ドラマ

演劇は、演劇、オペラ、パントマイム、バレエなど、劇場やラジオ、テレビで上演されるパフォーマンスで表現される特定のフィクション形式です。[ 1 ]^一般的に詩のジャンルとして考えられている劇形式は、演劇理論の最も初期の著作であるアリストテレスの『詩学』 （紀元前 335年頃）以来、叙事詩や抒情詩の形式と対比されてきました。^[2]

「ドラマ」という用語は、「行為」または「行為」を意味するギリシャ語（古典ギリシャ語：δρᾶμα、drâma）に由来し、これは「私は行う」（古典ギリシャ語：δράω、dráō）に由来しています。ドラマに関連付けられた2つの仮面は、喜劇と悲劇の伝統的な一般的な区分を表しています。

英語では（他の多くのヨーロッパ言語でも同様であったが）、演劇を表す標準的な用語として、 playまたはgame（アングロサクソン語の pleġanまたはラテン語の ludusの翻訳）が使われていた。これは、演劇の作者が劇作家ではなく脚本家であり、建物が劇場ではなくプレイハウスであったのと同じである。^[3]

より狭い意味で「ドラマ」が特定の演劇を指すようになったのは近代になってからです。この意味での「ドラマ」は、喜劇でも悲劇でもない演劇を指します。たとえば、ゾラの 『テレーズ・ラカン』（1873年）やチェーホフの 『イワノフ』（1887年）などです。映画やテレビ業界、そして映画研究は、それぞれのメディア内のジャンルとして「ドラマ」を説明するために、この狭い意味を採用しました。「ラジオドラマ」という用語は、もともとは生演奏で放送されていた両方の意味で使われてきました。また、ラジオのドラマ作品の中でもより高尚でシリアスな側面を指すために使用されることもあります。^[4]

演劇における演劇の演技は、観客の前で俳優によって舞台上で演じられ、共同制作の様式と集団的な受容の形態を前提としている。劇作の構造は、他の文学形式とは異なり、この共同制作と集団的な受容によって直接影響を受ける。^[5]

パントマイムは、物語の展開が身体の動きだけで語られる演劇の一形態である。演劇は音楽と組み合わせることができる。オペラの劇的なテキストは、一般的に最初から最後まで歌われる。一部のバレエでは、ダンスは「感情、性格、物語の展開を表現または模倣する」。^[6] ミュージカルには、セリフと歌の両方が含まれる。また、演劇の形態によっては、付随音楽や音楽の伴奏がセリフを強調する（メロドラマや日本の能など）。^[7] クローゼットドラマは、演じるのではなく、読むことを意図した形態である。^[8]即興では、ドラマはパフォーマンスの瞬間に先立って存在するものではなく、パフォーマーは観客の前で自発的に劇的な脚本を考案する。^[9]

西洋演劇は古代ギリシャに起源を持つ。^[10]都市国家アテネの演劇文化は、悲劇、喜劇、サテュロス劇という3つのジャンルの演劇を生み出した。その起源は不明だが、紀元前5世紀までには、ディオニュソス神を祝う祭りの一環として開催される競技会で制度化されていた。^[11]歴史家は古代ギリシャの劇作家の多くを知っているが、中でもテスピスは、 （歌うのではなく）話す役者（「ヒポクリテス」）と（本人として話すのではなく）登場人物の真似をする役者（「コリパイオス」）を発明したとされており、彼らは非劇的詩（ディテュランボス詩、抒情詩、叙事詩）の伝統的な部分であった。^[12]

しかしながら、5人の劇作家の作品のうち、今日まで残っているのはごく一部である。悲劇作家のアイスキュロス、ソポクレス、エウリピデス、喜劇作家のアリストパネス、そして4世紀後半のメナンドロスの完全なテキストが少数残っている。^[13]アイスキュロスの歴史悲劇『ペルシア人』は現存する最古の劇であるが、紀元前472年に市のディオニュシア祭の競争でこの作品が一等賞を受賞したとき、彼は25年以上も劇を書いていた。^[14]悲劇の競争（「アゴン」）は紀元前534年には始まっていた可能性があり、公式の記録（「ディダスカリアイ」）はサテュロス劇が導入された紀元前501年から始まっている。^[15]悲劇作家は四部作の劇（個々の作品は必ずしもストーリーやテーマでつながっているわけではない）を発表することが求められ、通常は3つの悲劇と1つのサテュロス劇で構成されていた（ただし、紀元前438年のエウリピデスの『アルケースティス』のように例外もあった）。喜劇は紀元前487年から486年まで、コンテストで賞を獲得することで公式に認められていた。

都市ディオニュシア祭では5人の喜劇作家が競い合い（ペロポネソス戦争中は3人に減った可能性もある）、それぞれが1つの喜劇を上演した。^[16] 古代ギリシャの喜劇は伝統的に「古喜劇」（紀元前5世紀）、「中期喜劇」（紀元前4世紀）、「新喜劇」（紀元前4世紀後半から紀元前2世紀）に分けられる。^[17]

ローマ共和国（紀元前527-509年）が紀元前270年から240年の間にギリシャのいくつかの領土に拡大した後、ローマはギリシャ演劇に遭遇しました。^[18]共和制の後期からローマ帝国（紀元前27-476年）を介して、演劇はヨーロッパ全土、地中海周辺に西に広がり、イングランドにまで到達しました。ローマ演劇はそれ以前のどの文化よりも多様で、広範囲で、洗練されていました。^[19]

ギリシア演劇はローマ時代を通じて上演され続けたが、紀元前240年には通常のローマ演劇が始まった。^[20]しかし、帝国の始まりから、長編劇への関心は衰え、より多様な演劇娯楽が好まれるようになった。^[21]ローマ文学の最初の重要な作品は、紀元前240年からリウィウス・アンドロニカスが書いた悲劇と喜劇であった。 ^[22] 5年後、グナエウス・ナエウィウスも演劇を書き始めた。^[22]どちらの作家の劇作も現存していない。両劇作家とも両方のジャンルで作品を書いたが、アンドロニカスは悲劇、ナエウィウスは喜劇で最も評価された。彼らの後継者はどちらか一方に特化する傾向があり、それがそれぞれのタイプの演劇のその後の発展の分離につながった。^[22]

紀元前2世紀初頭までに、ローマでは演劇がしっかりと確立され、作家組合（コレギウム・ポエタルム）が結成されました。^[23]生き残ったローマ喜劇はすべてファブラ・パリアータ（ギリシアの題材に基づいた喜劇）であり、ティトゥス・マッキウス・プラウトゥス（プラウトゥス）とプブリウス・テレンティウス・アフェル（テレンティウス）の2人の劇作家によるものです。^[24]ギリシアの原作を作り直す際に、ローマの喜劇作家はドラマをエピソードに分割する合唱団の役割を廃止し、台詞に音楽の伴奏を導入しました（プラウトゥスの喜劇では台詞の3分の1、テレンティウスの喜劇では3分の2）。^[25]すべての場面のアクションは通りの屋外で設定され、その複雑さはしばしば盗み聞きから生じます。^[25]

二人のうちより人気のあるプラウトゥスは紀元前205年から184年の間に書いた喜劇のうち20作が現存しており、その中でも茶番劇が最もよく知られている。彼は対話の機知と多様な詩韻律の使用で賞賛された。^[26]テレンティウスが紀元前166年から160年の間に書いた喜劇6作はすべて現存している。彼は複数のギリシアの原作を組み合わせることが多かったためプロットの複雑さが非難されることもあったが、二重のプロットにより対照的な人間行動を洗練された形で表現することができた。^[26]初期ローマ悲劇は現存していないが、当時は高く評価されていた。歴史家は初期悲劇作家としてクィントゥス・エンニウス、マルクス・パクウィウス、ルキウス・アッキウスの3人を知っている。^[25]

帝政時代から、二人の悲劇作家の作品が残っている。一人は作者不明で、もう一人はストア派の哲学者セネカである。^[27]セネカの悲劇は9作残っており、その全てがファブラ・クレピダータ（ギリシアの原作を翻案した悲劇）である。例えば『パイドラ』はエウリピデスの『ヒッポリュトス』に基づいている。^{[28]歴史家は、}ファブラ・プラエテクスタ（ローマの題材に基づいた悲劇）の現存する唯一の例である『オクタヴィア』の作者を知らないが、悲劇の登場人物としてセネカが登場するため、かつては誤ってセネカの作品とされた。^[27]

中世初期から、教会は典礼劇として知られる聖書の出来事を劇化したものを上演し、毎年の祝典を盛り上げた。^[29]最も古い例は、イースターの比喩「あなたは誰を求めますか？（Quem-Quaeritis）」（ 925年頃）である。^{[30] 2つのグループが}ラテン語で応答的に歌ったが、登場人物の物まねはなかった。11世紀までには、イスラム時代のスペインを除くヨーロッパ全土に、ロシア、スカンジナビア、イタリアに広まった。

10世紀、フロスヴィタはテレンティウスの喜劇をモデルに宗教的な主題を扱ったラテン語の戯曲を6作書いた。 ^[31]彼女の戯曲は女性劇作家によって書かれた最初の作品として知られ、古典時代以降の西洋演劇として最初に特定された作品である。^[31]その後、ヒルデガルト・フォン・ビンゲンは音楽劇『オルド・ヴィルトゥトゥム』（ 1155年頃）を書いた。^[31]

初期の世俗劇の中で最も有名なものの一つは、 13世紀にフランス語でアダム・ド・ラ・アルによって書かれた宮廷風の田園劇『 ロビンとマリオン』である。^{[32]英語で知られている最も古いものの一つである}『学生と少女の間奏曲』（ 1300年頃）は、調子と形式において同時代のフランスの喜劇『少年と盲人』などに最も近いと思われる。^[33]

中世後期のフランスやドイツでは、ヨーロッパのほぼすべての国で何らかの宗教劇が上演されていたが、その劇の多くは喜劇、悪魔、悪役、道化師が登場した。^{[34]イギリスでは、商工組合が}地方語の「ミステリー劇」を上演し始めた。これは、多くの小劇や「ページェント」の長いサイクルで構成されており、そのうちの 4 つが現存している。ヨーク(48 劇)、チェスター(24 劇)、ウェイクフィールド(32 劇)、いわゆる「N タウン」(42 劇) である。ウェイクフィールド サイクルの「第 2 羊飼いの劇」は、主人公のマックが盗まれた羊を、ベビーベッドで眠っている自分の生まれ​​たばかりの子供に見せかけようとする滑稽な物語である。羊飼いが盗んだ羊をイエスの降誕に召喚されるところで物語は終わる。^[35]

道徳劇（現代の用語）は、1400年頃に独特の劇形式として登場し、イングランドのエリザベス朝初期に栄えた。登場人物は、さまざまな倫理的理想を表現するためによく使われた。たとえば、『エブリマン』には善行、知識、強さなどの人物が登場し、この性格づけによって善と悪の対立が観客に強調される。『パーセベランス城』（ 1400年頃～ 1425年）は、原型的な人物の誕生から死に至るまでの過程を描いている。『ホレステス』（ 1567年頃）は、後期の「ハイブリッド道徳」であり、イングランドの復讐劇の最も初期の例の1つであり、中世の寓話の伝統である悪徳を持つオレステスの古典的な物語を融合させ、喜劇的なドタバタ劇とシリアスで悲劇的な場面を交互に描いている。^{[36]また、この時期に重要だったのは、}クリスマスシーズンに上演された『ママーズ・プレイ』という民俗劇だった。宮廷仮面劇はヘンリー8世の治世中に特に人気があった。^[37]

16世紀と17世紀には、イギリスで演劇が最も盛んに開花した時期があった。これらの劇の多くは韻文、特に弱強五歩格で書かれた。シェイクスピアのほか、クリストファー・マーロウ、トーマス・ミドルトン、ベン・ジョンソンなどの作家がこの時期に活躍した。中世と同様に、歴史劇は過去の王の生涯を讃え、テューダー朝のイメージを高めた。この時期の作家は、ギリシャ神話やローマ神話、あるいはプラウトゥスやテレンスなどの著名なローマ劇作家の劇からストーリーラインを引用した。

王政復古喜劇とは、1660年から1710年の王政復古期にイギリスで書かれ、上演されたイギリスの喜劇を指す。風俗喜劇は王政復古喜劇の同義語として使われる。^[38]ピューリタン政権によって公共劇場が禁止された後、チャールズ2世の王政復古により1660年に劇場が再開され、イギリス演劇の復興が始まった。^[39]王政復古喜劇は、その性的な露骨さ、洗練された国際的な機知、最新の時事的文章、そして込み入った賑やかな筋書きで知られている。その劇作家たちは、当時のフランスやスペインの舞台、イギリスのジェームズ朝やカロリン朝の演劇、さらにはギリシャやローマの古典喜劇から自由に盗用し、さまざまな筋書きを冒険的な方法で組み合わせた。結果として生じる単一の劇のトーンの違いは、観客が劇内だけでなく劇間の「変化」を高く評価したため、嫌がられるどころか歓迎された。王政復古喜劇は 2 度絶頂期を迎えました。このジャンルは 1670 年代半ばに貴族喜劇の華々しい流行とともに華々しく成熟しました。この短い黄金期の後は 20 年間不振が続きましたが、1680 年代に女性初のプロ劇作家アフラ・ベーンが成功したことは重要な例外です。1690 年代半ばには、より幅広い観客をターゲットにした、短い第二の王政復古喜劇ルネッサンスが起こりました。黄金期の 1670 年代と絶頂期の 1690 年代の喜劇は、互いに大きく異なります。

ジョン・ドライデン、ウィリアム・ワイチャリー、ジョージ・エザリージの非感傷的または「ハード」な喜劇は、宮廷の雰囲気を反映し、絶え間ない性的陰謀と征服を伴う貴族のマッチョなライフスタイルを率直に称賛した。実在の王政復古期の放蕩者、廷臣、詩人であるロチェスター伯爵は、エザリージの『流行の男』 （1676年）で、陽気で機知に富み、知的で性的に魅力的な貴族として好意的に描かれており、後世の魅力的な王政復古期の放蕩者のイメージのテンプレートとなっている（実際には王政復古期の喜劇ではあまり一般的ではないキャラクターである）。王政復古期の喜劇に対して当時も今も浴びせられている猥褻さの非難を最も裏付ける戯曲は、おそらくウィチャリーの傑作『田舎の妻』（1675年）だろう。その題名には卑猥な語呂合わせが含まれており、悪名高い「陶磁器の場面」は、一連の持続的な二重の意味を持つ表現である。^[40]

1690 年代の王政復古喜劇の第二波では、ウィリアム・コングリーヴとジョン・ヴァンブラの「ソフト」な喜劇が、中流階級の要素が強い社会的に多様な観客や女性観客にアピールしようと試みられました。喜劇の焦点は、年上の世代を出し抜く若い恋人から、夫婦関係の浮き沈みへと移ります。コングリーヴの『恋の恋』（1695 年）と『世間の道』（1700 年）では、カップルがお互いへの魅力を試すギブアンドテイクの場面が、後者の有名な「条件」の場面のように、結婚前夜のウィットに富んだ結婚前の議論へと変化しました。ヴァンブラの『挑発された妻』（1697年）は軽いタッチで、より人間味のある登場人物が描かれている。一方、『再発』（1696年）は、その軽妙なウィットと、ダークな一面を持つ派手でわざとらしい滑稽劇のお調子者であるフォッピントン卿の描写が高く評価されている。 ^[41]王政復古喜劇は、たとえ修正された形であれ、17世紀末までに容認されなくなり、世論は劇作家よりも早く、尊敬と真剣さへと向かった。^{[42] 1700年、コングリーヴの5年ぶりの喜劇『}世間の道』が、大いに期待されて初演されたが、観客はその繊細でほとんど憂鬱な作品にさほど熱狂しなかった。セックスとウィットの喜劇は、感傷的な喜劇と模範的な道徳のドラマ に取って代わられようとしていた。

19世紀ノルウェーの劇作家ヘンリック・イプセンと20世紀ドイツの演劇人ベルトルト・ブレヒトの極めて重要で革新的な貢献は、現代劇を支配しており、それぞれが模倣者の伝統に影響を与え、その中には現代の最も偉大な劇作家の多くも含まれる。^[43]両劇作家の作品は、それぞれ異なる方法でモダニズムとリアリズムの両方であり、形式的な実験、メタ演劇性、社会批評を取り入れている。^{[44]ジャンルの伝統的な理論的言説では、イプセンの作品は「}リベラルな悲劇」の集大成とされ、ブレヒトの作品は歴史化された喜劇と位置付けられている。^[45]

現代の他の重要な劇作家には、アントナン・アルトー、アウグスト・ストリンドベリ、アントン・チェーホフ、フランク・ヴェーデキント、モーリス・メーテルリンク、フェデリコ・ガルシア・ロルカ、ユージン・オニール、ルイージ・ピランデッロ、ジョージ・バーナード・ショー、エルンスト・トーラー、ウラジミール・マヤコフスキー、アーサー・ミラー、テネシー・ウィリアムズが含まれる。 、ジャン・ジュネ、ウジェーヌ・イヨネスコ、サミュエル・ベケット、ハロルド・ピンター、フリードリヒ・デュレンマット、ダリオ・フォ、ハイナー・ミュラー、キャリル・チャーチル。

西洋オペラは、ルネッサンス期^[46]に台詞、ダンス、歌が組み合わされた古代ギリシャの演劇を復活させようとして生まれた劇芸術である。西洋古典音楽と深く絡み合ったオペラは、過去4世紀にわたって大きな変化を遂げ、今日に至るまで重要な演劇形式となっている。特筆すべきは、19世紀ドイツの作曲家リヒャルト・ワーグナーがオペラの伝統に与えた大きな影響である。ワーグナーの見解では、当時のオペラでは音楽と演劇の間に適切なバランスが取れていなかった。なぜなら、これらの作品では音楽が演劇的側面よりも重要視されていたからである。古典劇とのつながりを回復するため、ワーグナーはオペラ形式を完全に刷新し、彼が「音楽劇」と呼んだ作品で音楽と演劇が同等に重要であることを強調した。

中国オペラは、やや長い期間にわたって、より保守的な発展を遂げてきました。

パントマイム（非公式には「パント」）^{[47]は、家族向けの娯楽として考案された}ミュージカルコメディーの舞台作品の一種である。イギリスで開発され、現在でもイギリス全土で、一般的にはクリスマスと新年の時期に上演されているが、他の英語圏の国でも、それほどではないが上演されている。現代のパントマイムには、歌、ギャグ、ドタバタ喜劇、ダンスが含まれ、性別を超えた俳優が使用され、時事的なユーモアと、よく知られた童話、寓話、民話に基づいたストーリーが組み合わされている。^{[48] [49]これは参加型の演劇形式で、観客は音楽の特定の部分に合わせて歌ったり、演者にフレーズを叫んだりすることが期待されている。}アマチュア演劇のパントマイム作品の魅力の1つは、よく知られている地元の人物が舞台に登場しているのを見ることである。^[50]

これらの物語は、寓話や民話の伝統を受け継いでいます。通常、教訓が得られ、観客の助けを借りて、主人公が窮地を救います。この種の劇では、仮面劇や再びコンメディア・デラルテで見られる定番の登場人物が使用され、これらの登場人物には、悪役（ドクター）、道化師/召使い（アルレキーノ/ハーレクイン/ボタン）、恋人たちなどが含まれます。これらの劇では通常、道徳的なジレンマが強調され、善が常に悪に打ち勝ちます。また、この種の劇は非常に面白く、多くの人々に訴える非常に効果的な方法となっています。

パントマイムは西洋文化において古典演劇にまで遡る長い演劇の歴史を持つ。パントマイムは16世紀のイタリアのコンメディア・デラルテの伝統や、17世紀の仮面劇やミュージックホールなどのヨーロッパやイギリスの舞台の伝統から発展した。^[48] 19世紀後半まで、パントマイムの重要な部分はアルレクイナードであった。^[51]イギリス国外では、「パントマイム」という言葉はここで議論されている演劇形式ではなく、パントマイムを^{意味するのが一般的である。 [52]}

マイムは、物語の展開を、言葉を使わずに身体の動きで伝える演劇の手段である。マイムは古代ギリシャで行われ、その言葉はパントマイムと呼ばれる一人の仮面ダンサーに由来するが、彼らのパフォーマンスは必ずしも無声ではなかった。^[53]中世ヨーロッパでは、仮面劇や後のダムショーなど、マイムの初期の形態が発達した。19世紀初頭のパリでは、ジャン＝ガスパール・ドビュローが、白塗りの無言の人物像など、現代で知られる多くの特徴を固めた。^[54]

ジャック・コポーは、コンメディア・デラルテと日本の能に強い影響を受け、俳優の訓練に仮面を使った。彼の弟子のエティエンヌ・ドゥクルーはこれに強い影響を受け、パントマイムの可能性を探求し、自然主義の領域を超えて、高度な彫刻的形態へと洗練された肉体的パントマイムを発展させ始めた。ジャック・ルコックは、その訓練法でパントマイムと身体演劇の発展に大きく貢献した。^[55]

一部のバレエが「動きの線やパターンそのもの」を強調するのに対し、ドラマティックダンスは「感情、性格、物語的な行動を表現または模倣する」。^[6]こうしたバレエは登場人物が登場し「物語を語る」演劇作品である。^[56]バレエのダンス動作は「日常的な身体表現と密接に関連していることが多く、[そのため]ほぼすべてのダンスに固有の表現力がある」ため、動作と感情の両方を伝えるために使用され、パントマイムも使用される。^[56]例としては、邪悪な魔法使いの呪いによって白鳥に変えられた王女オデットの物語であるピョートル・イリイチ・チャイコフスキーの『白鳥の湖』 、シェイクスピアの有名な戯曲に基づいたセルゲイ・プロコフィエフのバレエ『ロミオとジュリエット』 、 3体の人形の愛と嫉妬の物語である イーゴリ・ストラヴィンスキーの『ペトルーシュカ』などがある。

創作演劇には、主に教育現場で子供たちが行う劇的な活動やゲームが含まれます。アメリカでの創作演劇の起源は1900年代初頭に遡ります。教育における創作演劇の創始者はウィニフレッド・ウォードであると考えられており、イリノイ州エバンストンで初めて学術的な演劇の利用を確立しました。^[57]

インド演劇の最も古い形態はサンスクリット演劇であった。^[58]紀元1世紀から10世紀にかけては、インド史上比較的平和な時代であり、この間に何百もの劇が書かれた。^[59] 10世紀と11世紀に始まったイスラムの征服により、演劇は奨励されなくなり、あるいは完全に禁止された。 ^[60]その後、土着の価値観や考えを再主張する試みとして、亜大陸全土で村落演劇が奨励され、15世紀から19世紀にかけて様々な地方言語で発展した。^[61]バクティ運動は、いくつかの地域で公演に影響を与えた。地方言語とは別に、アッサムでは、ブラジャヴァリと呼ばれる人工的に混合された文語で、ヴィシュヌ派の演劇が台頭した。^[62]サンカルデフの作品では、アンキア・ナートと呼ばれる独特の一幕劇の形式が発達し、^[63]その特別な表現はバオナと呼ばれている。^[64]現代インドの演劇は、19世紀半ばから20世紀半ばにかけてのイギリス帝国の植民地支配の時代に発展しました。 ^[65]

サンスクリット演劇の現存する最古の断片は、紀元後1世紀のものである。^[66]より古い時代の豊富な考古学的証拠は、演劇の伝統が存在したことを示すものではない。^[67]古代ヴェーダ（紀元前1500年から1000年の間に書かれた賛美歌で、世界最古の文学^{[ broken anchar ]}の例である）には、その痕跡は見当たらない（少数は対話形式で書かれているが）し、ヴェーダ時代の儀式は演劇に発展していないようである。^[67]パタンジャリの『マハーバーシャ​​』には、サンスクリット演劇の種と思われるものに関する最古の言及がある。 [68] 紀元前140年のこの文法に関する論文は、インドにおける演劇の始まりの妥当な日付を示している。 [ ^{68 ]}

サンスクリット演劇の主要な証拠源は『演劇論』（ナーティヤシャーストラ）である。これは、執筆時期が不明（紀元前200年から紀元後200年と推定）で、著者はバラタ・ムニとされている概要である。この論は、古代世界で最も完成度の高い劇作である。演技、ダンス、音楽、劇の構成、建築、衣装、メイク、小道具、劇団の組織、観客、競技について取り上げており、演劇の起源に関する神話的な説明も提供している。 ^[68]

その演劇はサンスクリット文学の最高傑作とみなされている。^[69]英雄（ナヤカ）、ヒロイン（ナイカ）、道化師（ヴィドゥサカ）などの定番の登場人物が使われた。俳優は特定のタイプに特化していたかもしれない。王様や村の集会によって後援された。有名な初期の劇作家には、バーサ、カーリダサ（『ウルヴァシー』、『勇敢な男』、『マラヴィカとアグニミトラ』、『シャクンタラーの承認』で有名）、シュドラカ（『小さな土の車』で有名）、アスヴァゴーサ、ダンディン、ハルシャ皇帝（ 『ナーガンダ』 、『ラトナヴァーリ』、『プリヤダルシカ』で有名）がいる。『シャクンタラー』（英訳）はゲーテの『ファウスト』（1808年 - 1832年）に影響を与えた。^[69]

インドでは独特の演劇形式が発達しており、特に東部では、即席の舞台や機材を使って、スタッフ全員があちこちを旅して演劇を上演する。ベンガルのチャイタニヤ・マハプラブのヴィシュヌ派運動に由来するジャトラ（ベンガル語で「旅」）は、この形式に従う伝統である。^[70]隣のアッサム州のヴィシュヌ派演劇は、シュリマンタ・サンカルデヴァが開拓したもので、アンキア・ナートやバオナの形式をとっている。これらは西洋の影響とともに、アッサム語でブラミョマンとして知られる現代の移動演劇の発展に影響を与えた。^[71]現代のブラミョマンは、ヒンドゥー神話から西洋の古典やハリウッド映画の翻案まであらゆるものを上演し、^[72]ライブ視覚効果などの現代技術を活用している。^[要出典]アッサムの移動演劇は、1億ドル規模の産業であると推定されている。^[73]ブラミョマンは、すべての機材や舞台さえも劇団自身が運ぶという自己完結的な性格を持っているため、遠隔地の村でも公演を行うことができ、より広い範囲に届く。^[要出典]この業界の先駆者には、アチュット・ラハカルやブラジャナート・サルマがいる。

ラビンドラナート・タゴールは、ナショナリズム、アイデンティティ、スピリチュアリズム、物質的貪欲を探求し、疑問視した戯曲を書いた先駆的な現代劇作家である。^[74]彼の戯曲はベンガル語で書かれており、『チトラ』（Chitrangada、1892年）、『暗室の王』（Raja、1910年）、『郵便局』（Dakghar、1913年）、『赤い夷狄』（Raktakarabi、1924年）などがある。^[74] ギリーシュ・カルナドは著名な劇作家であり、歴史と神話を用いて、現代に関連する考えや理想を批判し、問題視する戯曲を数多く書いている。カルナドの『トゥグルク』、『ハヤヴァダナ』、 『タレダンダ』、『ナーガ・マンダラ』などの多数の戯曲は、インド演劇に多大な貢献をしている。ヒンディー語のモハン・ラケシュとウルドゥー語のデンマーク語のイクバールは、新時代のドラマの創始者と考えられています。モハン・ラケシュの『アーディー・アドゥール』とデンマーク語のイクバールの『ダーラ・シコー』は、現代の古典と考えられています。

中国演劇には長く複雑な歴史があります。今日では中国オペラと呼ばれることが多いですが、これは通常、京劇や昆曲として知られる人気の形式を指します。中国には座戯など、他の多くの形式の演劇もありました。

日本の能は、演劇、音楽、舞踊を融合した本格的な演劇で、完全な美的パフォーマンス体験を提供します。14世紀から15世紀にかけて発展し、独自の楽器と演奏技法を持ち、父から息子へと受け継がれることが多かったです。演者は一般的に男性（男役、女役とも）ですが、アマチュアの女性も能を演じることがあります。能は政府、特に軍の支援を受け、多くの軍司令官が独自の一座を持ち、時には自ら演じることもありました。能は今日でも日本では上演されています。^[75]

狂言は能の喜劇版です。能の楽器奏者が狂言にも登場することもあります。17世紀に発展した歌舞伎も、舞踊を含む喜劇です 。

日本では、新劇や宝塚歌劇といった近代演劇やミュージカルも発展してきました。

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WikiversityにはCollaborative_play_writingに関する学習リソースがあります

ウィキブックスには、西洋演劇の歴史：ギリシャからエリザベス朝までに関する本があります。

ウィキブックスには、「西洋演劇の歴史：17世紀から現在まで」というテーマの本があります。

• ギリシャとローマのマスクのタイムライン