音楽を聴くときにこれらの動きを無意識に調整することが多い。）ミュージシャンは、まず「心の中で理想的な演奏を聞く」ことを学び、自分自身や他の人の録音を注意深く聴くことで、タイミングとテンポの不具合に対処することができる。^{[27] [56]}

不等音符はフランスのバロック音楽によく見られる特徴で、細分化された音符のペアは同じ長さで書かれますが、長短の付点または三連音符のリズムで演奏されます。通常、これらのペアは、モダンジャズのように、安定したダウンビートと全体を通して同じ量のスウィングで演奏されます。あまり一般的ではありませんが、不等音のリズムは、常に変化する話し言葉のリズムのように、より広範囲で不規則です。この観点からすると、微妙に同期がずれていて全体を通して不均一なリズムは、音楽に活気と面白さをもたらし、単調さや退屈さを感じさせないようにするのに役立ちます。ミュージシャンは、メトロノームに厳密に従うのではなく、自然に生じる動きのパターンである「音楽のジェスチャー」に音符やフレーズをまとめる練習をすることがあります。演奏者はまた、音楽フレーズの重要な音符をわずかに遅らせたり伸ばしたりして、期待感や強調感を醸し出すこともあります。このより自由なアプローチは、古楽におけるノーツ・イネガルの少数派の解釈であるが、音楽の時間とリズムに対する視点、そして聴き手に感情的に訴える体験を創り出すために練習する音楽家との関連性において注目に値する。 ^[58]

ウィキソースには、1911 年のブリタニカ百科事典の記事「メトロノーム」のテキストがあります。

• ウィキメディア・コモンズのメトロノーム関連メディア
• ウィキクォートにおけるメトロノームに関する引用