音楽テクノロジー

音楽テクノロジーとは、音楽家や作曲家が音楽を制作または演奏したり、歌や楽曲を作曲、記譜、再生、録音したり、音楽を分析または編集したりするために、あらゆるデバイス、メカニズム、機械、ツールを研究または使用することです 。

音楽への技術の最も古い応用は、先史時代の人々が骨に手で穴を開けて簡単なフルートを作る道具を使ったことである。^[1]

古代エジプト人は、ハープ、リラ、リュートなどの弦楽器を開発しましたが、これらの楽器には、細い弦と、弦の音程を調整するための何らかのペグシステムが必要でした。古代エジプト人は、ダブルクラリネットなどの管楽器や、シンバルなどの打楽器も使用していました。

古代ギリシャの楽器には、ダブルリードのアウロスやリラなどがありました。

聖書には、コルニュ、パイプ、リラ、ハープ、バグパイプなど、数多くの楽器が登場します。聖書の時代には、コルニュ、フルート、ホルン、パイプオルガン、パイプ、トランペットも使用されていました。

中世には、聖歌の旋律の音符を書き留めるために音楽記譜法が使用されていました。

ルネサンス音楽の時代（1400～1600年頃）には印刷機が発明され、楽譜の大量生産が可能になりました（それまでは手書きでコピーされていました）。これにより、音楽のスタイルがより早く、より広い範囲に広まりました。

バロック時代（1600年頃～1750年）には鍵盤楽器の技術が発達し、パイプオルガンやハープシコードの設計が改良され、1700年頃には新しい鍵盤楽器であるピアノが開発されました。

古典派の時代には、ベートーヴェンは第九交響曲でピッコロ、コントラファゴット、トロンボーン、調律されていない打楽器などの新しい楽器をオーケストラに加えました。

ロマン派音楽の時代（1810年頃～1900年）、新しい楽曲が一般に知られるようになった主な方法の1つは楽譜の販売であり、アマチュア音楽愛好家はそれを自宅でピアノや他の楽器で演奏しました。19世紀には、サクソフォン、ユーフォニアム、ワーグナーチューバ、コルネットなどの新しい楽器がオーケストラに加わりました。

20世紀初頭、蓄音機レコード（1892年に商品化）とラジオ放送（1919～1920年頃に商業ベースで開始）の発明と普及により、音楽鑑賞が大幅に増加し、より幅広い聴衆に音楽を配信することが容易になりました。^[1]

録音技術の発達は、歌やバンドの録音を広く流通させることが可能になったため、ポピュラー音楽のジャンルの発展に大きな影響を与えました。録音技術の発明は、クラシック音楽の新しいサブジャンルである、電子作曲のミュージック・コンクレート・スタイルも生み出しました。

マルチトラック録音の発明により、ポップバンドは楽器トラックとボーカルを何層にも重ねて録音できるようになり、ライブパフォーマンスでは不可能だった新しいサウンドを生み出すことができました。

20世紀初頭には、電磁ピックアップ、アンプ、スピーカーなどの電気技術を利用して、エレクトリックピアノ（1929年）、エレクトリックギター（1931年）、電気機械式オルガン（1934年）、エレクトリックベース（1935年）などの新しい電気楽器が開発されました。20世紀のオーケストラは新しい楽器と新しいサウンドを手に入れました。オーケストラの曲の中には、エレクトリックギター、エレクトリックベース、テルミンを使用したものもありました。

1947 年の小型トランジスタの発明により、新世代のシンセサイザーが誕生し、1960 年代に初めてポップ ミュージックで使用されました。以前の鍵盤楽器技術とは異なり、シンセサイザーのキーボードには弦、パイプ、金属の歯がありません。シンセサイザーのキーボードは、電子回路、または後にはコ​​ンピューター チップとソフトウェアを使用して音楽の音を作成します。シンセサイザーは 1980 年代初頭に一般市場で人気を博しました。

強力なマイクロチップの開発により、1980年代以降、ドラムマシンや音楽シーケンサーなど、数多くの新しい電子音楽技術やデジタル音楽技術が導入されました。電子音楽技術やデジタル音楽技術とは、コンピュータ、電子効果装置、ソフトウェアなど、ミュージシャンや作曲家が音楽の制作や演奏に利用する機器のことです。^{[2]この用語は通常、音楽の}演奏、再生、作曲、録音と再生、ミキシング、分析、編集に使用される電子機器、コンピュータハードウェア、コンピュータソフトウェアの使用を指します。

旧石器時代の遺跡の発見物から、先史時代の人々は楽器を作るために彫刻や穿孔の道具を使用していたことが示唆されている。考古学者は、側面に穴が開けられた骨から彫られた旧石器時代のフルートを発見した。論争の的となっているディヴジェ・バーベ・ フルートは、穴の開いた洞窟のクマの大腿骨で、少なくとも4万年前のものである。7つの穴のあるフルートなどの楽器や、ラヴァナハタなどのさまざまなタイプの弦楽器が、インダス文明の遺跡から発見されている。 ^[3]インドは世界最古の音楽の伝統の一つであり、インドの古典音楽（マルガ）への言及は、ヒンドゥー教の伝統の古代聖典であるヴェーダに見られる。^[4]先史時代の楽器の最も古くて最大のコレクションは中国で発見され、紀元前7000年から6600年の間に遡る。^[5]

先史時代のエジプトでは、音楽と詠唱は魔術や儀式でよく使われ、小さな貝が笛として使われていた。^{[6] : 26–30}エジプトの楽器の証拠は先王朝時代にまで遡り、葬送歌がエジプトの宗教で重要な役割を果たし、拍子木やおそらくはフルートが伴奏していた。楽器技術の最も信頼できる証拠は古王国時代にまで遡り、ハープ、フルート、ダブルクラリネットを作る技術が開発された。^[7]中王国時代には打楽器、リラ、リュートが使われていた。古代エジプト人は金属製のシンバルを使っていた。^{[8] 21世紀初頭、}ハンス・ヒックマンなどの外国生まれの音楽学者の研究に触発されて、ファラオ時代の音楽への関心が高まり始めた。 21世紀初頭までに、カイロのヘルワン大学の音楽学教授カイリー・エル・マルトが率いるエジプトの音楽家と音楽学者は、古代エジプトの楽器の再現を開始し、そのプロジェクトは現在も進行中である。^[9]

インダス文明には、 7つの穴があるフルートのような古い楽器を描いた彫刻がある。モーティマー・ウィーラー卿による発掘調査により、ハラッパーとモヘンジョ・ダロからさまざまな種類の弦楽器や太鼓が発見されている。^[10]

聖書によれば、ユバルはハープ奏者とオルガン奏者の父でした (創世記 4:20–21)。ハープは主要な楽器の一つで、ダビデのお気に入りで、聖書の中で 50 回以上言及されています。ハープは喜びの儀式と悲しみの儀式の両方で使用され、その使用は「ダビデのもとで最高に完成されました」 (サムエル記上 16:23)。ロックヤーはこう付け加えている。「ハープが奏でる甘美な音楽は、サウルの憂鬱をしばしば吹き飛ばした（サムエル記上 16:14–23; 18:10–11）」^{[11] : 46}ユダヤ人がバビロンに捕らえられていたとき、彼らはハープを吊るし、捕囚中は使用を拒否した。ハープは、以前は神殿で使用されていた楽器の一部であった（列王記上 10:12）。ハープの仲間で、古代ギリシャ人も使用していた別の弦楽器は、リラであった。同様の楽器にリュートがあり、大きな洋ナシ形の胴、長いネック、フレット付きの指板と調律用のネジがついていた。楽器を描いた貨幣、バル・コクバの反乱貨幣は、 132年から135年にかけてのローマ帝国に対する第二次ユダヤ人反乱の際にユダヤ人によって発行された。これらに加えて、ほぼ18世紀に言及される別の弦楽器、プサルタリーがあった。聖書には30回登場する。ヨセフスによれば、12本の弦があり、手ではなく羽根ペンで演奏された。別の著者は、ギターのようなものだが、平らな三角形で左右に弦が張られていたと示唆している。^{[11] : 49}

聖書の時代に使われていた管楽器には、コルネット、フルート、ホルン、オルガン、パイプ、トランペットなどがあった。^{[11] : 50}銀製のトランペットやダブルオーボエもあった。ヴェルナーは、ローマのティトゥスの凱旋門のトランペットの寸法と貨幣から、「トランペットは非常に高音で、胴が薄く、甲高い音色だった」と結論付けている。さらに、死海文書の中に発見された軍事組織と戦略のマニュアル『光の子らと闇の子らの戦い』では、これらのトランペットは「かなり複雑な信号を一斉に吹くはずなので、明らかに音程をかなり正確に調節できたようだ」と付け加えている。^{[12]ホイットコムは、一対の銀製トランペットは}モーセの律法に従って作られ、おそらくティトゥス皇帝がエルサレムを征服した際にローマに持ち帰った戦利品の一つだったと書いている。彼女はまた、勝利したティトゥスのために建てられた凱旋門には「これらのトランペットの古代の形を示す彫刻が施されている」と付け加えた。（写真参照）^[13]

ホイットコムによれば、フルートは祝祭や葬儀の際によく使われた。「最も貧しいヘブライ人でさえ、妻の葬儀ではフルート奏者を2人雇わなければならなかった」^[13]。ショファ（雄羊の角笛）は、正統派コミュニティにおけるユダヤ教の新年の礼拝など、特別な典礼目的に今でも使われている。そのため、ショファは楽器ではなく、意図的に原始的な性格を保ってきた神学的な象徴の楽器とみなされている。古代には、危険を警告したり、新月や安息日の始まりを告げたり、著名人の死を告げたりするために使われた。「厳密に儀式的な用途では、大勢の人々の叫びを神に届けた」とヴェルナーは書いている。^[14]

打楽器には、ベル、シンバル、シストラム、タブレット、ハンドドラム、タンバリンなどがありました。タブレットまたはティンブレルは、祭りの際に使用される小さなハンドドラムで、女性の楽器と考えられていました。現代では、救世軍によってよく使用されていました。聖書によると、イスラエルの子供たちがエジプトから出て紅海を渡ったとき、「ミリアムは手にティンブレルを取り、すべての女性たちはタンブレルを鳴らし、踊りながら彼女の後について出て行った。」^[11]

古代ギリシャでは、あらゆる音楽の楽器は、音の出し方によって弦楽器、管楽器、打楽器の3つのカテゴリーに分類されます。 ^{[15] [不完全な短い引用]}古代ギリシャの音楽で使われた楽器には次のようなものがあります。

• リラ: かき鳴らしたり、時には爪弾いたりする弦楽器。基本的には、べっ甲のフレームに取り付けられた手持ちのツィターで、通常は 7 本以上の弦が 1 つの旋法の音に調律されている。リラは、朗読や歌を歌うとき、他の人や自分自身の伴奏に使われた。
• キタラもかき鳴らす弦楽器で、リラよりも複雑です。キタラは箱型のフレームを持ち、上部の横木から下部の共鳴箱まで弦が張られていました。キタラは垂直に立てられ、ピックで演奏されました。弦は横木に沿って木製のくさびを調整することで調律できました。
• アウロスは、通常は二重で、2本のダブルリード（オーボエのような）パイプで構成され、結合されておらず、通常はマウスバンドを使用して両方のパイプを演奏者の唇でしっかりと保持して演奏されます。現代の復元では、低くクラリネットのような音を発していたことが示されています。楽器の正確な性質については混乱があり、別の説明ではダブルリードではなくシングルリードを示しています。
• パンパイプは、パンフルートやシリンクス（ギリシャ語 συριγξ）としても知られ、（パンから身を隠すために葦に変えられたニンフにちなんで名付けられた）は、閉管の原理に基づく古代の楽器であり、徐々に長さが増す一連のパイプで構成され、（切断によって）希望する音階に調律されています。音は、開いたパイプの上部を横切って息を吹き込むことによって生成されます（ボトルの蓋を横切って息を吹き込むのと同じように）。
• 現代のオルガンの先駆けとなった鍵盤楽器、ハイドロリス。名前が示すように、この楽器は水を使ってパイプに一定の圧力を供給した。ウィトルウィウス [16] とアレクサンドリアのヘロン [17] の 2 つの詳細な説明が残っている。これら^の説明^は主に鍵盤のメカニズムと、楽器に空気を供給する装置について述べている。1885 年にカルタゴで保存状態の良い陶器の模型が発見された。基本的に、音を出すパイプへの空気は、パイプでドームに接続された風箱から来る。空気が送り込まれて水を圧縮し、水がドーム内で上昇して空気を圧縮し、パイプに一定の空気が供給される。^{[18] [不完全な短い引用]}

『アエネイス』の中で、ウェルギリウスはトランペットについて何度も言及しています。リラ、キタラ、アウロス、ヒュドラウリス（水オルガン）、トランペットはすべて古代ローマの音楽に取り入れられました。

ローマ人は、記譜法を使っていたとすれば、ギリシャのエンキリアディ記譜法^[19]を借用して音楽を記録していた可能性がある。4 つの文字 (英語の記譜法では「A」、「G」、「F」、「C」) は、4 つの連続する音列を示す。文字の上に書かれたリズム記号は、各音の長さを示す。ローマ美術には、さまざまな木管楽器、金管楽器、打楽器、弦楽器が描かれている^[20]。ローマ風の楽器は、それが起源ではない帝国の一部で発見されており、音楽がローマ文化の一側面として属州全体に広まったことを示している。

ローマの楽器には以下のものがあります。

• ローマのチューバは、取り外し可能な円錐形の吹き口を持つ、長くてまっすぐな青銅製のトランペットでした。現存する楽器は長さが約1.3メートルで、吹き口からベルが急に広がる部分まで円筒形の内腔を持ち、 ^{[21] [不完全な短い引用]、}現代の「時代音楽」の演奏で見られるまっすぐなトランペットに似ています。バルブがなかったため、チューバは単一の倍音列しか出せませんでした。^{[22] [不完全な短い引用]}軍隊では、「ラッパの音」に使用されました。チューバは、ゲーム（ルディ）や見世物イベントに付随するモザイクなどの芸術にも描かれています。
• コルニュ（ラテン語で「ホルン」）は、演奏者の体に沿って曲がる長い管状の金属製の管楽器で、大文字のGのような形をしています。円錐形の管（これもフレンチホルンに似ています）と円錐形のマウスピースを備えています。ブッチーナと区別するのは難しいかもしれません。コルニュは軍の信号やパレードで使用されました。^[23]コルニセンは軍の信号士官で、命令を呼び出しに翻訳しました。チューバと同様に、コルニュも公共のイベントや見世物芸能の伴奏として登場します。
• ティビア（ギリシャ語ではアウロス– αὐλός ）は、通常は二重で、2本のダブルリード（現代のオーボエのような）パイプを持っていたが、結合されておらず、通常はマウスバンドのカピストラムで演奏され、両方のパイプを演奏者の唇の間にしっかりと保持した。^{[24] [不完全な短い引用]}
• アスカウルズ—バグパイプ。​
• 現代のフルートとパンパイプのバージョン。
• ギリシャから借用されたリラはハープではなく、木製または皮で覆われた亀の甲羅でできた発音体と、動物の角または木でできた腕を持ち、弦が横木から発音体まで張られていた。[ 25 ^{] [不完全な短い引用]}
• キタラは古代ローマの最高の楽器であり、ポピュラー音楽と高尚な音楽の両方で演奏されました。リラよりも大きくて重いキタラは、音が大きく、甘く、鋭い音を出し、正確に調律できる楽器でした。
• リュート（パンドゥラまたはモノコード）は、ギリシア人やローマ人の間ではいくつかの名前で知られていました。構造上、リュートはリラとは異なり、固いネックまたはフレットボードに張られた弦の数が少なく、弦を止めて段階的な音を出すことができます。そのため、リュートの各弦はリラの弦よりも広い範囲の音を出すことができます。^{[26] [不完全な短い引用]}長いネックのリュートは、紀元前2340年から2198年にかけてメソポタミアの芸術に描かれており、エジプトの図像にも見られますが、ギリシャ・ローマ世界ではリュートはリラやキタラほど一般的ではありませんでした。中世西洋のリュートは、名前の由来となったアラブのウード（ al ʿūd）に大きく影響を受けていると考えられています。^{[27] [不完全な短い引用]}
• 水圧で動く水圧式パイプオルガン（ハイドロリス）は、「古代の最も重要な技術的、音楽的成果の一つ」でした。 ^[28]本質的には、音を出すパイプへの空気は、パイプでドームに接続された風箱の機構から来ています。空気が送り込まれて水を圧縮し、水がドーム内で上昇して空気を圧縮し、パイプに安定した供給が行われます^{[29] [不完全な短い引用] （}パイプオルガン#歴史も参照）。ハイドロリスは、剣闘士の試合やアリーナでのイベント、舞台公演の伴奏として使われました。
• 時間を刻むために使われた、スケーベラムと呼ばれる蝶番付きの木製または金属製の装置のバリエーション。また、さまざまなラトル、ベル、タンバリンもありました。
• ティンパニやカスタネット、エジプトのシストラム、真鍮の鍋などの太鼓や打楽器は、古代ローマではリズミカルなダンスの背景、バッカスの女たちの儀式のような祝典、軍事的使用など、音楽やその他のさまざまな目的で使用されていました。
• シストラムは、金属製のフレームの横木に輪を張って作ったガラガラで、儀式の目的でよく使われていました。
• シンバラ（ラテン語でcymbalumの複数形、ギリシャ語のkymbalonに由来）は小さなシンバルで、中央が凹んで縁が回転加工された金属製の円盤で、2 つ一組になって鳴らして使われました。

中世ヨーロッパの音楽で後に使用された楽器の多くは、アラビアの楽器の影響を受けており、その中には、レバブのレベック（バイオリンの祖先）やナカレのナケルなどがある。^{[30]ヨーロッパの楽器の多くは、}イスラム世界から取り入れられた初期の東洋の楽器にルーツを持っている。^[31]アラビアのラバーブはスパイクフィドルとしても知られ、最も古い擦弦楽器であり、レベック、ビザンチンのリラ、バイオリンを含むすべてのヨーロッパの擦弦楽器の祖先である。 ^{[32] [33]}

レバブには撥弦楽器と弓弦楽器が共存していた。^[34]弓弦楽器はレベックまたはラベルとなり、撥弦楽器はギターンとなった。カート・サックスは、この楽器をマンドラ、コプズ、ガンブスと関連づけ、弓弦楽器をラバブと名付けた。^[34]

イスラム音楽におけるアラビアのウードは、ヨーロッパのリュートの直接の祖先である。^[35]ウードは、現代のギターの先駆者としても挙げられている。^[36]ギターは、 8世紀にムーア人によってイベリア半島にもたらされた4弦のウードにルーツがある。 ^[37]現代のギターの直接の祖先は、1200年までにスペインで使用されていたギターラ・モリスカ（ムーア人のギター）である。14世紀までには、単にギターと呼ばれていた。^[38]

自動楽器の起源は9世紀に遡り、ペルシャのバヌー・ムーサ兄弟がピンの付いた交換可能なシリンダーを使った水力 オルガンを発明した。^[39]また、蒸気動力を使った自動フルート演奏機も発明した。 ^{[40] [41]}これらは最も初期の自動機械楽器であった。^[39]バヌー・ムーサ兄弟の自動フルート演奏機は、最初のプログラム可能な音楽装置であり、最初の音楽シーケンサーであり、^[42]油圧式の反復音楽技術の最初の例であった。^[43]

1206年、アラブの技術者アル・ジャザリは、プログラム可能なヒューマノイド・オートマタ・バンドを発明した。^[44]チャールズ・B・ファウラーによると、オートマタは「ロボット・ バンド」であり、「選曲ごとに50以上の顔や体の動き」を披露した。 ^[45]これは、初のプログラム可能なドラムマシンでもあった。4人のオートマタミュージシャンのうち2人はドラマーだった。これは、ペグ（カム）が小さなレバーにぶつかって打楽器を演奏するドラムマシンだった。ペグを動かせば、ドラマーはさまざまなリズムやドラムパターンを演奏できる。^[46]

中世音楽時代 (476 年から 1400 年)には、宗教歌に使われた聖歌の旋律は主にモノフォニック (単旋律、無伴奏旋律) でした。中世初期の数世紀には、これらの聖歌は口承 (「耳で」) で教えられ、広まりました。中世音楽の初期の段階では、旋律を書き留めるための記譜法は存在しませんでした。ローマが帝国の広大な地域にわたってさまざまな聖歌を標準化しようとしたため、旋律を書き留めるための記譜法が必要になりました。聖歌のテキストの上に書かれたさまざまな記号 (ネウマ)が導入されました。9 世紀までに、これは音楽記譜法の主要な方法として確立されました。音楽記譜法の次の発展は、高さのあるネウマです。これは、ネウマが互いに対して異なる高さに注意深く配置されるというものです。これにより、ネウマは特定の音程の大きさと方向を大まかに示すことができました。

これにより、すぐに 1 本または 2 本の線が楽譜上に配置され、各線は特定の音符を表し、すべてのネウマがそれらに関連付けられるようになりました。線は、歌手がどの音符が高いか低いかを判断するのに役立つ参照点として機能しました。最初、これらの線には特別な意味はなく、代わりにどの音符を表すかを示す文字が先頭に配置されていました。しかし、中央の C と 5 度下の F を示す線が徐々に最も一般的になりました。4 線譜の完成は、中世で最も重要な音楽理論家の 1 人であるグイド ダレッツォ(c. 1000-1050) によるものとされています。ネウマ記譜法は、完全に発達した状態でさえ、音符の歌唱やメロディーの演奏に対するリズムを明確に定義していませんでした。音楽記譜法の発達により、新しい人にメロディーを教えるのがより速く簡単になり、地理的に遠く離れた場所への音楽の普及にも役立ちました。

中世の音楽の演奏に使用された楽器には、2010年代でも引き続き使用されている多くの楽器の、機械的にそれほど洗練されていない初期のバージョンが含まれる。中世の楽器には、木製で横吹きまたは横吹きの楽器として製造可能であったフルート（2010年代の金属製フルートのような複雑な金属製のキーと気密パッドがない）、木製のリコーダーとそれに関連する楽器であるゲムスホルン、パンフルート（空気柱のグループを一緒に接続したもの）などがある。中世の音楽では、リュート、マンドーレ、ギターン、プサルテリーなど、多くの撥弦楽器が使用されました。ダルシマーは、プサルテリーやツィターと構造が似ており、もともとは撥弦楽器でしたが、金属弦を可能にする新しい技術の登場後、14世紀にハンマーで打つようになりました。

擦弦楽器も使われた。ビザンチン帝国の擦弦楽器リラは、記録に残る最初のヨーロッパの擦弦楽器である。9世紀のペルシャの地理学者イブン・クラダズビ（911年没）は、ビザンチンのリラを、アラブのラバーブに相当する擦弦楽器であり、ウルグン（オルガン）、シリャニ（おそらくハープかリラの一種）、サランジ（おそらくバグパイプ）とともにビザンチンの代表的な楽器であると述べている。^[48]ハーディ・ガーディは、クランクに取り付けられた松脂塗りの木製の車輪で弦を「擦る」機械式のバイオリンである。口琴のような響き箱のない楽器も当時人気があった。オルガンの初期のバージョン、フィドル（またはヴィエール）、トロンボーン（サックバットと呼ばれる）は中世に存在していた。

ルネサンス音楽時代 (1400 年頃～1600 年) には、歌や楽曲の演奏や流通に影響を与える多くの新しい技術が開発されました。1450 年頃には印刷機が発明され、印刷された楽譜のコストが大幅に下がり、大量生産が容易になりました(印刷機が発明される前は、記譜された楽譜はすべて手作業でコピーされていました)。印刷された楽譜が入手しやすくなったことで、音楽スタイルがより早く、より広い地域に広まりました。

多くの楽器はルネッサンス時代に生まれましたが、中世に存在していた楽器のバリエーションや改良版もあります。ルネッサンス時代の金管楽器は伝統的にプロが演奏していました。演奏されていた一般的な金管楽器には次のようなものがあります。

• スライド トランペット: 今日のトロンボーンに似ていますが、本体の一部がスライドするのではなく、マウスピースに近い本体の小さな部分とマウスピース自体は固定されています。
• コルネット: 木製で、リコーダーのように演奏されますが、吹き方はトランペットのようです。
• トランペット: ルネッサンス時代の初期のトランペットにはバルブがなく、倍音列の音色に限られていました。また、さまざまなサイズが作られました。
• サックバット：15世紀半ばまでにスライドトランペットに取って代わったトロンボーンの別名。

含まれる弦楽器:

• ヴィオル：15 世紀に開発されたこの楽器には、通常 6 本の弦があります。通常は弓で演奏されます。
• リラ: 構造は小さなハープと似ていますが、はじくのではなく、ピックでかき鳴らします。弦の数は時代によって 4 本、7 本、10 本と異なります。右手で演奏し、左手で不要な音を消します。新しいリラは弓で演奏できるように改良されました。
• ハーディガーディ: (ホイールフィドルとも呼ばれる) 弦がホイールの上を通過することで弦を鳴らす楽器です。その機能は、クランクで弓 (ホイール) を回転させる機械式バイオリンに似ています。その独特の音色は、主にバグパイプの音に似た一定のピッチを提供する「ドローン弦」によるものです。
• ギターンとマンドーレ：これらの楽器はヨーロッパ全土で使用されていました。マンドリンやアコースティックギターなどの現代楽器の先駆けです。

含まれる打楽器:

• タンバリン: タンバリンは、ドラムを叩くと音を出すジングルを備えたフレームドラムです。
• 口琴：口の形を利用して、口でさまざまな母音を発音することで音を出す楽器。

含まれる木管楽器:

• ショーム: 典型的なショームはキーレスで、長さ約 1 フィート、指穴 7 つと親指穴 1 つがあります。パイプも木製が一般的で、彫刻や装飾が施されているものが多くあります。ルネッサンス期に最も人気のあるダブルリード楽器で、その鮮やかで鋭く、耳をつんざくような音色から、太鼓やトランペットとともに街中でよく使用されていました。ショームを演奏するには、リード全体を口に入れ、頬を膨らませ、鼻から息を吹き込みながらパイプに息を吹き込みます。

• リードパイプ: マウスピースと 4 つまたは 5 つの指穴が付いた 1 本の短い葦から作られ、リードが作られます。リードは小さな舌を切り取って作られますが、ベースはそのまま残ります。サクソフォンとクラリネットの前身です。
• ホーンパイプ: リードパイプと同じですが、端にベルが付いています。
• バグパイプ/ブラダーパイプ: 羊や山羊の皮でできた袋を使ってパイプに空気圧をかけます。息を吸うときは、腕の下に隠した袋を絞るだけで音が出ます。マウスパイプには、パイプの袋の端に蝶番で取り付けられたシンプルな丸い革片があり、逆止弁のような働きをします。リードは、ボーカルと呼ばれる長い金属製のマウスピースの中にあります。
• パンパイプ: 片方の端にストッパーが付いていて、もう片方の端が開いている 16 本の木製管でできています。各管はサイズが異なり (そのため音色も異なります)、1 オクターブ半の音域があります。演奏者は希望の管に唇を当てて、息を吹きます。
• 横笛: 横笛は現代のフルートに似ており、栓の付いた端の近くに口穴があり、本体に沿って指穴があります。演奏者は横から息を吹き、フルートを右側に持ちます。
• リコーダー：くちばしの形をしたホイッスル型のマウスピースを主な音源として使います。通常、7 つの指穴と親指穴が付いています。

バロック音楽時代(1600-1750 年頃)には、鍵盤楽器の技術が発達し、パイプオルガンやハープシコードの設計が改良され、最初のピアノが開発されました。バロック時代には、オルガン製作者が新しい音色を生み出す新しいタイプのパイプとリードを開発しました。オルガン製作者は、ビオラ・ダ・ガンバなど、さまざまな楽器を模倣した新しいストップを作り上げました。バロック時代は、楽器の重要な改良のほとんどすべてが頂点に達したため、オルガン製作の「黄金時代」と考えられています。アルプ・シュニットガー、ヤスパー・ヨハンセン、ザカリアス・ヒルデブラント、ゴットフリート・ジルバーマンなどの製作者は、精巧な職人技と美しい音色の両方を備えた楽器を製作しました。これらのオルガンは、バランスの取れた機械的なキーアクションを特徴としており、オルガン奏者はパイプの発音を正確に制御できました。シュニットガーのオルガンは、特に特徴的なリード音色と、大きなペダルとバックポジティブの分割を特徴としていました。

南ネーデルラントのチェンバロ製作者は、移調に使用できる2つの鍵盤を備えた楽器を製作した。これらのフランドルの楽器は、他の国々のバロック時代のチェンバロ製作のモデルとなった。フランスでは、2つの鍵盤がさまざまな弦楽合唱団を制御できるように改良され、より音楽的に柔軟な楽器となった（例えば、上鍵盤を静かなリュートのストップに設定し、下鍵盤を複数の弦楽合唱団のストップに設定して、より大きな音を出すことができる）。ブランシェ家やパスカル・タスキンなどの製作者による、フランスの伝統の頂点を極めた楽器は、あらゆるチェンバロの中でも最も広く賞賛されており、現代の楽器製作のモデルとして頻繁に使用されている。イギリスでは、カークマン社とシュディ社が、優れたパワーと響きを持つ洗練されたチェンバロを製作した。ドイツの製作者たちは、低音域に16 フィートの合唱団を追加し、高音域に 2 フィートの合唱団を追加すること で、楽器の音域を広げました。

ピアノはバロック時代にイタリアのパドヴァの熟練したチェンバロ製作者バルトロメオ・クリストフォリ（1655年 - 1731年）によって発明された。クリストフォリはトスカーナ大公フェルディナンド・デ・メディチに雇われていた。クリストフォリは1700年より前の時点でピアノを発明した。^{[49] [50]}クラヴィコードは音量を表現的に制御でき、鍵盤を強く押したり強く押したりすると音が大きくなり（逆もまた同様）、かなり長く持続するが、大規模な演奏には小さすぎた。チェンバロは十分に大きな音を出せるが、各音に対する表現力豊かな制御はほとんどできなかった。チェンバロの鍵盤を強く押したり弱く押したりしても、楽器の音量には影響がなかった。ピアノは音量とダイナミックコントロールを組み合わせた、両方の良いところを兼ね備えていた。クリストフォリの大きな成功は、ピアノ設計の基本的な機械的問題を、前例のない形で解決したことであった。ハンマーは弦を打つが、弦と接触したままでは音が弱まってしまうため、弦と接触したままではいけない (クラヴィコードの弦と接線が接触したままであるように)。さらに、ハンマーは激しく跳ねることなく静止位置に戻る必要があり、同じ音を素早く繰り返すことができなければならない。クリストフォリのピアノアクションは、その後のピアノアクションへの多くのアプローチのモデルとなった。クリストフォリの初期の楽器はクラヴィコードよりもはるかに音量が大きく、音の持続性も長かった。ピアノが発明されたのは 1700 年であったが、1700 年代末まで、ハープシコードとパイプオルガンはオーケストラや室内楽のコンサートで広く使用され続けた。新しいピアノが人気を得るまでには時間がかかった。しかし、1800 年までには、ピアノがハープシコードの代わりに一般的に使用されるようになった (パイプオルガンはミサなどの教会音楽では引き続き使用された)。

1790 年頃から、モーツァルトの時代のピアノは大きな変化を遂げ、楽器の現代的形態へとつながりました。この革命は、より力強く持続的なピアノの音を求める作曲家やピアニストの好みに応えたものであり、進行中の産業革命によって、弦用の高品質の鋼鉄製 ピアノ線や、鉄製フレーム製造用の精密鋳造などの資源によって可能になりました。時が経つにつれ、ピアノの音域も、モーツァルトの時代の 5オクターブから、現代​​のピアノに見られる 7 オクターブ以上の音域にまで広がりました。初期の技術的進歩は、ブロードウッド社に大きく負っています。ジョン・ブロードウッドは、同じくスコットランド人のロバート・ストダート、オランダ人のアメリカス・バッカーズと協力し、チェンバロのケースに入ったピアノを設計しました。これが「グランドピアノ」の起源です。彼らは 1777 年頃にこれを達成しました。彼らはすぐにその楽器の素晴らしさと力強い音色で評判を獲得し、ブロードウッドは次第に大きく、音量が大きく、頑丈な楽器を製作していきました。

彼らはヨーゼフ・ハイドンとルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの両者にピアノを贈っており、5オクターブを超える音域を持つピアノを製作した最初の会社でもありました。1790年代には5オクターブと5度（音程） 、1810年までに6オクターブ（ベートーヴェンは後年の作品で追加音を使用）、1820年までに7オクターブの音域を実現しました。ウィーンの製作者も同様にこれらのトレンドに従いましたが、2つの流派は異なるピアノアクションを使用していました。ブロードウッドはより頑丈で、ウィーンの楽器はより敏感でした。

ベートーヴェンの管弦楽編成では、交響曲第 5 番 の勝利のフィナーレにピッコロ、コントラファゴット、トロンボーンが加わりました。ピッコロと 2 本のトロンボーンは、第 6 番で嵐と太陽の輝きを表現しています。ベートーヴェンは、第 9 交響曲でピッコロ、コントラファゴット、トロンボーン、調律されていない打楽器を使用することで、オーケストラのサウンドを拡張しました。

ロマン派音楽の時代（1810年頃～1900年）、新作が一般に知られるようになった主な方法の1つは楽譜の販売であり、アマチュア音楽愛好家が自宅でピアノで演奏したり、弦楽四重奏などの室内楽グループで演奏したりした。サキソフォンは、19世紀のオーケストラスコアの一部に登場し始めた。モーリス・ラヴェルによるモデスト・ムソルグスキーの『展覧会の絵』やセルゲイ・ラフマニノフの交響的舞曲のオーケストラ版など、一部の作品ではソロ楽器としてのみ登場するが、ラヴェルの『ボレロ』、セルゲイ・プロコフィエフの『ロメオとジ​​ュリエット』第1組曲と第2組曲などの作品にはサキソフォンが含まれている。ユーフォニアムは、後期ロマン派や20世紀の作品のいくつかに登場し、通常は「テナー・チューバ」と記されたパートを演奏する。これには、グスタフ・ホルストの『惑星』やリヒャルト・シュトラウスの『英雄の生涯』などがある。ホルン属の改良型であるワーグナー・チューバは、リヒャルト・ワーグナーの『ニーベルングの指環』や、シュトラウス、バルトーク・ベーラらのいくつかの作品に登場する。また、アントン・ブルックナーの交響曲第7番ホ長調では重要な役割を果たしている。^{[51]コルネットは、}ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーのバレエ『白鳥の湖』、クロード・ドビュッシーの『海』 、エクトル・ベルリオーズのいくつかの管弦楽曲に登場する。

ピアノはロマン派の時代、1860年代まで技術的発展を遂げ続けた。1820年代までには、ピアノ製造の革新の中心はパリに移り、プレイエル社はフレデリック・ショパンが使用したピアノを、エラール社はフランツ・リストが使用したピアノを製造した。1821年、セバスチャン・エラールはダブルエスケープメントを発明した。これは、鍵盤が垂直の最大位置まで上がっていない場合でも音を繰り返すことができる反復レバー（バランシエとも呼ばれる）を組み込んだものであった。これにより、リストが活用した音楽的工夫である、繰り返し音を素早く演奏することが容易になった。この発明がアンリ・エルツによって改訂されて公表されると、ダブルエスケープメントは徐々にグランドピアノの標準となり、現在生産されているすべてのグランドピアノに組み込まれている。機構の他の改良には、層状の革や綿の代わりにフェルトのハンマーカバーを使用することが含まれていた。 1826年にジャン＝アンリ・パペによって初めて導入されたフェルトは、より安定した素材で、ハンマーの重さと弦の張力が増すにつれて、より広いダイナミックレンジを実現しました。1844年にジャン＝ルイ・ボワセロによって発明され、 1874年にスタインウェイ社によって模倣されたソステヌートペダルは、より幅広い効果を可能にしました。

現代のピアノの音色を生み出すのに貢献した革新の一つは、頑丈な鉄製フレームの使用である。鉄製フレームは「プレート」とも呼ばれ、響板の上に置かれ、現代のグランドピアノでは20トンを超えることもある弦の張力に対する主な防壁の役割を果たす。一体型の鋳鉄製フレームは、1825年にボストンでアルフェウス・バブコックによって特許が取得され、^{[52] [不完全な短い引用]、}金属製のヒッチピンプレート（1821年、サミュエル・エルヴェに代わってブロードウッドが特許取得）と抵抗バー（トムとアレン、1820年、ブロードウッドとエラールも特許取得）を組み合わせたものである。鉄製フレームの構造的完全性が向上したため、より太く、張力があり、より多くの弦を使用できるようになった。1834年、バーミンガムのウェブスター＆ホースファル社は鋳鋼製のピアノ線を開発した。ドルゲによれば、それは「鉄線よりも優れていたため、すぐにイギリスの会社が独占権を獲得した」^{[53] [不完全な短い引用]}

その他の重要な進歩としては、ピアノの弦の張り方の変更、最低音以外のすべての音に2本ではなく3本の弦を使用する「合唱団」の使用、弦を2つの別々の平面に配置し、それぞれに独自のブリッジの高さを設定するオーバーストリングスケールの実装などが挙げられる。アップライトピアノの機械的アクション構造は、1826年にイギリスのロンドンでロバート・ウォーナムによって発明され、アップライトモデルは最も人気のあるモデルとなり、音を増幅した。^[54]

20世紀の音楽では、ラジオが人気を博し、蓄音機が音楽の再生と配信に使用されたため、音楽を聴く機会が大幅に増加しました。録音の発明と音楽編集機能により、アクースマティック^[55]やミュージック・コンクレートと呼ばれる電子作曲の流派など、クラシック音楽の新しいサブジャンルが生まれました。録音は、歌やバンドの録音を広く配信することを可能にしたため、ポピュラー音楽のジャンルの発展にも大きな影響を与えました。マルチトラック録音システムの導入は、バンドの演奏を録音する以上のことができるようになったため、ロック音楽に大きな影響を与えました。マルチトラックシステムを使用すると、バンドと音楽プロデューサーは、楽器トラックとボーカルを何層にも重ねて録音し、ライブパフォーマンスでは不可能な新しいサウンドを作成することができました。

20世紀のオーケストラは、それ以前のオーケストラよりもはるかに柔軟性がありました。^{[56] [不完全な短い引用]}ベートーヴェンやフェリックス・メンデルスゾーンの時代のオーケストラは、ほとんど変更されることのない、かなり標準的な楽器で構成されていました。時が経ち、ロマン派の時代には、ベルリオーズやマーラーなどの作曲家による変更が認められるようになり、20世紀には、作曲家が楽器を実際に選ぶことができるようになりました。サクソフォンは、ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番と第9番、ウィリアム・ウォルトンのベルシャザールの饗宴など、20世紀のオーケストラのスコアの一部や、その他多くの作品でオーケストラアンサンブルのメンバーとして使用されています。 2000年代には、現代のオーケストラは、弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器、ピアノ、チェロ、さらには20世紀や21世紀の作品ではエレキギターやエレキベースなどの電子楽器、テルミンやシンセサイザーなどの電子楽器を含む現代的な楽器編成で標準化されました。

エレクトリック音楽技術とは、電気回路を使用する楽器や録音装置を指し、多くの場合、機械技術と組み合わされています。 エレクトリック楽器の例には、電気機械式エレクトリックピアノ（1929年発明）、エレクトリックギター（1931年発明）、電気機械式ハモンドオルガン（1934年開発）、エレクトリックベース（1935年発明）などがあります。 これらの電気楽器はいずれも、楽器用アンプやスピーカーキャビネットに接続されない限り、演奏者や聴衆が演奏時に聞き取れる音を出すことはできません。楽器用アンプやスピーカーキャビネットに接続されなければ、演奏者や聴衆が聞くことができる音は出ません。 エレキギター（ギターアンプを使用） 、エレクトリックベース（ベースアンプを使用）、一部のエレクトリックオルガン（レスリースピーカーまたは同様のキャビネットを使用）、エレクトリックピアノの場合、アンプとスピーカーは楽器とは別個です。 一部のエレクトリックオルガンとエレクトリックピアノでは、楽器のメインハウジング内にアンプとスピーカーキャビネットが含まれています。

エレクトリックピアノは、演奏者がピアノスタイルの音楽キーボードのキーを押すと音を出す電気楽器です。キーを押すと、機械式ハンマーが金属の弦または歯を叩き、その振動が磁気ピックアップによって電気信号に変換されます。次に、楽器用アンプとスピーカーに接続され、演奏者と聴衆が聞くのに十分な大きさの音が出ます。シンセサイザーとは異なり、エレクトリックピアノは電子楽器ではありません。代わりに、電気機械楽器です。初期のエレクトリックピアノには、従来のピアノのように、長いワイヤーを使用して音を出すものがありました。小型のエレクトリックピアノは、短い鋼片、金属歯、または短いワイヤーを使用して音を出していました。最も初期のエレクトリックピアノは、1920年代後半に発明されました。

エレキギターは、ピックアップを使用して弦の振動を電気インパルスに変換するギターです。最も一般的なギターピックアップは、直接電磁誘導の原理を使用しています。エレキギターによって生成された信号は、スピーカーを駆動するには弱すぎるため、スピーカーに送信される前に増幅されます。エレキギターの出力は電気信号であり、この信号は電子回路によって簡単に変更して、サウンドに「色」を追加できます。多くの場合、信号はリバーブやディストーションなどの電子効果を使用して変更されます。1931年に発明されたエレキギターは、ジャズギタリストがビッグバンド形式でサウンドを増幅しようとしたときに必需品になりました。

ハモンドオルガンは、ローレンス・ハモンドとジョン・M・ハナート^[57]によって発明され、1935年に初めて製造された電気オルガンです。さまざまなモデルが製造され、そのほとんどはスライド式のドローバーを使用してさまざまな音色を生み出しています。1975年まで、ハモンドオルガンは、電磁ピックアップの近くで金属製のトーンホイールを回転させて電流を発生させることで音を出していました。約200万台のハモンドオルガンが製造され、最も成功したオルガンの1つと言われています。このオルガンは、レスリースピーカーと一緒に使用されることが多く、関連付けられています。このオルガンはもともと、風力で駆動するパイプオルガンの低コストの代替品として、またはピアノの代わりとして、ハモンドオルガンカンパニーによって教会に販売されていました。ハモンドオルガンの部屋を満たす音なら、オルガントリオなどの小編成のバンドを編成でき、ビッグバンド全体を雇うよりもコストがかからないことに気づいたプロのジャズバンドリーダーの間ですぐに人気になりました。

エレクトリックベース(またはベース ギター) は 1930 年代に発明されましたが、1950 年代まで商業的に成功したり広く使われたりすることはありませんでした。これは主に指または親指で弾く、叩く、弾く、かき鳴らす、叩く、叩く、またはピックと呼ばれるバチで弾くことによって演奏される弦楽器です。ベース ギターは外観と構造がエレキギターに似ていますが、ネックとスケールが長く、弦またはコースが4 本から 6 本あります。エレキベースでは通常、金属弦と、弦の振動を感知する電磁ピックアップが使用されます。エレキギターと同様に、ベース ギターはライブ パフォーマンスのためにアンプとスピーカーに接続されます。

電子音楽技術またはデジタル音楽技術とは、音楽家や作曲家が音楽の制作や演奏に役立てるために使用するコンピュータ、電子効果装置、ソフトウェアなどのデバイスです。^[2]この用語は通常、音楽の演奏、作曲、録音と再生、ミキシング、分析、編集に使用される電子機器、コンピュータハードウェア、コンピュータソフトウェアの使用を指します。電子音楽技術またはデジタル音楽技術は、芸術的創造性と技術的創造性の両方に関連しています。ミュージシャンや音楽技術の専門家は、音楽を通じた新しい表現形式を考案しようと常に努力しており、それを可能にする新しいデバイスやソフトウェアを物理的に作成しています。 2010年代には、この用語はデジタルオーディオワークステーションやPro Toolsデジタルサウンド録音ソフトウェアなどの現代の電子機器やコンピュータソフトウェアに関して最も一般的に使用されていますが、電子音楽技術とデジタル音楽技術は、1929年に発明された電気機械式ハモンドオルガンなど、20世紀初頭の電気音楽技術に先駆けています。 2010年代には、音楽技術の存在論的範囲が大幅に拡大し、現在では電子的、デジタル的、ソフトウェアベース、あるいは実際に純粋に概念的なものになることもあります。

シンセサイザーは、楽器用アンプとスピーカーまたはヘッドフォンを介して音に変換される電気信号を生成する電子楽器です。シンセサイザーは、既存の音（楽器、ボーカル、自然音など）を模倣することも、以前には存在しなかった新しい電子音色または音を生成することもできます。シンセサイザーは、電子音楽キーボードで演奏されることが多いですが、音楽シーケンサー、楽器コントローラー、指板、ギターシンセサイザー、ウィンドコントローラー、電子ドラムなど、さまざまな他の入力デバイスを介して制御することもできます。コントローラーが組み込まれていないシンセサイザーは、サウンドモジュールと呼ばれることが多く、コントローラーデバイスを使用して制御されます。

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