歌舞伎

歌舞伎（かぶき）は、日本の古典演劇の一種で、劇的なパフォーマンスと伝統的な舞踊が融合した演劇である。歌舞伎は、高度に様式化されたパフォーマンス、華やかで装飾の施された衣装、一部の役者が施す手の込んだ隈取 化粧で知られている。歌舞伎という用語は、若い侍のパトロンを表す動詞に由来し、「風変わりな」または「型破りな」という意味である。^[1]

歌舞伎は、その創始者である出雲阿国が京都で舞踊や寸劇を演じる女性の舞踊団を結成した江戸時代初期に始まったと考えられています。1629年に女性が歌舞伎劇場で演技することを禁止された後、この芸術形式は現在の男性のみの演劇形式に発展しました。歌舞伎は17世紀後半を通じて発展し、18世紀半ばに最盛期を迎えました。

2005年、歌舞伎は顕著な普遍的価値を有する無形文化遺産としてユネスコにより宣言され、2008年にはユネスコの無形文化遺産の代表的な一覧表に記載されました。^[2]

歌舞伎という語を構成する個々の漢字は、 「歌」、「舞」、「技」と読むことができる。そのため、歌舞伎は「歌と踊りの芸術」と翻訳されることもある。しかし、これらは当て字であり、実際の語源を反映していない。「技」という漢字は、一般的に歌舞伎劇場の演者を指す。

歌舞伎という言葉は、「傾く」または「普通でない」を意味する動詞「かぶく」から派生したと考えられているため、 「前衛的な」または「奇妙な」演劇とも解釈できます。^[3] 「歌舞伎者」という表現は、もともと奇妙な服を着た人々を指していました。英語では「奇妙なもの」または「クレイジーなもの」と翻訳されることが多く、侍のギャングが着用した服装スタイルを指しています。

歌舞伎の歴史は、江戸時代の1603年に、出雲大社の巫女で あった出雲阿国が、京都の鴨川の川床に仮設の舞台を作り、若い女性ダンサーの一団とともに、パントマイムという新しいシンプルなスタイルの舞踊劇を演じ始めたことに始まった[ 4 ] ^{[ 5] [6] [7]。}

歌舞伎の初期の形態では、女性が男性と女性の両方を演じ、日常生活を題材にした喜劇を演じていました。この形式はすぐに人気を博し、阿国は朝廷で演技するよう求められました。このような成功を受けて、すぐにライバルの一座が結成され、女性によるアンサンブルダンスとドラマとして歌舞伎が誕生しました。

この時代の歌舞伎の魅力の多くは、多くの劇団が取り上げた下品で挑発的なテーマによるものでしたが、多くの演者が売春にも関わっていたという事実によって、この魅力はさらに高まりました。^[3]このため、この時期の歌舞伎は「遊女歌舞妓」としても知られていました。

歌舞伎は日本の遊郭、特に江戸の公認遊郭である吉原[8]で一般的な娯楽となった。歌舞伎の幅広い^人気により、様々な社会階級の人々が公演を見るために集まることが多く、これは江戸の街の他の場所では見られないユニークな出来事であった。歌舞伎劇場は、観客（一般的に社会的に低いが経済的に裕福な商人）が公演をファッショントレンドを紹介する手段として利用していたため、ファッションやスタイルを見るだけでなく見られる場所としてよく知られるようになった。

芸術形式としての歌舞伎は、三味線で演奏される新しい音楽スタイル、見た目がドラマチックな衣装やファッション、有名な俳優や物語が時事問題を反映したものであることなど、独創的で新しい娯楽の形も提供しました。公演は通常朝から日没まで続き、周囲の茶屋では食事や飲み物、社交の場が提供されました。歌舞伎劇場の周辺には、歌舞伎の土産物を販売する店も数多くありました。

公演後、女性の演者は余裕のある客に性的サービスを提供した。^[4] 若い侍たちの間で喧嘩が勃発することがよくあったため、秩序を維持したい幕府は女性の舞台出演を禁止した。^[4]この禁止令を受けて、阿国は歌舞伎の公演で女性を少年に置き換えた。^[4] 17世紀初頭、少年愛が侍の間で蔓延していた文化の中で、彼女の決定は劇場の人気に大きな影響を与えなかった。^[4]実際、少年愛への関心で知られる3代将軍家光の注目を集めたため、歌舞伎にとってはプラスになったかもしれない。 ^[4]家光は特別公演を企画した。しかし、1651年に家光が亡くなり、侍たちが女の子ではなく男の子の注目を集めようと争うようになった後、幕府はさらなる制限を課し、舞台に立つことができるのは15歳以上の男性のみとした。^[4]

1600年代半ばに、歌舞伎は野郎歌舞伎と呼ばれる成人男性の役者によって演じられるようになりました。 ^[9]しかし、成人男性役者は女性と男性の両方の役を演じ続け、歌舞伎は人気を保ち、江戸時代の都市生活様式の重要な要素であり続けました。

歌舞伎は日本全国で広く上演されていましたが、中村座、市村座、河原崎座が最も広く知られ、人気のある歌舞伎劇場となり、最も成功した歌舞伎公演のいくつかはここで開催され、現在も開催されています。^[7]

1628年から1673年にかけて、女性と少年の禁止令に続いて、現代版の男性のみの歌舞伎役者、野郎歌舞伎（文字通り「若者歌舞伎」）として知られる歌舞伎のスタイルが確立された。「女方」（文字通り「女役」）または「お山」として知られる男装の男性役者が、それまで女性または若衆が演じていた役を引き継いだ。若い（思春期の）男性は、外見があまり男性的ではなく、声のピッチが高いため、依然として女性役に好まれた。歌舞伎の思春期の男性の役は若衆と呼ばれ、若い男性が演じることも多く、その魅力で選ばれることが多かった。これは一般的な慣習となり、若衆はエロティックな文脈で上演されることが多かった。^[10]

歌舞伎の公演も、舞踊と並んで演劇に重点が置かれるようになっていった。しかし、歌舞伎の猥褻な性質は変わらず、男性俳優は女性客と男性客の両方のために性行為も行っていた。観客は頻繁に騒ぎ、時には特に人気のある俳優やハンサムな俳優の好意をめぐって乱闘が勃発したため、幕府はまず女方、次いで若衆の役を短期間禁止したが、どちらの禁止も1652年までに撤回された。^[11]

元禄時代には歌舞伎が盛んになり、歌舞伎の芝居の構造が現在のような形式に整えられ、伝統的な登場人物の比喩など、歌舞伎の伝統の重要な要素として認識されるようになった他の多くの要素も生まれました。歌舞伎と人形浄瑠璃（後に文楽として知られるようになった精巧な人形劇）は密接に結びつき、お互いのさらなる発展に影響を与え合いました。

有名な劇作家近松門左衛門は、プロの歌舞伎劇作家の一人としてこの時期にいくつかの影響力のある作品を制作しましたが、通常彼の代表作とされる『曽根崎心中』は、もともと文楽のために書かれたものです。多くの文楽の劇と同様に、この劇も歌舞伎に翻案 され、やがて人気が高まり、実際に多くの「模倣」自殺を引き起こしたと伝えられ、1723年に政府によって心中物（心中を題材とした劇）が禁止されるに至りました。

また、元禄時代には、歌舞伎役者の初代市川團十郎による「見得」のスタイルが開発され、^{[12]歌舞伎役者がいくつかの演目で着用する仮面のような}隈取化粧も開発されました。^[13]

18 世紀半ば、歌舞伎は一時人気を失い、下層階級の間では文楽が最高の舞台娯楽の地位を占めるようになりました。これは、当時、優れた文楽の劇作家が数人登場したことが一因です。18 世紀末に再び人気が復活するまで、歌舞伎のさらなる発展に注目すべき出来事はほとんどありませんでした。

1840年代、度重なる干ばつにより江戸では火災が相次ぎ、伝統的に木造であった歌舞伎劇場が頻繁に焼失し、多くの劇場が移転を余儀なくされた。1841年に中村座のあった場所が完全に破壊されたとき、将軍は劇場の再建は消防法に違反するとして許可しなかった。^[9]

幕府は、歌舞伎劇場で商人、役者、遊女の間で行われていた社交や取引をほとんど認めず、翌年の火災危機を利用して、中村座、市村座、河原崎座を江戸の北郊である浅草に移転させた。これは、幕府が1842年から過度の享楽を制限するために施行した、より大規模な天保の改革の一部であった。 ^[14]役者、舞台係、その他の公演関係者も、生計を失った結果、移転を余儀なくされた。歌舞伎公演に関わるすべての人、および周辺地域の多くの人々が劇場の新しい場所に移ったにもかかわらず、距離の不便さから​​観客は減少した。^[7]これらの要因と厳しい規制により、江戸では歌舞伎の多くが「地下」に追いやられ、公演は当局の監視を避けるために場所を変えた。

劇場の新しい場所は猿若町と呼ばれました。徳川幕府の統治の最後の30年間は「猿若町時代」と呼ばれることが多く、日本史上最も誇張された歌舞伎のいくつかを生み出したことでよく知られています。^[7]

猿若町は、中村座、市村座、河原崎座の新しい劇場街となった。この地区は、浅草のメインストリートに位置し、小さな街の真ん中を走っていた。通りの名前は、1624年に中村座で江戸歌舞伎を始めた猿若勘三郎にちなんで改名された。^[7]

ヨーロッパの芸術家たちは日本の演劇や芸術作品に注目し始め、クロード・モネなど多くの芸術家が日本の木版画にインスピレーションを受けた。この西洋人の関心は、日本の芸術家たちが劇場、遊郭、大通りなどの日常生活の描写を増やすきっかけとなった。歌川広重は浅草猿若町時代の猿若を題材にした版画シリーズを制作した。^[7]

歌舞伎は別の場所で復活したが、移転によって衣装、メイク、ストーリー展開など、この伝統の最も豊富なインスピレーションが失われてしまった。四代目市川小團 次は猿若町時代に最も活躍し成功した役者の一人と考えられている。魅力がないとみなされた彼は、主に河竹黙阿弥の書いた劇で舞踊を演じた。黙阿弥は明治時代にも作品を残した。[7] 河竹黙阿弥は江戸の^人々の日常生活を描いた戯曲をよく書いた。彼は七五調のセリフや「清元」などの音楽を導入した。^[7]猿若町時代が終わり、劇場が江戸に戻ると彼の歌舞伎公演は非常に人気となり、彼の作品の多くは現在でも上演されている。

1868年、徳川家が滅亡し、天皇が復古しました。明治天皇が復権し、京都から新しい首都である江戸、つまり東京に移り、明治時代が始まりました。^{[9]歌舞伎は再び江戸の歓楽街に戻り、明治時代を通じて、現代的なスタイルの歌舞伎劇やパフォーマンスが登場するにつれて、ますます過激になっていきました。劇作家は歌舞伎に新しい}ジャンルを導入する実験を行い、伝統的な物語にひねりを加えました。

1868年以降、徳川幕府の崩壊、武士階級の消滅、日本の西洋への開国など、大きな文化的変化が歌舞伎の再興を促した。役者と劇作家はともに、外国からの新たな影響に直面し、上流階級の間で歌舞伎の評判を高めようと努力し、部分的には伝統的なスタイルを現代の好みに合わせるなどした。この努力は成功し、1887年4月21日には天皇が歌舞伎公演を主催した。^[15]

第二次世界大戦後、占領軍は1931年以来日本の戦争努力の強力な支持基盤を形成してきた歌舞伎を一時的に禁止した。 ^[16]この禁止は、第二次世界大戦後にアメリカ軍占領軍が制定したメディアと芸術形式に対するより広範な制限と連動していた。^[17]しかし、1947年までに歌舞伎の禁止は撤回されたが、検閲規則は残った。^[18]

第二次世界大戦後の占領期間は歌舞伎にとって困難な時期であった。戦争が国に与えた物理的影響と荒廃に加え、一部の思想流派は戦前の日本のスタイルと芸術形式の両方を拒絶することを選んだが、その中には歌舞伎も含まれていた。^[19]この時期の演出家武智鉄二の人気が高く革新的な歌舞伎古典作品は、関西地方で歌舞伎への新たな関心を呼び起こしたとされている。^[20]武智歌舞伎に出演した多くの人気若手スターの中で、三代目中村鴈治郎（1931年生まれ）は、現在の名を名乗る前は中村扇雀として知られていたが、その中心人物であった。この時期の大阪の歌舞伎は、彼に敬意を表して「扇雀の時代」として知られるようになった。^[20]

今日、歌舞伎は日本の伝統的な演劇の中で最も人気があり、そのスター俳優はテレビや映画の役で頻繁に出演しています。^[21]有名な女形俳優の五代目坂東玉三郎は、歌舞伎以外の演劇や映画にも数多く出演しており、その多くは女性の役です。

歌舞伎はアニメなどの日本の大衆文化にも登場する。東京や京都にある数少ない大劇場に加え、大阪や地方にも多くの小劇場がある。[ 22 ^]長野県大鹿町を拠点とする大鹿歌舞伎一座はその一例である。[ ^23]

地方の歌舞伎一座の中には、現在では女形の役に女性俳優を起用しているところもある。女性だけの劇団である市川少女歌舞伎劇団は1953年にデビューし、大きな称賛を浴びたが、歌舞伎一座の大多数は男性のみの出演者のままである。^[24]

1975年にイヤホンガイドが導入され^[25] 、 1982年には英語版も導入され^[25] 、歌舞伎という芸術形式の魅力を広げる一助となった。その結果、1991年に東京で最も有名な歌舞伎劇場の一つである歌舞伎座は通年公演を開始し^[25]、2005年には歌舞伎映画の宣伝を開始した。^[26]歌舞伎一座は定期的にアジア^[27] 、ヨーロッパ^[28]、アメリカ^{[29]をツアーしており、}シェイクスピアなどの西洋劇を歌舞伎をテーマにした作品もいくつか上演されている。西洋の劇作家や小説家も歌舞伎のテーマを試しており、その一例がジェラルド・ヴィゼナーの『広島武芸』（2004年）である。作家の三島由紀夫は、歌舞伎を現代に取り入れる先駆者であり、普及させたほか、能などの伝統芸能を現代の文脈に合わせて復活させた。日本国外にも歌舞伎一座が設立されている。例えばオーストラリアでは、オーストラリア国立大学の座歌舞伎一座が1976年以来毎年歌舞伎を上演しており、^[30]日本国外での定期的な歌舞伎公演としては最長である。^[31]

2002年11月、歌舞伎創始者出雲阿国を讃え、歌舞伎400年を記念して像が建てられた。^[32]京都に残る最後の歌舞伎劇場である南座^{[33]の斜め向かい、 [33]}鴨川にかかる 橋（四条大橋） ^[33]の東端に建っている。

歌舞伎は2005年にユネスコ無形文化遺産に登録された。^{[34] [35]}

市川猿翁^[36]は、歌舞伎の伝統的な慣習をほぼ維持しながらも、「スーパー歌舞伎」と呼ばれる新しいジャンルの歌舞伎作品を生み出し、その魅力を広げることを目指しました。 1986年に初演された最初のスーパー歌舞伎作品であるヤマトタケルを皮切りに、2014年からはナルトやワンピースなどのアニメをベースにした作品をはじめ、伝統的な演劇のリメイクや新しい現代的な作品が全国の地方劇場で上演されてきました。

^{スーパー歌舞伎は}、伝統芸能の改変の程度に関して日本国民の間で論争を巻き起こした。^[37] 400年の歴史を失ったと言う人もいれば、^[引用^{が必要]、}現代に即した改変が必要だと考える人もいる。いずれにせよ、新しい舞台装置、衣装、照明に高度な技術を取り入れて以来、スーパー歌舞伎は若い世代の関心を再び集めている。^{[38] [39]}

さらに、スクウェア・エニックスは、 2022年に東京放送と共同で『ファイナルファンタジーX』のスーパー歌舞伎化を発表した。 『木下グループ新作歌舞伎ファイナルファンタジーX』と題されたこの作品は、 『ファイナルファンタジー』シリーズ35周年記念の一環として、2023年3月4日から4月12日までIHIステージアラウンド東京で上演される予定である。^{[40] [41]}

歌舞伎の舞台には、花道と呼ばれる突起物があります。これは、観客席に向かって伸びる通路で、劇的な入場や退場はこの通路を通って行われます。阿国も、取り巻きとともに花道の舞台で演技をしました。この舞台は、メインの舞台への行き来のための通路や通路としてだけでなく、重要な場面もこの舞台で演じられます。

歌舞伎の舞台や劇場は着実に技術的に洗練され、18世紀には回り舞台や落とし戸などの革新が導入された。その原動力となったのは、歌舞伎演劇の頻繁なテーマである、突然の劇的な啓示や変化を表現したいという願望であった。^{[42]俳優の素早い登場と消失など、多くの舞台トリックはこれらの革新を利用している。「観客に芝居をかける」と訳されることが多い}「外連」という言葉は、これらのトリックの総称として使われることもある。花道や、回り舞台、セリ、チュノリなどのいくつかの革新はすべて歌舞伎に貢献している。花道は奥行きを生み出し、セリとチュノリはどちらも垂直方向の次元を提供する。

回り舞台は享保年間（1716～1735年）に発達しました。この技はもともと、円形の車輪付き台を舞台上で押すことで実現されていました。後に、円形の台が舞台に埋め込まれ、その下に車輪が付いて動きやすくなりました。暗転（「暗転」）技法では、この移行中に舞台の照明を暗くします。より一般的には、照明は赤転（「明転」）のために点灯したままにされ、劇的な効果を出すために移行シーンを同時に演じることもあります。この舞台は、18世紀初頭に日本で初めて建てられました。

セリとは、18 世紀中ごろから歌舞伎でよく使われる舞台の「仕掛け」のことです。この仕掛けは、役者や舞台装置を舞台上で上げたり下げたりします。セリ出しまたはセリ上げは仕掛けが上方に動くこと、セリ下げまたはセリ下ろしは仕掛けが下方に動くことを指します。この技法は、シーン全体を一度に持ち上げるときによく使用されます。

宙乗り（ちゅうのり）は、19世紀中頃に登場した、役者の衣装をワイヤーで固定し、舞台や客席の特定の場所を「飛ぶ」という演出方法である。ミュージカル『ピーターパン』でピーターが空中に飛び上がるワイヤートリックに似ている。これは現在でも歌舞伎で最も人気のあるケレン（視覚的トリック）の一つであり、国立劇場、歌舞伎座、南座などの主要な歌舞伎劇場には必ず宙乗りの装置が設置されている。 ^[43]

舞台装置は、幕が開いたまま、俳優が舞台上にいる間に途中で変更されることがあります。これは、引道具、または「小さな台車舞台」を使用して行われることがあります。この技法は、車輪付きの台に乗って舞台装置や俳優を舞台に出入りさせるもので、18 世紀初頭に始まりました。また、舞台係が舞台に駆けつけ、小道具、背景、その他の舞台装置を追加したり取り外したりすることも一般的です。これらの黒子(くろこ)は常に全身黒の服を着ており、伝統的に目に見えないと考えられています。舞台係は、早変わり(「早替え技法」)と呼ばれるさまざまな素早い衣装替えにも協力します。登場人物の本当の姿が突然明らかになる場合は、引き抜きやぶっかけなどの手法がよく使用されます。これは、ある衣装を別の衣装の上に重ね、舞台係が観客の前で外側の衣装を引き剥がすというものです。

公演前と休憩中にステージを覆う幕は、伝統的な黒、赤、緑のさまざまな色の順番、または緑ではなく白の縦縞です。幕は一枚で構成されており、スタッフが手で片側に引き戻します。

緞帳と呼ばれる追加の外側の幕は、西洋の影響がもたらされた明治時代まで導入されませんでした。これらは見た目がより華やかで、織り物です。これらは公演が行われる季節を描写しており、有名な日本画家によってデザインされることがよくあります。^[44]

17 世紀の日本の封建制度では、武士や貴族の容姿を真似ることや、豪華な生地を使うことが禁じられていたため、歌舞伎の衣装は一般大衆にとって画期的な新しいデザインとなり、今日まで続くトレンドを生み出しました。

最古の歌舞伎衣装は保存されていないが、浮世絵と呼ばれる記録文書に基づいて、代々歌舞伎業界に携わってきた家系の協力を得て、男方と女方の別々の歌舞伎衣装が今日作られている。[ 45 ]^俳優が衣装として着用する着物は、通常、鮮やかな色と複数の層で作られている。男方と女方の両方が、いくつかの演劇で袴（プリーツの入ったズボン）を着用し、衣装の下にパッドを使用して衣装の正しい体型を作り出している。

歌舞伎の化粧は、この芸術形式に馴染みのない人でも簡単に認識できるスタイルの要素を提供します。特徴的な舞台化粧の白いおしろいのベースを作るために米粉が使用され、隈取は顔の線を強調または誇張して、劇的な動物や超自然的な仮面を作り出します。隈取の色はキャラクターの性質を表現します。赤い線は情熱、英雄的行為、正義などの肯定的な特徴を示すために使用され、青や黒は悪人、嫉妬などの否定的な特徴、緑は超自然、紫は高貴さを示します。^[13]

歌舞伎衣装のもう一つの特徴は、かつらである。^[45]役者は役柄ごとに異なるかつらを着用する。かつらは、役者にぴったり合うように特注で作られた、手で叩いた薄い銅の土台から作られており、それぞれのかつらは通常、伝統的な方法でスタイリングされる。かつらに使用される毛は通常、ハボタイの土台に手縫いされた本物の人間の毛であるが、一部のかつらスタイルではヤクの毛や馬の毛が必要となる。

歌舞伎の演劇の 3 つの主要なカテゴリは、時代物(時代物、歴史的または戦国時代以前の物語)、世話物(世話物、「国内」または戦国時代以降の物語)、および所作事( 「舞踊作品」)です。^[46]

時代物、または歴史劇は、日本の歴史上の大きな出来事を背景にした作品です。江戸時代の厳しい検閲法により、当時の出来事の表現、特に幕府を批判したり悪評を立てたりすることは禁じられていましたが、その施行方法は年々大きく異なっていました。多くの演目は、1180年代の源平合戦、1330年代の南北朝時代などの歴史的出来事を背景にしたものでした。検閲官を苛立たせたのか、多くの演目はこれらの歴史的背景を当時の出来事の隠喩として用いました。歌舞伎の演目の中でも最も有名な『仮名手本忠臣蔵』は、その好例です。表面上は1330年代に設定されていますが、実際は当時（18世紀）の四十七士の仇討ちを描いています。

時代物が一般的に武士階級に焦点を当てていたのに対し、世話物は主に町民や農民といった庶民に焦点を当てていました。英語では「domestic plays」と呼ばれることが多い世話物は、一般的に家族ドラマやロマンスをテーマにしています。最も有名な世話物には、文楽の劇作家近松の作品を翻案した心中劇があります。これは、さまざまな事情で生きている間に一緒にいられず、代わりに死を共にすることを決意するロマンチックなカップルを描いています。ほとんどの世話物ではないにしても、多くの世話物には、この社会的圧力と制限というテーマの重要な要素が含まれています。

所作事の曲は舞に重点が置かれており、セリフの有無にかかわらず、舞踊によって感情や性格、筋を伝えることができる。 ^[47]このような曲では、衣装を素早く着替える技法が用いられることもある。有名な例としては『娘道成寺』や『連獅子』などがある。長唄の囃子方は、踊り手の後ろの段差のある台の上に一列に座ることもある。 ^[48]

歌舞伎の重要な要素に「見得」があり、役者が絵になるポーズをとって役柄を確立する。[ ^42]このとき、熟練した観客が屋号を大きな声で叫ぶことがあり（掛け声）、役者の功績に対する観客の感謝の気持ちを表現し、高める役割を果たす。役者の父親の名前を叫ぶことで、さらに大きな賛辞を捧げることができる。

主演俳優は、酔っ払って堕落した人物と、忠臣蔵の由良之助のように弱さを偽っているだけで実際はまったく異なる人物との間の幅広い感情を表現しなければなりません。これは腹芸または「腹の演技」と呼ばれ、役柄を変えるために内面から演技しなければならないことを意味します。技術的に演技が難しく、習得するのに長い時間がかかりますが、一度習得すると観客は俳優の感情を受け入れます。

感情は、歌舞伎の重要な要素である衣装の色彩によっても表現されます。派手で強い色彩は愚かな感情や楽しい感情を伝え、厳粛で落ち着いた色彩は真剣さや集中力を伝えます。

歌舞伎は、日本で伝統的に演じられてきた他の演劇形式と同様に、1 つの芝居が数幕で構成され、1 日かけて上演されるという丸 1 日のプログラムで上演されていました (現在でも時々そうなっています)。しかし、これらの芝居、特に世話物は、通常、他の芝居の幕と組み合わせられて丸 1 日のプログラムが作られました。これは、歌舞伎芝居の各幕が、それ自体で独立したパフォーマンスとして機能することが一般的だったためです。対照的に、世話物は、通常、他の芝居の幕と組み合わせられることはなく、上演に丸 1 日かかります。

一日がかりの公演の構成は、主に文楽と能楽の慣習から派生したものです。その中でも最も重要なのは序破急という概念で、演劇のペースの慣習で、芝居の動きはゆっくり始まり、加速し、素早く終わるべきであるとされています。能の劇作家である世阿弥によって詳細に説明されたこの概念は、俳優の動きだけでなく、芝居の構造、そして一日のプログラム内の場面や芝居の構造をも規定しています。

ほぼすべての長編劇は5幕から成ります。第1幕は「序」にあたり、観客に登場人物とあらすじを紹介する縁起の良いゆっくりとした幕開けです。次の3幕は「破」にあたり、ここで出来事は加速し、ほとんどの場合第3幕でドラマや悲劇の大きな瞬間を迎え、第2幕または第4幕では戦いとなることもあります。最終幕は「休」にあたり、ほとんどの場合短く、素早く満足のいく結末を迎えます。^[49]

多くの戯曲は歌舞伎のためだけに書かれたが、浄瑠璃、能、民話、あるいは平家物語の口承伝承などの他の芸能伝承から取られた作品も数多くある。浄瑠璃はシリアスで感情的にドラマチックで組織化された筋書きになる傾向があるのに対し、歌舞伎のために特別に書かれた戯曲は一般的にもっとゆるやかでユーモラスな筋書きになる。^[50]

浄瑠璃と歌舞伎の決定的な違いは、物語の焦点の違いである。浄瑠璃は物語とそれを語る謡い手に焦点を当てているのに対し、歌舞伎は役者自身により焦点を置いている。浄瑠璃は謡い手のために舞台装置や人形、動きの細部を犠牲にすることがあるが、歌舞伎は役者の才能を際立たせるためにドラマや筋書きさえも犠牲にすることが知られている。歌舞伎では、個々の役者に合わせて、一日のスケジュールから個々の場面を挿入したり削除したりすることは珍しくなかった。役者が有名になった場面や、役者が出演する場面は、筋書きの連続性に関係なくプログラムに挿入された。^[50]また、役者が多くの楽器に堪能で、舞台上で生演奏する必要があるため、あまり上演されない演目もあったが、そのようなスキルを持つ役者はほとんどいなかった。^[51]

江戸と上方では歌舞伎の伝統が異なり、江戸時代を通じて江戸歌舞伎は役者の容姿、衣装、舞台装置、大胆な見得など、いずれも派手さが特徴であった。一方、上方歌舞伎は自然で写実的な演技スタイルを重視した。江戸時代末期になってようやく、この2つのスタイルが融合し始めた。^[52]それ以前は、異なる地域の役者が他の場所で公演する際に演技スタイルを調整できず、通常の公演地域以外での公演が失敗に終わることが多かった。

今日では多くの有名な戯曲が知られていますが、最も有名なものの多くは江戸時代中期に書かれ、もともとは文楽のために書かれました。

• 仮名手本忠臣蔵は、大石四十七人の浪士たちが、主君である浅野内匠頭の死を前に自害する^[53]この物語は日本で最も人気のある伝統的な物語の一つであり、18世紀の日本の歴史における有名なエピソードに基づいている。
• 『義経 千本桜』は源義経が兄頼朝の手先から逃げる物語である。源平合戦で殺されたとされる平家の三人の武将と源九郎という狐が重要な役割を担っており、彼らの死によって戦争は完全に終結し平和が訪れる。^[54]
• 『 菅原伝授手習鑑』は、京都から追放され、死後、都で数々の災難を引き起こした菅原道真（845-903）の生涯を題材にしていますの神である天神として神格化され、その怒りを鎮めるために崇拝されました。^[53]

歌舞伎役者はみな芸名を持っていますが、それは生まれたときの名前とは違います。これらの芸名は、ほとんどの場合、役者の父、祖父、または師匠の名前であり、役者の家系間で代々受け継がれ、大きな名誉と重要性を持っています。多くの名前は特定の役柄や演技スタイルと関連しており、各名前の新しい所有者はこれらの期待に応えなければなりません。俳優は名前を引き継ぐだけでなく、その名前を以前に保持した各俳優の精神、スタイル、またはスキルを体現しているという感覚があります。多くの俳優は、キャリアの過程で少なくとも3つの名前を使用します。

襲名（しゅうめい）は、歌舞伎劇場で観客の前で行われる盛大な襲名儀式です。多くの場合、複数の俳優が 1 回の儀式に参加し、新しい芸名を名乗ります。襲名への参加は、俳優としてのキャリアの新たな章への第一歩を踏み出すことを表します。

歌舞伎俳優は通常、演劇の流派に属していたり​​、特定の劇場に所属しています。

• 秋田
  • 小坂
• 東京
  • 歌舞伎座
  • 明治座
  • 新橋演舞場
  • 国立劇場
• 京都
  • 南座
• 大阪
  • 新歌舞伎座(新座(大阪) )
  • 大阪松竹座（大阪松竹座）
• 名古屋
  • 御園座
  • 末広座
• 福岡
  • 博多座
• 香川
  • 琴平 金丸座

歌舞伎は、その始まりから今日まで、日本文化の重要な一部分であり続けています。歌舞伎の物語や役者は、木版画、書籍、雑誌、口承、後年の写真など、さまざまな芸術形式で再現されてきました。また、歌舞伎は日本で流通している書籍や物語の影響を受けており、現在もその影響を受けています。その一例としては、広く人気のある『南総里見八犬伝^{』 [55]}が、歌舞伎の舞台でさまざまなエピソードとして演じられました。

労働者階級が舞台の外で歌舞伎を楽しむ重要な方法の一つは、農村歌舞伎（じゅうぞうかぶき）と呼ばれる自家製のショーだった。^[56]「アマチュア歌舞伎」とも呼ばれるこれらのショーは、日本全国の地方で行われていたが、最も一般的に行われていたのは岐阜県と愛知県であった。特に岐阜県では、農村歌舞伎は毎年秋祭りの目玉であり、村国神社で300年以上にわたって子供たちによる歌舞伎の再現が行われてきた。

歌舞伎の文化の中心地である江戸（後の東京）に近づくにつれ、庶民は公演に行かなくても公演を楽しむ方法があった。文楽（人形劇）^[57]は、歌舞伎よりも短く、庶民にとってより手頃なタイプの公演だった。文楽の公演は歌舞伎の筋書きに基づいていることが多く、2つのスタイルは共通のテーマを共有していた。歌舞伎新報（歌舞伎のニュース）^[58]は、庶民とエリートの間で同様に歌舞伎を消費するためのもう一つの人気のある媒体だった。この雑誌の発行期間中、公演に行けない人々が歌舞伎文化の活気を楽しむことができた。

• 日本劇場
• 勘亭流は歌舞伎などの演劇を宣伝するために考案された書体である。
• 狂言は歌舞伎の発展に影響を与えた日本の伝統的な喜劇である。
• 歌舞伎役者の化粧の跡をアートやお土産として残す「押熊」
• 能は日本の伝統的な演劇である。
• 文楽は日本の伝統的な人形劇で、その脚本をもとに多くの歌舞伎が作られました。
• 有名な歌舞伎役者の家系としては、次のようなものがあります。
  • 市川團十郎
  • 市川海老蔵
  • 松本幸四郎
  • 中村勘三郎
  • 片岡仁左衛門
• 『歌舞伎新報』は1879年から1897年まで発行された日本の歌舞伎雑誌。
• サージェント・カブキマン NYPD は、ロイド・カウフマンとマイケル・ハーツが監督し、トロマ・エンターテインメントが配給した1991 年のコメディスーパーヒーロー映画です。
• カブキブ！は、歌舞伎を愛する少年を描いたライトノベル、マンガ、アニメシリーズです。
• カタカリ
• 靖州
• ヤクシャガナ
• バリ舞踊

• 川竹俊夫（2006年）『歌舞伎：芸術のバロック的融合』東京：アイハウス・プレス。
• 松井袈裟子（2016）『歌舞伎は日本の鏡：進化する感性を垣間見る10の演目』東京：日本出版文化財団。

ウィキメディア・コモンズには、歌舞伎、歌舞伎役者、歌舞伎劇場に関連するメディアがあります。

無料辞書『ウィクショナリー』で「歌舞伎」を調べてみましょう。

• 歌舞伎ウェブ - 松竹の英語版歌舞伎公式サイト
• イヤホンガイド 2021年11月21日アーカイブWayback Machine —英語版イヤホンガイド
• 歌舞伎 21 - 日本の伝統的な演劇芸術である歌舞伎のすべて: 芸術、演劇、現代の偉大なスター、過去の伝説、劇場、歴史、用語集、伝統、英雄、派生作品。
• 国立国会図書館：東京京橋区木挽町の歌舞伎座の写真（1900年）。覚木座（1901年）。覚木座（1909年）。歌舞伎座（1911年）。歌舞伎座（1912年）。覚木座（1915年）
• 歌川国芳 (1798–1861) による歌舞伎版画
• 日本造幣局：歌舞伎コインセット
• 初代市川團十郎による歌舞伎『鳴神』の音声録音（LostPlays.com）
• 1969 年の歌舞伎に関する「カメラ スリー」番組 (音声のみ、ファビオン バワーズ他出演)
• コレクション:ミシガン大学美術館の「歌舞伎画像」
• 「歌舞伎の演技と版画の表現」展は、ミズーリ大学美術考古学博物館のウェイバックマシンで2021年4月15日にアーカイブされました。