ミュージカル映画

1930年代から1950年代初頭にかけては、ミュージカル映画の黄金時代とされており、このジャンルは西洋世界で絶大な人気を博した。ディズニーの『白雪姫と七人のこびと』は、ディズニー初の長編アニメーション映画であり、第11回アカデミー賞でウォルト・ディズニーに名誉オスカーをもたらしたミュージカル作品である。

1960年代には、『ウエスト・サイド・ストーリー』、 『ジプシー』、『ミュージック・マン』、『バイ・バイ・バーディー』、『マイ・フェア・レディ』、『メリー・ポピンズ』 、『サウンド・オブ・ミュージック』、『ローマで起こった奇妙な出来事』、『ジャングル・ブック』、『モダン・ミリー』 、『オリバー!』、 『ファニー・ガール』といった映画の批評と興行収入の成功は、伝統的なミュージカルが健在であることを示唆していた。一方、フランスの映画監督ジャック・ドゥミのジャズ・ミュージカル『シェルブールの雨傘』と『ロシュフォールの恋人たち』は国際的な批評家から人気があった。しかし、大衆の音楽の好みはロックンロールとそれに伴う自由と若さによって大きく影響を受けており、実際、エルヴィス・プレスリーは、形式的には古いミュージカルに匹敵する映画をいくつか製作した。ビートルズ主演の『ハード・デイズ・ナイト』と『ヘルプ!』は大胆だった。 1950年代から1960年代にかけてのミュージカル映画のほとんどは、『オクラホマ！』や『サウンド・オブ・ミュージック』のように、成功した舞台作品をそのまま映画化または再演したものであった。1960年代に映画のために特別に制作された最も成功したミュージカルは、『メリー・ポピンズ』と『ジャングル・ブック』であり、これらはディズニー史上最大のヒット作の2つである。

『サウンド・オブ・ミュージック』の驚異的な興行成績は、ハリウッドの大手スタジオに、長編で巨額の予算を投じたミュージカル映画を製作する自信を与えた。これらの映画の中には大成功を収めたものもあったが、ハリウッドは1960年代後半から1970年代初頭にかけて、大衆の嗜好を著しく見誤ったと思われるミュージカル映画の失敗作も数多く生み出した。商業的にも批評的にも失敗に終わった作品には、『キャメロット』、『フィニアンの虹』、 『ハロー・ドリー！』、 『スイート・チャリティ』、『ドクター・ドリトル』、『ハーフ・ア・シックスペンス』、『ハピエスト・ミリオネア』 、『スター！』、『ダーリン・リリ』、『グッバイ、ミスター・チップス』、 『ペイント・ユア・ワゴン』 、 『ソング・オブ・ノルウェー』、『晴れた日に永遠が見える』、『1776』、 『ラ・マンチャの男』、『失われた地平線』、『メイム』などがある。これらの失敗作は、全体としても個々としても、いくつかの大手スタジオの財政状況に影響を与えた。

1970年代、映画文化と映画鑑賞者の人口構成の変化により、よりリアルな描写が重視されるようになり、古典時代のハリウッドミュージカルの純粋な娯楽性と演劇性は時代遅れと見なされるようになった。しかしながら、『屋根の上のバイオリン弾き』や『キャバレー』は舞台劇を忠実に映画化したより伝統的なミュージカルであり、批評家や観客から高い評価を得た。文化的な慣習の変化や1968年のヘイズ・コードの廃止も、映画観客の嗜好の変化に寄与した。1973年のアンドリュー・ロイド・ウェバーとティム・ライスの『ジーザス・クライスト・スーパースター』の映画は、宗教団体から一部批判を受けたものの、好評を博した。1970年代半ばには、映画製作者はこのジャンルを避け、ファンにサウンドトラック・アルバムを販売することを期待して、人気のあるロックやポップバンドの音楽をBGMとして使用するようになった。『ロッキー・ホラー・ピクチャー・ショー』は元々1975年に公開されたが、批評的には失敗作だった。しかし、1980年代に深夜上映が始まってからはカルト的な人気を獲得した。同年には、R&Bバンドのブラッドストーンの映画『トレイン・ライド・トゥ・ハリウッド』も初公開されたが、配給の問題で劇場公開はごくわずかだった。^{[ 8 ]} 1976年には、パラマウント配給の 低予算コメディ・ミュージカル『ザ・ファースト・ヌーディー・ミュージカル』が公開された。1978年の映画版『グリース』は大ヒットした。楽曲は1950年代のポップスタイルで作られたオリジナル曲だった。しかし、続編の『グリース2』（1982年公開）は興行的に失敗した。『レディ・シングス・ザ・ブルース』、『オール・ザット・ジャズ』、『ニューヨーク・ニューヨーク』など、生々しいドラマとミュージカルナンバーをストーリーラインの一部として織り込んだパフォーマーを題材にした映画が製作された。イギリスで制作されたミュージカルの中には、この形式を実験的に取り入れたものもあり、リチャード・アッテンボロー監督の『オー！ラブリー・ウォー』（1969年公開）、アラン・パーカー監督の『バグジー・マローン』 、ケン・ラッセル監督の『トミー』や『リストマニア』などが挙げられる。

ミュージカル映画全盛期に比べて興行的にも批評的にも成功しなかった映画が数多く製作されていた。それらの作品には、『1776』、『ザ・ウィズ』、『アット・ロング・ラスト・ラブ』、『メイム』、『ラ・マンチャの男』、 『失われた地平線』 、『ゴッドスペル』、『ファントム・オブ・パラダイス』 、『ファニー・レディ』（バーブラ・ストライサンドの『ファニー・ガール』の続編）、 『リトル・ナイト・ミュージック』、『ヘアー』などがある。特に『アット・ロング・ラスト・ラブ』に対する批評家の怒りは非常に強く、ホームビデオ化されることはなかった。ファンタジー・ミュージカル映画『スクルージ』、『青い鳥』、『星の王子さま』 、『夢のチョコレート工場』、 『ピートとドラゴン』、ディズニーの『ベッドかざりとほうき』も1970年代に公開され、後者はアカデミー視覚効果賞を受賞した。

1980年代までに、ブロードウェイやロンドンのウエストエンドにおけるミュージカルの比較的健全な状況に後押しされ、資金提供者たちはミュージカルというジャンルにますます自信を持つようになった。1980年代と1990年代の作品には、『The Apple』、『Xanadu』、『The Blues Brothers』、『Annie』、『Monty Python's The Meaning of Life』、『The Best Little Whorehouse in Texas』、『Victor/Victoria』、『Footloose』、 『 Fast Forward』、『A Chorus Line』、『Little Shop of Horrors』、『Forbidden Zone』、『Absolute Beginners 』 、『Labyrinth』、『Newsies』、『Evita』、『Everyone Says I Love You』などがある。しかし、ヴィレッジ・ピープル主演の『キャント・ストップ・ザ・ミュージック』は、旧来のミュージカルを復活させようとした悲惨な試みであり、1980年に公開されたものの観客の関心は得られなかった。『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』は、1960年のロジャー・コーマン監督の映画を原作としたオフ・ブロードウェイ・ミュージカルを基にしており、『プロデューサーズ』など、後の映画から舞台、そして再び映画へと翻案される作品の先駆けとなった。

この時期の多くのアニメーション映画（主にディズニー作品）には、伝統的なミュージカルナンバーが含まれていました。ハワード・アシュマン、アラン・メンケン、スティーブン・シュワルツはミュージカル劇場での経験があり、この時期にアニメーション映画の楽曲を作曲し、ディズニーの重鎮シャーマン兄弟に取って代わりました。 1989年の『リトル・マーメイド』を皮切りに、ディズニー・ルネッサンスはミュージカル映画に新たな命を吹き込みました。その他の成功したアニメーションミュージカルには、ディズニー本社からは『アラジン』、『ノートルダムの鐘』、『ポカホンタス』、ディズニー傘下のタッチストーン・ピクチャーズからは『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』、ドリームワークスからは『プリンス・オブ・エジプト』、フォックスとドン・ブルースからは『アナスタシア』 、コロンビアからは『エイト・クレイジー・ナイツ』 、パラマウントとワーナー・ブラザースからは『サウスパーク：ビッグ・ロング・アンド・アンカット』などがあります。 『美女と野獣』、『ライオン・キング』などは、大ヒット後に舞台化されました。

ボリウッドミュージカルは、インドの伝統的なミュージカルシアター、例えば古典インドミュージカルシアター、サンスクリットドラマ、パールシー演劇にルーツを持つ。初期のボンベイ映画製作者は、これらのインドのミュージカルシアターの伝統と、初期のハリウッドトーキー映画から生まれたミュージカル映画の形式を組み合わせた。^{[ 12 ]}ボンベイ映画製作者に初期に影響を与えたものには、ウルドゥー文学やアラビアンナイトなどがある。^{[ 13 ]}

インド初のトーキー映画、アルデシール・イラニ監督の『アラム・アラ』（1931年）は商業的に大成功を収めた。^{[ 14 ]}トーキーやミュージカルには明らかに大きな市場があり、ボリウッドや地方の映画産業はすぐにトーキー映画に移行した。

1937年、『アラム・アラ』で有名なアルデシール・イラニは、ヒンディー語初のカラー映画『キサン・カンヤ』を製作した。翌年には、『マザー・インディア』のカラー版を製作した。しかし、カラー映画が普及したのは1950年代後半になってからのことだった。当時、映画館では豪華なロマンティック・ミュージカルやメロドラマが定番だった。

インド独立後、1940年代後半から1960年代初頭にかけての時期は、映画史家によってヒンディー語映画の「黄金時代」とみなされている。^{[ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]}この時期には、史上最も高く評価されたヒンディー語映画のいくつかが制作された。例としては、グル・ダット監督、アブラール・アルヴィ脚本の『Pyaasa』（1957年）と『Kaagaz Ke Phool』 （1959年）、ラージ・カプール監督、クワジャ・アフマド・アッバス脚本の『Awaara』（1951年）と『Shree 420』 （1955年）、メーブーブ・カーン監督、ディリップ・クマール主演の『 Aan』 （1952年）などがある。これらの映画は、主にインドの労働者階級の生活、特に前二作では都市生活といった社会的なテーマを表現している。アワラは都市を悪夢と夢の両方として描き、ピャーサは都市生活の非現実性を批判した。^{[ 18 ]}

メーブーブ・カーンの『マザー・インディア』（1957年）は、彼の以前の作品『オーラト』 （1940年）のリメイクであり、アカデミー外国語映画賞にノミネートされた最初のインド映画となったが、わずか1票差で受賞を逃した。^{[ 19 ]}『マザー・インディア』は、数十年にわたりヒンディー語映画の慣習を決定づけた重要な映画でもあった。^{[ 20 ] [ 21 ] [ 22 ]}

1960年代から1970年代初頭にかけて、映画業界は「ロマンティック・ヒーロー」を主役とするミュージカル・ロマンス映画が主流となり、中でもラジェシュ・カンナが最も人気を博した。^{[ 23 ]}この時期の他の俳優には、シャミー・カプール、ジテンドラ、サンジーヴ・クマール、シャシ・カプールなどがおり、女優にはシャルミラ・タゴール、ムムターズ、サイラ・バヌ、ヘレン、アシャ・パレクなどがいる。

1970年代初頭までに、ヒンディー語映画はテーマの停滞を経験しており、ミュージカルロマンス映画が主流だった。^{[ 24 ] [ 23 ]}サリム・カーンとジャベド・アクタルからなる脚本家コンビ、サリム＝ジャベドの登場はパラダイムシフトをもたらし、業界を活性化させた。^{[ 24 ]}彼らは1970年代初頭に、ザンジール（1973年）やディーワール（1975年）などの作品で、荒々しく暴力的なボンベイの裏社会犯罪映画のジャンルを始めた。^{[ 25 ] [ 26 ]}

1970年代は「ボリウッド」という名前が作られた時期でもあり、^{[ 27 ] [ 28 ]}商業ボリウッド映画の典型的な慣習が確立された時期でもあります。^{[ 29 ]}この鍵となったのは、複数のジャンル（アクション、コメディ、ロマンス、ドラマ、メロドラマ、ミュージカル）の要素を組み合わせたマサラ映画ジャンルの出現でした。マサラ映画は、1970年代初頭に映画監督のナシル・フセイン[ ^{30 ]と}脚本家コンビのサリム＝ジャベド^{[ 29 ]}によって開拓され、ボリウッドのブロックバスター形式の先駆けとなりました。^{[ 29 ]}フセインが監督し、サリム＝ジャベドが脚本を手掛けた『ヤードン・キ・バラート』（1973年）は、最初のマサラ映画であり、典型的な「ボリウッド」映画の最初の作品として認識されています。^{[ 31 ] [ 29 ]}サリム＝ジャベドは1970年代と1980年代にさらに成功したマサラ映画の脚本を書き続けた。^{[ 29 ]}マサラ映画はアミターブ・バッチャンを1970年代と1980年代最大のボリウッド映画スターに押し上げた。マサラ映画ジャンルの金字塔はマンモハン・デサイ監督、カデル・カーン脚本の『アマル・アクバル・アンソニー』（1977年）である。 ^{[ 32 ] [ 31 ]}マンモハン・デサイは1970年代と1980年代にこのジャンルをうまく活用し続けた。

バッチャンのほかに、この時代の他の人気俳優には、フェロス・カーン、^{ミトゥーン・チャクラ}ボルティ、ナシールディン^・シャー、ジャッキー・シュロフ、サンジェイ・ダット、アニル・カプール、サニー・ディオルなどがいた。この時代の女優には、ヘマ マリーニ、ジャヤ バッチャン、ラーキー、シャバナ アズミ、ゼナート アマン、パルヴィーン バビ、レカ、ディンプル カパディア、スミタ パティル、ジャヤ プラダ、パドミニ コルハピュアなどが含まれます。^{[ 34 ]}

1980年代後半、ヒンディー語映画は再び停滞期を迎え、暴力描写の増加、音楽のメロディの質の低下、ビデオ海賊版の増加により興行収入が減少し、中流階級の家族層が映画館から離れてしまった。転換点となったのは、マンスール・カーン監督、父ナシール・フセイン脚本・製作、いとこのアーミル・カーンとジューヒー・チャウラー主演の『Qayamat Se Qayamat Tak』 （1988年）だった。若々しさ、健全な娯楽性、感情的な要素、力強いメロディーが融合したこの作品は、家族連れの観客を再び大スクリーンへと引き戻した。^{[ 35 ] [ 36 ]}この作品は、1990年代のヒンディー語映画を特徴づけるボリウッド・ミュージカル・ロマンス映画の新たなテンプレートを確立した。^{[ 36 ]}

1990年代以降のヒンディー語映画の時代は「ニューボリウッド」映画と呼ばれ、1990年代初頭のインドの経済自由化と関連している^{[ 37 ]} 。 1990年代初頭までに振り子は家族中心のロマンチックなミュージカルへと戻った^{[ 38 ]} 。 Qayamat Se Qayamat Tak の後には、 Maine Pyar Kiya (1989)、Chandni (1989)、Hum Aapke Hain Kaun (1994)、Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995)、Raja Hindustani (1996)、Dil To Pagal Hai (1997)、Pyaar To Hona Hi Tha (1998 ) などの大ヒット作が続きました。そしてクッチ・クッチ・ホタ・ハイ（1998）。アーミル・カーン、アディティヤ・パンチョリ、アジャイ・デーヴガン、アクシャイ・クマール、サルマン・カーン（サリム・カーンの息子）、シャールク・カーンなどの新世代の人気俳優や、マドゥリ・ディクシット、シュリデヴィ、ジュヒ・チャウラ、ミーナクシ・セシャドリ、マニシャ・コイララ、カジョル、カリスマ・カプールなどの女優が登場した。 。^{[ 34 ]}

1990年代以降、ボリウッド映画界で最も大きな3人のスターは「3人のカーン」、すなわちアーミル・カーン、シャー・ルク・カーン、サルマン・カーンである。^{[ 39 ] [ 40 ]} 3人は合わせて、ボリウッド映画興行収入トップ10のほとんどに出演している。3人のカーンは1980年代後半から成功したキャリアを築き、^{[ 39 ]} 1990年代以降、 30年以上にわたってインドの興行収入を支配してきた。 ^{[ 41 ] [ 42 ]}

バズ・ラーマンは、自身のヒットミュージカル映画『ムーラン・ルージュ!』（2001年）がボリウッドミュージカルから直接インスピレーションを得たと述べている。^{[ 43 ]}この映画はインドに敬意を表し、インドをテーマにした劇や、映画『チャイナ・ゲート』の曲を使ったボリウッド風のダンスシーンを取り入れている。 『ムーラン・ルージュ!』の批評的、興行的成功により、当時衰退していた西洋の実写ミュージカルジャンルへの関心が再び高まり、その後、 『シカゴ』、『プロデューサーズ』、『レント』、『ドリームガールズ』、『ヘアスプレー』などの映画が製作され、このジャンルのルネッサンスを後押しした。^{[ 44 ]}

『ザ・グル』と『40歳の童貞男』にもインド風の歌とダンスのシーンが登場します。ボリウッドのミュージカル映画『ラガーン』 （2001年）はアカデミー外国語映画賞にノミネートされました。他の2つのボリウッド映画『デーヴダス』（2002年）と『ラング・デ・バサンティ』（2006年）は英国アカデミー賞非英語映画賞にノミネートされました。ダニー・ボイル監督のアカデミー賞受賞作『スラムドッグ・ミリオネア』（2008年）にもエンドクレジット中にボリウッド風の歌とダンスのシーンが登場します。『タリカ』（2022年）はマハラジャが作曲した音楽ジャンルの最大数を記録した最初の映画であり、音楽の世界記録保持者として登録されています。 ^{[ 45 ]}

1930年、ソ連の著名な映画監督セルゲイ・エイゼンシュテインは、同僚監督のグリゴリー・アレクサンドロフと共にアメリカへ渡り、ハリウッドの映画製作過程を研究した。アメリカ映画、特にミュージカルはアレクサンドロフに大きな影響を与えた。^{[ 49 ]}彼は1932年に帰国し、1934年にソ連初のミュージカル映画『陽気な仲間たち』を監督した。この映画は筋書きが薄く、コメディとミュージカルナンバーに重点が置かれていた。党幹部は当初、この映画に強い敵意を示した。アレクサンドロフは、笑いのための笑いという概念を主張することで、自分の作品を擁護した。^{[ 50 ]}最終的に、アレクサンドロフがスターリンにこの映画を見せたところ、指導者はミュージカルがプロパガンダを広める効果的な手段であると判断した。集団労働の重要性や貧困から富への物語といったメッセージは、ソ連のミュージカルのほとんどで筋書きとなる。

『陽気な仲間たち』の成功により、ミュージカル形式はソ連映画界で確固たる地位を築いたが、シュミャツキーはすぐに映画が共産主義的価値観を促進するよう厳格なガイドラインを定めた。シュミャツキーの布告「百万人のための映画」は、社会主義リアリズム（産業と労働者階級の賛美）を映画でうまく表現するために、従来の筋書き、登場人物、モンタージュを要求した。^{[ 51 ]}

社会的なメッセージと娯楽を初めて見事に融合させた作品は、アレクサンドロフのサーカス（1936年）だった。この作品では、アレクサンドロフの妻であるリュボフ・オルロワ（オペラ歌手であり、『陽気な仲間たち』にも出演）が、黒人男性との間に生まれた混血児のためにアメリカからソ連へ移住せざるを得なくなったアメリカ人サーカス芸人を演じた。豪華なミュージカルを背景に、彼女はソ連でついに愛と受容を見つけ、人種的寛容はソ連でしか見出せないというメッセージを伝えた。

クライマックスに至るまでのミュージカルナンバーには、バズビー・バークレーの振り付けがアレクサンドロフの演出に与えた影響が見られる。ハリウッドへのより明白な言及としては、映画全体を通してコミカルな要素を提供するチャールズ・チャップリンの物真似芸人がいることが挙げられる。モスクワとレニングラードでは、劇場公開後最初の1ヶ月で400万人が『サーカス』を観に行った。^{[ 52 ]}

アレクサンドロフのより人気のある映画のもう1つは『明るい道』 （1940年）である。これは、現代のソビエト連邦を舞台にしたおとぎ話『シンデレラ』の翻案である。物語のシンデレラは、当時ソ連で最も人気のあるスターであったオルロワが再び演じた。^{[ 53 ]}これはファンタジー物語だが、物語の教訓は、より良い生活は勤勉から得られるということである。『サーカス』ではミュージカルナンバーにダンスとスペクタクルが含まれていたが、 『明るい道』の振り付けは工場の機械の動きだけである。音楽はオルロワの歌に限られていた。ここでは、労働がスペクタクルを提供した。

もう一人のミュージカル映画監督はイワン・ピリエフだった。アレクサンドロフとは異なり、ピリエフの映画は集団農場での生活に焦点を当てていた。彼の作品『トラクター運転手』（1939年）、『豚飼いと羊飼い』（1941年）、そして最も有名な『クバンのコサック』（1949年）はすべて妻のマリーナ・ラディニナが主演を務めた。アレクサンドロフの『明るい道』と同様に、振り付けは登場人物たちが映画の中で行う作業のみだった。歌でさえ、働くことの喜びを歌ったものだった。

ピリエフは、どの映画にも特定のメッセージを持たせるのではなく、スターリンのスローガン「生活はより良くなり、より楽しくなった」を広めた。^{[ 54 ]}このメッセージは、当時の現実とは大きくかけ離れていることもあった。『クバンのコサック』の撮影中、ソ連は戦後の飢饉に見舞われていた。実際には、繁栄の時代を歌っていた俳優たちは飢えと栄養失調に苦しんでいた。^{[ 55 ]}しかし、これらの映画は、観客に現実逃避と楽観主義を提供した。

スターリン時代のミュージカル映画が短期間で全盛期を迎えた中で、最も人気を博した作品は、アレクサンドロフ監督の1938年の映画『ヴォルガ・ヴォルガ』である。主演は再びリュボフ・オルロワで、歌と踊りが中心となり、仕事とは全く関係のない内容となっている。同種の作品の中でも異彩を放つ作品と言えるだろう。物語は、音楽を演奏したいと願う二人の男女のラブストーリーを中心に展開する。彼らは仕事よりも音楽に重きを置いている点で、ソ連の価値観とはかけ離れている。劇中では、地方当局や官僚主義を揶揄するギャグが散りばめられている。舞台が小さな農村であるため、産業の美化は一切見られない。また、村人たちが休暇を利用してヴォルガ川とモスクワ運河を遡り、モスクワで演奏するという筋書きであるため、労働の美化も描かれていない。この映画は、モスクワ運河がグラグの囚人によって建設されたという事実を一切示唆することなく、運河を美化しているようにも見える。

『ヴォルガ・ヴォルガ』は、イデオロギー的な信条よりも社会主義リアリズムの美的原則に従っていた。スターリンのお気に入りの映画となり、第二次世界大戦中にルーズベルト大統領に贈られた。人生はより良いものだと主張する映画のもう一つの例である。スターリンの大粛清の絶頂期に公開されたこの映画は、大衆に現実逃避と心地よい幻想を提供した。^{[ 56 ]}