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イギリスの美術とは、1707年のグレートブリテン王国成立以来、イギリス国内またはイギリスに関連するあらゆる形態の視覚芸術を指し、イングランド美術、スコットランド美術、ウェールズ美術、アイルランド美術を含み、西洋美術史の一部を形成している。18世紀には、イギリスは中世にヨーロッパ美術においてイングランドが果たした主導的な地位を取り戻し始め、特に肖像画と風景画において強い存在感を示した。
当時のイギリスの繁栄は、美術品と装飾美術品の両方の生産量を大幅に増加させ、後者はしばしば輸出された。ロマン主義時代は、ウィリアム・ブレイク、JMWターナー、ジョン・コンスタブル、サミュエル・パーマーといった画家を含む、非常に多様な才能によってもたらされた。ヴィクトリア朝時代には、芸術の多様性が高まり、以前よりもはるかに多くの作品が制作された。ヴィクトリア朝時代の芸術の多くは現在では批評家の評価を失っており、関心はラファエル前派や18世紀末の革新的な運動に集中している。
長らく軽視されてきた芸術家の育成は、18世紀に民間および政府の取り組みによって改善され始め、19世紀には大きく拡大した。公共の展覧会や、後に開館した美術館によって、特にロンドンでは、より多くの人々が芸術に触れる機会を得た。19世紀には、宗教改革以来ほとんど見られなかった宗教美術が再び公共の場で人気を博し、他の国々と同様に、ラファエル前派やグラスゴー派といった運動が、確立されたアカデミック美術と競い合った。
初期モダニズム美術におけるイギリスの貢献は比較的小さかったが、第二次世界大戦以降、イギリスの芸術家たちは現代美術、特に具象作品において大きな影響を与えており、イギリスはますますグローバル化する美術界において重要な中心地であり続けている。
現存する最古のイギリス美術には、紀元前2600年頃のストーンヘンジや、紀元前2150年頃のビーカー文化の人々によって作られた錫と金の美術品が含まれます。ケルト美術のラ・テーヌ様式は、紀元前400年頃より遅くイギリス諸島に伝わり、バタシー・シールドや、曲線、螺旋、トランペットの形をした複雑な模様で装飾された多数の青銅製鏡の裏面などに見られるような、独特の「島嶼ケルト」様式を発展させました。スタッフォードシャー・ムーアランズ・パンのような美術品や、キリスト教の島嶼美術におけるケルトモチーフの復活（現在はゲルマンの絡み合い模様や地中海の要素と融合）に見られるように、ケルトの装飾様式がローマ時代を通じて生き残ったのはイギリス諸島だけです。この様式は、7世紀から8世紀にかけて、現在のイギリスを構成するすべての国々で短期間ながらも華々しく開花し、『ケルズの書』や『リンディスファーンの書』といった作品にその名が表れた。島嶼様式は北ヨーロッパ全域に影響を与え、特に後期のアングロ・サクソン美術において顕著であったが、その後、大陸からの新たな影響も受けた。
ロマネスク美術とゴシック美術に対するイギリスの貢献は、特に装飾写本や教会の記念碑的彫刻において顕著であったが、他の国々は基本的に地方化しており、15 世紀のイギリスは大陸の絵画の発展に追いつくのに苦労していた。1500 年以前の壁画やパネル画の最高品質の例はいくつか残っており、ウェストミンスター祭壇画、ウィルトン二連祭壇画、ウェストミンスター寺院やウェストミンスター宮殿の絵画の現存作品などがある。[ 1 ]
イングランドとスコットランドのプロテスタント改革は、既存の宗教美術を特に破壊し、新しい作品の制作は事実上停止した。チューダー朝宮廷の芸術家はほとんどがヨーロッパから招かれ、18世紀まで続くパターンが確立された。エリザベス1世の肖像画は、同時代のヨーロッパ・ルネサンスのモデルを無視し、素朴派芸術に近い象徴的なイメージを作り出した。肖像画家のハンス・ホルバインとアンソニー・ヴァン・ダイクは、イギリスに長期間滞在した多数の芸術家の中で最も著名で影響力のある人物であり、肖像ミニアチュールの画家ニコラス・ヒリアード、ロバート・ピーク（父）、ウィリアム・ラーキン、ウィリアム・ドブソン、そして主にロンドンで活動したスコットランド人のジョン・マイケル・ライトといった地元の才能を概ね凌駕した。 [ 2 ]
連合当時、イギリスでは風景画はまだほとんど発展していなかったが、海洋画の伝統は、1673年に第三次英蘭戦争の最中にロンドンに移住するまでオランダを代表する海洋画家であったウィレム・ファン・デ・ヴェルデという父子によって確立されていた。[ 3 ]
いわゆる1707年の合同法は、ロンドンでゴッドフリー・クネラー卿が長期間支配していた時期の真っただ中に成立した。クネラー卿はドイツ人の肖像画家で、最終的にはオランダ人のピーター・レリー卿の後を継いで宮廷画家の地位に就いた。彼はレリー卿の作風を踏襲し、膨大な数の定型的な作品を制作したが、その質は大きくばらつきがあり、多くの凡庸な画家たちによって模倣された。エディンバラにおけるクネラー卿のライバル、ジョン・バプティスト・メディナ卿は、スペイン人の両親のもとブリュッセルで生まれ、合同法成立直前に亡くなっていた。彼はスコットランド騎士に叙せられた最後の世代の一人だった。メディナは当初ロンドンで活動していたが、キャリア半ばで競争の少ないエディンバラに移り、そこでスコットランドのエリート層の肖像画を手掛けるようになった。しかし、連合後には状況は一変し、スコットランドの貴族たちは、たとえメディナの弟子で1723年にロンドンに移住したウィリアム・アイクマンやアラン・ラムゼイのようなスコットランド人画家であっても、ロンドンで肖像画を描いてもらうためにより多くのお金を払うことを覚悟した。[ 4 ]
イギリスの肖像画には、レリーやクネラーの伝統とは異なる、より直接的な伝統があり、ウィリアム・ドブソンやドイツ人またはオランダ人のジェラール・ソーストに遡る。ソーストはジョン・ライリーを指導したが、ライリーの作品はごくわずかしか確証がなく、ライリーは今度はジョナサン・リチャードソンを指導した。リチャードソンは優れた画家で、トーマス・ハドソンを指導し、ハドソンはジョシュア・レイノルズとダービーのジョセフ・ライトを指導した。リチャードソンはまた、この時代の最も著名なアイルランド人肖像画家であるチャールズ・ジャーバスを指導した。ジャーバスは画家としての明らかな限界にもかかわらず、ロンドンで社会的にも経済的にも成功を収めた。[ 5 ]
絵画の「低級ジャンル」の支配に対する例外は、サー・ジェームズ・ソーンヒル（1675/76年 - 1734年）であった。彼は巨大なバロック寓意装飾図案を描いた最初で最後の重要なイギリス人画家であり、ナイトの称号を授与された最初のイギリス人画家であった。彼の最も有名な作品は、グリニッジ病院、ブレナム宮殿、ロンドンのセント・ポール大聖堂のドームにある。彼の素描は、義理の息子であるウィリアム・ホガースが後に追求する方向へと力強く写実的に描くことへの嗜好を示しているが、完成作品ではそれがほぼ覆されており、グリニッジでは「国王上陸を実際のまま、現代のやり方と服装で単純に表現することから生じるであろう異議」を慎重にリストアップし、慣習的なバロック様式の栄光を描いた。[ 6 ]ホガースと同様に、彼は自己宣伝にナショナリズムのカードを使い、最終的にはセバスティアーノ・リッチを出し抜いて十分な数の依頼を獲得し、1716年に彼と彼のチームはフランスに撤退した。ジョヴァンニ・アントニオ・ペレグリーニはすでに1713年にフランスを去っていた。寓意的な構図の他の主要な外国人画家であるアントニオ・ヴェリオとルイ・ラゲールがそれぞれ1707年と1721年に亡くなると、ソーンヒルは独り占めになったが、晩年には趣味の変化により壮大な構図の依頼は途絶えてしまった。[ 7 ]
1714年以降、新しいハノーヴァー朝ははるかに質素な宮廷運営を行い、必要な肖像画を除いて芸術の後援からほぼ撤退した。幸いなことに、好景気に沸くイギリス経済は、特にロンドンにおいて、宮廷に代わる貴族や商人の富を供給することができた。[ 8 ]
ウィリアム・ホガースは17世紀後半に絶大な人気を誇り、その芸術は独特のイギリスらしさを表現することに成功した。彼の作品は、風刺と哀愁に満ちた、当時の生活を生き生きと描いた道徳的な場面で構成され、プロテスタントの中流階級の趣味や偏見に合致しており、彼らはホガースの絵画の版画を大量に購入した。他の主題は版画としてのみ発行され、ホガースはイギリスで最初の重要な版画家であり、今でも最もよく知られている。多くの作品は4つ以上の場面からなる連作で、中でも最も有名なのは、1730年代の『娼婦の遍歴』と『放蕩者の遍歴』 、そして1740年代半ばの『流行の結婚』である。実際、彼は一度だけ短期間イギリスを離れただけで、自身の宣伝活動ではイギリス人であることを主張し、しばしば巨匠たちを攻撃していたにもかかわらず、版画制作のバックグラウンド、イギリスの画家たちよりも大陸美術に精通していたこと、そして他の画家から素早く教訓を吸収する能力があったことから、同時代の画家たちよりも大陸美術への理解が深く、それをより多く活用していたと言えるだろう。
後世の多くの画家と同様に、ホガースは何よりもまずグランド・マナーの歴史画で成功を収めたいと願っていたが、彼の数少ない試みは成功せず、現在ではほとんど評価されていない。彼の肖像画は主に中流階級の人々を描いたもので、共感とお世辞の両方を反映した写実的な描写がなされており、フィリップ・メルシエがフランスから最近導入した、当時流行していた会話画の形式も含まれていた。会話画はイギリスで人気を保ち、フランシス・ヘイマンなどの画家が取り入れたが、画家が高額な単数形の依頼を受けられるようになると、通常は放棄された。[ 9 ]
イギリス人画家が不足していたことを考えると、ヨーロッパの他の地域以上に、画家の育成は確立された巨匠の工房にとどまらず、より広範な分野に及ぶ必要があるという認識があり、 1711年にクネラーがペレグリーニの協力を得てグレート・クイーン・ストリートにアカデミーを設立したのを皮切りに、様々なアカデミー設立の試みが行われた。このアカデミーは1716年にソーンヒルに引き継がれたが、 1720年にジョン・ヴァンダーバンクとルイ・シェロンが独自のアカデミーを設立する頃には、活動を停止していたようである。しかし、それも長くは続かず、1724年から1725年にかけてソーンヒルは自身の家で再び試みたが、ほとんど成功しなかった。ホガースはこのための設備を受け継ぎ、 1735年にセント・マーティンズ・レーン・アカデミーを設立した。このアカデミーは最も長く存続し、最終的には1768年にロイヤル・アカデミーに吸収された。ホガースはまた、ロンドンにおける展示会場不足の問題解決にも貢献し、1746年からファウンドリング病院で展覧会を開催した。 [ 10 ]
スコットランドの肖像画家アラン・ラムゼイは、 1739年までにロンドンに移る前にエディンバラで活動していた。彼はキャリアの最初と最後に3年間イタリアを訪れ、ジョシュア・レイノルズに先駆けて、よりリラックスした「グランド・マナー」をイギリスの肖像画にもたらし、彼の最高傑作（一般的には女性をモデルにした作品とされている）では非常に繊細なタッチを組み合わせました。17世紀半ば、レイノルズが名声を得るまで、彼のロンドンにおける主なライバルは、レイノルズの師匠である堅苦しいトーマス・ハドソンでした。[ 11 ]
1714年頃から1765年に亡くなるまで活躍したジョン・ウートンは、当時の一流のスポーツ画家であり、イギリス競馬の中心地であるニューマーケットを拠点に、馬の肖像画や戦闘シーン、狩猟や乗馬を題材にした会話画などを数多く制作した。彼はボーフォート公爵家の小姓としてキャリアをスタートさせ、1720年代にローマに派遣された。そこでガスパール・デュゲやクロードの作風に基づいた古典主義的な風景画のスタイルを習得し、それを純粋な風景画やカントリーハウス、馬を題材とした作品に用いた。これにより、それまでイギリスで主流だった風景画のスタイルに代わる新たな潮流が生まれ、風景画を専門とする最初のイギリス人画家であるジョージ・ランバートなどの仲介者を通じて、ゲインズバラなどの他のイギリス人画家にも大きな影響を与えた。[ 12 ]サミュエル・スコットは、イギリス出身の海洋画家や都市景観画家の中では最高だったが、後者の専門分野では、1746年から9年間イギリスに滞在し、ヴェネツィアの風景画がグランドツアーの人気のお土産となったカナレットには及ばなかった。[ 13 ]
古物研究家であり版画家でもあるジョージ・ヴァーチューは、この時代の大半においてロンドンの美術界で重要な人物であり、彼の膨大なノートは1760年代にホレス・ウォルポールによって『イングランド絵画の逸話集』として編纂・出版され、この時代の主要な資料として現在も残っている。[ 14 ]
1720年にロンドンに到着したフランドル出身の彫刻家ジョン・マイケル・ライスブラックは、1730年にルイ＝フランソワ・ルービリアックが到着するまで、その分野の第一人者であった。ルービリアックはロココ様式で、胸像や小像に非常に効果的であったが、次の10年間にはより大きな作品の依頼も受けるようになった。彼はまた、 1743年に設立されたチェルシー磁器工場の模型も制作した。この工場は、主に支配者によって設立された大陸の工場と競争しようとした私企業であった。ルービリアックの様式は、庭園用の彫像を専門としていた英国を代表する彫刻家サー・ヘンリー・チアとその弟ジョンの様式を形成した。[ 15 ]
ロンドンの銀細工業は盛んで、ポール・ド・ラメリー、ポール・クレスパン、ニコラス・スプリモン、コートールド家、そしてジョルジュ・ウィックスといったユグノー難民の子孫が中心だった。注文は遠くロシアやポルトガルの宮廷からも寄せられたが、イギリスのスタイルは依然としてパリが主導していた。[ 16 ]ロンドンのスピタルフィールズでの絹織物 の製造も伝統的なユグノーの事業だったが、1720年代後半からは、リンカンシャーの牧師の娘で、 40歳でロココ様式の花柄を主としたデザイナーとして頭角を現したアンナ・マリア・ガースウェイトという意外な人物が絹織物のデザインを牽引するようになった。[ 17 ]
フランスやドイツとは異なり、イギリスにおけるロココ様式の採用は全面的というよりは断片的で、リチャード・ボイル第3代バーリントン伯爵とウィリアム・ケントが主導した国家主義的な理由から抵抗があった。彼らは、共同で制作した建築のパラディオ様式に合うようにインテリアデザインや家具のスタイルを推進し、影響力のあるイギリスの風景庭園の伝統を始めた[ 18 ]。ニコラウス・ペヴスナーによれば、それは「イギリスの芸術におけるあらゆる革新の中で最も影響力のあるもの」である[ 19 ] 。 フランス生まれの版画家ユベール＝フランソワ・グラヴロは、1732年から1745年までロンドンに滞在し、職人が従うべき書籍の挿絵や装飾版画にロココ趣味を導入する上で重要な人物であった[ 20 ] 。
現代の一般的な認識では、1750年から1790年頃のイギリス美術（今日ではイギリス絵画の「古典時代」と呼ばれている）は、サー・ジョシュア・レイノルズ（1723年～1792年）、ジョージ・スタッブス（ 1724年～1806年）、トーマス・ゲインズバラ（1727年～ 1788年）、ジョセフ・ライト・オブ・ダービー（1734年～1797年）によって支配されていた。当時、レイノルズは支配的な人物と見なされ、ゲインズバラは非常に高く評価されていたが、スタッブスは単なる動物画家と見なされ、今日ではほとんど知られていない、あるいは忘れ去られた多くの画家たちに比べてはるかに重要性の低い人物と見なされていた。この時期はイギリスとイギリスの芸術家にとって繁栄が続いた時期だった。「1780年代までにイギリスの画家は国内で最も裕福な人々の仲間入りを果たし、彼らの名前は新聞の読者にはお馴染みで、彼らの争いや陰謀は町中の話題となり、彼らの題材は印刷店のショーウィンドウに展示されているので誰もが知っていた」とジェラルド・ライトリンガーは述べている。[ 21 ]
レイノルズは1753年にイタリアへの長期滞在から帰国し、すぐにロンドンで最も流行の肖像画家としての名声を確立し、間もなく社交界で大きな影響力を持つ人物、イギリスの芸術界の指導者となった。彼はイタリアの古典美術と近代美術の両方を研究しており、彼の作品には旅先で見たモデルがさりげなく再利用されている。彼は勇敢な軍人から非常に若い女性まで、幅広い気分や感情を表現することができ、背景と人物を劇的に融合させることも多かった。[ 22 ]
芸術、製造業、商業振興協会は、主に展覧会の会場を提供するために 1754 年に設立されました。1761 年、レイノルズはライバルである英国芸術家協会の設立を主導し、そこでは芸術家たちがより大きな権限を持っていました。これは、1768 年に王立芸術院が設立され、すぐにロンドンで最も重要な展示団体と最も重要な学校になったにもかかわらず、1791 年まで続きました。レイノルズは初代会長であり、1792 年に亡くなるまでその職を務めました。彼が最初に学生たちに語った講演録は、英語で書かれた最初の主要な美術に関する著作とみなされ、古典彫刻や盛期ルネサンス絵画の古典的な壮大さに匹敵する様式への憧れを示しました。[ 23 ]
アカデミーが設立された後、レイノルズの肖像画はより過度に古典主義的になり、しばしばより距離を置くようになったが、1770年代後半には、おそらくトーマス・ゲインズバラの成功に影響を受けて、より親密なスタイルに戻った[ 24 ] 。ゲインズバラはイプスウィッチとバースで活動した後、1773年にロンドンに定住した。レイノルズの貴族の肖像画制作は彼の才能にまさに合致しているように見えるが、ゲインズバラは、作品の市場動向に従うことを強いられなければ、純粋な風景画家、あるいは家族の肖像画の多くに見られるような非公式なスタイルの肖像画家として発展した可能性もある。彼は晩年まで主に楽しみのために純粋な風景を描き続け、彼の風景画が完全に評価されるようになったのは20世紀になってからである。彼の主な影響は、肖像画ではフランス、風景画ではオランダであり、イタリアの影響は少なかった。彼は筆致の鮮やかな軽やかさで有名である[ 25 ] 。
ジョージ・ロムニーも1770年頃に頭角を現し、晩年は衰退したものの1799年まで活躍した。彼の肖像画は、主に品格のある社交界の人物を描いた個性豊かで魅力的なイメージだが、1781年からは奔放な若いエマ・ハミルトンに執着し、彼女をより派手なポーズで約60回描いた。[ 26 ] 彼の作品は20世紀初頭にアメリカのコレクターに特に人気があり、現在ではアメリカの美術館に多数所蔵されている。[ 27 ] この世代の後には、ジョン・ホップナー、サー・ウィリアム・ビーチェイ、そしてアメリカに戻ってからようやく成熟した作風を確立した若きギルバート・スチュアートなど、若い肖像画家たちが続いた。[ 28 ]
ウェールズの画家リチャード・ウィルソンは、 1757年に7年間のイタリア滞在からロンドンに戻り、その後20年間、クロードとガスパール・デュゲのフランス・イタリアの伝統をイギリスの題材に取り入れた「崇高な」風景画のスタイルを発展させた。ゲインズバラの作品と同様に、彼の風景画は高く評価されたものの、売れ行きは悪く、レイノルズが嘆いたように、彼は時折、小さな人物をいくつか追加して歴史画に見せかけ、価格を約80ポンドに倍増させるという一般的な策略に頼った。[ 29 ] 彼はイタリアだけでなく、イングランドやウェールズを舞台にした風景画を描き続け、1782年に彼が亡くなったのは、多くの画家が山岳風景を求めてウェールズ、そして後に湖水地方やスコットランドへと旅立ち始めた頃だった。油絵と水彩画は、当時イギリスでプロとアマチュアの両方の間で長い人気を博し始めていた。ポール・サンドビー、フランシス・タウン、ジョン・ワーウィック・スミス、ジョン・ロバート・コゼンスは、主要な専門画家であり、聖職者でアマチュア画家のウィリアム・ギルピンは、アマチュアによる絵画の普及を促した重要な著述家であった。一方、アレクサンダー・コゼンスの作品は、ランダムなインクの染みを風景画の構図に組み込むことを推奨しており、コンスタブルでさえこの技法を試みた。[ 30 ]
壮大な様式の歴史画は、最も権威のある芸術形式であり続けたが、売れるのは容易ではなく、レイノルズは何度か挑戦したが、ホガースと同様に成功しなかった。現代の服装の英雄的でない性質は、同時代の場面を描く上で大きな障害と見なされ、スコットランドの紳士画家であり美術商でもあったギャビン・ハミルトンは、古典的な場面を好んだほか、東洋旅行に基づいた絵も描き、ヨーロッパの人物はアラブの衣装を着ることでこの問題を回避した。彼は成人期のほとんどをローマで過ごし、ヨーロッパの新古典主義にイギリスと同じくらい大きな影響を与えた。アイルランド人のジェームズ・バリーはブレイクに影響を与えたが、困難なキャリアを歩み、王立芸術協会の大広間での連作「人類文化の進歩」に何年も費やした。ボタンやかつらを恐れなかった最も成功した歴史画家は、ロンドンに定住したアメリカ人のベンジャミン・ウェストとジョン・シングルトン・コプリーの二人だった。ただし、コプリーの最も成功した作品の一つである『ワトソンとサメ』（1778年）では、溺死からの救助を描いており、ボタンやかつらをほとんど使わずに済んだ。
文学を題材にした小規模な作品も人気があり、シェイクスピアの場面を描いた最初の画家の一人であるフランシス・ヘイマンや、小説『パメラ』を題材にした一連の作品を描いたジョセフ・ハイモアなどが先駆者となった。この時期の終わりには、ボイデル・シェイクスピア・ギャラリーが、当時「吟遊詩人」と呼ばれていたシェイクスピアを題材にした絵画や版画を制作する野心的なプロジェクトとして始まり、同時に当時のイギリスの歴史画の限界を露呈させた。[ 31 ]ジョセフ・ライト・オブ・ダービーは主に肖像画家であり、産業革命を描いた最初の画家の一人でもある。また、『空気ポンプの中の鳥の実験』（1768年）や『天体儀について講義する哲学者』 （1766年頃）などの作品では、会話画と歴史画の融合を発展させた。これらの作品は、彼の多くの作品と同様にろうそくの光だけで照らされており、強い明暗対比の効果を生み出している。[ 32 ]
劇場の場面を記録した絵画は、ドイツのヨハン・ゾファニーなどが描いたもう一つのサブジャンルでした。ゾファニーは肖像画や会話画を描き、インドに2年以上滞在してイギリスのナボブや現地の風景を描き、拡大する大英帝国はイギリス美術においてますます重要な役割を果たすようになりました。[ 33 ] 美術の訓練は、スケッチマップや計画のために軍隊で役立つスキルと考えられており、多くのイギリス将校が、世界各地の風景や場所を、しばしば水彩で描いた最初の西洋の絵を描きました。インドでは、西洋とインドの美術のハイブリッド形式としてカンパニースタイルが発展し、インド人がイギリス市場向けに制作しました。
トーマス・ローランドソンはイギリスの生活を風刺した水彩画や版画を制作したが、政治はほとんど扱わなかった。印刷店（出版社も兼ねていることが多かった）が手彩色または無彩色で個別に販売していた政治風刺画の巨匠はジェームズ・ギルレイであった。[ 34 ] イギリス美術における肖像画への重点は、必ずしもモデルの虚栄心によるものではなかった。肖像版画、主に絵画の複製には大きな収集家市場があり、それらはしばしばアルバムに収められていた。19世紀半ばからは、肖像画やその他の絵画の、高価ではあるがより効果的なメゾチントによる複製が大きく成長し、収集家からは「文字が書き込まれる前」（つまり、銘文が追加される前）の初期の試刷り版に対する特別な需要があり、版画家はそれを快く、ますます多くの数で印刷した。[ 35 ]
この時期は、イギリスの装飾芸術の頂点のひとつでした。17世紀半ば頃には、ロンドンのボウをはじめ、地方のロウストフト、ウスター、ロイヤルクラウンダービー、リバプール、ウェッジウッドなど、多くの磁器工場が開設され、 1767年にはスポードも続きました。ほとんどは小規模な会社として始まり、数十年しか続かなかったところもあれば、今日まで存続しているところもあります。この時期の終わりには、イギリスの磁器セットは外国の王室から注文されるようになり、イギリスの製造業者は急速に拡大する国際的な中産階級市場を開拓することに特に長けており、手描きの本物の磁器だけでなく、ボーンチャイナや転写プリントの製品も開発しました。[ 36 ]
家具職人の三大巨頭、トーマス・チッペンデール（1718–1779）、トーマス・シェラトン（1751–1806）、ジョージ・ヘップルホワイト（1727?–1786）はそれぞれ異なるスタイルを持ち、イギリス国内外の他の職人が使用するパターンブックの著者として、現在まで続く名声を得ています。実際、後者の二人が実際に工房を経営していたかどうかは定かではありませんが、チッペンデールは工房経営と、現在インテリアデザインと呼ばれる分野で確かに成功を収めました。フランスとは異なり、イギリスではギルド制度が廃止されていたため、チッペンデールは改装に必要なあらゆる職種の専門家を雇うことができました。[ 37 ] この時期には、ロココとシノワズリーが新古典主義に取って代わられ、スコットランドの建築家兼インテリアデザイナーのロバート・アダム（1728–1792）が新しいスタイルを牽引しました。
![初代スタッフォード侯爵グランヴィル・レヴェソン＝ゴワー（1776～7年）の子供たち]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/d/db/Granville_Leveson-Gower%C2%B4s_children.jpg/500px-Granville_Leveson-Gower%C2%B4s_children.jpg)
18 世紀後半から 19 世紀初頭にかけてのイギリス美術におけるロマン主義運動は、ジョセフ・ライト・オブ・ダービー、ジェームズ・ウォード、サミュエル・パーマー、リチャード・パークス・ボニントン、ジョン・マーティンらを輩出し、おそらくイギリス美術史上最も急進的な時代であった。また、ウィリアム・ブレイク(1757–1827)、ジョン・コンスタブル(1776–1837)、JMW ターナー(1775–1851) も輩出し、後者 2 名はイギリスの芸術家の中で最も国際的に影響力のある人物と言えるだろう。[ 38 ] [ 39 ]ターナーのスタイルは、イタリアの伝統に基づいていたが、40 代になるまでイタリアを訪れたことはなかった。その後、光の効果を探求した、ほとんど抽象的な風景画の最終作に至るまで、かなりの変化を遂げ、印象派や後世の運動に大きな影響を与えた。[ 40 ]コンスタブルは通常、北ヨーロッパの伝統に基づいたスタイルで、せいぜい数人の風俗人物を描いた純粋な風景画を描いていたが、ターナーと同様に、彼の「6フィートの作品」は歴史画と同じくらい印象的なインパクトを与えることを意図していた。[ 41 ]それらは習作や実物大の油彩スケッチを用いて入念に準備されていたが、[ 42 ]ターナーは展示用の作品をすでに展示されている段階で仕上げ、当時の密集した展示の中で周囲の作品を支配するように自由に調整することで悪名高かった。[ 43 ]
ブレイクの先見的なスタイルは生前は少数派の好みだったが、 1820年代にケント州ショアハムの田舎に集まったサミュエル・パーマー、ジョン・リンネル、エドワード・カルバート、ジョージ・リッチモンドといった若い「古代派」に影響を与え、彼らは貧困の中で強烈で叙情的な牧歌を制作した。彼らはその後、より一般的な芸術家としてのキャリアを歩み、パーマーの初期の作品は20世紀初頭まで完全に忘れ去られていた。[ 44 ]ブレイクとパーマーは、20世紀のモダニズムの芸術家に大きな影響を与え、その影響は（とりわけ）ドーラ・キャリントン[ 45 ]、ポール・ナッシュ、グラハム・サザーランド[ 46 ]などのイギリス人芸術家の絵画に見られる。ブレイクはまた、 1950年代のビート詩人や1960年代のカウンターカルチャーにも大きな影響を与えた。[ 47 ]
トーマス・ローレンスは20世紀初頭にはすでに一流の肖像画家であり、上流社会やナポレオン戦争後にウィーン会議に集まったヨーロッパの指導者たちの肖像画にロマンティックな趣を与えることができた。ヘンリー・レイバーンは、スコットランド連合以来、生涯を通じてエディンバラを拠点とした最も重要な肖像画家であり、スコットランドの繁栄の高まりを示している。[ 48 ] しかし、デイヴィッド・ウィルキーは伝統的な南下路線を選び、田園生活や、チェルシー年金受給者がウォータールーの報報を読む場面（1822年）のようなジャンルと歴史を融合させた場面を題材に大成功を収めた。 [ 49 ]
ジョン・フラックスマンは、最も徹底した新古典主義のイギリス人画家であった。彫刻家としてキャリアをスタートさせた彼は、古典的な場面を描いた簡潔な「アウトライン・ドローイング」で有名になり、それらはしばしば文学作品の挿絵として複製され、版画として販売された。これらの版画は、彼が制作した古典様式のレリーフの効果を模倣したものであった。ドイツ系スイス人のヘンリー・フュースリーも線描的なグラフィック・スタイルで作品を制作したが、彼の物語的な場面は、しばしばイギリス文学から取られており、非常にロマンチックで劇的なものであった。[ 50 ]
ラファエル前派兄弟団（PRB）は、1848年の設立後、宗教、文学、風俗を題材とした絵画を色彩豊かで緻密なスタイルで制作し、「サー・スロシュア」レイノルズに代表される伝統の奔放な筆致を拒否し、大きな影響力を獲得しました。PRBの画家には、ジョン・エヴァレット・ミレー、ウィリアム・ホルマン・ハント、ダンテ・ガブリエル・ロセッティ、フォード・マドックス・ブラウン（正式なメンバーではなかった）などがおり、エドワード・バーン＝ジョーンズやジョン・ウィリアム・ウォーターハウスといった人物は、後に彼らの思想の様々な側面から大きな影響を受けました。デザイナーのウィリアム・モリスも同様です。モリスは、あらゆる工芸に急速に適用されていた工業生産ではなく、装飾芸術における手仕事への回帰を提唱しました。美しいものを誰もが手頃な価格で（あるいは無料で）手に入れられるようにするという彼の努力は、彼の壁紙やタイルのデザインがヴィクトリア朝の美意識を決定づけ、アーツ・アンド・クラフツ運動のきっかけとなりました。
ターナーと同様に、ラファエル前派は、自身も優れたアマチュア画家であった権威ある美術評論家ジョン・ラスキンの支援を受けていた。彼らは技術的な革新性を持ちながらも、歴史画を最高の芸術形式とみなす点で伝統的かつヴィクトリア朝的であり、その主題はヴィクトリア朝の趣味に完全に合致しており、実際「鋼版画の出版者が歓迎するすべて」[ 51 ]であったため、後年のキャリアにおいて主流派に容易に溶け込むことができた。[ 52 ]
ラファエル前派は賛否両論の評価を受けたが、当時最も人気があり、高額な作品を手掛けた画家には、ヴィクトリア女王とアルバート公のお気に入りであった感傷的な動物画を専門とするエドウィン・ランドシーアがいた。世紀後半には、画家は絵画の複製権を印刷出版社に売ることで多額の収入を得ることができ、ランドシーアの作品、特にハイランドの雄鹿を描いた『グレンの君主』（1851年）は、最も人気のある作品の一つであった。ミレーの『泡』（1886年）と同様に、ウイスキーや石鹸のブランドのパッケージや広告に何十年にもわたって使用された。[ 53 ]
イギリスのヴィクトリア朝後期には、ロード・レイトンやオランダ生まれのローレンス・アルマ＝タデマのアカデミックな絵画（中には非常に大きなものもあった）が絶大な人気を博し、どちらも異国情緒あふれる、あるいは古典的な背景の中に軽装の美女を描いたものが多かった。一方、G・F・ワッツの寓意的な作品は、ヴィクトリア朝の崇高な目的意識に合致していた。エドワード・ポインターやアルバート・ムーアの古典的な女性像は、より厚着をしており、あまり成功しなかった。 ウィリアム・パウエル・フリスは、社会生活の非常に詳細な場面を描き、通常は社会のあらゆる階級を描き、喜劇的要素や道徳的要素を含み、ホガースの影響を受けていることは認められているが、彼の作品とは明らかに異なっている。[ 54 ]
こうした芸術家にとって、ロイヤル・アカデミー夏季展は欠かせない舞台であり、新聞では長々と批評され、作品について論じる際にはしばしば嘲笑と過剰な賞賛が交互に繰り広げられた。最も稀な栄誉は、熱狂的な群衆から絵画を守るために柵を置かなければならなかったことであり、1874年までに、ウィルキーの『チェルシー年金受給者』、フリスの『ダービーの日』と『サロン・ドール』、ホンブルクとルーク・フィルデの『臨時病棟』（下記参照）にしか起こらなかった。[ 55 ] 多くの芸術家が、そこでヒット作が出ることを期待して毎年努力を重ね、しばしば自分の才能に合わない方法で制作していた。その典型的な例が、キーツやディケンズの友人であり、画家よりも作家として優れていたベンジャミン・ヘイドンが1846年に自殺し、未完成の『アルフレッド王と最初の英国陪審員』に血を飛び散らせたことである。[ 56 ]
イギリスの歴史は非常に一般的な題材であり、中世、エリザベス1世、メアリー・スチュアート、イングランド内戦は特に人気の題材であった。他の箇所で言及されている多くの画家が歴史を題材に描いており、初期の数十年にはミレー（『ローリーの少年時代』など）、フォード・マドックス・ブラウン（『農場のクロムウェル』）、デイヴィッド・ウィルキー、ワッツとフリス、ウェスト、ボニントン、ターナーなどがいた。ロンドンを拠点とするアイルランド人のダニエル・マクリースとチャールズ・ウェスト・コープは、新しいウェストミンスター宮殿の場面を描いた。レディ・ジェーン・グレイは、メアリー・スチュアートと同様に、多くの画家を魅了した女性であったが、フランス人のポール・ドラローシュによる数多くのイギリスの歴史を題材とした作品の一つである『レディ・ジェーン・グレイの処刑』に匹敵する画家はいなかった。[ 57 ]画家たちは、新しいヴィクトリア・アンド・アルバート博物館 のコレクションや書籍を研究し、衣装や小道具に関して時代設定の正確さが増していることを誇りとし、以前の世代の芸術家の軽薄な近似を軽蔑した。[ 58 ]
ヴィクトリア朝絵画は、道徳的な詳細が詰まったホガースの社会主題と文学の場面を挿絵で表現する伝統を発展させ、さまざまなタイプの風俗画を生み出した。その多くは数人の人物しか描かれていないが、フリスの最も有名な作品のように、大きく混雑した場面を描いたものもある。ホルマン・ハントの『目覚めた良心』（1853年）とオーガスタス・エッグの『過去と現在』（1858年）は前者のタイプで、どちらもヴィクトリア朝時代の永遠の関心事である「堕落した女性」を扱っている。ピーター・コンラッドが指摘するように、これらは小説のように読まれるようにデザインされた絵画であり、その意味は鑑賞者が解読する作業を終えた後に明らかになる。[ 59 ]他の「逸話的」場面は、より軽い雰囲気で、キャプションのないパンチの漫画 のような傾向があった。
19世紀末になると、問題画は物語の細部を意図的に曖昧にし、鑑賞者に目の前の証拠に基づいて推測するよう促すが、最終的な答えは与えなかった（画家たちは尋ねられたときに謎めいた笑みを浮かべることを覚えた）。これは、直接提起するのが難しいかもしれない、女性に関わるデリケートな社会問題についての議論を巻き起こすこともあった。問題画は非常に人気があり、新聞は読者に絵画の意味を答えてもらうコンテストを開催した。[ 60 ]
多くの芸術家が、一般的にエッチング復興として知られる、独創的な版画制作の復興に参加したが、他の多くの技法による版画も制作された。これは1850年代に始まり、1929年のウォール街大暴落の影響で、当時最も人気があった芸術家たちの作品価格が暴落するまで続いた。
イギリスのオリエンタリズムは、同時期のフランスほど一般的ではなかったものの、多くの専門家がいた。その中には、カイロに9年間住んでいたジョン・フレデリック・ルイス、中東とイタリアへの旅行をリトグラフにしたスコットランド人のデイヴィッド・ロバーツ、セイロン島まで旅したナンセンス作家のエドワード・リア、リチャード・ダッドなどがいる。ホルマン・ハントも聖書の絵の本格的な舞台を得るためにパレスチナへ旅した。パリ・コミューン崩壊後にロンドンに逃れたフランス人のジェームズ・ティソは、上流社会の社交行事の場面と、複製出版用に水彩で描いた膨大な聖書の挿絵のシリーズに時間を費やした。[ 61 ]フレデリック・グッドールは古代エジプトの場面を専門としていた。
貧困層の社会状況を扱った大型の絵画は、田園風景に焦点を当てる傾向があり、人物の悲惨さは少なくとも風景によって相殺されていた。こうした絵画を描いた画家には、フレデリック・ウォーカー、ルーク・フィルデス（ただし、彼は1874年に『臨時病棟への入所希望者』で名を馳せた- 上記参照）、フランク・ホール、ジョージ・クラウゼン、そしてドイツ人のフーベルト・フォン・ヘルコマーなどがいる。[ 64 ]
ロセッティ一家の友人であったウィリアム・ベル・スコットは、歴史画やその他の種類の作品を描いたが、重工業の風景を描いた数少ない画家の一人でもあった。彼の回想録はこの時代の貴重な資料であり、彼は行政官ヘンリー・コール（クリスマスカードの発明者）が主導し、リチャード・レッドグレイブ、エドワード・ポインター、リチャード・バーチェット、スコットランド人デザイナーのクリストファー・ドレッサーなど多くの芸術家を雇用した、大幅に拡大された政府美術学校の制度で一定期間雇用された数人の芸術家の一人であった。バーチェットは、現在のロイヤル・カレッジ・オブ・アートである「サウス・ケンジントン・スクール」の校長を務め、徐々にロイヤル・アカデミー・スクールに代わって英国を代表する美術学校となったが、20世紀初頭頃にはスレード美術学校が多くの先見的な芸術家を輩出していた。[ 65 ]
ロイヤル・アカデミーは当初、パリ・サロンほど保守的で制限的ではなく、ラファエル前派は他の画家たちと同様に作品の配置に不満を抱いたものの、ほとんどの作品が展覧会に出品された。彼らは特に、地域最大の展示団体の一つであるリバプール美術アカデミーで歓迎された。ロイヤル・スコティッシュ・アカデミーは1826年に設立され、 1850年代に壮大な新館を開設した。ロンドンにはブリティッシュ・インスティテューションのような代替会場もあり、会長を務めたロード・レイトンの努力にもかかわらず、ロイヤル・アカデミーの保守主義が徐々に強まるにつれて、新しいスペースがオープンした。特に、1877年からボンド・ストリートにグロブナー・ギャラリーが開設され、耽美主義運動の本拠地となった。ニュー・イングリッシュ・アート・クラブは1885年から印象派の傾向を持つ多くの画家を展示し、当初はロイヤル・アカデミーの向かいにあるエジプシャン・ホールを使用していた。ロイヤル・アカデミーは外国美術の展覧会も数多く開催していた。アメリカの肖像画家ジョン・シンガー・サージェント（1856年～1925年）は、そのキャリアのほとんどをヨーロッパで過ごし、1886年から1907年までロンドン（彼が亡くなった場所）にアトリエを構えていた。
フランス生まれだがイギリス国籍を持つアルフレッド・シスレーは、印象派の画家の一人としてフランスで絵を描いた。ウォルター・シッカートとフィリップ・ウィルソン・スティアもキャリアの初期には強い影響を受けたが、画商のポール・デュラン＝リュエルがロンドンに多くの展覧会を持ち込んだにもかかわらず、この運動は数十年後までイギリスではほとんど影響を与えなかった。[ 66 ]ニューリン派の風景画や風俗画の 画家の中には、準印象派的な技法を採用した者もいれば、写実的あるいはより伝統的なレベルの仕上げを用いた者もいた。
19 世紀後半には、フランスで退廃主義運動、イギリスで耽美主義運動も起こりました。イギリスを拠点とするアメリカ人画家ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラー、オーブリー・ビアズリー、そしてかつてのラファエル前派のダンテ・ガブリエル・ロセッティとエドワード・バーン＝ジョーンズはこれらの運動と関連があり、バーン＝ジョーンズとビアズリーはともに海外で賞賛され、ヨーロッパの象徴主義に最も近いイギリスのアプローチを代表しています。[ 67 ] 1877 年、ジェームズ・マクニール・ホイッスラーは、美術評論家のジョン・ラスキンが彼の絵画「黒と金の夜想曲：落下するロケット」を非難したことで、名誉毀損でラスキンを訴えました。ラスキンはホイッスラーを「大衆の顔に絵の具の壺を投げつけるために 200 ギニーを要求している」と非難しました。[ 62 ] [ 63 ]陪審はホイッスラーに有利な評決を下したが、名目上の損害賠償としてわずか1ファージングしか認めず、訴訟費用は折半となった。[ 68 ]訴訟費用と、自宅（チェルシーのタイト・ストリートにある「ホワイト・ハウス」、 EW ゴッドウィンと共同設計、1877～78 年）の建設による巨額の負債により、ホイッスラーは 1879 年 5 月までに破産し、[ 69 ]作品、コレクション、家が競売にかけられることになった。スタンスキー[ 70 ]は、ラスキンの訴訟費用を支払うためにコレクションを組織したロンドン美術協会が、ホイッスラーの費用回収に役立った「ヴェネツィアの石」のエッチング（および 1883 年のシリーズ展）を支援したという皮肉を指摘している。
スコットランド美術は国内市場での地位を取り戻しつつあり、独自の特色を発展させることができた。「グラスゴー・ボーイズ」はその代表例であり、絵画では印象派、デザインではアール・ヌーヴォー、ジャポニズム、ケルト復興様式を融合させた。建築家兼デザイナーのチャールズ・レニー・マッキントッシュは、現在では彼らの最も有名なメンバーとなっている。画家には、トーマス・ミリー・ダウ、ジョージ・ヘンリー、ジョセフ・クローホール、ジェームズ・ガスリーなどがいた。
新しい印刷技術の登場により、書籍の挿絵は大きく発展し、特に児童書の挿絵は、この時代の最も記憶に残る作品の多くを生み出した。専門の挿絵画家には、ランドルフ・カルデコット、ウォルター・クレーン、ケイト・グリーナウェイ、そして1902年からはビアトリクス・ポターなどが挙げられる。
大英帝国の勃興に伴う軍事的、政治的、経済的権力の経験は、英国における芸術技法、趣味、感性に非常に特有の推進力をもたらした。[ 71 ]英国人は芸術を用いて「自然界に関する知識と支配力を示す」一方、英国領北アメリカ、オーストララシア、南アフリカの永住者は「国民的アイデンティティの感覚にふさわしい独特の芸術表現の探求に乗り出した」。[ 71 ]帝国は「英国美術史の周縁ではなく中心にあった」。[ 72 ]
この時期のイギリスの装飾美術の多様な形態と大量生産は、簡単に要約するには複雑すぎる。ヴィクトリア朝の趣味は、アーツ・アンド・クラフツ運動など、ここ数十年のさまざまな運動までは、今日では概して評価が低いが、多くの優れた作品が制作され、多くの利益が生み出された。ウィリアム・バージェスとオーガスタス・ピューギンはともにゴシック・リバイバルに傾倒した建築家であり、家具、金属工芸、タイル、その他の素材を用いたオブジェのデザインにも手を広げた。中世の教会の内装をゴシック様式に再解釈し、特にステンドグラスを用いた新しい教会をゴシック様式で装飾するブームが起こり、ステンドグラス産業は事実上消滅状態から復活した。絵画で彩られた家具の復活は、市場の最高級品の特徴であった。[ 73 ]
1875年の開店以来、ロンドンの百貨店リバティ＆カンパニーは、特に輸入された極東の装飾品や19世紀末の新しいスタイルの英国製品と結びついていました。チャールズ・ヴォイジーは建築家であり、テキスタイル、壁紙、家具などの分野で多くのデザインも手がけ、アーツ・アンド・クラフツ運動をアール・ヌーヴォーやそれ以降へと発展させました。彼は1920年代までデザインを続けました。[ 74 ] AH マクマードも同様の人物でした。
多くの点で、ヴィクトリア朝時代は1914年の第一次世界大戦勃発まで続き、王立アカデミーはますます硬直化していった。紛れもなく後期ヴィクトリア朝の人物であるフランク・ディクシーは1924年に会長に任命された。写真では、ピクトリアリズムは芸術的、いや絵画的な効果の達成を目指した。リンクド・リングにはその主要な実践者がいた。アメリカ人のジョン・シンガー・サージェントは20世紀初頭のロンドンで最も成功した肖像画家であり、ジョン・ラヴェリー、オーガスタス・ジョン、ウィリアム・オーペンが台頭してきた。ジョンの妹グウェン・ジョンはフランスに住んでおり、彼女の親密な肖像画は彼女の死後数十年経つまであまり評価されなかった。19世紀末のイギリスの近代美術に対する態度は「二極化」していた。 [ 75 ]モダニズム運動は芸術家や批評家によって愛され、また非難された。印象派は当初「多くの保守的な批評家」によって「破壊的な外国の影響」と見なされたが、20世紀初頭にはイギリス美術に「完全に同化」した。[ 75 ]アイルランドの芸術家ジャック・バトラー・イェイツ（1871–1957）はダブリンを拠点とし、ロマン主義の画家であり、象徴主義者であり、表現主義者でもあった。
ヴォーティシズムは、 1914年直前の数年間にモダニズムの芸術家たちが短期間集まったもので、メンバーにはウィンダム・ルイス、彫刻家のサー・ジェイコブ・エプスタイン、デイヴィッド・ボンバーグ、マルコム・アーバスノット、ローレンス・アトキンソン、アメリカの写真家アルヴィン・ラングドン・コバーン、フレデリック・エッチェルズ、フランスの彫刻家アンリ・ゴーディエ＝ブジェスカ、カスバート・ハミルトン、クリストファー・ネヴィンソン、ウィリアム・ロバーツ、エドワード・ワズワース、ジェシカ・ディスモア、ヘレン・サンダース、ドロシー・シェイクスピアなどがいた。 20世紀初頭には、シットウェルズ芸術家サークルやブルームズベリー・グループも含まれる。ブルームズベリー・グループは、主にイギリスの作家、知識人、哲学者、芸術家からなるグループで、画家のドーラ・キャリントン、画家で美術評論家のロジャー・フライ、美術評論家のクライヴ・ベル、画家のヴァネッサ・ベル、画家のダンカン・グラントなどが含まれる。当時は非常に流行していたが、彼らの視覚芸術作品は今日ではそれほど印象的ではない。[ 76 ]イギリスのモダニズムは第二次世界大戦後までやや不安定な状態が続いたが、ベン・ニコルソンなどの人物はヨーロッパの動向と連絡を取り続けていた。
ウォルター・シッカートとカムデン・タウン・グループは、ハロルド・ギルマン、スペンサー・フレデリック・ゴア、チャールズ・ギナー、ロバート・ベヴァン、マルコム・ドラモンド、ルシアン・ピサロ（フランス印象派の画家カミーユ・ピサロの息子）など、社会ドキュメンタリーの要素を強く持つ印象派とポスト印象派のイギリス様式を発展させた。[ 77 ]色彩がしばしばひどく地味なことで知られるスコットランド色彩派は、実際には明るい光と色彩を主に用いており、サミュエル・ペプローやジョン・ダンカン・ファーガソンなど、適切な題材を見つけるためにフランスに住んでいた者もいた。[ 78 ]彼らは当初、印象派と関係のあるスコットランドの風景画家、サー・ウィリアム・マクタガート（1835-1910）から影響を受けていた。
第一次世界大戦の惨禍に対する反動で、ポール・ナッシュやエリック・ラヴィリアス（主に版画家）に代表される牧歌的な主題への回帰が促された。スタンリー・スペンサーは神秘的な作品や風景画を描き、彫刻家、版画家、タイポグラファーのエリック・ギルはアール・デコに関連したスタイルで優雅でシンプルなフォルムを生み出した。ユーストン・ロード・スクールは、影響力のある教師ウィリアム・コールドストリームを含む、1930年代後半の「進歩的」リアリストのグループであった。ジョン・タナードやバーミンガム・シュルレアリストなどのアーティストによるシュルレアリスムは、1930年代に一時的に人気を博し、ローランド・ペンローズやヘンリー・ムーアに影響を与えた。スタンリー・ウィリアム・ヘイターは、 1930年代にシュルレアリスムと、1940年以降は抽象表現主義と関連付けられたイギリスの画家、版画家である。[ 79 ] 1927年、ヘイターはパリに伝説的なアトリエ17スタジオを設立した。 1988年に彼が亡くなって以来、アトリエ・コントルポワンとして知られている。ヘイターは20世紀で最も影響力のある版画家の一人となった。[ 80 ]流行の肖像画家には、アールデコの古典主義を堅く表現したメレディス・フランプトン、オーガスタス・ジョン、そして馬が関係する場合はサー・アルフレッド・マニングスなどがいる。マニングスは1944年から1949年まで王立アカデミーの会長を務め、モダニズムに対して嘲笑的な敵意を示した。この時代の写真家には、ビル・ブラント、アンガス・マクビーン、そして日記作家のセシル・ビートンなどがいる。
ヘンリー・ムーアは第二次世界大戦後、英国を代表する彫刻家として台頭し、英国祭典によってヴィクター・パスモア、ウィリアム・スコット、バーバラ・ヘップワースとともに宣伝された。フランシス・ベーコン、ルシアン・フロイド、フランク・アウエルバッハ、レオン・コソフ、マイケル・アンドリュースなどの具象画家からなる「ロンドン派」は国際的に広く認められており[ 81 ] 、ジョン・ミントンやジョン・クラクストンなどの他の画家は新ロマン派として特徴づけられている。グラハム・サザーランド、ロマン派の風景画家ジョン・パイパー（多作で人気の高いリトグラフ作家）、彫刻家エリザベス・フリンク、 LS・ローリーの工業都市風景も、戦後英国美術における具象の強い存在感に貢献した。
ニューヨーク・タイムズのウィリアム・グライムズによれば、「ルシアン・フロイドと彼の同時代人は、20 世紀の人物画を変革した。白い犬を連れた少女(1951-52) のような絵画で、フロイドは伝統的なヨーロッパ絵画の絵画言語を、被写体の社会的表層を剥ぎ取る反ロマン主義的で対決的な肖像画のスタイルに役立てた。彼の友人たちを含む一般の人々は、キャンバスから目を大きく見開いて、画家の容赦ない検査に晒されていた。」[ 82 ] 1952 年の第 26 回ヴェネツィア・ビエンナーレでは、ケネス・アーミテージ、レグ・バトラー、リン・チャドウィック、ウィリアム・ターンブル、エドゥアルド・パオロッツィを含む若いイギリスの彫刻家グループが、反記念碑的で表現主義的な作品を発表した。[ 83 ]スコットランドの画家アラン・デイヴィーは、1950年代に神話と禅への関心を統合し反映した抽象絵画を多数制作した。[ 84 ]抽象芸術は、コーンウォールのセント・アイヴス派に属するベン・ニコルソン、テリー・フロスト、ピーター・ラニヨン、パトリック・ヘロンらによって1950年代に注目を集めた。[ 85 ] 1958年、ウィリアム・スコットは、ケネス・アーミテージ、ウィリアム・ヘイターとともに、ブリティッシュ・カウンシルによって第29回ヴェネツィア・ビエンナーレの英国館に選ばれた。
1950年代には、ロンドンを拠点とするインディペンデント・グループが結成され、そこから1956年に現代美術研究所で開催された展覧会「This Is Tomorrow」でポップアートが誕生しました。これは抽象表現主義に対するイギリスの反応でした。 [ 86 ]インターナショナル・グループは、2007年3月にテート・ブリテンで2日間の国際会議のテーマとなりました。インディペンデント・グループは、イギリスとアメリカにおけるポップアート運動の先駆者とみなされています。 [ 86 ] [ 87 ]「This is Tomorrow」展には、スコットランドのアーティスト、エドゥアルド・パオロッツィ、リチャード・ハミルトン、アーティストのジョン・マクヘイルなどが参加し、グループには影響力のある美術評論家のローレンス・アロウェイも含まれていました。[ 88 ]
1960年代には、サー・アンソニー・カロがイギリス彫刻の主要人物となり[ 89 ] 、アイザック・ウィトキン[ 90 ] 、フィリップ・キング、ウィリアム・G・タッカー[91]などの若い世代の抽象画家たちも活躍した。ジョン・ホイランド[ 92 ]、ハワード・ホジキン、ジョン ・ウォーカー、イアン・スティーブンソン[ 93 ] [ 94 ] 、ロビン・デニー、ジョン・プランブ[ 95 ]、ウィリアム・ティリエ[ 96 ]は、当時登場したイギリスの画家で、カラーフィールド絵画の新しい国際的なスタイルを反映していた[ 97 ]。 1960年代には、ブルース・マクリーン、バリー・フラナガン、リチャード・ロング、ギルバート＆ジョージなど、より伝統的な芸術制作に代わる急進的な選択肢を提示したイギリスのアーティストのグループもいた。イギリスのポップアート画家であるデイヴィッド・ホックニー、パトリック・コールフィールド、デレク・ボシャー、ピーター・フィリップス、ピーター・ブレイク（サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンドのジャケットアートで最もよく知られている）、ジェラルド・レイン、彫刻家のアレン・ジョーンズは、イギリスを拠点とするアメリカ人画家RBキタイと同様に、60年代のアートシーンの一員であった。マルコム・モーリー（1984年に第1回ターナー賞を受賞）によるフォトリアリズムとブリジット・ライリーのオプアートは、1960年代に登場した。[ 98 ]マイケル・クレイグ＝マーティンは、ヤング・ブリティッシュ・アーティストの何人かに影響を与えた教師であり、コンセプチュアル作品「樫の木」（1973年）で知られている。[ 99 ]
ポストモダンの現代イギリス美術、特にヤング・ブリティッシュ・アーティスト の作品は、「物質文化への根本的な関心によって特徴づけられ、脱帝国主義的な文化的不安として認識されている」と言われてきた。 [ 101 ] 1984年に創設され、テートが主催する 毎年恒例のターナー賞は、現代イギリス美術の非常に注目度の高いショーケースとして発展してきた。受賞者の中には、ダミアン・ハースト、レイチェル・ホワイトリード、トレーシー・エミンなど、ヤング・ブリティッシュ・アーティスト（YBA）運動のメンバーが何人かいる。彼らは1988年のフリーズ展の後、チャールズ・サッチの支援を受けて名声を博し、コンセプチュアル・アートの独自の解釈で国際的な評価を得た。これには、保存されたサメが入ったハーストのガラスケースなど、インスタレーションがよく見られた。テート・ギャラリー、そして最終的にはロイヤル・アカデミーも彼らに露出の機会を与えた。サッチの寛大で広範囲にわたる後援の影響は、ロンドンで最も影響力のあるギャラリストであるジェイ・ジョプリングの影響と同様に、いくらか物議を醸すことになった。
サッチ・コレクションの作品展「センセーション」は、イギリスとアメリカの両方で物議を醸したが、その様相は異なっていた。ロイヤル・アカデミーでは、マーカス・ハーヴェイによる殺人犯マイラ・ヒンドリーの巨大な肖像画「マイラ」をめぐってマスコミが騒ぎ立てたが、 1999年後半にブルックリン美術館で開幕しニューヨーク市に巡回した際には、ロンドンではこのような反応を引き起こさなかったクリス・オフィリの「聖母マリア」をめぐって激しい抗議が起こった。マスコミは、この作品が象の糞で塗りたくられていると報じたが、実際にはオフィリの作品は、樹脂で覆われた象の糞の塊で飾られた、丁寧に描かれた黒い聖母像を描いたものだった。また、聖母像はポルノ雑誌から切り抜いた女性器の小さなコラージュ画像に囲まれており、遠目には伝統的なケルビムのように見えた。その他の批判として、カタログでは作品を見たものの展覧会では見ていなかったニューヨーク市長ルドルフ・ジュリアーニは、それを「病的なものだ」と呼び、展覧会を開催しているブルックリン美術館への年間700万ドルの市庁舎助成金を取り消すと脅迫した。その理由は、「他人の宗教を冒涜する権利は政府から与えられていない」からである。[ 102 ]
1999年、ビリー・チャイルディッシュやチャールズ・トムソンを含むスタッキスト具象絵画グループがYBAへの反動として設立された。[ 103 ] 2004年、ウォーカー・アート・ギャラリーはスタッキスト芸術運動初の国立美術館展「The Stuckists Punk Victorian」を開催した。 [ 104 ]英国芸術家連盟は伝統的な具象絵画の展覧会を開催している。[ 105 ]ジャック・ヴェットリアーノとベリル・クックは広く人気があるが、主流派の認知はされていない。[ 106 ] [ 107 ] [ 108 ]バンクシーはストリートグラフィティで名声を確立し、現在では高く評価されている主流派アーティストである。[ 109 ]
アントニー・ゴームリーは、主に金属で人間の姿をモチーフにした彫刻を制作しており、ゲーツヘッド近郊にある 高さ20メートル（66フィート）の「北の天使」、2000年代に制作された数々の巨大な公共彫刻の初期の作品、「アナザー・プレイス」 、「イベント・ホライゾン」などがある。インド生まれの彫刻家アニッシュ・カプーアは、シカゴの「クラウド・ゲート」や様々な場所にある「スカイ・ミラー」など、世界各地に公共作品を制作している。彼の作品の多くと同様に、これらの作品も湾曲した鏡のような鋼鉄の表面を使用している。イギリスのランドアーティスト、アンディ・ゴールドスワーシーの環境彫刻は、世界中の多くの場所で制作されている。自然素材を使用しているため、非常に儚いものが多く、写真に記録されており、書籍としていくつかのコレクションが出版されている。[ 110 ]グレイソン・ペリーは、陶芸を含む様々なメディアで制作している。一方、主要な版画家には、ノーマン・アクロイド、エリザベス・ブラックアダー、バーバラ・レイ、リチャード・スペアなどがいる。