アメリカ映画

モーションキャプチャの最も初期の記録例は、エドワード・マイブリッジがカリフォルニア州パロアルトで一列に並べた一連の静止カメラを使って撮影した、走る馬を写した一連の写真である。マイブリッジの功績により、世界中の発明家が同様の装置を作ろうと試みた。米国では、トーマス・エジソンがキネトスコープとキネトグラフという装置を最初に作った人物の一人である。^{[ 15 ] [ 16 ]}

アメリカ合衆国の映画の歴史は、かつてニュージャージー州フォートリーがアメリカの映画の中心地であった東海岸にそのルーツを辿ることができます。アメリカの映画産業は、19世紀末にトーマス・エジソンの「ブラック・マリア」、ニュージャージー州ウェストオレンジに最初の映画スタジオが建設されたことから始まりました。ハドソン川とハドソン・パリセーズ沿いの都市や町は、川を挟んだニューヨーク市よりもかなり安い価格で土地を提供し、20世紀初頭の映画産業の驚異的な成長の結果として大きな恩恵を受けました。^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]}

映画業界は資本と革新的な労働力の両方を引き付け始めた。1907年にカレム社がフォートリーをこの地域での撮影場所として使用し始めると、他の映画製作者もすぐにそれに続いた。1909年には、ユニバーサル・スタジオの前身であるチャンピオン・フィルム・カンパニーが最初のスタジオを建設した。^{[ 21 ]}他の企業もすぐにそれに続き、フォートリーに新しいスタジオを建設したり、施設をリースしたりした。1910年代と1920年代には、インディペンデント・ムービング・ピクチャーズ・カンパニー、ピアレス・ピクチャーズ・スタジオ、ソラックス・スタジオ、エクレール、ゴールドウィン・ピクチャーズ・コーポレーション、スター・フィルム（ジョルジュ・メリエス）、ワールド・フィルム・カンパニー、バイオグラフ・スタジオ、フォックス・フィルム・コーポレーション、ソシエテ・パテ・フレール、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー・スタジオ、ビクター・フィルム・カンパニー、セルズニック・インターナショナル・ピクチャーズなどの映画会社がフォートリーで映画を製作していた。メアリー・ピックフォードなど、多くの著名な俳優がバイオグラフ・スタジオでキャリアをスタートさせた。^{[ 22 ] [ 23 ] [ 24 ]}

ニューヨークでは、サイレント映画時代に建てられたクイーンズのカウフマン・アストリア・スタジオが、マルクス兄弟やW・C・フィールズによって使用された。ブロンクスにはエジソン・スタジオがあり、マンハッタンのチェルシーも頻繁に使用された。

シカゴやクリーブランドをはじめとする東部の他の都市も、初期の映画製作の中心地として機能した。^{[ 25 ] [ 26 ]}

西部では、カリフォルニア州がすでに主要な映画製作拠点として急速に台頭していた。コロラド州では、デンバーにアート・オ・グラフ・フィルム・カンパニーがあり、ウォルト・ディズニーの初期のラフ・オ・グラム・スタジオはミズーリ州カンザスシティに拠点を置いていた。

1908年から、フロリダ州ジャクソンビルの映画産業では、カレム・スタジオ、メトロ・ピクチャーズ（後のMGM）、エジソン・スタジオ、マジェスティック・フィルムズ^{[ 27 ]} 、キングビー・フィルムズ・コーポレーション、ヴィム・コメディ・カンパニー、ノーマン・スタジオ、ゴーモン・フィルム・カンパニー、ルービン・マニュファクチャリング・カンパニーなど、30以上のサイレント映画会社が町にスタジオを設立しました。

フロリダ州ピクチャーシティは、 1920年代に映画製作センターの建設予定地として計画されたが、1928年のオキーチョビーハリケーンの影響で計画は頓挫し、ピクチャーシティは元のホーブサウンドという名称に戻った。デトロイトに映画製作センターを設立する試みも失敗に終わった。^{[ 28 ]}

20世紀初頭の映画特許戦争は、映画会社がニューヨーク以外の米国各地に広がるのを助けた。多くの映画製作者は、使用権を持たない機材を使っていた。そのため、ニューヨークでの撮影は、エジソンの会社の本社や、カメラを押収するために派遣された会社の代理人の近くにあったため、危険を伴う可能性があった。^{[ 29 ]}

代替案としてはロサンゼルスがあった。ロサンゼルスは冬が温暖で、撮影場所の選択肢も豊富であり、そして何よりも重要なのは、エジソンの取り締まり官から逃れる必要が生じた場合に備えて、メキシコ国境までわずか90マイルしか離れていなかったことである。1912年までに、ほとんどの大手映画会社は、年間を通して気候が良いことから、南カリフォルニア、特にロサンゼルス近郊またはロサンゼルス市内に制作施設を設立した。 ^{[ 30 ]}

1908年にセリグ・ポリスコープ社が製作し、フランシス・ボッグスが監督、ホバート・ボスワースが主演した『モンテ・クリスト伯』は、1907年にロサンゼルスで撮影された最初の映画だと主張された。1957年、市はメインストリートと7番街の角にあるディアデンの旗艦店に、かつて中国人の洗濯屋だった場所での撮影を記念する銘板を設置した。^{[ 31 ]}ボスワースの未亡人は、市が日付と場所を間違えており、実際には当時独立都市だった近くのベニスで撮影されたと主張した。 ^{[ 32 ]}ボッグスがセリグ・ポリスコープ社のために監督し、ボスワースが主演した『スルタンの力』は、1909年に7番街とオリーブ通りで撮影され、ロサンゼルスで完全に撮影された最初の映画と考えられている。^{[ 33 ] [ 32 ]}

1910年初頭、監督のD・W・グリフィスは、バイオグラフ社から、ブランシュ・スウィート、リリアン・ギッシュ、メアリー・ピックフォード、ライオネル・バリモアら俳優陣を率いて西海岸へ派遣された。彼らはロサンゼルスのダウンタウン、ジョージア通り近くの空き地で撮影を開始した。そこで撮影が始まった後、一行は新たな地を開拓しようと、北へ数マイル移動してハリウッドへ向かった。そこは映画会社が撮影を行うのを歓迎する、友好的な小さな村だった。グリフィスはそこで、ハリウッドで撮影された最初の映画となる『イン・オールド・カリフォルニア』を撮影した。これは、メキシコ統治下の19世紀のカリフォルニアを舞台にしたバイオグラフ社のメロドラマである。グリフィスは数ヶ月間ハリウッドに滞在し、数本の映画を製作した後、ニューヨークに戻った。また、1910年には、シカゴのセリグ・ポリスコープ社がロサンゼルス地域初の映画スタジオをエデンデールに設立し^{[ 31 ]}、ハリウッド初のスタジオは1912年にオープンした^{[ 34 ]。447}グリフィスのハリウッドでの成功を知った多くの映画製作者は、映画製作プロセスの特許を所有していたトーマス・エジソンが課す料金を避けるため、1913年に西へ向かった^{[ 35 ]} 。ニュージャージー州ベイヨンのネスター・スタジオ^は、1911年にハリウッド地区に最初のスタジオを建設した。デビッドとウィリアム・ホースリーが所有していたネスター・スタジオは、後にユニバーサル・スタジオと合併した。ウィリアム・ホースリーのもう1つの会社であるハリウッド・フィルム・ラボラトリーは、現在ハリウッドで最も古い現存する会社であり、現在はハリウッド・デジタル・ラボラトリーと呼ばれている。カリフォルニアのより快適で費用対効果の高い気候により、1930年代までに事実上すべての映画製作が西海岸へ移転するに至った。当時、トーマス・エジソンは映画製作に関連する特許のほぼ全てを所有しており、エジソンの映画特許会社とは独立して活動する東海岸の映画製作者は、エジソンとその代理人から訴訟を起こされたり、差し止め命令を受けたりすることが多く、一方、西海岸で活動する映画製作者はエジソンの支配から独立して活動することができた。^{[ 29 ]}

ロサンゼルスでは、映画スタジオとハリウッドが成長した。第一次世界大戦前は、アメリカのいくつかの都市で映画が作られていたが、映画産業が発展するにつれて、映画製作者は南カリフォルニアに集まる傾向があった。彼らは、一年中屋外で撮影できる、暖かく予測可能な気候と安定した日照に魅力を感じていた。^{[ 36 ]}戦争による被害は、当時支配的だったヨーロッパの映画産業の衰退につながり、インフラがまだ無傷だったアメリカに有利に働いた。^{[ 37 ]}ロサンゼルスは、他のアメリカの都市と比較して、 1918年のインフルエンザ流行に対する初期の公衆衛生対応が強力であったため^{[ 38 ]}、感染者数を減らし、回復が早まり、ハリウッドがニューヨーク市よりも優位に立つようになった。^{[ 37 ]}パンデミックの間、公衆衛生当局は一部の地域で映画館を一時的に閉鎖し、大手スタジオは数週間にわたって制作を中断し、一部の俳優はインフルエンザにかかった。これにより小規模スタジオは大きな財政的損失と深刻な​​困難に直面したが、業界全体としては狂騒の20年代に大きく回復した。^{[ 39 ]}

20世紀初頭、映画というメディアがまだ新しかった頃、多くのユダヤ系移民がアメリカの映画産業で職を得ました。彼らは、入場料がニッケル（5セント）だったことからニッケルオデオンと呼ばれる店先の映画館で短編映画を上映するという、全く新しいビジネスで名を馳せることができました。数年のうちに、サミュエル・ゴールドウィン、ウィリアム・フォックス、カール・レムリ、アドルフ・ズーカー、ルイス・B・メイヤー、ワーナー兄弟（ハリー、アルバート、サミュエル、ジャック）といった人々が、ビジネスの製作側に転身しました。彼らはすぐに、新しいタイプの企業、映画スタジオのトップになりました。この初期の頃、アメリカには少なくとも2人の女性監督、プロデューサー、スタジオ責任者がいました。ロイス・ウェバーとフランス生まれのアリス・ギイ＝ブラシェです。彼女たちはまた、業界の国際化の土台を築きました。この業界はしばしばアメリカ中心主義的な地方主義だと非難されます。

第一次世界大戦後、ヨーロッパから映画製作者が続々とやってきた。エルンスト・ルビッチ、アルフレッド・ヒッチコック、フリッツ・ラング、ジャン・ルノワールといった監督や、ルドルフ・ヴァレンティノ、マレーネ・ディートリッヒ、ロナルド・コールマン、シャルル・ボワイエといった俳優たちだ。彼らは、トーキー映画の登場後、ニューヨークの舞台から西海岸に引き寄せられた地元出身の俳優たちと合流し、20世紀で最も目覚ましい成長を遂げた産業の一つを形成した。1940年代半ば、映画の人気がピークに達した頃には、映画スタジオは年間約400本の映画を製作し、 毎週9000万人のアメリカ人が鑑賞していた。^{[ 40 ]}

1920年代後半には、ハリウッドでも音声が広く使われるようになった。^{[ 41 ]} 1927年に音声同期映画として初めてヴィタフォン・トーキーとして公開された『ジャズ・シンガー』の後、ハリウッドの映画会社はワーナー・ブラザースに反応し、1928年までワーナー・ブラザースが所有していたヴィタフォン・サウンドを今後の映画で使い始めた。1928年5月までに、ウェスタン・エレクトリック社の子会社であるエレクトリカル・リサーチ・プロダクト社（ERPI）が映画音声配給の独占権を獲得した。^{[ 40 ]}

これらの「トーキー」の副作用として、サイレント映画でキャリアを築いてきた多くの俳優が、声が悪かったりセリフを覚えられなかったりしたため、突然仕事がなくなってしまった。一方、1922年、アメリカの政治家ウィル・H・ヘイズは政界を去り、映画スタジオの経営者組織であるアメリカ映画製作者配給者協会（MPPDA）を設立した。^{[ 42 ]}ヘイズが1945年に引退した後、この組織はアメリカ映画協会となった。

トーキー映画黎明期、アメリカの映画スタジオは、自社の音声作品が外国語圏市場はもちろん、英語の異なる方言を話す人々の間でも受け入れられないことに気づきました。当時の同期技術は吹き替えにはあまりにも未熟だったのです。そこで、ハリウッド映画の外国語版を並行して制作するという解決策が生まれました。1930年頃、アメリカの映画会社はフランスのジョアンヴィル＝ル＝ポンにスタジオを開設し、同じセットや衣装、さらには大勢の観客が集まるシーンまでもが、異なる制作チームによってタイムシェアリング方式で使用されました。

また、外国人の失業中の俳優、劇作家、フォトジェニックコンテストの優勝者などが選ばれ、ハリウッドに連れてこられ、英語映画の並行版が撮影された。これらの並行版は予算が少なく、夜間に撮影され、外国語を話せない二流のアメリカ人監督が監督を務めた。スペイン語版のスタッフには、ルイス・ブニュエル、エンリケ・ハルディエル・ポンセラ、ザビア・クガート、エドガー・ネヴィルなどがいた。これらの作品は、以下の理由により、意図した市場ではあまり成功しなかった。

• 予算の少なさは明らかだった。
• 多くの舞台俳優は、映画の経験が全くなかった。
• スタジオ側は最高傑作であれば自ずと売れると期待していたため、オリジナル作品自体が二流であることが多かった。
• （例えばスペイン語の場合、カスティーリャ語、メキシコ語、チリ語など）様々な外国語のアクセントが混ざり合っているのは、観客にとっては奇妙に感じられた。
• 音響設備を備えた映画館が不足している市場もあった。

古典ハリウッド映画、あるいはハリウッド黄金時代とは、1913年から1962年までのアメリカ映画に特徴的な技術的・物語的なスタイルを指し、この期間にハリウッドのスタジオから数千本の映画が製作された。古典スタイルは1913年に出現し始め、1917年にアメリカが第一次世界大戦に参戦したことで加速し、1927年に映画『ジャズ・シンガー』が公開されたことでついに確立された。この作品はサイレント映画時代を終焉させ、長編映画に音声を導入することで映画産業の興行収入を増加させた。

ハリウッド映画のほとんどは、西部劇、ドタバタ喜劇、ミュージカル、アニメーション、伝記といった定型的なジャンルに厳密に従っており、同じ制作チームが同じスタジオの映画に携わることが多かった。例えば、セドリック・ギボンズとハーバート・ストサートは常にMGMの映画に携わり、アルフレッド・ニューマンは20年間20世紀フォックスで働き、セシル・B・デミルの映画はほぼすべてパラマウントで製作され、ヘンリー・キング監督の映画は主に20世紀フォックスのために製作された。

同時に、どの映画がどのスタジオの作品かは、出演俳優を見れば大体推測できた。例えば、 MGMは「天国にいるスターよりも多くのスターと契約した」と豪語していた。各スタジオには独自のスタイルと特徴があり、それによって作品の出所がわかるようになっていたのだ。これは今日ではほとんど見られない特徴である。

例えば、『脱出』 （1944年）は、俳優のハンフリー・ボガート（1899年～1957年）とローレン・バコール（1924年～2014年）が初めて共演した作品として注目されるだけでなく、ノーベル文学賞を将来受賞する2人の人物、つまり脚本の原作となった小説の著者であるアーネスト・ヘミングウェイ（1899年～1961年）と、映画化に携わったウィリアム・フォークナー（1897年～1962年）によって書かれた作品としても特筆すべきである。

1927年に『ジャズ・シンガー』が公開された後、ワーナー・ブラザースは大成功を収め、1928年にスタンレー劇場とファースト・ナショナル・プロダクションズを買収して自社の映画館チェーンを獲得することができた。対照的に、ロウズ劇場は1924年の設立以来MGMを所有しており、フォックス・フィルム・コーポレーションはフォックス劇場を所有していた。RKO （1928年にキース・オーフィアム劇場とラジオ・コーポレーション・オブ・アメリカ^{[ 43 ]}が合併）もまた、映画の音声におけるウェスタン・エレクトリック/ERPIの独占に対抗し、映画に音声を入れるための独自の方式であるフォトフォンを開発した^{[ 40 ] 。}

1926年にバラバンとカッツを買収したパラマウントは、ワーナー・ブラザースとRKOの成功に対抗して1920年代後半に多数の劇場を買収し、ミシガン州デトロイトの劇場を独占するようになった。^{[ 44 ]} 1930年代までに、米国の主要都市のファーストラン劇場のほぼすべてが、MGM、パラマウント・ピクチャーズ、RKO、ワーナー・ブラザース、20世紀フォックスのビッグファイブ・スタジオによって所有されていた。^{[ 45 ]}

スタジオシステムの興隆と衰退

映画会社はスタジオシステムの下で運営されていた。大手スタジオは、俳優、プロデューサー、監督、脚本家、スタントマン、職人、技術者など、何千人もの人々を給料で雇っていた。彼らは、西部劇やその他の大規模なジャンル映画のロケ撮影のために、南カリフォルニアの田園地帯に映画撮影用の牧場を所有または賃借しており、1920年代には、全国各地の都市や町に数百もの映画館を所有していた。これらの映画館は自社の映画を上映し、常に新しい作品を必要としていた。

1930 年、MPPDA 会長のウィル・ヘイズは、検閲ガイドラインに従い、1930 年までに政府の検閲の脅威が拡大した後に発効したヘイズ (製作) コードを作成しました。 ^{[ 46 ]}しかし、このコードは、カトリックの監視団体であるレギオン・オブ・デセンシーが、後にプレコード ハリウッドと分類されるこの時代の挑発的な映画やけばけばしい広告に愕然とし、発効しなければ映画のボイコットをすると脅迫した後の1934 年まで施行されませんでした。 ^{[ 47 ]}製作コード管理局から承認シールを得なかった映画は、25,000 ドルの罰金 ( 2025 年換算で481,823 ドルに相当) を支払わなければならず、MPPDA がビッグ 5 スタジオを通じて国内のすべての映画館を支配していたため、映画館で利益を上げることができませんでした。

1930年代を通して、そして黄金時代の大半において、MGMは映画界を席巻し、ハリウッドのトップスターを擁し、ハリウッドスターシステムそのものを創り出したと評価されている。^{[ 48 ]} MGMのスターには、「ハリウッドの王」クラーク・ゲーブル、ライオネル・バリモア、ジーン・ハーロウ、ノーマ・シアラー、グレタ・ガルボ、ジョーン・クロフォード、ジャネット・マクドナルド、ジーン・レイモンド、スペンサー・トレイシー、ジュディ・ガーランド、ジーン・ケリーなどがいる。^{[ 48 ]}

この時代のアメリカ映画のもう一つの偉大な功績は、ウォルト・ディズニーのアニメーション会社によってもたらされた。1937年、ディズニーは当時最も成功した映画『白雪姫と七人のこびと』を制作した。^{[ 49 ]}この功績は、1939年にセルズニック・インターナショナルがインフレ調整後でも史上最も成功した映画である『風と共に去りぬ』を制作したことで、すぐに上回られた。^{[ 50 ]}

多くの映画史家は、この厳格な映画製作体制の時代から数多くの傑作が生まれたことを指摘している。その理由の一つは、映画製作の数が非常に多かったため、必ずしも大ヒットする必要がなかったことにある。スタジオは、良質な脚本と比較的無名の俳優を起用した中規模予算の長編映画に賭けることができた。オーソン・ウェルズ（1915～1985）監督の『市民ケーン』は、しばしば史上最高の映画と評されるが、まさにこの例である。一方で、ハワード・ホークス（1896～1977）、アルフレッド・ヒッチコック（1899～1980）、フランク・キャプラ（1897～1991）といった意志の強い監督たちは、自らの芸術的ビジョンを実現するためにスタジオと闘った。

スタジオシステムの絶頂期は1939年だったと言えるだろう。この年には、『オズの魔法使い』、 『風と共に去りぬ』、『駅馬車』、『スミス都へ行く』 、 『嵐が丘』、『天使だけが翼を持っている』 、『ニノチカ』、『ミッドナイト』といった名作が公開された。黄金時代に製作され、現在では名作とされている他の作品には、『カサブランカ』、『素晴らしき哉、人生！』、『或る夜の出来事』、オリジナル版『キングコング』、『戦艦バウンティ号の反乱』、『トップ・ハット』、『街の灯』、『赤い河』、『上海から来た女』、『裏窓』、『波止場』、『理由なき反抗』、『お熱いのがお好き』、『影なき狙撃者』などがある。

スタジオシステムとハリウッドの黄金時代は、1940年代後半に発生した二つの力によって終焉を迎えた。

• 映画の製作と上映を分離した連邦反トラスト法に基づく措置。
• テレビの出現。

1938年、ウォルト・ディズニーの『白雪姫と七人のこびと』は、大手スタジオの作品が精彩を欠く中で公開され、たちまちその時点での最高興行収入を記録した映画となった。スタジオにとっては恥ずかしいことに、これはスタジオ所属のスターを一人も起用していない、独立系制作のアニメーション映画だった。^{[ 51 ]}これは、スタジオが劇場に1年分の映画スケジュールをまとめて売り、その契約を利用して質の低い作品の公開を隠蔽するという、ブロックブッキングの慣行に対する、すでに広まっていた不満をさらに煽った。

ルーズベルト政権の著名な「トラストバスター」である司法次官補サーマン・アーノルドは、この機会を利用して、1938年7月にシャーマン反トラスト法違反でハリウッドの大手8スタジオに対する訴訟手続きを開始した。^{[ 52 ] [ 53 ]}連邦訴訟の結果、8つのスタジオのうち5つ（「ビッグファイブ」：ワーナー・ブラザース、MGM、フォックス、RKO、パラマウント）は、1940年10月にアーノルドと和解し、3年以内に以下の事項に同意する同意判決に署名した。

• 短編映画の撮影をまとめて行う、いわゆる「ワンショット」または「フルフォース」ブロックブッキングと呼ばれる手法を廃止する。
• 劇場での5作品以上の連続上映を禁止する。
• ブラインドバイイング（映画館地区が事前に映画を観ずに映画を購入すること）はやめて、代わりにトレードショーを実施し、米国の31の映画館地区すべてが2週間ごとに映画を鑑賞してから劇場で上映するべきだ。
• これらの要件を施行するために、各劇場地区に管理委員会を設置する。^{[ 52 ]}

劇場を所有していなかった「リトル・スリー」（ユニバーサル・スタジオ、ユナイテッド・アーティスツ、コロンビア・ピクチャーズ）は、同意判決への参加を拒否した。 ^{[ 52 ] [ 53 ]}多くの独立系映画プロデューサーもこの妥協案に不満を持ち、独立映画プロデューサー協会として知られる組合を結成し、パラマウントがデトロイトの劇場に対して依然として独占していたとしてパラマウントを訴えた。パラマウントは、ボブ・ホープ、ポーレット・ゴダード、ヴェロニカ・レイク、ベティ・ハットン、歌手のビング・クロスビー、アラン・ラッド、そして長年スタジオの俳優を務めたゲイリー・クーパーといった俳優たちを通じて、1942年までに支配力を強めていた。ビッグ・ファイブ・スタジオは第二次世界大戦中、同意判決の要件を満たさなかったが、大きな影響はなかった。しかし、戦争が終わると、リトル・スリー・スタジオと同様に、ハリウッドの反トラスト訴訟でパラマウントと共に被告となった。^{[ 54 ]}

最終的に、米国最高裁判所は「米国対パラマウント・ピクチャーズ社」訴訟において、大手映画スタジオによる映画館の所有と配給はシャーマン反トラスト法に違反するとの判決を下した。その結果、スタジオは俳優や技術スタッフとの契約を解除し始めた。これにより、ハリウッドの大手スタジオによる映画製作のあり方が一変し、各スタジオが全く異なるキャストと制作チームを擁することが可能になった。

この決定により、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー、パラマウント・ピクチャーズ、ユニバーサル・スタジオ、コロンビア・ピクチャーズ、RKOピクチャーズ、20世紀フォックスといった映画会社の特徴が徐々に失われていった。セシル・B・デミルなどの一部の映画関係者は、キャリアの最後まで契約アーティストとして活動したり、同じ制作チームを起用したりしたため、1932年に制作された作品でも1956年に制作された作品でも、デミル作品はデミル作品らしく見えた。

ポストクラシカル映画とは、ニューハリウッドにおける物語の語り方の変化を指す。この新しいドラマや人物描写の手法は、古典期に培われた観客の期待を巧みに利用したものだと論じられている。例えば、時系列が入れ替わったり、ストーリーに「どんでん返し」があったり、敵役と主人公の境界線が曖昧になったりする。ポストクラシカルな物語のルーツは、フィルム・ノワール、 1955年の『理由なき反抗』、そしてヒッチコックの型破りなストーリー展開で知られる『サイコ』に見出すことができる。

ニューハリウッドとは、1960年代にフランスのヌーヴェルヴァーグの結果としてヨーロッパで発展した技術を吸収した、映画学校で訓練を受けた新世代の監督の出現である。1967年の映画『ボニーとクライド』は、アメリカ映画の復活の始まりでもあり、その後、新世代の映画も興行収入で成功を収めることになる。^{[ 55 ]}フランシス・フォード・コッポラ、スティーブン・スピルバーグ、ジョージ・ルーカス、ブライアン・デ・パルマ、スタンリー・キューブリック、マーティン・スコセッシ、ロマン・ポランスキー、ウィリアム・フリードキンといった映画監督たちは、映画の歴史に敬意を表し、既存のジャンルや技術を発展させた作品を制作するようになった。 1969年にアンディ・ウォーホルの『ブルー・ムービー』が公開されたことをきっかけに、ジョニー・カーソンやボブ・ホープなどの有名人が成人向けエロティック映画について公に議論し^{[ 56 ]}、ロジャー・エバートなどの批評家が真剣に受け止める^{[ 57 ] [ 58 ]}という現象が、ニューヨーク・タイムズのラルフ・ブルーメンソールによって「ポルノ・シック」と呼ばれ、後にポルノの黄金時代として知られるようになったが、これが現代アメリカ文化において初めて始まった。^{[ 56 ] [ 59 ] [ 60 ]}受賞歴のある作家トニ・ベントレーによると、ジョージ・バーナード・ショーの戯曲『ピグマリオン』 （およびその派生作品『マイ・フェア・レディ』）を原作とし、ストーリーとセットが主流レベルに達したことから、^{[ 61 ]}この「黄金時代」の「至宝」とみなされている。^{[ 62 ] [ 63 ]}

At the height of his fame in the early 1970s, Charles Bronson was the world's No. 1 box office attraction, commanding $1 million per film.^[64] In the 1970s, the films of New Hollywood filmmakers were often both critically acclaimed and commercially successful. While the early New Hollywood films like Bonnie and Clyde and Easy Rider had been relatively low-budget affairs with amoral heroes and increased sexuality and violence, the enormous success enjoyed by Friedkin with The Exorcist, Spielberg with Jaws, Coppola with The Godfather and Apocalypse Now, Scorsese with Taxi Driver, Kubrick with 2001: A Space Odyssey, Polanski with Chinatown, and Lucas with American Graffiti and Star Wars, respectively helped to give rise to the modern "blockbuster", and induced studios to focus ever more heavily on trying to produce enormous hits.^[65]

In the US, the PG-13 rating was introduced in 1984 to accommodate films that straddled the line between PG and R, which was mainly due to the controversies surrounding the violent content of the PG films Indiana Jones and the Temple of Doom and Gremlins (both 1984).^[66]

 1990年代の映画製作者は、それまでの数十年間には利用できなかった技術的、政治的、経済的な革新を利用できた。批評家のマット・ゾラー・ザイツは、 1970年代のジョージ・ルーカスよりも映画製作者のロバート・ゼメキスがハリウッドをアナログ時代からデジタル時代へと押し出したと主張し、彼の1989年の映画『バック・トゥ・ザ・フューチャー PART2 』は、同じ俳優が複数のキャラクターを演じる必要があるショットでカメラの動きを可能にするILMのVistaGlideカメラシステムなどのいくつかの革新を取り入れた「ほぼ純粋に形式的な試み」であった。 ^{[ 67 ]}『ディック・トレイシー』（1990年）は、デジタルサウンドトラックを備えた最初の35mm長編映画となった。『バットマン リターンズ』（1992年）は、その後業界標準となったドルビーデジタル6チャンネルステレオサウンドを使用した最初の映画となった。ジェームズ・キャメロン監督の『ターミネーター2』（1991年）では、変身するキャラクターT-1000の映像でその可能性が明らかになった。コンピュータグラフィックス（CG）は、ジュラシック・パーク（1993年）でリアルな動物を作り出す技術を使用できるほど進歩した。ジャックポット（2001年）は、完全にデジタルで撮影された最初の映画となった。^{[ 68 ]}映画『タイタニック』では、キャメロンは特殊効果の限界を押し広げたいと考え、デジタル・ドメインとパシフィック・データ・イメージズを起用し、監督が『アビス』と『ターミネーター2』で開拓したデジタル技術の開発を継続させた。RMSタイタニック号に関するこれまでの多くの映画では、水がスローモーションで撮影されていたが、完全には説得力のある映像ではなかった。^{[ 69 ]}キャメロンはクルーに、全長45フィート（14メートル）の船のミニチュアを「ホワイト・スター・ラインのコマーシャルを作っているかのように」撮影するように促した。 

エドゥアルド・サンチェスとダニエル・マイリックによる低予算のインディーズホラー映画『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』（1999年）でさえ、莫大な興行収入を上げた。わずか3万5000ドルの予算で、大スターも特殊効果も使わずに撮影されたこの映画は、現代的なマーケティング手法とオンラインプロモーションを活用することで、2億4800万ドルの興行収入を上げた。ジョージ・ルーカスの10億ドル規模の『スター・ウォーズ』三部作の前日譚には及ばないものの、『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』は、興行収入に対する割合で言えば、史上最も収益性の高い映画という栄誉を獲得した。^{[ 68 ]}

しかし、インディーズ作品である『ブレア・ウィッチ』の成功は数少ない例外の一つであり、 1990年代を通じて映画製作に対する大手5社 スタジオの支配力は増大し続けた。大手6社はいずれも1990年代に拡大期を迎えた。各社は、特に強力なエージェントによって推進された映画スターのギャラの上昇など、映画業界のコスト上昇に対応するためにそれぞれ異なる方法を開発した。シルベスター・スタローン、ラッセル・クロウ、トム・クルーズ、ニコール・キッドマン、サンドラ・ブロック、アーノルド・シュワルツェネッガー、メル・ギブソン、ケビン・ベーコン、ジュリア・ロバーツといった大スターは、1作品あたり1500万ドルから2000万ドルを受け取り 、場合によっては映画の利益の一部も受け取った。^{[ 68 ]}

一方、脚本家は一般的にトップ俳優や監督よりも報酬が少なく、通常は映画1本あたり100万ドル未満だった。しかし、コスト上昇の最大の要因は特殊効果だった。1999年までに、大ヒット映画 の平均コストはマーケティングと宣伝費を除いて6000万ドルに達し、宣伝費にはさらに8000万ドルかかった。^{[ 68 ]}  

21世紀に入ってから、映画市場は徐々にスーパーヒーロー映画に席巻されてきた。2022年現在それらは俳優にとって最も報酬の高い作品である。なぜなら、他のジャンルではトップ俳優でさえ報酬が減っているからである。^{[ 71 ]}しかし、2023年と2024年には、ハリウッドの専門家は「スーパーヒーロー疲れ」が新たな傾向として現れていると指摘した。^{[ 72 ]}ポール・ダノのような俳優やマシュー・ヴォーンのような監督も同様の主張をしている。^{[ 73 ] [ 74 ]}

2021年には、米国でCOVID-19のパンデミックが発生したにもかかわらず、当初2020年に公開予定だった『ブラック・ウィドウ』、 『ワイルド・スピード／ジェットブレイク』 、『ナイル殺人事件』 、 『ウエスト・サイド・ストーリー』などの大ヒット映画が劇場で公開された。^{[ 75 ]}

さまざまなスタジオが、劇場公開期間を放棄して映画を同時公開するという物議を醸す決定で危機に対応した。NBCUniversalは、4月10日に『トロールズ ワールドツアー』をビデオオンデマンドレンタルで直接リリースし^{[ 76 ]}、同時にドライブインシアターを通じて国内で限定的な劇場上映を行った^{[ 77 ]} 。CEOのジェフ・シェルは、この映画が最初の3週間で1億ドル近い収益に達したと主張している^{[ 78 ] [ 79 ]} 。この決定に反対したAMCシアターズは、ユニバーサル・ピクチャーズの映画の上映を直ちに中止すると発表したが、両社は最終的に2週間の劇場公開期間で合意した。^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ] [ 83 ] [ 84 ]} 2020年12月までに、ワーナー・ブラザース・ピクチャーズは、視聴者数を最大化するために、2021年の映画作品群を劇場とストリーミングサイトHBO Maxで1か月間同時公開するという決定を発表した。 ^{[ 85 ]}しかし、2023年までに、全米脚本家組合（WGA）と全米映画俳優組合（SAG-AFTRA）による業界ストライキは、ストリーミングの再使用料、脚本と演技におけるAI技術、公正な報酬をめぐる紛争の拡大を浮き彫りにし、ハリウッドの進化する経済モデルが直面するより広範な課題を反映した。この動きは、さまざまな業界関係者から激しく批判され、その多くは発表前に決定を知らされておらず、スタジオに騙されたと感じていたと伝えられている。^{[ 86 ]} 

2019年以降、 Netflix、Disney+、Paramount+、Apple TV+などのアメリカのストリーミングプラットフォームが台頭し、従来の映画館に匹敵するようになった。^{[ 87 ] [ 88 ]}業界の評論家は、ストリーミングプラットフォームの人気上昇に伴い、企業が映画を「コンテンツ」として扱うことが増えていると指摘している。 ^{[ 89 ]}これは、より多くの人々がさまざまな方法で映画、テレビ、その他のメディアを一緒に消費するにつれて、映画、テレビ、その他のメディアの境界が曖昧になり、個々の映画は、メディア、ストーリー、芸術性よりも、ブランドアイデンティティと商業的可能性によって定義されるようになることを意味する。^{[ 87 ] [ 90 ]}批評家のマット・ゾラー・サイツは、2019年のアベンジャーズ/エンドゲームの公開を「コンテンツによる映画館の決定的な敗北」と表現している。これは、連続テレビの特徴を持つ一連の大ヒット映画の集大成であるマーベルブランドによって定義された「エンターテイメント作品」として大成功を収めたためである。^{[ 87 ]}

映画『スペース・ジャム：ニュー・レガシー』と『レッド・ノーティス』は、この扱いの例として挙げられており、前者は多くの批評家から「HBO Maxの長尺のインフォマーシャル」と評され、カサブランカ、マトリックス、オースティン・パワーズなど、ワーナー・ブラザースのさまざまな作品を彷彿とさせるシーンやキャラクターが登場する^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ] [ 94 ]}一方、後者は Netflixの2億ドルの強盗映画で、批評家からは「芸術的な意図や、正直に楽しませたいという願望などではなく、機械で処理されたような映画」と評されている^{[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ]。}一部の人は、『スペース・ジャム』は、映画を単なる搾取すべき知的財産（IP）として扱う業界のますます冷笑的な扱いを示していると述べており、批評家のスコット・メンデルソンはこのアプローチを「IPのためのIP」と呼んだ^{[ 92 ] [ 98 ] [ 99 ] [ 93 ]。}

マーティン・スコセッシは、映画という芸術形式が「体系的に価値を下げられ、脇に追いやられ、軽んじられ、コンテンツにまで縮小されている」と警告し、ブロックバスター映画が興行収入を過度に重視していることを「忌まわしい」と呼び、マーベルのスーパーヒーロー映画を「映画ではない」と評した。^{[ 100 ] [ 101 ]}クエンティン・タランティーノは、現在の映画時代はハリウッド史上最悪の時代の一つだと意見を述べた。^{[ 102 ] [ 103 ]} 2023年のサラエボ映画祭でのマスタークラスで、チャーリー・カウフマンは主流のブロックバスター映画を批判し、「現時点では、お金を稼げるのはゴミだけだ」と述べ、業界関係者に「できる限りスタジオシステムの外で映画を作る」よう促した。^{[ 104 ] [ 105 ]}ジェームズ・グレイはDeadlineとのインタビューで、「莫大な利益を上げる映画や、特定の種類の映画だけを作ると、多くの人々が映画館に行く習慣を失ってしまう」と述べ、その結果、観客数が減少すると説明したが、「コミック映画には何の問題もない」とも明言した。「製品への幅広い関与への投資」の欠如に対する解決策として、スタジオは「アート映画部門で数年間赤字を出しても構わないという覚悟を持つべきであり、そうすれば最終的には満足するだろう」と提案している。^{[ 106 ]}

アナリスト兼ニュースキャスターのファリード・ザカリアは、 2020年代の映画労働者の雇用機会の継続的な減少により、ロサンゼルスのハリウッド映画産業は「緩慢な崩壊」状態にあると述べた。^{[ 107 ]}パラマウント・スカイダンスによるワーナー・ブラザース・ディスカバリーの買収提案は、大手映画スタジオのさらなる統合の可能性を示している。

人気俳優からの推薦状が署名され、ラジオ出演や印刷広告が行われた。映画スターは、党の政治思想に大衆を引き込むために利用された。1960年代には、ジョン・F・ケネディがワシントンに新しく若々しい顔として現れ、フランク・シナトラとの強い友情はこの新しい華やかな時代を象徴していた。ハリウッドの最後の大物たちは去り、より若く新しい経営者やプロデューサーたちがよりリベラルな思想を推進し始めた。^{[ 110 ] [ 111 ]}

有名人とお金は政治家を高級で華やかなハリウッドのライフスタイルに引き寄せた。ロン・ブラウンスタインが著書『権力と輝き』で書いたように、1970年代と1980年代のテレビは政治において非常に重要な新しいメディアであり、ハリウッドはジェーン・フォンダがベトナム戦争に反対したように、俳優が政治的信念について演説することでそのメディアに貢献した。^{[ 112 ]}ほとんどの有名人やプロデューサーは左派寄りで民主党を支持する傾向があったにもかかわらず、[113][114] この時代にはクリント・イーストウッドやジェリー・ブラッカイマーのような共和党の俳優やプロデューサーも生まれた。保守派^{に偏っていると見なさ}れているハリウッドで保守的な活動を支援するために、フレンズ・オブ・エイブのような支援団体が設立された。^{[ 115 ]}元俳優のロナルド・レーガンはカリフォルニア州知事になり、その後アメリカ合衆国第40代大統領になった。2003年にアーノルド・シュワルツェネッガーがカリフォルニア州知事になった後も、その流れは続いた。^{[ 116 ]}

ハリウッドからの直接の寄付は、連邦政治の資金源となっている。^{[ 117 ]}例えば、2007年2月20日、民主党の大統領候補バラク・オバマは、ドリームワークスの創設者であるデビッド・ゲフィン、ジェフリー・カッツェンバーグ、スティーブン・スピルバーグが主催する、1人2,300ドルのハリウッド・ガラをビバリー・ヒルトンで開催した。^{[ 117 ]}

ネイティブ広告は、古典的なプロパガンダよりも巧妙な方法で説得することを目的とした情報です。米国でよく見られる現代の例としては、コパガンダがあります。これは、テレビ番組が法執行機関を非現実的に美化して描写するもので、その目的の一つは、機材を借りたり、ロケ撮影を容易にするために道路を封鎖するのを手伝ってもらうことです。^{[ 118 ]}エンターテインメント業界では、マフィアのイメージを美化するなど、評判洗浄の疑いが他にもかけられています。 ^{[ 119 ]}

タバコ業界がスクリーン上で喫煙を宣伝していることから、プロダクトプレイスメントも批判の的となっている。 ^{[ 120 ]}疾病対策センターは、喫煙シーンのある映画に自動的に「R」指定が与えられれば、10代の喫煙者の18％が喫煙を始めず、100万人の命が救われると述べている。^{[ 121 ]}

ハリウッドのプロデューサーは、2016年時点で世界第2位の興行収入を誇る中国の制限された収益性の高い映画市場にアクセスするために、中国政府の検閲要件に従おうとすることがあります。 ^{[ 122 ]}これには、映画の中で中国人のキャラクターを好意的に描くことを優先することも含まれます。例えば、 『レッド・ドーン』の悪役を中国人から北朝鮮人に変更するなどです。^{[ 122 ]}ダライ・ラマやくまのプーさんがサウスパークのエピソード「バンド・イン・チャイナ」に関わっているなど、中国で禁止されている多くのテーマのため、サウスパークはエピソードの放送後に中国で完全に禁止されました。^{[ 123 ]} 2018年の映画『クリストファー・ロビン』、くまのプーさんの新作映画は、中国での公開を拒否されました。^{[ 123 ]}

かつてはハリウッドでチベットが注目を集める題材であり、 『クンドゥン』や『セブン・イヤーズ・イン・チベット』などの映画にも登場したが、21世紀に入ってからはそうではなくなった。^{[ 124 ]} 2016年、マーベル・エンターテインメントは、映画化作品『ドクター・ストレンジ』でティルダ・スウィントンを「エンシェント・ワン」役に起用したことで批判を浴びた。これは、伝統的にチベット人であるキャラクターを白人女性が演じるという決定だった。^{[ 125 ]}俳優でチベットの著名な支持者であるリチャード・ギアは、中国政府を批判し、2008年の北京夏季オリンピックのボイコットを呼びかけた後、主流のハリウッド映画への出演はもはや歓迎されないと述べた。 ^{[ 124 ] [ 126 ]}

国際的な配給会社は、現地の法律や規制を遵守するために自主規制を行うことが多い。例えば、UAEでは映画内の露骨な性的シーンのため、『ウルフ・オブ・ウォールストリート』は約45分カットされた^{[ 127 ]}。