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| フォークミュージック | |
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| 伝統 | 民俗音楽の伝統の一覧 |
| ミュージシャン | フォークミュージシャンのリスト |
| 楽器 | 民族楽器 |
| その他のトピック | |
フォークミュージックは、伝統的なフォークミュージックと、20世紀のフォークリバイバルの間に前者から発展した現代的なジャンルを含む音楽ジャンルです。フォークミュージックのいくつかの種類は、ワールドミュージックと呼ばれることがあります。伝統的なフォークミュージックは、口頭で伝えられる音楽、作曲家が不明の音楽、伝統的な楽器で演奏される音楽、文化的または国家的アイデンティティに関する音楽、世代間で変化する音楽（フォークプロセス）、人々の民間伝承に関連する音楽、または長期間にわたって習慣によって演奏される音楽など、いくつかの方法で定義されてきました。商業的および古典的なスタイルと対比されてきました。この用語は19世紀に生まれましたが、フォークミュージックはそれを超えています。
20世紀半ばから、伝統的なフォーク音楽から新しい形式のポピュラーフォーク音楽が生まれました。このプロセスと期間は（第二次）フォークリバイバルと呼ばれ、1960年代に頂点に達しました。この形式の音楽は、以前のフォーク形式と区別するために、現代フォーク音楽またはフォークリバイバル音楽と呼ばれることもあります。 [1]世界中の他の場所で、より小規模で同様のリバイバルが他の時期に発生しましたが、フォーク音楽という用語は、それらのリバイバル中に作成された新しい音楽には通常適用されていません。このタイプのフォーク音楽には、フォークロック、フォークメタルなどのフュージョンジャンルも含まれます。現代フォーク音楽は、一般的に伝統的なフォーク音楽とは異なるジャンルですが、米国英語では同じ名前を共有し、伝統的なフォーク音楽と同じ演奏者や会場を共有することがよくあります。
伝統的な民俗音楽
| 伝統的な民俗音楽 | |
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| 文体の起源 | 伝統音楽 |
| 文化的起源 | 個々の国または地域 |
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| サブジャンル | |
| 現代フォーク音楽（西洋） 現代フォーク音楽（非西洋） （完全なリスト） | |
| フュージョンジャンル | |
| その他のトピック | |
意味
フォークミュージック、フォークソング、フォークダンスという用語は比較的最近の表現である。これらは、1846年に英国の古物研究家ウィリアム・トムズが「無教養な階級の伝統、慣習、迷信」を説明するために作った「フォークロア」という用語の延長である。 [2]この用語はさらに、半世紀以上前にヨハン・ゴットフリート・ヘルダーとドイツ・ロマン主義者がポピュラー音楽や国民音楽に適用した「全体としての人民」という意味のドイツ語の表現Volkに由来している。 [3]フォークミュージックは人民の音楽であると理解されているが、より正確な定義はつかみにくいと観察者は考えている。[4] [5]中には、フォークミュージックという用語を使用するべきではないという意見もある。[4]フォークミュージックには特定の特徴がある傾向があるが[2]、純粋に音楽的な用語で明確に区別することはできない。よく使われる意味の一つは「作曲家が知られていない古い歌」という意味であり[6]、もう一つの意味は「進化的な口承の過程を経てきた音楽…コミュニティによって音楽が作り直され、その音楽に民俗的な性格を与えてきた」という意味である[7] 。
このような定義は、「抽象的な音楽のタイプではなく、（文化的）プロセス」、つまり「文化的な二分法の一方の側面を特徴付ける継続性と口頭伝承」に依存しており、「文化的な二分法のもう一方の側面は、封建社会、資本主義社会、一部の東洋社会の下層だけでなく、「原始的」社会や「大衆文化」の一部にも見られる」[8] 。広く使われている定義の1つは、「フォークミュージックは人々が歌うものである」というものである[9]。
スコールズ[2]やセシル・シャープ、ベーラ・バルトーク[10]にとって、田舎の音楽は町の音楽とは別物であるという意識があった。フォークミュージックは、すでに「...今はもう過ぎ去った、あるいは消え去ろうとしている（あるいは、場合によっては保存されるか、何らかの形で復活する）生活様式の真の表現と見なされていた」[11] 。特に「芸術音楽」 [7]や商業音楽や印刷された歌曲の影響を受けていないコミュニティではそうだった。ロイドはこれを否定し、単純に経済階級を区別した[10]が、彼にとって真のフォークミュージックは、チャールズ・シーガーの言葉を借りれば、文化的、社会的に階層化された社会において「下層階級と結びついていた」[12]。これらの言葉で言えば、フォークミュージックは「4つの音楽タイプから成る図式、すなわち「原始的」または「部族的」、「エリート」または「芸術」、「フォーク」、「ポピュラー」の一部」とみなすことができる。[13]
このジャンルの音楽は、伝統音楽とも呼ばれる。この用語は通常は説明的な意味しかないが、ジャンル名として使われることもある。例えば、グラミー賞では以前、現代フォークミュージックではないフォークミュージックに対して「伝統音楽」や「伝統フォーク」という用語を使用していた。[14]フォークミュージックには、ほとんどの先住民族の音楽が含まれる可能性がある。[4]
特徴
歴史的な観点から見ると、伝統的な民俗音楽には次のような特徴があります。[12]
- それは口承によって伝えられた。20世紀以前は、一般の人々はたいてい文盲で、歌を暗記することで習得した。主に、これは書籍や録音・伝送メディアによって媒介されたものではない。歌手は大判のパンフレットや歌集を使ってレパートリーを広げることもあるが、こうした二次的な強化は、実際に体験する主要な歌と同じ性質のものである。
- 音楽は多くの場合、国民文化と関連していました。それは文化的に特有であり、特定の地域や文化に由来していました。移民集団の文脈では、フォーク ミュージックは社会的結束のための追加的な側面を獲得します。これは、ギリシャ系オーストラリア人、ソマリア系アメリカ人、パンジャブ系カナダ人などが文化的アイデンティティを強調しようとしている移民社会で特に顕著です。彼らは、祖父母の出身国に由来する歌や踊りを学びます。
- それらは、歴史的および個人的な出来事を記念するものです。クリスマス、イースター、メーデーなどの祝日を含む、1 年の特定の日に、特定の歌で 1 年のサイクルを祝います。誕生日、結婚式、葬儀も、歌、踊り、特別な衣装で祝われることがあります。宗教的な祭りには、多くの場合、民俗音楽の要素があります。これらのイベントでの合唱音楽は、子供やプロではない歌手を公の場に参加させ、音楽の美的性質とは関係のない感情的な絆を生み出します。
- これらの歌は、長い期間、通常は数世代にわたって、習慣的に演奏されてきました。
副作用として、次のような特徴が現れることがあります。
- 歌には著作権はありません。19 世紀の何百もの民謡は作者が分かっていますが、口承で受け継がれ、音楽出版の目的では伝統的とみなされるようになりました。1940 年代以降、こうしたことはほとんどなくなりました。今日では、録音される民謡のほとんどすべてに編曲者のクレジットが付けられています。
- 文化の融合: 文化は時間の経過とともに相互作用し変化するため、時間の経過とともに進化する伝統的な歌には、さまざまな文化の影響が取り入れられ、反映されることがあります。関連する要素には、楽器、調律、発声、フレージング、主題、さらには制作方法などが含まれます。
チューニング
フォークミュージックでは、曲は短い器楽 作品、メロディーであり、しばしば繰り返し部分があり、通常は何度も演奏されます。[15]構造的に類似した曲の集まりは、曲ファミリーとして知られています。アメリカの音楽の風景は、「フォークミュージックの曲の最も一般的な形式はAABBであり、バイナリ形式としても知られています。」と述べています。 [16] [ページが必要]
いくつかの伝統では、曲はメドレーや「セット」で繋がれることがあります。[17]
起源
人類の歴史のほとんどの期間、録音された音楽を聴くことは不可能だった。[18] [19]音楽は一般の人々によって仕事中や余暇中、また宗教活動中に作られた。経済生産の仕事はしばしば肉体労働で共同作業だった。[20] 肉体労働には労働者による歌が含まれることが多く、それはいくつかの実用的な目的を果たした。[21]歌は反復作業の退屈さを軽減し、同期した押し引きのリズムを保ち、植え付け、除草、刈り取り、脱穀、機織り、製粉などの多くの活動のペースを決めた。余暇には、歌ったり楽器を演奏したりすることが娯楽や歴史を語る一般的な形態であり、電子化された技術と広範な識字率によって他の形態の娯楽や情報共有が競合する今日よりもさらに一般的である。[22]
フォークミュージックは芸術音楽として始まり、それが口承によって変化し、おそらくは劣化したが、その音楽を生み出した社会の性格を反映したものだと考える人もいる。[2]多くの社会、特に文字のない社会では、フォークミュージックの文化的伝達には耳による学習が必要であるが、一部の文化では記譜法が発達している。 [23]文化によって、「フォーク」ミュージックと「芸術」および「宮廷」ミュージックの区分に関する概念が異なる場合がある。ポピュラー音楽のジャンルが急増する中で、一部の伝統的なフォークミュージックは「ワールドミュージック」または「ルーツミュージック」とも呼ばれるようになった。[24]
英語の「フォークロア」という語は、伝統的な民俗音楽や舞踊を表すために、多くの大陸ヨーロッパ諸国の語彙に取り入れられ、それぞれの国に民謡収集家や復興主義者がいた。[2] 「本物の」民謡と国民的・ポピュラーソングとの区別は、特にアメリカやドイツでは、常に曖昧であった。[2]例えば、スティーブン・フォスターのようなポピュラーソングライターは、アメリカでは「フォーク」と呼ばれる。[2] [25]国際民俗音楽評議会の定義では、この語は「…個人の作曲家によって創作され、その後、コミュニティの暗黙の生きた伝統に吸収された音楽にも適用できる。しかし、既成の形で引き継がれ、変化のない歌、踊り、曲調は、この語には含まれない」とされている。[26]
第二次世界大戦後のアメリカとイギリスでのフォークリバイバルは、コンテンポラリーフォークミュージックという新しいジャンルを生み出し、「フォークミュージック」という言葉に新たな意味をもたらした。それは、形式が固定され、有名な作曲家によって、何らかの形の伝統音楽を模倣した新しく作曲された曲という意味である。「コンテンポラリーフォーク」レコーディングの人気により、1959年のグラミー賞に「フォーク」というカテゴリーが登場した。 [27] 1970年にはこの用語は廃止され、「最優秀民族または伝統レコーディング（トラディショナルブルースを含む）」に置き換えられた。 [28]一方、1987年には「最優秀トラディショナルフォークレコーディング」と「最優秀コンテンポラリーフォークレコーディング」が区別された。[29]その後、「伝統音楽」カテゴリーが設けられ、その後他のカテゴリーに発展していった。 21世紀初頭までに、「フォーク」という言葉は、スコットランドのドノヴァン[30]やアメリカのボブ・ディラン[31]など、1960年代に登場したシンガーソングライターを含むようになった。これにより、「フォークミュージック」がもはや伝統的なフォークミュージックだけを意味しなくなるというプロセスが完成した。[6]
主題
伝統的な民俗音楽には歌詞が含まれることが多いが、舞踏音楽の伝統では民俗楽器による音楽が一般的に見られる。物語詩は多くの文化の伝統的な民俗音楽で大きな位置を占めている。[32] [33]これには伝統的な叙事詩などの形式が含まれており、その多くはもともと口頭で演奏され、楽器を伴奏することもあった。[34] [35]様々な文化の多くの叙事詩は、伝統的な物語詩の短い断片から組み立てられており、それがエピソード構造、反復要素、頻繁な途中経過での筋書きの展開を説明できる。他の形式の伝統的な物語詩は、戦いの結末を語ったり、悲劇や自然災害を嘆いたりする。[36]
時には、聖書の士師記にある勝利の歌「デボラの歌」 [37]のように、これらの歌は勝利を祝う。多くの伝統では、負けた戦いや戦争、そしてそこで失われた命を嘆く歌も同様に目立っており、これらの嘆きは戦いが戦われた大義を生かし続ける。[38] [39]伝統的な歌の物語では、ジョン・ヘンリー[40] [41]やロビン・フッド[42 ]などの民俗英雄を偲ぶこともよくある。伝統的な歌の物語の中には、超自然的な出来事や謎の死を思い起こさせるものもある。 [43]
賛美歌やその他の宗教音楽は、伝統的で起源が不明なことが多い。[44]西洋の音楽記譜法は、もともとグレゴリオ聖歌の歌詞を保存するために作られたもので、グレゴリオ聖歌は、発明される前は修道院のコミュニティで口承として教えられていました。[45] [46] 「Green grow therushes」や「O present religion」などの伝統的な歌は、西洋のクリスマスキャロルや同様の伝統的な歌と同様に、宗教的な伝承を記憶術の形で提示しています。 [47]
労働歌はコール・アンド・レスポンスの構造を特徴とすることが多く、労働者が歌のリズムに合わせて作業を調整できるように作られています。[48]労働歌は頻繁に作曲されますが、必ず作曲されるわけではありません。アメリカ軍では、活発な口承の伝統として、兵士が行進しているときに歌うジョディコール（「ダックワース・チャント」）が残っています。 [49]職業船員も同様に、大量の船乗りシャンティを使用していました。[50] [51] 多くの場合、悲劇的または後悔的な性質の愛の詩は、多くの民俗伝統で重要な役割を果たしています。 [52]子供たちを楽しませたり落ち着かせたりするために使用される 童謡、子供の歌、ナンセンス詩も、伝統的な歌の主題としてよく使用されます。[53]
民謡の変化と変奏
コミュニティを通じて口伝えで伝えられる音楽は、言葉や音符ひとつひとつの正確さを表現できないため、時間が経つにつれてさまざまなバリエーションが生まれます。さらに、フォークシンガーは聞いた歌に手を加えることもあります。
例えば、1970年頃、Mullā Mohammed Jānという歌はヘラートからアフガニスタン全土に広まり、イランでも録音されました。この歌は、繰り返しのリフレインと各詩の後半部分の予測可能性により、人気が高まり、また各歌手がメロディーや制限された詩的なリズムを過度に気にすることなく、独自のバージョンを作ることができました。[54]
変種は自然に増殖するため、一般に「権威ある」歌のバージョンは存在しません。伝統歌の研究者は、英語圏の各地でバーバラ・アレンのバラードの無数のバージョンに遭遇しており、これらのバージョンは互いに大きく異なることがよくあります。オリジナルは知られておらず、多くのバージョンが同等に本物であると主張できます。
著名な民俗学者セシル・シャープは、伝統的な歌のこれらの競合する変種は、生物学的な自然淘汰に似た改善の過程を経ると考えていました。つまり、一般の歌手にとって最も魅力的な新しい変種だけが、他の人々に取り上げられ、時を経て伝わっていくのです。したがって、時間の経過とともに、コミュニティの漸進的な改善により、各伝統的な歌はより美的に魅力的になることが期待されます。
民衆のバラード形式に対する文学的な関心は、少なくともトーマス・パーシーとウィリアム・ワーズワースにまで遡る。エリザベス朝とステュアート朝のイギリスの作曲家は、しばしば民俗のテーマから音楽を発展させ、古典的な組曲は様式化された民俗舞踊に基づいており、ヨーゼフ・ハイドンが民俗の旋律を使用したことは注目に値する。しかし、「民俗」という用語の出現は、「ヨーロッパ全土での国民感情の爆発」と同時期であり、それは特に国民的アイデンティティが最も主張されていたヨーロッパの端で強かった。中央ヨーロッパ、ロシア、スカンジナビア、スペイン、イギリスで国民主義的な作曲家が登場し、ドヴォルザーク、スメタナ、グリーグ、リムスキー＝コルサコフ、ブラームス、リスト、ファリャ、ワーグナー、シベリウス、ヴォーン・ウィリアムズ、バルトーク、その他多くの作曲家が民俗の旋律を取り入れた。[要出典]
地域形式
ポピュラー音楽の台頭による伝統的な民俗音楽の喪失は世界的な現象であるが、[55]世界中で均一な速度で起こっているわけではない。[56]このプロセスは「文化の産業化と商業化が最も進んでいる場所」で最も進んでいるが[57]、技術的進歩が低い環境でもより緩やかに進行している。しかし、伝統的な民俗音楽が文化的または国民的アイデンティティの象徴となっている国や地域では、伝統音楽の喪失は遅くなる。[要出典]
初期の民俗音楽、フィールドワーク、学問
19世紀にオーディオ録音技術が開発される以前の民俗音楽について知られていることの多くは、フィールドワークや学者、収集家、支持者の著作から得られたものである。[58]
19世紀ヨーロッパ
19世紀以降、学者やアマチュアの学者たちは、音楽の伝統が失われつつあることに着目し、民衆の音楽を保存する様々な取り組みを始めた。[59]そのような取り組みの一つは、 19世紀後半にフランシス・ジェームズ・チャイルドが、イングランドとスコットランドの伝統に基づく300以上のバラード（チャイルド・バラードと呼ばれる）のテキストを収集したことである。その一部は16世紀以前のものであった。[9]
チャイルドと同時期に、サビーヌ・ベアリング＝グールド牧師と後にセシル・シャープが、イングランドフォークダンス＆ソング協会（EFDSS）の傘下で、イングランドの田舎の伝統的な歌、音楽、ダンスの膨大なコレクションの保存に努めた。 [60]シャープは、イングランドの伝統的な歌（彼自身の大幅に編集されたバージョンと削除されたバージョン）を学校の子供たちに教える運動をし、ある程度の成功を収めた。その歌の人気を復活させ、長続きさせることを願っていた。[61] [62 ] 1960年代から1970年代前半にかけて、アメリカの学者バートランド・ハリス・ブロンソンは、チャイルド・カノンとして知られるようになったものに関連する歌詞と曲の両方について、当時知られていたバリエーションを網羅した4巻のコレクションを出版した。[63]彼はまた、口承伝承の仕組みに関する重要な理論も提唱した。[64]
同様の活動は他の国々でも行われていた。最も大規模なものの一つは、おそらくリガのクリスヤニス・バロンズによるもので、彼は1894年から1915年にかけて、217,996曲のラトビア民謡「ラトヴィユ・ダイナス」の歌詞を含む6巻を出版した。[65]ノルウェーでは、ルドヴィグ・マティアス・リンデマンなどの収集家の作品が、エドヴァルド・グリーグのピアノのための抒情小品やその他の作品で広く使用され、絶大な人気を博した。[66]
この頃、クラシック音楽の作曲家たちは伝統歌曲の収集に強い関心を抱き、多くの作曲家が独自の伝統音楽のフィールドワークを行った。イギリスのパーシー・グレインジャー[67]やラルフ・ヴォーン・ウィリアムズ[68] 、ハンガリーのベーラ・バルトーク[69]などがその例である。これらの作曲家は、多くの先人たちと同様に、民謡を編曲したり、伝統的な素材をオリジナルのクラシック音楽作品に取り入れたりした。[70] [71]
北米
オーディオ録音技術の出現は、民俗学者に、消えゆく音楽形式を保存するための革命的なツールを提供した。[72]アメリカの最も初期の民俗音楽研究者は、 1800年代後半に設立されたアメリカ民俗学会（AFS）に所属していた。 [73]彼らの研究は、ネイティブアメリカンの音楽にまで拡大したが、依然として民俗音楽は孤立した社会に保存されている歴史的なアイテムとしても扱われていた。[74]北米では、1930年代から1940年代にかけて、議会図書館が伝統音楽収集家のロバート・ウィンスロー・ゴードン[75] 、アラン・ロマックス[ 76] [77] [78]などの事務所を通じて、北米のフィールド資料を可能な限り収集した。[79] ジョン・ロマックス（アラン・ロマックスの父）は、カウボーイや南部の黒人の音楽など、アメリカ特有の民俗音楽を研究した最初の著名な学者であった。シャープが最初に出版した主要な著作は1911年の『カウボーイ・ソングスとその他のフロンティア・バラッド』である。[80]彼はおそらく、1930年代から1940年代初頭のフォークミュージック復興の初期に特に活躍した、当時の米国フォークミュージック研究者の中で最も著名な人物であった。セシル・シャープはアメリカでも活動し、1916年から1918年にかけてモード・カルプレスやオリーブ・デイム・キャンベルと共同でアパラチア山脈の伝統的な歌を録音しており、アメリカのフォークミュージックを研究した最初の主要な研究者とみなされている。[81]キャンベルとシャープは、現代の映画『ソングキャッチャー』で俳優によって別名で紹介されている。[82]
20世紀初頭の民俗学者の間での強いテーマの一つは地域主義であった[83]。これは、特定の歌の歴史的ルーツに基づくのではなく、米国の地域に基づいて民俗音楽（および関連文化）の多様性を分析するものである。[84] [85]後に、これに階級と状況の力学が加わった。[86]最も著名な地域主義者は、民俗学に特別な関心を持つ文学者であった。[87] [88] カール・サンドバーグは作家および詩人として米国を頻繁に旅した。[89]彼はまた、旅行中に歌を集め、1927年に『アメリカの歌袋』という本にそれらを出版した。[90]ヴァンダービルトで働いていた歴史家レイチェル・ドナルドソンは、後に民俗音楽の復興の分析の中で『アメリカの歌鳥』についてこれを述べている。 「サンドバーグはフォークソング集で、アメリカのフォークミュージックに対する一般の理解に階級の力学を加えた。これは、初期のフォークミュージック復興主義者がアメリカ主義に対する独自の見解を構築した基盤の最後の要素であった。サンドバーグの労働者階級のアメリカ人は、他の学者、知識人、民俗学者が称賛した、民族的、人種的、地域的に多様な市民と結びつき、アメリカのフォークに対する独自の定義、フォーク復興主義者がアメリカのフォークミュージックに対する独自の理解、そして包括的なアメリカのアイデンティティを構築する際に使用した定義となった。」[91]
1930 年代以前は、フォーク ミュージックの研究は主に学者や収集家の領域でした。1930 年代には、民衆や実践者の間で、大恐慌に関連した、より大規模なテーマ、共通性、つながりが生まれ始めました。[92]地域主義と文化的多元主義が影響とテーマとして成長しました。この時期に、フォーク ミュージックは政治的および社会的活動のテーマや運動と絡み合うようになりました。[92]関連する 2 つの展開は、米国共産党がアメリカ人に働きかけ、影響を与える方法としてフォーク ミュージックに興味を持ったことと、[93]政治的に活動的な著名なフォーク ミュージシャンや学者が、大恐慌というレンズを通して共産主義をより良いシステムとして捉えたことです。[94] ウディ ガスリーは、そのような見方をするソングライターやアーティストの代表例です。[95]
1930年代にはフォークミュージックフェスティバルが急増した。[96] フランクリン・ルーズベルト大統領はフォークミュージックのファンで、ホワイトハウスでフォークコンサートを主催し、フォークフェスティバルを頻繁に後援した。 [97]著名なフェスティバルの1つは、1934年にミズーリ州セントルイスで設立されたサラ・ガートルード・ノットのナショナル・フォークフェスティバルである。 [98]ワシントンポスト紙のスポンサーの下、このフェスティバルは1937年から1942年までワシントンD.C.のコンスティチューションホールで開催された。[99]フォークミュージックの運動、フェスティバル、戦時中の取り組みは、民主主義、文化的多元主義、文化や人種に基づく障壁の除去などの社会的利益を推進する力と見なされていた。[100]
1930年代のアメリカのフォーク音楽復興主義者たちは、フォーク音楽にさまざまな方法でアプローチした。[101] 3つの主要な思想流派が生まれた。「伝統主義者」（サラ・ガートルード・ノットやジョン・ロマックスなど）は、歌を消滅した文化の遺物として保存することを強調した。「機能的」民俗学者（ボトキンやアラン・ロマックスなど）は、歌が意味を持つのは、その歌を生み出した伝統を保持する文化によって使用される場合のみであると主張した。「左翼」フォーク音楽復興主義者（チャールズ・シーガーやローレンス・ゲラートなど）は、音楽が「社会的および政治的権利を求める『人々』の闘争」において果たす役割を強調した。[101] 1930年代末までに、これらの人々や他の人々がアメリカのフォーク音楽を社会運動に変えた。[101]
時にはフォークミュージシャン自身が学者や擁護者になることもある。例えば、ジーン・リッチー（1922-2015）は、ケンタッキー州ヴァイパー出身の大家族の末っ子で、古いアパラチアの伝統的な歌を多く保存していた。 [102]アパラチアが外部の影響に開かれていた時代に生きていたリッチーは、大学教育を受け、最終的にニューヨーク市に移り、そこで家族のレパートリーの古典的な録音を数多く作成し、これらの歌の重要な編集版を出版した。[103]
2012年1月、アメリカ議会図書館のアメリカフォークライフセンターは、文化平等協会と共同で、1946年以降のローマックスの膨大な録音アーカイブをデジタル形式で公開すると発表した。ローマックスは人生の最後の20年間を、彼が「グローバル・ジュークボックス」と名付けたインタラクティブ・マルチメディア教育用コンピュータ・プロジェクトに費やした。このプロジェクトには、5,000時間分の音声録音、40万フィートのフィルム、3,000本のビデオテープ、5,000枚の写真が含まれていた。 [104] 2012年3月現在、これは達成されている。1946年以降のローマックスの録音約17,400件がオンラインで無料公開されている。[105] [106] 1946年に始まったアラン・ロマックスの独立アーカイブからのこの資料は、文化平等協会によってデジタル化され提供されており、「議会図書館の支援を受けて1933年から1942年にかけて彼が作成したアセテートやアルミニウムディスクの何千もの以前の録音とは異なります。この初期のコレクションには、有名なジェリー・ロール・モートン、ウディ・ガスリー、リード・ベリー、マディ・ウォーターズのセッション、およびロマックスがハイチと東ケンタッキー（1937年）で作成した膨大なコレクションが含まれており、議会図書館の アメリカン・フォークライフ・センターの所蔵となっています」[105] 。
国別および地域別の形式
アフリカ
アフリカは広大な大陸であり[107]、その地域や国には独特の音楽の伝統があります。[108] [109]北アフリカの音楽は、サハラ以南のアフリカの音楽の伝統とは大部分が異なる歴史を持っています。[110]
アフリカ系アメリカ人の音楽やソカ、カリプソ、ズークなどの多くのカリブ音楽、サンバ、キューバのルンバ、サルサなどのラテンアメリカの音楽、その他のクラーベ（リズム）ベースのジャンルを含むアフリカ系移民の音楽とダンスの形式は、程度の差こそあれ奴隷化されたアフリカ人の音楽に基づいており、それが今度はアフリカのポピュラー音楽に影響を与えている。[111] [112]
アジア
多くのアジア文明では、芸術/宮廷/古典様式と「民俗」音楽を区別しています。[113] [114]例えば、故アラム・ロハールは、民俗歌手に分類された南アジアの歌手の一例です。[115]
クヌン・エシェイ/クランド・エシェイは、アジアの国インド、マニプール州のメイテイ族の古代民謡であり、アジアの民謡の一例であり、彼らがそれを独自のジャンルに取り入れた例である。[116]
中国の民俗音楽
考古学的発見により、中国の民俗音楽は7000年前に遡ることが判明しており、[117]それは主に五音音階に基づいています。[118]
漢民族の伝統的な結婚式や葬式には、通常、スオナと呼ばれるオーボエの一種と、チュイグショウと呼ばれる打楽器のアンサンブルが含まれます。[ 120 ]口琴（笙）、ショーム（笙）、笛（管楽器）、打楽器（特に雲洛 銅鑼）からなるアンサンブルは北部の村で人気があります。[121]彼らの音楽は、北京、西安、五台山、天津の皇帝寺院の音楽の流れを汲んでいます。管楽器と打楽器からなる西安の太鼓音楽[122]は西安周辺で人気があり、中国国外でも商業的に人気があります。[123]もう一つの重要な楽器は笙で、これは中国の笛の一種で、アコーディオンなどすべての西洋のフリーリード楽器の祖先にあたる古代の楽器です。[124]西洋式のブラスバンドが率いるパレードは一般的であり、しばしばショーム/チュイグショウバンドと音量を競います。
福建省南部と台湾では、南音あるいは南管は伝統的な民謡の一種である。[125]女性が笙や琵琶、その他の伝統楽器の伴奏で歌う。 [126]音楽は一般的に悲痛なもので、典型的には恋に悩む人々を扱っている。[127] [128]さらに南の汕頭、客家、潮州では、筝合奏が人気がある。[129] 四竹合奏はフルートと擦弦楽器または撥弦楽器を使用し、西洋の一部の聴衆の間で人気となっている調和のとれた旋律的な音楽を奏でる。[130]これらは南京や杭州、および南揚子江沿いの他の地域で人気がある。[131] 江南四竹（江南の絹と竹の音楽）は器楽の様式で、上海の茶室でアマチュア音楽家によってよく演奏される。[132] 広東音楽または広東音楽は、広州とその周辺地域の器楽音楽です。 [133]この地域の音楽は、広東オペラ（越楽）音楽に影響を与えました。[134]これは後に、中華人民共和国統治下の中国の自称「黄金時代」に人気を博しました。[135]
中国では古くから民謡が記録されてきた。「月歌」という用語は、バラード、哀歌、民謡、恋歌、宮廷で歌われる歌など、幅広い歌に使われてきた。[136]中国は広大な国で、言語的および地理的地域が多岐にわたる。民謡は、地理的地域、言語の種類、民族、社会的機能（労働歌、儀式歌、求愛歌など）、音楽の種類によって分類される。中国の民俗学者が収集した現代のアンソロジーは、伝統的な歌、革命歌、新しく発明された歌を区別している。[137]中国北西部の歌は「花歌」（華夷）として知られ、美しい女性を指すが、過去にはエロティックな内容で悪名高かった。[138]江蘇省の村の「山歌」（山歌）も、その恋愛テーマでよく知られている。[139] [140]その他の地域の歌の伝統としては、揚子江デルタ下流の「かき鳴らしの歌詞」（タンツィ）、広東の木魚の伝統（ムユまたはムクユ）、中国北部の太鼓の歌（グチ）などがあります。[141]
21世紀には、多くの貴重な中国の民謡がユネスコの無形文化遺産の代表的な一覧表に登録されました。[142]その過程で、かつては俗悪とみなされていた歌が、ロマンチックな求愛歌として再構築されつつあります。[143]多くのコミュニティで人気のある地域の歌のコンテストは、プロの民謡歌手を職業として推進し、一部の民謡歌手は全国的に有名になりました。[144]
スリランカの伝統的な民俗音楽
スリランカの芸術、音楽、舞踊は自然の要素に由来し、仏教の環境の中で楽しまれ、発展してきました。[145]音楽にはいくつかの種類があり、少数の種類の楽器のみを使用します。[146]民謡や詩は社交の場で協力するために使われました。インドの影響を受けた古典音楽は独特なものに成長しました。[147] [148] [149] [150]シンハラ軽音楽の伝統的な演劇、音楽、歌は典型的なスリランカのものです。[151] 寺院の絵画や彫刻には鳥、象、野生動物、花、木が描かれており、伝統的な18の舞踊は鳥や動物の踊りを披露します。[152]例えば：
- マユラ・ワナマ –孔雀の舞[153] [154]
- ハヌマ・ワナマ – 猿の踊り[155]
- ガジャガ・ワナマ – 象のダンス
音楽の種類には以下のものがあります:
- 地方の演劇音楽には、コーラム[156]やナダガム[157]のタイプがあります。コーラム音楽は、主に悪魔払いの儀式の仮面舞踏の伴奏として、低地地方の曲に基づいています。[158] [159]コーラム音楽は、あまり発展/進化しておらず、民俗伝統に忠実で、より古い芸術形式を保存していると考えられています。[160]コーラム音楽は、約3〜4音に限定されており、一般の人々が楽しみや娯楽のために使用します。[161]
- ナダガム音楽は、南インドのストリートドラマの影響を受けた、より発展した形式のドラマで、南インドのアーティストによって紹介されました。1824年、ネゴンボ出身のフィリップ・シンホーは、もともとテリング語で書かれた「ハリシュチャンドラ・ナダガマ」をフングランケータで上演しました。その後、「マナメ」[162] 、 「サンダ・キンドゥル」[163]などが紹介されました。デヒワラのドン・バスティアンが最初にインドのドラマを参考にしてヌールシーを紹介し、その後ジョン・デ・シルバが1886年にラーマーヤナヤと同様にそれを発展させました[164] 。
- シンハラの軽音楽は現在スリランカで最も人気のある音楽であり、民俗音楽、コラム音楽、ナダガム音楽、ヌールティ音楽、映画音楽、クラシック音楽、西洋音楽などの影響を受けています。[165]一部のアーティストは音楽を学ぶためにインドを訪れ、後に軽音楽を紹介し始めました。アナンダ・サマラコーンはその先駆者であり[166] [167]、国歌も作曲しました。[168]
シンハラの古典オーケストラは5つのカテゴリーの楽器で構成されていますが、打楽器の中でもドラムはダンスに欠かせません。[169] ドラムのリズムの鮮やかなビートがダンスの基本を形成します。[170]ダンサーの足は床から跳ね返り、ドラムビートの複雑なリズムを反映したパターンで飛び跳ねたり渦を巻いたりします。このドラムビートは、初めて聞いたときは単純に思えるかもしれませんが、複雑なリズムとバリエーションを習得するには長い時間がかかり、ドラマーはそれを激しさのクレッシェンドにまで高めることができます。ドラムには3つのスタイル（片面、両面、平面）に分類される6つの一般的なタイプがあります。[171] [172]
- 典型的なシンハラダンスはキャンディアンダンスと呼ばれ、ガタベーラドラムはこのダンスに欠かせないものです。[173]
- ヤク・ベラは悪魔の太鼓、または踊り手が仮面をかぶって悪魔の踊りを披露する低地の踊りで使用される太鼓であり、高度に発達した芸術形式となっている。[174]
- ダウラは樽型の太鼓で、昔はタマタマの伴奏太鼓として、ビートに合わせて厳密に拍子を保つために使われていました。[175]
- タマタマは平らな両面太鼓です。他の太鼓が側面で叩くのとは異なり、太鼓奏者は上部の2つの面をスティックで叩きます。これは前述のダウラと似た太鼓です。[176]
- 歌の伴奏には、小さな両面鼓が使われます。主に、ヴァンナムのような詩舞で聞かれます。[説明が必要]
- ラバナは平らな面を持つ円形の太鼓で、いくつかのサイズがある。[177]バンク・ラバナと呼ばれる大きなラバナは、円形の短い脚のテーブルのように床に置かれ、数人（伝統的には女性）がその周りに座り、両手で叩くことができる。[178]これは、シンハラ人の新年などの祭りや結婚式などの儀式で使われる。[179]ラバナの響き渡る音は、その場の楽しい気分を象徴している。小さなラバナは、演奏者がどこへ行くにも持ち運べるため、移動可能な太鼓の一種である。[180]
その他の楽器には以下のものがあります:
- タランパタ – 弦でつながれた2つの小さなシンバル。[181]
- 管楽器セクションは、クラリネットに似た楽器が主流です。[説明が必要]これは通常、ダンスには使用されません。シンハラ人のダンスは西洋世界で知られているような音楽に合わせて踊られるものではなく、リズムが重要であるため、この点は重要です。
- 銀や真鍮などの金属製のフルートは、カンディアンダンスの伴奏として甲高い音楽を奏で、葦のフルートの哀愁を帯びた音楽は悪魔の踊りで空気を突き刺すかもしれません。法螺貝（ハッケディヤ）は別の形の自然楽器で、演奏者はこれを吹いて盛大な儀式の開会を告げます。[182]
- ラヴァナハタ（ラヴァンハッタ、ラワンハッタ、ラヴァナストロン、ラヴァナハスタヴィーナ）は、かつて西インドで人気があった弓奏バイオリンです。[183] [184]スリランカのヘラ文明でラーヴァナ王の時代に生まれたと考えられています。[185]ボウルはココナッツの殻を切って作られ、口はヤギの皮で覆われています。この殻には竹で作られたダンディが取り付けられています。[185]主な弦は2本で、1本はスチール製、もう1本は馬の毛です。長い弓にはジングルベルが付いています。 [186] [187]
オーストラリア
オーストラリア先住民の音楽には、総称してオーストラリア先住民と呼ばれるアボリジニとトレス海峡諸島民の音楽が含まれます。[188]オーストラリア先住民が実践するさまざまな独特の伝統音楽スタイルと、オーストラリア先住民のアーティストによって解釈され演奏された、ヨーロッパの伝統との融合や現代的な音楽スタイルの範囲が組み込まれています。 [189]音楽は、これらの人々の個人および集団の歴史の数千年を経て今日に至るまで、社会的、文化的、儀式的な行事の不可欠な部分を形成してきました。 [190] [191]伝統的な形式には、特定の地域またはオーストラリア先住民グループに固有のパフォーマンスと楽器の多くの側面が含まれます。[192]音楽の伝統の同等の要素は、オーストラリア大陸の多くの地域、さらにはそれを超えて一般的です。[193]トレス海峡諸島民の文化はニューギニアの隣接地域の文化と関連しているため、彼らの音楽も関連しています。音楽はオーストラリア先住民の文化維持にとって重要な部分である。[194]
フォークソングの伝統は、イングランド、スコットランド、アイルランドからの初期の入植者によってオーストラリアに持ち込まれ、特に田舎のアウトバックで定着しました。[195] [196]ブッシュバラードの形で書かれた押韻歌、詩、物語は、しばしばブッシュにおけるオーストラリアの放浪的で反抗的な精神に関連しており、作者や演奏者はしばしばブッシュバードと呼ばれます。[197] 19世紀はブッシュバラードの黄金時代でした。[198] 1950年代の録音がオーストラリア国立図書館のコレクションの基礎となったジョンメレディスを含む数人の収集家が歌をカタログ化しました。[197]
これらの歌は、オーストラリアの広大な土地での個人的な生活の物語を語っています。[199] [200]典型的な主題には、鉱山、牛の飼育と移動、羊の毛刈り、放浪、戦争の話、1891年のオーストラリアの羊毛刈りストライキ、土地を持たない労働者階級と不法占拠者（地主）の間の階級闘争、ネッド・ケリーなどの無法者、恋愛、トラック運転などのより現代的なものなどがあります。[201]最も有名なブッシュバラードは「ワルチング・マチルダ」で、「オーストラリアの非公式な国歌」と呼ばれています。[202]
ヨーロッパ
ケルトの伝統音楽
ケルト音楽は、アーティスト、レコード会社、音楽店、音楽雑誌が、ケルト民族の民俗音楽の伝統から発展した幅広い音楽ジャンルのグループを表すために使用する用語です。[203]これらの伝統には、アイルランド、スコットランド、マン島、コーンウォール、ウェールズ、ブルターニュの伝統が含まれます。[204]アストゥリアス音楽とガリシア音楽が含まれることがよくありますが、これらが音楽的に密接な関係があることを示す重要な研究はありません。 [205] [206]ブルターニュのフォークリバイバルは、1950年代に「バガドゥ」と「カンハディスカン」で始まり、1960年代半ば以降、アランスティヴェルの作品を通じて世界的に有名になりました。 [207]
アイルランドでは、クランシー・ブラザーズとトミー・メイケム（メンバーは全員アイルランド生まれだが、グループはニューヨークのグリニッチ・ヴィレッジを拠点にしていた時に有名になった[208]）、ダブリナーズ[209] 、クラナド[210] 、プランクスティ[211] 、チーフタンズ[212]、[213]、ザ ・ポーグス[214 ] 、ザ・コアーズ[215] 、ザ・アイリッシュ・ローヴァーズ[216]、その他様々なフォークバンドが、過去数十年にわたり、アイルランドの伝統音楽の再活性化と再普及に大きく貢献してきた。[217]これらのバンドは、多かれ少なかれアイルランド音楽の伝統に根ざしており、シェイマス・エニスやピーター・ケネディなどのアーティストの努力の恩恵を受けていた。[207]
スコットランドでは、ザ・コリーズ[218] 、シリー・ウィザード[219]、[220] 、 カペルカイリー[221] 、ランリグ[222] 、ジャッキー・レヴェン[223] 、ジュリー・ファウリス[224] 、カリーヌ・ポルワート[225] 、アラスデア・ロバーツ[226]、[227]、ディック・ゴーガン[228]、ウルフストーン[ 229]、ボーイズ・オブ・ザ・ラフ[230]、ザ・サイレンサーズ[231]が、伝統的なスコットランドとゲール語の民謡とより現代的なジャンルをミックスすることで、スコットランドの民謡を活気に満ちた新鮮なものに保ってきた。[232]これらのアーティストは、ヨーロッパ大陸と北アメリカでも商業的に成功している。[233]スコットランドの伝統音楽界では才能豊かな新人が誕生しており、マンラン[234]、スキピニッシュ[235] 、バルルース[236]、ブリーバッハ[237]などのバンドや、パッツィー・リード[238] 、ロビン・ステイプルトン[239]、ミーシャ・マクファーソン[240]などのソロアーティストが近年大きな成功を収めています。[241]
中央および東ヨーロッパ
東側諸国時代には、国家が民族舞踊を積極的に推進した。[242]ロシアとポーランドの舞踊団は、1937年から1990年頃にかけて非共産主義ヨーロッパをツアーした。[243]赤軍合唱団は多くのアルバムを録音し、最も人気のある軍楽隊となった。[244]東ヨーロッパは、ユダヤ人のクレズマー伝統の起源でもある。[245]
ポルカは中央ヨーロッパのダンスであり、ヨーロッパやアメリカ大陸で親しまれているダンス音楽のジャンルでもあります。19世紀半ばにボヘミアで生まれました。[246]ポルカは今でも多くのヨーロッパ諸国で人気のある民俗音楽のジャンルであり、ポーランド、ラトビア、リトアニア、チェコ共和国、オランダ、クロアチア、スロベニア、ドイツ、ハンガリー、オーストリア、スイス、イタリア、ウクライナ、ベラルーシ、ロシア、スロバキアの民俗芸術家によって演奏されています。[247]このダンスの地方的な変種は、北欧諸国、イギリス、アイルランド共和国、ラテンアメリカ（特にメキシコ）、アメリカ合衆国でも見られます。
ドイツの民謡集『カルミナ・ブラーナ』 [248]のような、歌曲手稿によって受け継がれたドイツの民謡は、中世のミンネザングやマイスタージンガーの伝統に遡る。[249]これらの民謡は、18世紀後半のドイツ・ロマン主義の時代に復活し、[250]ヨハン・ゴットフリート・ヘルダー[251] [252]やその他の啓蒙主義の提唱者によって最初に推進され、[253]後にアヒム・フォン・アルニム[254]やクレメンス・ブレンターノ(少年の魔法の角笛) [255] 、ルートヴィヒ・ウーラント[256]によって編纂された。
フォルクスムジークとフォークダンスのジャンルは、特にバイエルン、オーストリア、スイス（クーライエン）、南チロルのアルプス地方では、工業化を背景に田舎のコミュニティで今日まで生き残ってきました[257] —低地ドイツのシャンティやウィーンの歌[258]（シュランメルムジーク）は注目すべき例外です。オーバーカルニオラとシュタイアーマルクのスロベニアのフォークミュージックも、多作なロイツェ・スラック・アンサンブルのように、アルプスの伝統から生まれました。[259]伝統的なフォルクスムジークを、それから派生した商業的なフォルクシュテュムリッヒェ・ムジークと混同しないでください。 [260]
ハンガリーのグループ、ムジカーシュはアメリカで数多くのツアーを行い[261]、ハリウッド映画『イングリッシュ・ペイシェント』にも参加した[262]。一方、歌手のマルタ・セベスティエンはバンド、ディープ・フォレストで活動した。 [263] 1970年代に始まったハンガリーのタンチャーズ運動は、音楽学の専門家と熱心なアマチュアの強力な協力によって成り立っている。[264]しかし、ハンガリーの伝統的な民族音楽と民族文化はハンガリーのいくつかの田舎でかろうじて生き残り、トランシルヴァニアの民族的ハンガリー人の間でも消え始めている。タンチャーズ運動は、音楽、ダンス、衣装のより広範な民族的伝統を復活させ、新しい種類の音楽クラブを作った。[265]この運動は世界中の民族的ハンガリー人コミュニティに広がった。[265]
バルカン音楽
バルカン民族音楽は、オスマン帝国時代のバルカン民族の混交の影響を受けています。[266]ボスニア・ヘルツェゴビナ、ブルガリア、クロアチア、ギリシャ、モンテネグロ、セルビア、ルーマニア、北マケドニア、アルバニア、ユーゴスラビアやセルビア・モンテネグロの一部の歴史的国家、トラキアなどの地理的地域の音楽が含まれます。[267]一部の音楽は複雑なリズムが特徴です。[268]
注目すべきバンドとしては、第32回グラミー賞授賞式で最優秀伝統フォークレコーディング賞を受賞した「ミステリー・オブ・ザ・ブルガリアン・ヴォイス」がある。[269] [270]
バルカン半島の民俗音楽全体の中で重要な部分は、地元のロマ少数民族の音楽であり、タラヴァやブラスバンド音楽と呼ばれています。[271] [272]
北欧の民族音楽
北欧の民俗音楽には、北欧、特にスカンジナビア諸国の伝統が数多く含まれています。北欧諸国には、一般的にアイスランド、ノルウェー、フィンランド、スウェーデン、デンマーク、グリーンランドが含まれます。[273]バルト諸国のエストニア、ラトビア、リトアニアも含まれる場合があります。[274]
北欧諸国の多くの地域は、デンマーク、スウェーデン、ノルウェーの詩篇歌のように、多くの点で大きく異なる伝統を共有している。[275]バルト諸国（または、時にはエストニアのみ）とロシア北西部の一部は、文化的類似点を共有するグループとしてまとめることができるが、[276]近年、関係は冷え込んでいる。[277]ノルウェー、スウェーデン、デンマーク、大西洋の島々であるアイスランドとフェロー諸島とは対照的に、これらの国々には、そのような類似点はほとんどない。グリーンランドのイヌイット文化には、独自の音楽の伝統がある。[278]フィンランドは、バルト諸国とスカンジナビア諸国の両方と多くの文化的類似点を共有している。スウェーデン、ノルウェー、フィンランド、ロシアのサーミ人は、近隣の文化とつながりを持ちながら、独自の文化を持っている。[279]
スウェーデンの民俗音楽は、主に19世紀初頭にスウェーデンで始まった民俗学の収集作業に基づいた音楽ジャンルです。 [280]スウェーデンの民俗音楽の主な楽器はフィドルです。 [ 281]スウェーデンの伝統に特有のもう一つの一般的な楽器はニッケルハルパです。[282]スウェーデンの器楽民俗音楽のほとんどはダンス音楽であり、スウェーデンの民俗音楽を代表する音楽とダンスの形式はポルスカです。[283]スウェーデンの声楽と器楽の伝統は、別々に演奏されてきましたが、歴史的に曲を共有する傾向があります。[284] 1970年代の民俗音楽の復興以来、声楽家と器楽家が民俗音楽アンサンブルで一緒に演奏するようになりました。
ラテンアメリカ
アメリカ大陸のフォーク ミュージックは、ヨーロッパの伝統音楽、アメリカ原住民の伝統音楽、そしてその大陸から奴隷とともにもたらされたアフリカの部族音楽という 3 つの主要な音楽タイプの出会いと融合から成ります。
ラテン・南米音楽の具体的な例としては、アンデス音楽[285]やその他の土着の音楽スタイル（カリブ海音楽[286]やパンペアン音楽など）、スペインとポルトガルのイベリア音楽、そして一般的にはアフリカの部族音楽が挙げられ、これら3つが融合して中南米で異なる音楽形式に進化しました。
アンデス音楽は、ヨーロッパ人と接触する以前にインカ帝国の周辺地域に住んでいたケチュア族、アイマラ族、その他の民族の地域に由来する。 [287]これには、ボリビア、エクアドル、[288]チリ、コロンビア、ペルー、ベネズエラの一部の民族音楽が含まれる。アンデス音楽はラテンアメリカ全土で程度の差はあれ人気があり、その中心的聴衆は農村部と先住民である。 1970年代のヌエバ・カンシオン運動は、ラテンアメリカ全土でこのジャンルを復活させ、知られていなかったり忘れられていたりした場所にも広めた。
ヌエバ・カンシオン(スペイン語で「新しい歌」) は、ラテンアメリカとイベリア半島のフォーク音楽、フォークに触発された音楽、社会貢献音楽におけるムーブメントおよびジャンルです。いくつかの点で、その発展と役割は、北米における第二次フォーク音楽復興に似ています。これには、この新しいジャンルが伝統的なフォーク音楽から進化したことが含まれます。基本的には現代フォーク音楽ですが、英語のジャンル用語は一般的には適用されません。ヌエバ・カンシオンは、1970 年代から 1980 年代にかけてポルトガル、スペイン、ラテンアメリカで社会の激動に大きな役割を果たしたことで知られています。
ヌエバ・カンシオンは、1960年代にチリで「チリの新歌」として初めて登場しました。この音楽スタイルは、その後すぐにスペインやラテンアメリカ諸国でも登場し、同様の名前で知られるようになりました。ヌエバ・カンシオンは、伝統的なラテンアメリカのフォークミュージックを刷新し、その政治的な歌詞により、すぐに革命運動、ラテンアメリカの新左翼、解放神学、ヒッピー、人権運動と結び付けられました。ラテンアメリカ全土で大きな人気を博し、ロック・エン・エスパニョールの先駆けと見なされています。
クエカは、チリ、ボリビア、ペルーの音楽スタイルとそれに関連するダンスのグループです。
トロバとソンは、ボレロやコントラダンサなどのスペインの歌と踊り、およびアフロキューバンのリズムとパーカッションの要素 の影響を含む、オリエンテ州発祥の伝統的なキューバ音楽のスタイルです。
モーダ デ ビオラは、ブラジルの民俗音楽に付けられた名前です。6 弦ナイロン アコースティック ギターで演奏されることが多いですが、最も伝統的な楽器はビオラ カイピラです。歌は基本的に、田舎で働く人々の生活の困難を詳細に語っています。テーマは通常、土地、動物、民間伝承、叶わぬ愛、別れなどと関連しています。明るい曲もありますが、ほとんどはノスタルジックでメランコリックな曲です。
北米
カナダ
カナダの伝統的なフォークミュージックは特に多様です。[289] 1960年代に移民法が自由化される以前から、カナダは民族的に多様で、数十の異なる先住民族とヨーロッパ系グループが存在していました。音楽に関して、学者はカナダの伝統ではなく、むしろ民族の伝統（アカディア音楽、アイルランド系カナダ人音楽、ブラックフット音楽、イヌ音楽、イヌイット音楽、メティスのフィドルなど）について語り、後に東カナダの地域的な伝統（ニューファンドランド音楽、ケープブレトンのフィドル、ケベック音楽など） について語ります。
ヨーロッパ起源の伝統的なフォーク ミュージックは、16 世紀と 17 世紀に最初のフランス人とイギリス人の入植者が到着して以来、カナダに存在しています。彼らは、ニューファンドランド、ノバスコシア、ニューブランズウィック、プリンスエドワード島、ケベックのセントローレンス川流域となった地域の沿岸水域で漁業を営み、海岸で農業を営んでいました。
毛皮貿易とその航海者たちは、これをカナダのさらに北と西に運び込み、後には伐採作業と木こりたちがこの過程を引き継ぎました。
19 世紀初頭、オンタリオ州東部と南部、およびケベック州西部に農民が定住したことで、イギリスや米国から伝わった多くのアングロ カナダのフォークソングやブロードサイド バラードが生き残るのに好ましい環境が整いました。大規模な産業化にもかかわらず、フォーク ミュージックの伝統は今日まで多くの地域で存続しています。オンタリオ州北部では、フランス系オンタリオ人の人口が多く、フランス起源のフォーク ミュージックを存続させています。
大西洋沿岸諸州に居住する人口の多いアカディアンのコミュニティは、ケベック州を中心とするフランス起源の膨大なフォークミュージック集積に、彼らの歌のバリエーションをもたらした。大西洋沿岸地域、特にニューファンドランドには、アングロ・カナダ系のフォークミュージックの豊富な情報源がある。この音楽的フォークロアのモザイクを完成させるのは、特にケープ・ブレトンのスコットランド人入植地のゲール語音楽と、1840年代のアイルランド飢饉以来カナダ東部に存在し、アイルランド人の大規模な北アメリカへの移住を余儀なくさせた何百ものアイルランドの歌である。[289]
「カナダの歴史に関する知識は、カナダの民謡のモザイクを理解する上で不可欠です」とイザベル・ミルズは1974年に書いています。「このモザイクの一部は、ヨーロッパ人とアングロサクソン人の入植者が新天地にもたらしたカナダの民謡によって提供されています。」[12]彼女は、ケベックのフランス植民地がフランス移民を連れてきて、その後すぐにイギリス、ドイツ、その他のヨーロッパ諸国からの移民の波が続き、全員が故郷の音楽を持ち込み、その一部は今日まで生き残っています。民族学者で民俗学者のマリウス・バルボーは、カナダで1万曲を超えるフランスの民謡とその変種が収集されたと推定しています。その頃までに、古いものの多くはフランスで消滅していました。
カナダ、特に辺鄙な田舎では、19世紀から20世紀初頭にかけて、音楽が有料の娯楽としてプロ化されるのは比較的ゆっくりとしたペースで進んだ。都会の音楽クラブではダンスホールやボードビルが人気となり、その後ジャズが続いたが、田舎のカナダでは主に伝統音楽が主流だった。しかし、1920年代から1930年代にアメリカのラジオ局がカナダで放送を始めると、カナダの伝統音楽の聴衆は次第に減少し、代わりにアメリカのナッシュビル風カントリーミュージックやジャズのような都会の音楽が好まれるようになった。カナダ音楽のアメリカ化により、1930年代にはカナダラジオ連盟が国営放送局の設立を働きかけ、最終的には1936年にカナダ放送協会（CBC）が設立された。CBCは、ラジオ、後にはテレビで、伝統音楽を含むカナダの音楽を宣伝したが、20世紀半ばの「モダン」なものへの熱狂により、ロックやポップスに比べてフォークミュージックは衰退していった。しかし、カナダは1960年代のフォーク音楽復興の影響を受け、モントリオール・フォーク・ワークショップなどの地元の会場や、国中のフォーク・クラブやコーヒーハウスが、新進のソングライターやパフォーマーのるつぼとなり、海外から訪れるアーティストとの交流の場となった。
アメリカ合衆国
アメリカの伝統音楽はルーツ ミュージックとも呼ばれます。ルーツ ミュージックは、ブルーグラス、カントリー ミュージック、ゴスペル、オールド タイム ミュージック、ジャグ バンド、アパラチア フォーク、ブルース、ケイジャン、ネイティブ アメリカン ミュージックを含む幅広い音楽のカテゴリです。この音楽は、アメリカ生まれか、外国の起源からアメリカで発展し、音楽学者に明らかに新しいものとして印象づけられたため、アメリカの音楽と見なされています。この音楽が「ルーツ ミュージック」と見なされるのは、ロックンロール、現代フォーク ミュージック、リズム アンド ブルース、ジャズなど、後にアメリカで発展した音楽の基礎となったためです。これらのジャンルのいくつかは、伝統的なフォーク ミュージックと見なされています。
- ルイジアナ州を象徴する音楽であるケイジャン音楽は、カナダのフランス語を話すアカディアンのバラードに由来しています。ケイジャン音楽は、アカディアナ起源のクレオール系でケイジャンの影響を受けたザディコ音楽と並んでよく言及されます。これらのフランス系ルイジアナのサウンドは、何十年にもわたってアメリカのポピュラー音楽、特にカントリーミュージックに影響を与えており、テレビコマーシャルなどのマスメディアを通じてポップカルチャーにも影響を与えています。
- アパラチア音楽は、米国東部のアパラチア地方の伝統音楽です。イギリスのバラード、アイルランドとスコットランドの伝統音楽（特にフィドル音楽）、賛美歌、アフリカ系アメリカ人のブルースなど、ヨーロッパとアフリカのさまざまな影響を受けています。1920年代に初めて録音されたアパラチアのミュージシャンは、オールドタイム音楽、カントリーミュージック、ブルーグラスの初期の発展に重要な影響を与え、アメリカのフォークミュージックの復興に重要な役割を果たしました。アパラチア音楽の演奏に一般的に使用される楽器には、バンジョー、アメリカンフィドル、フレットダルシマー、ギターなどがあります。 [290]初期に録音されたアパラチアのミュージシャンには、フィドリン・ジョン・カーソン、ヘンリー・ウィッター、バスコム・ラマー・ランズフォード、カーター・ファミリー、クラレンス・アシュリー、フランク・プロフィット、ドック・ボッグスなどがおり、いずれも1920年代から1930年代に最初に録音された。1950年代から1960年代のフォークリバイバルの間に名声を得たアパラチアのミュージシャンには、ジーン・リッチー、ロスコー・ホルコム、オーラ・ベル・リード、リリー・メイ・レドフォード、ドック・ワトソンなどがいる。ロレッタ・リン、ロイ・エイカフ、ドリー・パートン、アール・スクラッグス、チェット・アトキンス、ドン・リノなどのカントリーやブルーグラスのアーティストは、伝統的なアパラチア音楽に大きく影響を受けた。[290]ボブ・ディラン、デイヴ・ヴァン・ロンク、ジェリー・ガルシア、ブルース・スプリングスティーンなどのアーティストがアパラチアの歌やそのリメイク版を演奏してきました。
- カーター・ファミリーは、 1927年から1956年にかけてレコーディングを行った伝統的なアメリカのフォークミュージックグループです。彼らの音楽は、ブルーグラス、カントリー、南部ゴスペル、ポップ、ロックミュージシャンに大きな影響を与えました。彼らはカントリーミュージックのスターとなった最初のボーカルグループであり、カントリーミュージックが伝統的なフォークミュージックから分岐するきっかけとなりました。「ワバッシュ・キャノンボール」（1932年）、「ウィル・ザ・サークル・ビー・アンブロークン」（1935年）、「ワイルドウッド・フラワー」（1928年）、「キープ・オン・ザ・サニー・サイド」（1928年）などの彼らのレコーディングは、カントリーのスタンダードとなりました。[291]
- オクラホマ州とアメリカ南部の平原: 有史以前、この地域のアメリカインディアンは歌と楽器を使用していました。音楽とダンスは、今でも儀式や社交活動の中心です。[292]「ストンプダンス」は、その中核であり、コールアンドレスポンスの形式のままです。楽器は、女性が足に着用するガラガラまたは足かせです。 [292] 「他の南東部の国々には、動物のダンスや友情のダンス、スティックボールの試合に伴う歌など、独自の神聖な歌と社交的な歌の複合体があります。南部平原インディアンの音楽の中心はドラムで、これは平原インディアン音楽の心臓部と呼ばれています。そのジャンルのほとんどは、平原文化の基礎となった狩猟と戦争の活動にまで遡ることができます。」[292]ドラムは南部平原インディアンの音楽の中心です。保留地の時代には、彼らは退屈しのぎに音楽を使用していました。近所の人々が集まり、歌やダンスを交換し、作りました。これは現代の部族間の集会のルーツの一部です。もう一つの一般的な楽器は求愛用のフルートです。[292]
- この地域のアフリカ系アメリカ人のフォークミュージックは、奴隷制度と解放にルーツがある。アカペラと楽器の伴奏による宗教音楽は、伝統の中心である。初期の霊歌は、キリスト教の信仰を土着の慣習の中に形作り、アフリカの音楽とリズムに大きく影響された。」[292]霊歌は目立っており、コールアンドレスポンスのパターンを使用することが多い。[292]「ゴスペルは南北戦争（1861-1865）後に発展した。その方向性の多くは聖書のテキストに依存しており、比喩やイメージの使用が一般的だった。ゴスペルは「喜びの音」であり、時には楽器の伴奏が付いており、ほとんどの場合、手拍子、つま先タップ、体の動きで強調されている。」[292]「シェイプノートまたはセイクリッドハープの歌唱は、19世紀初頭に、巡回する歌唱指導者が田舎のコミュニティで教会の歌を教える方法として発展した。彼らは歌集を使って教えた。歌集では音の記譜が幾何学的な形で表現され、形と音程を関連付けるようにデザインされていた。宗教的なハープの歌唱は、民族に関係なく、オクラホマの多くの田舎のコミュニティで人気を博した。」 [292]その後、宗教音楽に根ざし、宗教音楽と類似するブルースの伝統が発展した。[292]その後、ラグタイム、ゴスペル、ブルースの融合から生まれたジャズが発展した。[292]
- 1889 年の土地争奪戦の後、オクラホマではアングロ・スコッチ・アイリッシュ音楽の伝統が定着しました。バイオリンはサイズが小さく持ち運びが簡単なため、初期のオクラホマのアングロ音楽の中心でしたが、ギター、マンドリン、バンジョー、スチールギターなどの他の楽器も後から加わりました。オクラホマの様々な音楽の伝統は、カウボーイバラード、ウエスタンスウィング、現代のカントリーアンドウエスタンなど、イギリス諸島にルーツをたどることができます。」[292]メキシコ移民は1870年代にオクラホマに到着し始め、美しいカンシオーネやコリード、ラブソング、ワルツ、バラードを持ち込みました。アメリカインディアンコミュニティと同様に、ヒスパニックコミュニティの通過儀礼には伝統音楽が伴います。アコースティックギター、弦ベース、バイオリンがメキシコ音楽の基本的な楽器であり、マラカス、フルート、ホルン、時にはアコーディオンが音を補います。[292]他のヨーロッパ人（ボヘミア人やドイツ人など）は19世紀後半に定住しました。彼らの社会活動はコミュニティホールを中心に行われ、「地元のミュージシャンがアコーディオン、ピアノ、金管楽器でポルカやワルツを演奏しました。」[292]その後、アジア人が音楽のミックスに貢献しました。「古代の音楽と中国、インド、インドネシアの寺院や宮廷の舞踊の伝統は、州全体のアジア系コミュニティに保存されており、これらの古典音楽の形式にポピュラーソングのジャンルが継続的に重ね合わされています。」 [292]
フォークミュージックの復活
「それは自己永続的で再生的です。永遠のアメリカの歌と呼べるものです。復活や蘇生は必要ないと思います。生きていて栄えています。18歳の人たちがそれに触れることだけが必要なのです。しかし、彼らがいようがいまいが、それは続いていきます。フォークソングはラジオで流れるどんなものよりも、発表されるどんなものよりも力強いのです...それは長い間続く声の蒸留であり、それが彼らを強くするのです。」[293]
「フォーク音楽の復興」とは、伝統的なフォーク音楽への関心が再燃した時期、またはそれを変革した出来事や時期のいずれかを指す。後者には通常、社会運動の要素が含まれる。前者の顕著な例は、およそ 1890 年から 1920 年にかけてのイギリスのフォーク音楽復興である。後者の最も顕著で影響力のある例 (通常「フォーク音楽の復興」と呼ばれるほど) は、 20 世紀半ばの英語圏を中心としたフォーク音楽復興であり、現代フォーク音楽を生み出した。[294]この復興については、 「現代フォーク音楽」の記事を参照。
初期のリバイバル運動は西洋のクラシック音楽に影響を与えました。パーシー・グレインジャー、レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ、ベーラ・バルトークなどの作曲家が、フォークシンガーやミュージシャンのフィールドレコーディングやトランスクリプションを行いました。
スペインでは、イサーク・アルベニス（1860年 - 1909年）が、スペインの血統を反映したピアノ曲を作曲しており、その中には『イベリア組曲』（1906年 - 1909年）がある。エンリケ・グラナドス（1867年 - 1918年）は、スペインの軽オペラであるサルスエラや、スペイン舞曲を作曲した。マヌエル・デ・ファリャ（1876年 - 1946年）は、アンダルシア地方のフラメンコのカンテ・ホンドに興味を持ち、その影響は『スペインの庭園の夜』や『スペイン民謡7選』（声楽とピアノのための作品）など、彼の作品の多くに強く感じられる。フェルナンド・ソルやフランシスコ・タレガなどの作曲家は、ギターをスペインの国民的楽器として確立した。現代スペインの民俗芸術家は数多くおり（『ミル・イ・マリア』、『ロシアの赤』など）、先人たちの伝統を尊重しつつも現代化している。
フラメンコは20世紀を通じて人気が高まり、ガリシアのケルト音楽などの北方音楽も人気が高まりました。ビゼーからラヴェルまで、フランスのクラシック音楽の作曲家もスペインのテーマを取り入れ、独特のスペイン音楽のジャンルが広く認知されるようになりました。
フォーク ミュージックのリバイバルやルーツ リバイバルには、伝統音楽への関心が新たに高まっている世界中のさまざまな現象も含まれます。これは若者によるもので、自国の伝統音楽で行われることが多く、社会意識、大義、同じスタイルの新しい音楽の進化が新たに取り入れられることも多くあります。Nueva canción では、社会貢献型の音楽の新しい形態の同様の進化が、スペイン語圏のいくつかの国で発生しました。
現代フォークミュージック
フェスティバル
アメリカ合衆国
アメリカで最も古いフォークミュージックフェスティバルは、1928年にノースカロライナ州アッシュビルでバスコム・ラマー・ランズフォードが始めたマウンテン・ダンス・アンド・フォーク・フェスティバルだと言われることがあります。[295] [296] [297]ナショナル・フォーク・フェスティバル（USA）は、アメリカの巡回フォークフェスティバルです。[298] 1934年以来、国立伝統芸術評議会（NCTA）によって運営されており、全国26の地域で上演されています。[299]これらのコミュニティのいくつかを離れた後、ナショナル・フォーク・フェスティバルは、その後、ローウェル・フォーク・フェスティバル、[300]リッチモンド・フォーク・フェスティバル、[301]アメリカン・フォーク・フェスティバル[302] 、そして最近ではモンタナ・フォーク・フェスティバルなど、いくつかの地元で運営されるフォークフェスティバルを派生させました。[303]
ニューポートフォークフェスティバルは、ロードアイランド州ニューポート近郊で毎年開催されるフォークフェスティバルです。[304] 1959年から1970年まで、そして1985年から現在までほとんどの年で開催されており、毎年約1万人が参加しています。[305]
4日間にわたるフィラデルフィアフォークフェスティバルは1962年に始まりました。 [306]非営利団体のフィラデルフィアフォークソング協会が主催しています。[307]このイベントでは、ワールド/フュージョン、ケルト、シンガーソングライター、フォークロック、カントリー、クレズマー、ダンスなどのジャンルの現代および伝統的なアーティストが出演します。[308] [309]毎年8月の第3週末に開催されます。[310]現在、このイベントには約12,000人の来場者が訪れ、6つのステージでバンドが演奏します。[311]
インディアナ州のハンターズムーン祭りには、毎年約6万人の観光客が訪れます。[312]
イギリス
シドマス・フェスティバルは1954年に始まり、[313]ケンブリッジ・フォーク・フェスティバルは1965年に始まりました。 [314]イギリスのケンブリッジで開催されるケンブリッジ・フォーク・フェスティバルは、フォークミュージシャンとして招待される人の定義が非常に広いことで知られています。[315]「クラブテント」では、参加者は多数の無名のアーティストを発見することができ、彼らはそれぞれ10分または15分間、フェスティバルの観客に作品を披露します。[316]
オーストラリア
ナショナル・フォーク・フェスティバルはオーストラリア最大のフォークフェスティバルイベントで、5万人以上が参加する。[317] [318]ウッドフォード・フォーク・フェスティバルとポート・フェアリー・フォーク・フェスティバルも同様にオーストラリア最大の主要年次イベントの一つで、一流の国際フォークパフォーマーや多くの地元アーティストが集まる。[319] [320]
カナダ
スタン・ロジャースは、毎年オンタリオ州オーウェンサウンドで開催されるカナダのフォークフェスティバル「サマーフォーク」の常連で、メインステージと円形劇場は「スタン・ロジャース記念天蓋」として奉納されている。[321]このフェスティバルは伝統にしっかりと根付いており、ロジャースの歌「メアリー・エレン・カーター」は、観客やフェスティバルの出演者メドレーを含め、関係者全員が歌っている。[322] [323]キャンモア・フォークミュージック・フェスティバルは、アルバータ州で最も長く続いているフォークミュージックフェスティバルである。[324]
他の
オンゲルマンランド州ウルクルト・ネーソーケルは毎年 8 月に開催され、スウェーデン最大の世界音楽フェスティバルと言われています。[325]
参照
- 現代フォークミュージック
- アメリカフォークミュージックアンソロジー
- カナダフォークミュージックアワード
- カントリーミュージック
- フォークプロセス
- クラシック音楽と芸術音楽の伝統の一覧
- 民俗祭り一覧
- ラウドフォークソングインデックス
- イギリスの民謡アンソロジー「 The Voice of the People」
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出典
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外部リンク
ウィキメディア・コモンズには、フォーク音楽に関連するメディアがあります。
- フォーク・アライアンス・インターナショナル 著名なフォークミュージック団体
- 舞台芸術百科事典: 伝統音楽と朗読カタログ、議会図書館
- 伝統バラード索引：英語圏の民謡の注釈付き書誌 2023年2月5日アーカイブ、Wayback Machine、カリフォルニア州立大学フレズノ校
- ベン・グレイ・ランプキン デジタルフォークミュージックコレクション ハワード・B・ワルツ音楽図書館、コロラド大学ボルダー校
- 合唱パブリック ドメイン ライブラリ(ChoralWiki)にあるフォーク ミュージックの無料楽譜
- 短編映画「バンジョーの演奏を聴こう（1947年）」は、インターネット アーカイブで無料で視聴およびダウンロードできます。
- イギリスの伝統音楽プロジェクト、大英図書館サウンドアーカイブの世界と伝統音楽セクション 2011年1月3日アーカイブ、Wayback Machine
- ビル・マークウィック (1945–2017) 著『The Folk File: A Folkie's Dictionary』 – アメリカとイギリスのフォークミュージシャンとグループの音楽的定義と短い経歴。2017 年 9 月 21 日閲覧。