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即興演劇（イギリス英語ではimprovisation、improv、improとも呼ばれる） [ 1 ]は、多くの場合コメディである演劇の一形態で、上演されるもののほとんどまたはすべてが計画や台本なしで、演者によって自発的に作られる。最も純粋な形では、台本を事前に用意することなく、即興劇が現在進行形で展開されるにつれて、演者によって対話、行動、物語、登場人物が共同で作られる。
即興演劇は、即興コメディをはじめとする様々なスタイルの舞台作品として存在し、コメディ以外の演劇作品にも見られる。また、映画やテレビにおいても、登場人物や脚本の発展に用いられることがあり、時には最終作品の一部として活用されることもある。
即興技法は、舞台、映画、テレビの俳優を訓練するための演劇プログラムで広く用いられており、リハーサル過程の重要な部分となることがあります。しかし、即興のスキルとプロセスは、舞台芸術の文脈以外でも使用されています。応用即興として知られるこの実践は、教室では教育ツールとして、企業では即興アンサンブルの演奏者が使用するコミュニケーションスキル、創造的な問題解決能力、協力的なチームワーク能力を開発する方法として使用されています。[ 2 ]また、心理療法では、人の思考、感情、関係性についての洞察を得るためのツールとして使用されることもあります。
西洋史における即興演劇の最も初期の記録は、紀元前391年のアテッラの茶番劇に見られる。16世紀から18世紀にかけて、コメディア・デッラルテの演者たちは、イタリアの街頭で大まかな筋書きに基づいて即興劇を行った。1890年代には、ロシアのコンスタンチン・スタニスラフスキーやフランスのジャック・コポーといった、演技理論の2つの主要な流れの創始者である演劇理論家や演出家たちが、演技の訓練やリハーサルで即興劇を多用した。[ 3 ]
現代の演劇即興ゲームは、子供向けの演劇練習として始まり、 1916年にジョン・デューイが始めた進歩主義教育運動のおかげで、20世紀初頭の演劇教育の定番となった。[ 4 ]観客の提案を利用して舞台上で即興スケッチを作った最初のボードビリアンは、アメリカのダドリー・リッグスだと考える人もいる。即興練習は、1940年代、50年代、60年代にヴィオラ・スポリンによってさらに発展し、即興演劇のやり方と教え方を学ぶための具体的なテクニックを初めて提供した本である彼女の著書『劇場のための即興』[ 5 ]で体系化された。1977年、クライヴ・バーカーの著書『シアター・ゲーム』 （いくつかの翻訳版と版がある）によって、即興の考え方が国際的に広まった。イギリスの劇作家兼演出家であるキース・ジョンストンは、即興劇に関する自身の考えをまとめた著書『Impro: Improvisation and the Theatre』を執筆し、現代の即興コメディの定番となり、人気テレビ番組『Whose Line Is It Anyway?』のインスピレーションとなったシアタースポーツを考案した。
ヴィオラ・スポリンは、シカゴのコンパス・プレイヤーズで現代アメリカの即興劇の第一世代に影響を与え、それがセカンド・シティへと繋がった。彼女の息子ポール・シルズは、デイヴィッド・シェパードと共にコンパス・プレイヤーズを設立した。コンパス・プレイヤーズの解散後、ポール・シルズはセカンド・シティを設立した。彼らはシカゴで最初の組織化された即興劇団であり、彼らの成功から現代シカゴ即興コメディ運動が発展した。[ 6 ] [ 7 ]
コメディ即興劇の現在の「ルール」の多くは、1950年代後半から1960年代初頭にかけてシカゴで初めて体系化され、当初はポール・シルズが率いるコンパス・プレイヤーズ劇団で確立された。多くの記録によると、コンパス・プレイヤーズの哲学的ビジョンはデヴィッド・シェパードが提供し、即興劇の前提の発展にはエレイン・メイが中心的な役割を果たした。マイク・ニコルズ、テッド・フリッカー、デル・クローズは、この点でメイと最も頻繁に協力した人物である。1959年12月16日にポール・シルズが率いるセカンド・シティが開場すると、彼の母ヴィオラ・スポリンは、一連のクラスと練習を通して新しい即興劇俳優の育成を開始し、それが現代の即興劇トレーニングの基礎となった。 1960年代半ばまでに、ヴィオラ・スポリンのクラスは彼女の弟子であるジョー・フォースバーグに引き継がれ、フォースバーグはスポリンのメソッドをさらに発展させて1年間のコースにし、それが最終的に米国初の公式即興演劇学校であるザ・プレイヤーズ・ワークショップとなった。この間、フォースバーグはセカンド・シティの舞台でスターとなる多くのパフォーマーを育成した。[ 6 ] [ 7 ]
「サタデー・ナイト・ライブ」のオリジナルキャストの多くはセカンド・シティ出身で、この番組からはマイク・マイヤーズ、ティナ・フェイ、ボブ・オデンカーク、エイミー・セダリス、スティーブン・コルベア、ユージン・レヴィ、ジャック・マクブレイヤー、スティーブ・カレル、クリス・ファーレイ、ダン・エイクロイド、ジョン・ベルーシといったコメディスターが輩出されている。
同時に、ロンドンで結成されたキース・ジョンストンの劇団「ザ・シアター・マシーン」がヨーロッパツアーを行っていた。この作品からシアタースポーツが生まれ、最初はジョンストンのワークショップで秘密裏に行われ、彼がカルガリーに移住してからは公の場で上演されるようになった。トロントは豊かな即興劇の伝統を持つ街である。
1984年、ディック・チャドナウ（ケンタッキー・フライド・シアター）はウィスコンシン州ミルウォーキーにコメディスポーツを設立した。1985年にはウィスコンシン州マディソンにコメディスポーツ・マディソンが加わり、事業拡大が始まった。1988年には、10チームが参加する初のコメディリーグ・オブ・アメリカ全国大会が開催された。現在、このリーグはCSzワールドワイドとして知られ、世界29都市に拠点を構えている。
サンフランシスコでは、1960年代にノースビーチでザ・コミッティ劇場が活発に活動していた。シカゴのセカンド・シティ出身のアラン・マイヤーソンとその妻ジェシカによって設立された。ザ・コミッティが1972年に解散すると、ピッチェル・プレイヤーズ、ザ・ウィング、インプロヴィゼーション・インクという3つの主要な劇団が結成された。クロースの『ハロルド』を上演し続けた唯一の劇団は、後者のインプロヴィゼーション・インクだった。その元メンバーであるマイケル・ボシエとジョン・エルクは、1976年にサンフランシスコのオールド・スパゲッティ・ファクトリー・カフェでスパゲッティ・ジャムを結成し、1983年までそこでショートフォーム・インプロヴィゼーションと『ハロルド』を上演した。通りの向かいにあるインターセクション・フォー・ジ・アーツで公演していたスタンドアップ・コメディアンたちが立ち寄って、セッションに参加した。1979年、エルクはショートフォームをイギリスに持ち込み、ジャクソンズ・レーン劇場でワークショップを開催し、ソーホーのストリップクラブの上階にあるロンドンのコメディ・ストアで公演した最初のアメリカ人となった。
現代の政治的即興劇のルーツには、1950年代後半から1960年代初頭にかけてポーランドで活動したイェジー・グロトフスキの作品、 1960年代後半にイギリスで活動したピーター・ブルックの「ハプニング」、 1970年代初頭に南米で活動したアウグスト・ボアールの「フォーラム・シアター」、そして1960年代にサンフランシスコのザ・ディガーズが行った活動などが挙げられる。これらの活動の中には、純粋な即興パフォーマンスのスタイルへと発展したものもあれば、単に演劇の語彙を拡充しただけで、全体としては前衛的な実験であったものもある。
1950年代から1960年代にかけて活躍したイギリスの女優兼演出家、ジョーン・リトルウッドは、上演用の戯曲を創作する際に即興劇を多用した。しかし、彼女は俳優に舞台上で即興劇を行わせたことで2度も訴追され、有罪判決を受けた。1968年まで、イギリスの法律では脚本は宮内長官府の承認を受ける必要があった。同省はまた、承認された脚本が承認された通りに上演されているかを確認するため、一部の公演に検査官を派遣していた。
1987年、アノヤンス・シアターはシカゴで長尺即興劇を重視するクラブとしてスタートしました。アノヤンス・シアターはシカゴとニューヨーク市に複数の拠点を構えるまでに成長しました。ここは史上最長となる11年間続くミュージカル即興劇の本拠地です。[ 8 ]
2012年、レバノンの作家兼演出家ルシアン・ブルジェイリーは、即興演劇の手法を用いて、多感覚的な演劇作品『ダマスカスでの66分』を制作した。この作品はロンドン国際演劇祭で初演され、舞台上で上演された最も過激なインタラクティブ即興演劇の一つとされている。観客は、超現実的な感覚環境の中で、現代のシリアで誘拐された観光客の役を演じる。[ 9 ]
ロブ・ウィティグとマーク・C・マリーノは、ネットプロヴと呼ばれるオンライン演劇即興劇の形式を開発した。[ 10 ]この形式は、ソーシャルメディアを利用して、リアルタイムで展開するダイナミックな架空のシナリオの作成に観客を参加させる。
西洋で実践されている現代の即興コメディは、一般的にショートフォームとロングフォームの2つのカテゴリーに分類される。
ショートフォーム即興劇は、通常、あらかじめ決められたゲーム、構造、またはアイデアに基づいて構成され、観客の提案によって推進される短いシーンで構成されます。多くのショートフォームのエクササイズは、レクリエーションゲームの専門家であるネバ・ボイドからトレーニングを受けたヴィオラ・スポリンによって最初に考案され、彼女はそれをシアターゲームと呼びました。[ 5 ]ゲームの一例としては、出演者がシーンを作成し、「ディレクター」役の出演者がセリフの後に繰り返し1人の出演者を指差すというものがあります。指差された出演者は毎回巻き戻して新しいセリフを言います。ショートフォーム即興劇のコメディテレビシリーズ「Whose Line Is It Anyway?」は、アメリカとイギリスの視聴者にショートフォームを馴染み深いものにしました。
ロングフォーム即興劇のパフォーマーは、短いシーンがストーリー、キャラクター、テーマによって相互に関連付けられたショーを制作します。ロングフォームショーは、既存の演劇形式、例えば長編劇やスポンタニアス・ブロードウェイのようなブロードウェイスタイルのミュージカルの形式をとることがあります。よく知られているロングフォーム構造の1つは、インプロオリンピックの共同創設者であるデル・クローズによって開発されたハロルドです。現在、このようなロングフォーム構造は数多く存在します。ウィル・フェレル、ティナ・フェイ、スティーブ・カレルなどの俳優は、ロングフォーム即興劇からキャリアをスタートさせました。[ 11 ]
ロングフォーム・インプロヴィゼーションは、シカゴ、ニューヨーク市、ロサンゼルス、オースティン、アトランタ、ダラス、ボストン、ミネアポリス、フェニックス、フィラデルフィア、サンフランシスコ、シアトル、デトロイト、トロント、バンクーバー、ワシントンDCで特に上演されており、ボルチモア[ 12 ]、デンバー、カンザスシティ、モントリオール、コロンバス、ニューオーリンズ、オマハ、ニューヨーク州ロチェスター[ 13 ]、ハワイでも人気が高まっている。米国以外では、ロングフォーム・インプロヴィゼーションは英国で人気が高まっており、特にロンドン、ブリストル、グラスゴーなどの都市やエディンバラ・フェスティバル・フリンジで上演されている。
即興演劇の訓練やパフォーマンス技術の他の形態は、実験的で前衛的な性質を持ち[ 14 ]、必ずしも喜劇を意図したものではありません。これらには、プレイバックシアターや被抑圧者の演劇、貧困者演劇、オープンシアターなどが含まれます。
オープン・シアターは、演技教師ノーラ・チルトンの元教え子たちによってニューヨーク市で設立され、その後まもなく、リビング・シアター出身の演出家ジョセフ・チャイキンとピーター・フェルドマンが加わった。この前衛的な劇団は、政治的、芸術的、社会的な問題を探求した。チルトンとヴィオラ・スポリンから着想を得た即興的な手法で作品を制作した劇団は、「音と動き」や「変容」といった有名なエクササイズを生み出し、ポーランドのイェジー・グロトフスキの「貧しい演劇」を先取り、あるいは同時期に展開した革新的な形式と技法を創り出した。 1960年代、チャイキンとオープン・シアターは、俳優、数脚の椅子、そして簡素な舞台のみで本格的な演劇作品を制作し、俳優たちが即興を通して身体化し発見する一連の変容によって、登場人物、時間、場所を創造した。
西海岸では、ルース・ザポラがアクション・シアターを開発しました。これは、言語、動き、声を等しく扱う、身体を基盤とした即興劇の形式です。アクション・シアターの公演には台本も、事前に計画されたアイデアもなく、長編劇や短編劇が制作されます。サンフランシスコのBATS Improvなどの劇団によって、西海岸では長編劇や物語性のある即興劇が確立されています。この形式により、長編劇やミュージカルを即興で制作することが可能です。
90年代後半から、即興劇を舞台以外の場所でツールとして使う方法として応用即興劇の分野が生まれ、即興劇を研究した多くの人々は、即興劇の指導原則は舞台上だけでなく日常生活でも役立つと指摘している。 [ 15 ]例えば、スティーブン・コルベアは卒業式でのスピーチで次のように述べている。 [ 16 ]
さあ、これからあなたは史上最高の即興劇を始めようとしています。台本なし。何が起こるか全く見当もつかない。見知らぬ人や場所で、しかもあなたは何もコントロールできない。だから「イエス」と言いましょう。運が良ければ、あなたにも「イエス」と答えてくれる人が見つかるでしょう。
ティナ・フェイは著書『Bossypants』の中で、職場に適用できる即興劇のルールをいくつか挙げている。[ 17 ]即興劇の教訓を企業社会に取り入れることには大きな関心が寄せられている。ニューヨーク・タイムズ紙の「経営幹部は台本を無視することを学べるか？」という記事の中で、スタンフォード大学の教授で作家のパトリシア・ライアン・マドソンは、「経営幹部やエンジニア、そして変化の途上にある人々は、自分の声にイエスと言うためのサポートを求めている。多くの場合、私たちを安全に保つために導入したシステムが、私たちのより創造的な自己を妨げているのだ」と述べている。
多くの監督が、主流映画と実験映画の両方の制作において即興性を活用してきた。チャールズ・チャップリンやバスター・キートンといった多くのサイレント映画監督は、映画制作において即興性を活用し、撮影中にギャグを考案したり、筋書きをそれに合わせて変更したりした。マルクス兄弟は、与えられた脚本から逸脱することで有名であり、彼らのアドリブはしばしば定番のルーティンとなり、映画にも取り入れられた。しかし、多くの人はアドリブと即興を区別している。[ 18 ]
イギリスの映画監督マイク・リーは、映画制作において即興を多用しており、映画には登場しない登場人物の人生における重要な瞬間を即興で演じることもある。クリストファー・ゲスト監督の『スパイナル・タップ』やその他のモキュメンタリー映画は、台本のある素材と台本のない素材を組み合わせて制作された。『ブルー・イン・ザ・フェイス』は、ウェイン・ワンとポール・オースターが監督した1995年のコメディ映画で、 『スモーク』の撮影中の即興が一部で用いられている。
俳優との作品制作において即興演技を取り入れたことで知られるアメリカの映画監督には、ロバート・アルトマン、クリストファー・ゲスト、ロブ・ライナーなどがいる。
即興コメディのテクニックは、ラリー・デヴィッドが制作したHBO のCurb Your Enthusiasm、イギリスの Channel 4 と ABC のテレビシリーズWhose Line Is It Anyway (およびそのスピンオフであるDrew Carey's Green Screen ShowとDrew Carey's Improv-A-Ganza )、ニック・キャノンの即興コメディ番組Wild 'n Out、そしてThank God You're Hereなどのヒットテレビ番組でも使用されています。非常に初期のアメリカの即興テレビ番組は、1949 年 10 月 15 日にニューヨークのWOR-TVで初放送され、22 エピソードにわたって放送された、毎週 30 分番組What Happens Now? [ 19 ]でした。「The Improvisers」は、視聴者から提案された状況に基づいて即興の寸劇を演じる 6 人の俳優 (ラリー・ブライデン、ロス・マーティン、ジーン・アレクサンダー (当時はジーン・パグスリー) でした。カナダでは、シリーズ「Train 48」は各シーンの最小限の概要を記した台本に基づいて即興で制作され、コメディシリーズ「This Sitcom Is...Not to Be Repeated」ではエピソード中に帽子から引いたセリフが取り入れられた。アメリカの番組「Reno 911!」にもプロットの概要に基づいた即興のセリフが含まれていた。「Fast and Loose」は「Whose Line Is It Anyway?」によく似た即興ゲームショーである。BBCのシットコム「Outnumbered」[ 20 ]と「The Thick of It」[ 21 ]にも即興の要素がいくつか含まれていた。
意識の心理学の分野では、エーベルハルト・シャイフェレが、学術論文「演技：意識の変容状態」で、俳優や即興劇俳優が経験する意識の変容状態を探求した。[ 22 ] G・ウィリアム・ファーシングは、比較研究「意識の心理学」の中で、俳優は日常的に意識の変容状態（ASC）に入ると述べている。[ 23 ]演技は、ファーシングによればASCを特徴づける14の次元の変化した主観的経験のほとんどを変化させるものと見なされている。すなわち、注意、知覚、イメージと空想、内言、記憶、高次の思考プロセス、経験の意味または重要性、時間の経験、感情の感覚と表現、覚醒レベル、自己制御、暗示性、身体イメージ、および個人的アイデンティティの感覚である。
認知心理学や神経心理学の分野では、即興劇は多くの認知プロセス、特に注意力を伴うようです。[ 24 ]即興劇は、10代の若者や年配の成人の創造性[ 25 ] [ 26 ]、不確実性への対処[ 26 ] 、物語のスキル[ 27 ]、不安の軽減[ 28 ]を向上させることができます。[ 29 ]
成長を続けるドラマセラピーの分野では、ドラマセラピーのために開発された他のテクニックとともに、心理劇的即興が広く用いられています。 「はい、そして…」ルールは、ミルトン・H・エリクソンの活用プロセスや、さまざまな受容ベースの心理療法と比較されています。即興トレーニングはカップルセラピーやセラピストトレーニングに推奨されており、即興トレーニングは社会不安障害のいくつかのケースに役立つ可能性があると推測されています。[ 30 ] [ 31 ]
即興演劇は、観客との双方向的な関係性を生み出すことが多い。即興劇団は、インスピレーションの源泉として、観客を巻き込む手段として、そして舞台が台本通りではないことを証明する手段として、観客から提案を募ることが多い。しかし、その批判は時に、この分野の巨匠たちに向けられる。彼らの演技はあまりにも緻密に描かれているため、観客は場面が綿密に計画されているのではないかと疑うことがあるからだ。
即興劇が成功するためには、参加する即興俳優が協力して、シーンのパラメーターとアクションを共同創造のプロセスで定義する必要があります。シーンで話される言葉やアクションごとに、即興俳優は「提案」をします。これは、シーンの現実の何らかの要素を定義することを意味します。これには、他のキャラクターに名前を付けたり、関係や場所を特定したり、マイムを使用して物理的な環境を定義したりすることが含まれます。これらの活動は「エンダウメント」とも呼ばれます。他の即興俳優は、仲間のパフォーマーが行った提案を受け入れる責任があります。そうしないことは、ブロッキング、否定、または拒否と呼ばれ、通常はシーンの展開を妨げます。一部のパフォーマーは、コメディ効果のために意図的にブロッキング（または役から外れること）することがあります。これは「ギャギング」と呼ばれますが、これは一般的にシーンの進行を妨げ、多くの即興俳優から好ましく思われません。提案を受け入れると、通常は新しい提案が追加され、多くの場合、以前の提案に基づいて構築されます。これは即興劇の演者が「イエス、アンド...」と呼ぶプロセスであり、即興劇のテクニックの基礎と考えられています。追加される新しい情報はすべて、即興劇の演者がキャラクターを洗練させ、シーンのアクションを進めるのに役立ちます。しかし、「イエス、アンド...」ルールはシーンの初期段階に適用されます。なぜなら、この段階で「基本（または共有）現実」が確立され、その後、「もし（これが真実なら）、次に（他に何が真実になり得るか）」という手法を適用してシーンをコメディへと発展させることで再定義されるからです。これは、アップライト・シチズンズ・ブリゲードのメンバーによる2013年のマニュアルで説明されています。[ 32 ]
インプロは台本がない性質上、シーンで役立つ小道具について事前に知っておく必要もありません。インプロ劇団は、すぐに使える小道具をある程度用意しているかもしれませんが、多くのインプロバイザーは、マイムを通して得られる無限の可能性を優先して小道具を避けます。インプロでは、これは「マイム」よりも「スペースオブジェクトワーク」または「スペースワーク」としてよく知られており、このテクニックによって作られる小道具や場所は、ヴィオラ・スポリンによってテクニックとして開発された「スペース物質」から作られた「スペースオブジェクト」です。[ 5 ]すべてのインプロの「オファー」と同様に、インプロバイザーは、自分自身と仲間のパフォーマーによって定義された想像上の環境の妥当性と連続性を尊重するように奨励されます。これは、たとえば、テーブルを通り抜けたり、他のインプロバイザーの銃による複数の銃創を「奇跡的に」生き延びたりしないように注意することを意味します。
即興劇では、準備なしに様々な役を演じることが求められる場合があるため、状況に応じて身体表現、ジェスチャー、アクセント、声色の変化、その他のテクニックを用いて、素早くキャラクターを構築できる能力が必要です。即興劇では、年齢や性別の異なるキャラクターを演じることもあります。キャラクターの動機は即興劇の成功に不可欠な要素であり、即興劇者は、自分の演じるキャラクターが追求するであろう目的に沿って行動するよう努めなければなりません。
複数のシーンで構成される即興劇では、シーンの切り替えを示すために事前に合意された合図が用いられます。多くの場合、これは「ワイプ」と呼ばれる、出演者がシーンの前を走るという形で行われます。また、登場人物を軽く叩いて登場させたり退場させたりする方法も用いられます。現在そのシーンに参加していない出演者は、舞台の脇や後ろに立っていることが多く、舞台中央に出入りすることでシーンに登場したり退場したりします。
多くの劇団は、即興劇の上演に力を注ぎ、トレーニングセンターを通じて即興劇コミュニティの育成に努めている。
営利目的の劇団に加えて、アメリカをはじめ世界中には、大学を拠点とする即興劇グループが数多く存在する。
ヨーロッパでは、抽象、シュール、非合理、潜在意識といった要素が演劇に特別な貢献をしてきたことが、何世紀にもわたる舞台芸術の伝統の一部となっています。1990年代以降、ヨーロッパでは即興劇グループが数多く設立され、ダンス、動き、音、音楽、仮面劇、照明など、即興パフォーマンスにおける抽象表現の可能性を探求してきました。これらのグループは、技法としても効果としてもコメディに特に関心があるわけではなく、むしろヨーロッパ演劇において長らく正当な要素であった技法やアプローチを取り入れることで、即興劇というジャンルを拡張することを目指しています。
ブレイブ・ニュー・ワークショップ・コメディ・シアター（BNW）は、ミネソタ州ミネアポリスを拠点とするスケッチコメディと即興コメディの劇場です。1958年にダドリー・リッグスによって設立されたBNWのアーティストたちは、62年間、ライブスケッチコメディと即興パフォーマンスの脚本執筆、上演、制作を行ってきました。これは、国内のどの劇場よりも長い期間です。[ 33 ] BNWの著名な卒業生には、ルーイ・アンダーソン、モー・コリンズ、トム・デイビス、アル・フランケン、ペン・ジレット、カール・ランブリー、ポール・メンゼル、パット・プロフト、アニー・レイアソン、テイラー・ニコライ、ナンシー・スティーン、ピーター・トーラン、リンダ・ウォーレム、リズ・ウィンステッド、ピーター・マクニコル、メリッサ・ピーターマン、セドリック・ヤーボローなどがいます。
即興演劇の発展における主要人物には、シカゴの有名なセカンド・シティ劇団の創設者であり、シアターゲームの創始者であるヴィオラ・スポリンとその息子ポール・シルズ、そして（チャーナ・ハルパーンと共に）インプロオリンピックの創設者であり、ハロルドとして知られる人気の長編即興形式の創始者であるデル・クローズなどがいる。その他には、シアター・マシーンを創設し、その教えが人気の短編シアタースポーツ形式の基礎となっているイギリスの教師であり作家でもあるキース・ジョンストン、ジョンストンのシアタースポーツから家族向けのショー形式を発展させたコメディスポーツの創設者であるディック・チャドノウ、そしてホームレスや里子など、従来とは異なる観客に合わせてパフォーマンスを調整することで「コミュニティ・アウトリーチ」の概念を開拓したマジック・ミートハンズの創始者兼ディレクターであるビル・ジョンソン[ 34 ]などがいる。
デビッド・シェパードは、ポール・シルズと共にシカゴでコンパス・プレイヤーズを設立した。シェパードは真の「人民劇場」を発展させることに熱心で、ストックヤードに政治劇を持ち込むことを望んでいた。コンパスは、セカンド・シティの設立後、ニューヨークやハイアニスなど多くの都市でさまざまな形態や劇団で公演を続けた。コンパスのメンバーの多くは、セカンド・シティの創設メンバーでもあった。1970年代、シェパードはグループで制作したビデオの実験を始めた。彼はこれらの取り組みについて『That Movie In Your Head』を執筆している。1970年代、デビッド・シェパードとハワード・ジェロームは、競技ベースの即興劇の形式である即興オリンピックを創設した。即興オリンピックは、1976年にトロントのホームメイド・シアターで初めて披露され、カナディアン・インプロ・ゲームズとして継続されている。米国では、即興オリンピックは後にチャーナ・ハルパーンによって「ImprovOlympic」という名前で制作され、現在は「IO」となっている。 IOはシカゴとロサンゼルスにトレーニングセンターと劇場を運営している。IOでハルパーンはシェパードの「タイムダッシュ」ゲームとデル・クローズの「ハロルド」ゲームを組み合わせた。ハロルドの改訂版フォーマットは、現代のロングフォーム即興劇の発展のための基本的な構造となった。[ 35 ]
1975年、ジョナサン・フォックスはプレイバック・シアターを創設した。これは即興的な地域演劇の一形態であり、必ずしもコメディではなく、観客から寄せられた物語を再現するものである。
グラウンドリングスは、カリフォルニア州ロサンゼルスにある人気と影響力のある即興劇の劇場兼トレーニングセンターです。グラウンドリングスの創設者である故ゲイリー・オースティンは、全米各地で即興劇を教え、特にロサンゼルスに力を入れていました。彼はアメリカで最も偉大な演技指導者の一人として広く称賛されていました。彼の活動は、デル・クローズと共にザ・コミッティで即興劇俳優として学んだ教訓と、グラウンドリングスの創設ディレクターとしての経験に基づいています。グラウンドリングスは、即興劇の「第二世代」のパフォーマーや劇団のロサンゼルスにおけるトレーニングの場としてよく知られています。スタン・ウェルズはここで「クラップ・イン」スタイルの長尺即興劇を開発し、後にこれを自身の劇場であるジ・エンプティ・ステージの基礎とし、そこからこのスタイルを採用する複数の劇団が生まれました。スタンの長年の生徒の一人であるデビッド・コフは、スタンの哲学をロングフォーム・インプロに取り入れ、クラップイン・スタイルの編集をオレゴン州ポートランドにある彼のチェンジ・スルー・プレイ・インプロ・スタジオ[ 36 ]に持ち込み、生徒たちの舞台訓練に活用している。
1990年代後半、マット・ベッサー、エイミー・ポーラー、イアン・ロバーツ、マット・ウォルシュはニューヨークにアップライト・シチズンズ・ブリゲード・シアターを設立し、後にロサンゼルスにも設立した。どちらの劇場にも即興コメディ／スケッチコメディの学校が併設されていた。2011年9月、UCBはニューヨーク市イーストビレッジに3番目の劇場「UCBeast」をオープンした。
Hoopla Improは、英国で最も長く続いている即興劇団の創設者です。[ 37 ] [ 38 ]また、毎年英国即興劇フェスティバル[ 39 ]と即興劇マラソン[ 40 ] [ 41 ]も開催しています。
2015年、フリー・アソシエーションはアメリカの即興演劇学校に対抗する形でロンドンに開校した。[ 42 ]
2016年、グラスゴー・インプロ・シアターはグラスゴーのオールド・ヘアードレッサーズ・バーでショーやクラスを開催し始め、スコットランドの即興劇シーンを盛り上げた。[ 43 ]
2017年、ブリストル・インプロブ・シアター（BIT）は、南西部で初めて即興演劇専用の常設会場となった。[ 44 ]ブリストル・インプロブ・シアターは2012年に設立され、2013年からブリストルのクリフトンにあるポーランド退役軍人クラブに拠点を構えるまで、ブリストルのさまざまな会場でショー、ワークショップ、フェスティバルを開催していた。[ 45 ]クラウドファンディング、募金イベント、個人投資を通じて、BITは建物を引き継ぎ、2017年3月3日にブリストル・インプロブ・シアターとして会場を再開した。[ 46 ]
ギュンター・レーゼルは、既存の即興演劇理論（モレノ、スポリン、ジョンストン、クローズなど）を比較し、それらを体系化して即興演劇の一般理論を執筆した。[ 47 ]
アラン・アルダの著書『もし私があなたの言っていることを理解していたら、こんな顔をしていただろうか？』[ 48 ]は、即興劇が科学分野におけるコミュニケーションをどのように改善するかを考察している。この本は、ストーニーブルック大学のアラン・アルダ科学コミュニケーションセンターでの彼の研究に基づいている。この本には、即興演劇ゲームがコミュニケーション能力を高め、共感力を育む方法を示す多くの例が掲載されている。
ブレイブ・ニュー・ワークショップは、1958年以来ミネアポリスで大胆で面白く、示唆に富むオリジナルのコメディ、即興劇、風刺劇を制作しており、これは米国のどの劇場よりも長い歴史を持つ。
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