俳優

俳優とは、作品の中で登場人物を演じる人のことである。 ^[1]俳優は、伝統的な演劇媒体、または映画、ラジオ、テレビなどの現代の媒体で「生身で」演技する。類似のギリシャ語はὑποκριτής ( hupokritḗs ) で、文字通り「答える者」である。^[2]俳優の役の解釈、つまり演技の芸術は、実在の人物に基づいているか架空の人物に基づいているかにかかわらず、演じる役に関係する。これは「俳優の役」と見なすこともできるが、これは劇場で巻物が使われていたことからそう呼ばれている。実験的なパフォーマンスアートの一部のように、俳優が「自分自身を演じている」場合でも、解釈が行われる。

かつて、古代ギリシャや中世世界、そしてウィリアム・シェイクスピアの時代のイギリスでは、俳優になれるのは男性だけで、女性の役は一般的に男性か少年が演じていた。^[3]古代ローマでは女性の舞台出演は認められていたが、セリフのある役を与えられたのはごく少数だった。しかし、イタリアのコンメディア・デラルテでは、早くからプロの女性の出演が認められていた。 1564年10月10日の俳優契約書に名前が記載されているルクレツィア・ディ・シエナは、名前が知られている最初のイタリア人女優と呼ばれており、ヴィンチェンツァ・アルマーニとバルバラ・フラミニアはイタリア（そしてヨーロッパ）で最初のプリマドンナであり、最初に記録に残る女優である。 ^{[4] 1660年の}イギリス王政復古後、イギリスでは女性が舞台に立つようになった。現代では、特にパントマイムや一部のオペラで、女性が少年や若い男性の役を演じることがある。^[5]

俳優が演技をしたという記録が残っているのは紀元前534年（長年にわたる暦の変遷により正確に特定するのは困難だが）で、ギリシャの俳優テスピスがディオニュソス劇場の舞台に立ち、劇や物語の登場人物として言葉を話した最初の人物として知られるようになった。テスピスの演技以前は、ギリシャの物語は歌、踊り、三人称の語りでのみ表現されていた。テスピスに敬意を表して、俳優は一般にテスピアンと呼ばれる。古代ギリシャの劇場では、男性俳優のみが3種類の演劇を演じた。悲劇、喜劇、サテュロス劇である。^[6]これはローマ帝国の統治下で大幅に発展し、拡大した。古代ローマの劇場は、祭りでの街頭演劇、裸踊り、アクロバットから、シチュエーションコメディの上演、高級で言葉が凝った悲劇まで、多岐にわたる芸術形態が盛んであった。

4世紀から5世紀にかけて西ローマ帝国が衰退していくと、ローマ帝国の拠点は東のコンスタンティノープルに移された。記録によれば、パントマイム、パントマイム、悲劇や喜劇の場面や朗読、ダンス、その他の娯楽が非常に人気があった。5世紀から、西ヨーロッパは全般的な混乱の時代に突入した。この時期、小規模な遊牧民の俳優団がヨーロッパ中を旅し、観客が見つかる場所ならどこでも公演を行った。彼らが粗野な場面以外を上演したという証拠はない。^[7]伝統的に、俳優の地位は高くなかったため、中世初期には、旅回りの劇団はしばしば不信感を抱かれていた。中世初期には、俳優は危険で不道徳で異教徒であると見なされ、暗黒時代に教会から非難された。ヨーロッパの多くの地域では、その地域と時代の伝統的信仰により、俳優はキリスト教の埋葬を受けることができなかった。

中世初期には、ヨーロッパの教会で聖書の出来事を劇化したものが上演され始めた。11世紀半ばまでに、典礼劇はロシアからスカンジナビア、イタリアに広まった。愚者祭りは喜劇の発展を促した。中世後期には、127の町で演劇が上演された。これらの地方語のミステリー劇には喜劇が含まれることが多く、俳優は悪魔、悪役、道化師を演じた。^[8]これらの劇の俳優の大半は地元の人々から選ばれた。イングランドのアマチュア俳優は男性のみだったが、他の国では女性の俳優もいた。

中世には世俗的な演劇がいくつか上演されたが、その最も古いものは、1276年にアダム・ド・ラ・アールが上演した『緑の森の劇』である。この劇には、風刺的な場面や、妖精やその他の超自然現象などの民間伝承が盛り込まれている。茶番劇も、13世紀以降に人気が高まった。後期中世の終わりには、イギリスやヨーロッパでプロの俳優が現れ始めた。リチャード3世とヘンリー7世は、ともにプロの俳優の小さな一座を維持していた。16世紀半ばからは、コンメディア・デラルテの一座が何世紀にもわたってヨーロッパ全土で活気のある即興小劇を上演した。コンメディア・デラルテは俳優中心の劇場で、必要な背景や小道具はごくわずかだった。演劇は、状況、複雑な状況、行動の結果を提供する緩やかな枠組みであり、それに沿って俳優が即興で演じた。演劇では定番の登場人物が使われた。一座は通常、13～14人のメンバーで構成されていた。ほとんどの俳優は、役柄の大きさにほぼ等しい額の劇の収益の分配金を支払われた。

ルネサンス演劇は、ミステリー劇、道徳劇、アテネ悲劇の再現を試みた大学演劇など、中世の演劇の伝統から派生したものです。イタリアの伝統であるコンメディア・デラルテや、宮廷で頻繁に上演された凝った仮面劇も、公共劇場の形成に貢献しました。エリザベス1世の治世以前から、一座の劇団が有力貴族の家に所属し、季節ごとにさまざまな場所で公演していました。これが、エリザベス朝の舞台で演技するプロの劇団の基盤となりました。

ピューリタンが舞台に反対し、ロンドンでのすべての演劇の上演が禁止されたとき、劇場の発展と演技の機会は途絶えました。ピューリタンは劇場を不道徳とみなしていました。1660 年に劇場が再開されたことは、イギリス演劇の復興の兆しとなりました。1660 年から 1710 年にかけての王政復古期に書かれ、上演されたイギリスの喜劇は、総称して「王政復古喜劇」と呼ばれています。王政復古喜劇は、性的な露骨さで有名です。この時点で、女性は初めてイギリスの舞台に出演することが許され、女性役のみで出演しました。この時期に、最初のプロの女優が登場し、最初の有名俳優が台頭しました。

19世紀には、俳優に対する悪い評判は大きく覆され、演技は名誉ある人気の職業、芸術となった。^[9]俳優が有名人として台頭したことで、観客がお気に入りの「スター」に群がるようになり、変化がもたらされた。俳優兼マネージャーに新たな役割が生まれ、彼らは独自の会社を設立し、俳優、作品、資金を管理した。^[10]成功すると、彼らは作品に群がる常連客を獲得した。彼らは全国ツアーに出かけ、シェイクスピアなどの有名な劇のレパートリーを演じることで、観客を増やすことができた。新聞、プライベートクラブ、パブ、コーヒーショップでは、スターと作品の相対的な価値を評価する活発な議論が繰り広げられた。ヘンリー・アーヴィング（1838年 - 1905年）は、イギリスの俳優兼マネージャーの中で最も成功した人物である。^[11]アーヴィングはシェイクスピアの役柄で有名で、観客ではなく舞台に注目が集まるように劇場の照明を消すなどの革新的な手法も採用した。彼の劇団はイギリス全土、ヨーロッパ、アメリカを巡業し、スター俳優や有名な役柄が熱心な観客を惹きつける力を発揮した。1895年にナイト爵位を授与されたことは、イギリス社会の上層部に完全に受け入れられたことを意味した。^[12]

20世紀初頭までに、大規模プロダクションの経済性が俳優・マネージャーモデルに取って代わった。演技とマネジメントの両方の才能を持つ人材を見つけるのは非常に困難だったため、専門化によって役割が分担され、舞台監督や後には劇場監督が登場した。財政的に、大都市で活動するにははるかに大きな資本が必要だった。解決策は、シアトリカル・シンジケート、エドワード・ローリラード、そして特にシューバート・オーガニゼーションなどの劇場チェーンを企業所有することだった。大都市の劇場は観光客を相手に、ミュージカルなど人気の高い演劇の長期上演をますます好むようになった。大物スターがさらに不可欠になった。^[13]

• 古典演技は、身体表現、声、想像力、個性化、即興、外部刺激、脚本分析を統合した演技哲学です。コンスタンチン・スタニスラフスキーやミシェル・サン＝ドニなど、選りすぐりの古典俳優や演出家の理論とシステムに基づいています。
• スタニスラフスキーのシステム（スタニスラフスキーメソッドとも呼ばれる）では、俳優は自分の感情や経験を利用して、演じるキャラクターの「真実」を伝えます。俳優はキャラクターの心境に身を置き、共通点を見つけることで、より本物のキャラクターの描写をします。
• メソッド演技法は、リー・ストラスバーグが考案した、俳優が演じるキャラクターのより優れた性格描写を習得するための訓練法である。ストラスバーグのメソッドは、役に対する感情的および認知的理解を深めるために、俳優は自分の経験を利用してキャラクターと個人的に同一視すべきであるという考えに基づいている。これはスタニスラフスキーのシステムの側面に基づいている。ステラ・アドラーやサンフォード・マイズナーなどの他の演技法もスタニスラフスキーの考えに基づいているが、これらは「メソッド演技法」とはみなされていない。^[14]
• マイスナー技法では、俳優は他の俳優が現実に存在し、その瞬間にのみ存在するかのように、完全に他の俳優に集中する必要があります。これは、シーン内の俳優が観客にとってより本物らしく見えるようにする手法です。これは、演技は他の人や状況に対する人々の反応に表現されるという原則に基づいています。これはスタニスラフスキーのシステムに基づいていますか。

かつて、一部の社会では、俳優になれるのは男性のみでした。古代ギリシャや古代ローマ^[15]、中世の世界では、女性が舞台に立つことは不名誉なこととされていました。しかし、古代ローマでは女性が演技をし、16世紀にはイタリアのコンメディア・デラルテで再び舞台に登場しました。ルクレツィア・ディ・シエナは、おそらく古代ローマ以来初のプロの女優となりました。フランスとスペインにも、16世紀には女性俳優がいました。しかし、ウィリアム・シェイクスピアの時代のイギリスでは、女性の役は一般的に男性または少年が演じました。^[3]

1660年のイギリス王政復古後、 18年間続いたピューリタンによる演劇禁止令が撤廃されると、イギリスでは女性が舞台に立つようになった。マーガレット・ヒューズは、イギリスの舞台で最初のプロの女優としてよく知られている。 ^[16]それ以前には、イタリアから来日したコンメディア・デラルテ劇団の一員であるアンジェリカ・マルティネッリが、1578年には早くもイギリスで公演を行っていたが^[17] 、そのような外国人客演はまれな例外であり、イギリスにはプロのイギリス人女優はいなかった。この禁止令はチャールズ2世の治世中に廃止されたが、その理由の1つはチャールズ2世が舞台上の女優を見るのが好きだったからである。^[18]具体的には、チャールズ2世はトーマス・キリグルーとウィリアム・ダヴェナントに特許状を発行し、2つのロンドン劇団を結成して「シリアス」な演劇を上演する独占権を与えた。この特許状は1662年に再発行され、女優が初めて上演できるように改訂された。^[19]

OEDによると、女優という語が初めて登場したのは1608年で、ミドルトンによるものとされている。19世紀には、女優は娼婦であることが多く、乱交と関連付けられていたため、女性の演技を否定的に見る人が多かった。こうした偏見にもかかわらず、19世紀にはサラ・ベルナールに代表される最初の女性演技「スター」も登場した。^[20]

日本では、江戸時代に女性が舞台に立つことを禁じられていたため、歌舞伎では男性が女性役を演じた女形が使われ、この慣習は現在も続いている。京劇などの一部の中国演劇では、伝統的に男性が女性役も含めてすべての役を演じてきたが、紹興劇では女性が男性役も含めてすべての役を演じることが多い。^[21]

近代では、女性が少年や若い男性の役を演じることも時々ありました。たとえば、ピーターパンの舞台の役は伝統的に女性が演じ、イギリスのパントマイムの少年の主役のほとんども同様です。オペラには、伝統的に女性、通常はメゾソプラノが歌う「ズボン役」がいくつかあります。例としては、 『ヘンゼルとグレーテル』のヘンゼル、『フィガロの結婚』のケルビーノ、『ばらの騎士』のオクタヴィアンなどがあります。

映画で女性が男性の役を演じることは珍しいが、注目すべき例外がある。1982年、スティナ・エクブラッドは『ファニーとアレクサンダー』でミステリアスなイスマエル・レツィンスキーを演じ、リンダ・ハントは『危険な情事』でビリー・クワンを演じてアカデミー助演女優賞を受賞した。2007年、ケイト・ブランシェットは『アイム・ノット・ゼア』で1960年代のボブ・ディランを架空の人物として描いたジュード・クインを演じてアカデミー助演女優賞にノミネートされた。

2000年代には、女性が男性を演じるという演劇は、性別が重要でない役柄に男性キャラクターが多く登場するシェイクスピア作品などの古い演劇では特に一般的になっています。^[5]

喜劇や映画では、喜劇効果のために俳優が異性の格好をすることも長年の伝統となっている。シェイクスピアの喜劇のほとんどには、 『真夏の夜の夢』のフランシス・フルートのように、あからさまな女装の例が含まれている。映画『フォーラムへ行く途中でおかしなことが起こった』では、ジャック・ギルフォードが若い花嫁に扮している。ビリー・ワイルダーの映画『お熱いのがお好き』で、トニー・カーティスとジャック・レモンがギャングから逃れるために女性の格好をしたことは有名である。喜劇効果のために女装することは、ほとんどの『キャリー・オン』映画で頻繁に使われた手法である。ダスティン・ホフマンとロビン・ウィリアムズはそれぞれ、ヒットコメディ映画（それぞれ『トッツィーとミセス・ダウト』）に出演し、ほとんどのシーンで女性の格好をして演じた。

時折、問題はさらに複雑になる。例えば、映画「ヴィクター/ビクトリア」のジュリー・アンドリュースや映画「恋におちたシェイクスピア」のグウィネス・パルトロウのように、女性が男性の役を演じ、その後女性のふりをするというケースがある。映画「イッツ・パット」では、映画鑑賞者は両性具有の主人公パットとクリス（ジュリア・スウィーニーとデイヴ・フォーリーが演じる）の性別を決して知ることはない。同様に、前述の映画「フィガロの結婚」の例では、ケルビーノ（女性が演じる男性キャラクター）が女性の服を着て女性のように振舞うシーンがあり、シーンの他のキャラクターは性別役割の曖昧化を1段階だけ認識しているが、観客は2段階に認識している。

現代の役柄のいくつかは、その役柄のジェンダーの流動性を強調するために異性によって演じられる。『ヘアスプレー』のエドナ・ターンブラッドは、1988年のオリジナル映画ではディヴァインが、ブロードウェイミュージカルではハーヴェイ・ファイアスタインが、2007年の映画ミュージカルではジョン・トラボルタが演じた。エディ・レッドメインは、2015年の『リリーのすべて』でリリー・エルベ（トランスジェンダーの女性）を演じ、アカデミー賞にノミネートされた。^[22]

古代ギリシャの演劇とは対照的に、古代ローマの演劇では女性の役者が認められていた。彼女たちの大半はセリフのある役ではなく、むしろダンスの役に就いていたが、ローマにはセリフのある役に就く女優も少数いた。また、エウカリス、ディオニュシア、ガレリア・コピオラ、ファビア・アレテなど、その芸術で富と名声と評価を得た女優もいた。彼女たちは独自の演劇組合、ソシアエ・ミマエを結成しており、明らかにかなり裕福であった。^[23]この職業は古代後期に消滅したようだ。

女性が舞台に立つようになったのは17世紀後半になってからだが、イタリア、スペイン、フランスでは16世紀後半から女性が登場した。 1564年10月10日からローマで女優契約を結んだルクレツィア・ディ・シエナは、名前が知られている最初のイタリア人女優と言われている。ヴィンチェンツァ・アルマーニとバルバラ・フラミニアは、イタリア（そしてヨーロッパ）で最初のプリマドンナであり、記録に残る最初の女優である。^[4]

1660年以降、イギリスで女性が初めて舞台に登場し始めたとき、当初は女性パフォーマーに対してactorとactressという用語が互換的に使用されていましたが、後にフランス語のactriceの影響を受けて、actor が演劇や映画における女性を指す一般的な用語になりました。語源はactorに-essを付け加えたものです。^[24]男女両方のパフォーマーのグループを指す場合は、actorsが好まれます。^[25]

職業上、中立的な用語が再び採用されたのは、文化生活全般に対する女性の貢献が見直されていた1950年代から60年代の戦後期にまで遡る。[26] オブザーバー紙とガーディアン紙が2010年に新しい共同スタイルガイドを発行したとき、そこ^には「[「俳優」]は男性俳優にも女性俳優にも使用し、アカデミー賞のように最優秀女優賞の賞名以外では女優を使用しないこと」と書かれていた。^[25]ガイドの著者は「女優は、作家、コメディアン、女マネージャー、女性医師、男性看護師など、職業が主に一方の性別（通常は男性）の独占だった時代にさかのぼる同様の時代遅れの用語と同じカテゴリーに入る」と述べている。 （男性を標準と見なす）「ウーピー・ゴールドバーグが同紙のインタビューで語ったように、『女優は女性しか演じられない。私は俳優だから、何でも演じられる』」^[25]英国の芸能人組合エクイティは、「俳優」や「女優」の使用に関する方針を持っていない。エクイティの広報担当者は、組合はこの件に関してコンセンサスがあるとは考えておらず、「…この問題は業界を分裂させる」と述べた。^[25] 2009年、ロサンゼルス・タイムズは、女性受賞者に与えられる主要な演技賞では「女優」が依然として一般的な用語であると述べた^[27]（例：アカデミー主演女優賞）。

アメリカ合衆国の映画界では、無声映画の時代や映画製作法の初期の頃には「プレイヤー」という性別に中立な用語が一般的であったが、2000年代の映画の文脈では一般的に時代遅れとみなされている。^{[要出典]しかし、「プレイヤー」は}演劇界では今でも使用されており、アメリカン・プレイヤーズ、イースト・ウエスト・プレイヤーズなどの劇団や会社の名前に組み込まれることが多い。また、即興劇の俳優は「プレイヤー」と呼ばれることもある。^[28]

2015年、フォーブスは「2014年の興行収入上位100本の映画のうち、女性が主演または副主演を務めたのはわずか21本で、興行収入上位100本の映画の登場人物のうち女性が占める割合はわずか28.1%だった」と報告した。^[29]「米国では、あらゆる規模の給与に業界全体で格差がある。平均すると、白人女性は白人男性の1ドルに対して78セントしか稼いでいないが、ヒスパニック系女性は白人男性の1ドルに対して56セント、黒人女性は64セント、ネイティブアメリカン女性は59セントだ」。^[29] フォーブスが2013年に米国の俳優の給与を分析したところ、「その年のフォーブスのトップ俳優リストに載った男性は、2014年の最も稼いだ俳優の2倍の収入を得ていた」と判明した。+1/2⁠最高額の報酬を得ている女優の200倍の収入がある。つまり、ハリウッドで最も報酬の高い女優は、最も報酬の高い男性が稼ぐ1ドルに対してわずか40セントしか稼いでいないということだ。」^{[30] [31] [32]}

演劇、映画、テレビ、ラジオで働く俳優は、特定のスキルを習得する必要があります。あるタイプの演技で有効なテクニックが、別のタイプの演技では有効でない場合があります。

舞台で演技をするために、俳優は「舞台左」や「舞台右」など、台本に出てくる舞台指示を覚える必要がある。これらの指示は、俳優が観客に向かって舞台に立っているときの視点に基づいている。俳優はまた、「舞台上」（観客から離れて）と「舞台下」（観客に向かって）の舞台指示の意味も覚える必要がある。^[33]演劇俳優はブロッキングを覚える必要がある。これは「...俳優が劇中に舞台上のどこをどのように移動するか」である。ほとんどの台本はブロッキングを指定している。監督はまた、舞台を横切ることや小道具を拾って使うことなど、ブロッキングに関する指示を与える。^[33]

演劇俳優の中には、舞台上での戦闘を模擬する舞台戦闘を学ぶ必要がある人もいます。俳優は格闘技や剣術を模擬しなければならない場合があります。俳優は格闘技監督の指導を受け、振り付けされた一連の格闘技の習得を手伝います。 ^[33]

1894年から1920年代後半まで、映画は無声映画だった。無声映画の俳優は、観客が俳優の感情やスクリーン上での演技をよりよく理解できるように、ボディランゲージや表情を強調した。無声映画の演技の多くは、現代の観客には単純すぎる、または大げさに思われがちである。メロドラマ的な演技スタイルは、俳優が以前の舞台経験から移した習慣である場合もあった。多くのアメリカの無声映画俳優にとって、特に人気のあったのはヴォードヴィル劇場だった。^{[34]映画に}舞台俳優が広く浸透していたため、1917年に監督マーシャル・ニーランは「映画界に出てきた舞台俳優が早く引退すればするほど、映画にとって良い」と激怒した。他のケースでは、ジョン・グリフィス・レイなどの監督は、強調するために俳優に実物よりも誇張した表現を要求した。1914年には早くも、アメリカの視聴者はスクリーン上でより自然な演技を好むことを明らかにしていた。^[35]

ヨーロッパとアメリカの先駆的な映画監督たちは、1910年代初頭までに舞台とスクリーンというメディアの異なる限界と自由を認識していた。舞台とスクリーンの違いが明らかになるにつれ、無声映画は1910年代半ばにボードビリアン色が薄れていった。DW・グリフィスなどの監督の作品により、映画撮影は舞台らしさが薄れ、当時革命的だったクローズアップショットによって繊細で自然な演技が可能になった。アメリカでは、DW・グリフィスの会社バイオグラフ・スタジオが、舞台ではなく映画に合わせた革新的な演出と演技で知られるようになった。グリフィスは、演劇的な演技は映画では映えないと認識し、俳優や女優に何週間にもわたる映画演技のトレーニングを義務付けた。^[36]

リリアン・ギッシュは、この時代の作品で映画界の「最初の真の女優」と呼ばれている。彼女は舞台とスクリーンの演技の決定的な違いを認識し、新しい映画演技技法を開拓したからである。アルベール・カペラーニやモーリス・ターナーなどの監督は、映画で自然主義を主張し始めた。1920年代半ばまでに、多くのアメリカの無声映画はより自然主義的な演技スタイルを採用したが、すべての俳優や監督が自然主義的で控えめな演技をすぐに受け入れたわけではなかった。1927年になっても、メトロポリスなどの表現主義的な演技スタイルを特徴とする映画はまだ公開されていた。^[35]

ウィスコンシン大学の無声映画学者アントン・ケーズによれば、アメリカの無声映画では、1913年から1921年の間にドイツの無声映画の技法の影響を受けて演技技法が変化し始めた。これは主に、ワイマール共和国からの移民の流入によるもので、「映画監督、プロデューサー、カメラマン、照明および舞台技術者、俳優、女優など」が含まれていた。^[37]

映画俳優は、カメラが目の前にいることに慣れ、快適に過ごせるようにならなければなりません。^[38]映画俳優は、自分の「マーク」を見つけてそこに留まる方法を学ぶ必要があります。これは、テープでマークされた床上の位置です。この位置は、照明とカメラの焦点が最適化される場所です。映画俳優はまた、スクリーンテストで十分に準備し、うまく演技する方法を学ぶ必要があります。スクリーンテストは、脚本の一部を撮影したオーディションです。

繰り返しの演技のために役柄を作り上げる演劇俳優とは異なり、映画俳優には連続性がないため、全てのシーン（最終的に登場する順番とは逆に撮影されることもある）に、すでに完全に作り込まれた役柄で臨まなければならない。^[36]

「映画は、どんなに小さな仕草でも捉えてそれを大きく見せるので、俳優には演劇ほど派手で様式化された身体表現が求められない。」 「感情表現は、映画俳優が習得するのが最も難しい部分である。映画俳優は、微妙な表情のクネクネ、震え、眉をわずかに上げる動作に頼って、真実味のあるキャラクターを作り上げなければならない。」[ ^36]演劇界のスターの中には、「演劇界から映画界への移行をかなりうまく行った者もいる（例えば、ローレンス・オリヴィエ、グレン・クローズ、ジュリー・アンドリュース）。しかし、そうでない者もいる。」^[36]

「テレビのセットでは、通常、セットに向けられたカメラが複数あります。スクリーンでの演技に慣れていない俳優は、どのカメラを覗けばよいか混乱することがあります。」^[33]テレビ俳優は、ラベリアマイク（ラベリアマイク）の使い方を学ぶ必要があります。^[33]テレビ俳優は、「フレーム」の概念を理解する必要があります。「フレームという用語は、カメラのレンズが捉えている領域を指します。」^[33]演技業界では、テレビ番組で獲得できる役割には4つのタイプがあります。各タイプは、目立つこと、出演頻度、および報酬が異なります。1つ目はシリーズレギュラーとして知られており、番組の常連キャストの一部としてのメイン俳優です。定期的な役割の俳優は、シリーズの複数のエピソードに出演する契約を結んでいます。共演者の役は、通常1つのエピソードにのみ登場する小さなセリフのある役です。ゲストスターは共演者の役よりも大きな役で、キャラクターはエピソードの中心となるか、プロットに不可欠な場合がよくあります。

ラジオドラマは、ラジオで放送されたり、テープやCDなどのオーディオメディアで公開された、ドラマ化された純粋に音響的なパフォーマンスです。視覚的な要素がないため、ラジオドラマは、リスナーが登場人物やストーリーを想像するのに役立つ会話、音楽、効果音に依存しています。「ラジオドラマは、物理的な次元では聴覚的ですが、心理的な次元では視覚的な力として同様に強力です。」^[39]

ラジオドラマは、1920年代に最初に開発されてから10年以内に幅広い人気を獲得しました。1940年代までには、ラジオドラマは国際的な大衆娯楽のリーダーとなりました。しかし、1950年代にテレビが登場すると、ラジオドラマの人気はいくらか低下し、一部の国では大規模な視聴者を再び獲得することはありませんでした。しかし、OTR（オールドタイムラジオ）の録音は、今日でもコレクターや博物館のオーディオアーカイブや、インターネットアーカイブなどのいくつかのオンラインサイトに残っています。

2011年現在^{[アップデート]}、米国の地上波ラジオにおけるラジオドラマの存在感は最小限にとどまっている。米国のラジオドラマの多くは、過去数十年間の番組の再放送やポッドキャストに限られている。しかし、他の国ではラジオドラマの伝統が今も盛んに行われている。たとえば英国では、BBCが毎年何百もの新しいラジオドラマを制作し、ラジオ3、ラジオ4、ラジオ4エクストラで放送している。ポッドキャスティングは、古い番組の配信に加えて、新しいラジオドラマを作成する手段も提供している。

^{「オーディオドラマ」 [40]}または「オーディオシアター」という用語は、「ラジオドラマ」と同義語として使用されることがありますが、1つの違いがあります。オーディオドラマまたはオーディオシアターは、必ずしもラジオでの放送を目的としているわけではありません。オーディオドラマは、新しく制作されたものであれ、OTRの古典であれ、CD、カセットテープ、ポッドキャスト、ウェブキャスト、および従来のラジオ放送で見つけることができます。

デジタル録音とインターネット配信の進歩により、ラジオドラマは復活を遂げている。^[41]

• Csapo, Eric、William J. Slater。1994年。『古代演劇の文脈』。アナーバー：ミシガン大学出版。ISBN 0-472-08275-2。 
• エラム、キール。1980年。『演劇とドラマの記号学』。ニューアクセントシリーズ。ロンドンおよびニューヨーク：メシュ​​ーエン。ISBN 0-416-72060-9。 
• ワイマン、ロバート。1978年。『シェイクスピアと演劇における大衆的伝統：演劇の形式と機能の社会的側面に関する研究』。ロバート・シュワルツ編。ボルチモアおよびロンドン：ジョンズ・ホプキンス大学出版局。ISBN 0-8018-3506-2。 

• コンスタンチン・スタニスラフスキーの『俳優の仕事』
• 情熱の夢：メソッドの開発、リー・ストラスバーグ著（Plume Books、ISBN 0-452-26198-8、1990年） 
• サンフォード・マイズナー著『サンフォード・マイズナーの演技論』（ビンテージ、ISBN 0-394-75059-4、1987年） 
• ロバート・ブルースタイン著『若手俳優への手紙』（ベーシックブックス、ISBN 0-465-00806-2、2005年） 
• ピーター・ブルック著『 The Empty Space』（第 1 版、アセナウム、 ISBN 0-689-70558-1、1968年） 
• ステラ・アドラー著『演技のテクニック』（バンタム・ブックス、ISBN 0-553-05299-3、1988年） 

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• 全米映画俳優組合 (SAG): 米国の映画およびテレビ俳優を代表する組合。
• 俳優組合 (AEA): 米国の演劇俳優と舞台監督を代表する組合。
• アメリカテレビ・ラジオ芸能人連盟 (AFTRA): 米国のテレビ・ラジオ俳優および放送関係者 (オンエアジャーナリストなど) を代表する組合。
• 英国俳優組合: 俳優、歌手、ダンサー、振付師、舞台監督、劇場監督およびデザイナー、バラエティおよびサーカスのアーティスト、テレビおよびラジオの司会者、ワンマンおよび助演アーティスト、スタントマンおよび監督、劇場のファイトディレクターなど、英国のアーティストを代表する労働組合。
• メディア エンターテイメント & アート アライアンス: メディア、エンターテイメント、スポーツ、アート業界のすべての人々を代表するオーストラリア/ニュージーランドの労働組合。