古代ギリシャ美術

古代ギリシャ美術は、自然主義的でありながらも理想化された人体描写の発達により、他の古代文化の中でも際立っており、その多くは男性の裸体像に革新が集中していた。紀元前750年から紀元前300年頃までの様式の発達速度は古代の基準からすると驚くべきもので、現存する作品の中では彫刻にその顕著な特徴が見られる。絵画にも重要な革新があったが、彩色陶器という独特の分野を除いて、質の高いオリジナルの遺物がないため、基本的に再構築する必要がある。

ギリシャ建築は技術的には非常に単純でしたが、ローマ建築に広く採用され、現代の建物にも今も受け継がれている数多くの詳細な慣習を伴う調和のとれたスタイルを確立しました。陶器、金属細工、その他の媒体と共有される装飾用語を使用し、特にアレクサンダー大王によって作られた拡大したギリシャ世界を超えて仏教が広まった後は、ユーラシア美術に多大な影響を与えました。ギリシャ美術の社会的背景には、急進的な政治的発展と繁栄の大幅な増加が含まれ、哲学、文学、その他の分野における同様に印象的なギリシャの業績はよく知られています。

ギリシア人による最古の芸術は一般に「古代ギリシア芸術」から除外され、代わりにギリシャ新石器時代芸術、次いでエーゲ海芸術として知られています。エーゲ海芸術には、キクラデス美術、ギリシア青銅器時代のミノア文化とミケーネ文化の芸術が含まれます。^{[1]古代ギリシアの芸術は通常、様式的に幾何}学様式、アルカイック様式、古典様式、ヘレニズム様式の4つの期間に分けられます。幾何学様式の時代は通常、紀元前1000年頃から遡りますが、実際には、伝統的にギリシャ暗黒時代として知られる、その前の200年間のギリシャの芸術についてはほとんど知られていません。紀元前7世紀には、黒絵式の壺絵に代表されるアルカイック様式の緩やかな発展が見られました。ペルシア戦争(紀元前 480 年から紀元前 448 年)が始まる直前の紀元前 500 年頃が、通常、アルカイック時代と古典時代を分ける境界線とされ、アレクサンダー大王の治世(紀元前 336 年から紀元前 323 年) が、古典時代とヘレニズム時代を分ける境界線とされる。紀元前 1 世紀のある時点から、「グレコ・ローマ」、つまり東ギリシャ世界を指すよりローカルな用語が使用されるようになった。^[2]

実際には、ある時代から別の時代への急激な移行はなかった。ギリシャ世界のさまざまな地域では、芸術の形態がさまざまな速度で発展し、どの時代でもそうであるように、一部の芸術家は他の芸術家よりも革新的なスタイルで作品を制作した。地元の強い伝統と地元の宗教の要件により、歴史家は、その起源の地から遠く離れた場所で発見された芸術作品の起源を突き止めることができる。さまざまな種類のギリシャ芸術が広く輸出された。この期間全体を通じて、ギリシャ世界内および近隣の文化との繁栄と貿易のつながりが概ね着実に増加した。

ギリシャ美術の残存率は媒体によって大きく異なります。膨大な量の陶器や貨幣、多くの石の彫刻（ローマ時代のコピーはさらに多い）、そしていくつかの大きな青銅の彫刻があります。絵画、美しい金属製の容器、木材などの腐りやすい素材で作られたものはほとんど失われています。多くの寺院や劇場の石造りの外壁は残っていますが、その大規模な装飾はほとんど残っていません。^[3]

慣例により、あらゆる形状の精巧に彩色された容器は「花瓶」と呼ばれ、10万点以上の完全な状態で現存する作品があり、^{[5]ギリシャ生活のさまざまな側面について比類のない洞察を与えてくれる（多くの作品に刻まれた銘文とともに）。彫刻や建築に使われる陶器も彩色されることが非常に多く、}テラコッタと呼ばれ、大量に現存している。文献の多くでは、「陶器」は彩色された容器、または「花瓶」のみを意味する。陶器は、火葬された遺灰を入れる「葬儀用の壷」として墓に納められる副葬品の主な形態であり、広く輸出された。

ギリシアの壺絵の有名で独特なスタイルは、人物が強い輪郭線で描かれ、輪郭線の中に細い線が描かれ、紀元前600年から350年頃に最盛期を迎え、黒絵式と赤絵式のほぼ逆の2つの主要なスタイルに分かれ、それぞれの場合にもう一方の色が背景を形成します。他の色は非常に限られており、通常は小さな部分が白で、大きな部分は別の紫がかった赤です。これらの技法やその他の強い慣習の制限内で、壺絵師は洗練さと力強い表現を組み合わせた素晴らしい成果を上げました。白地技法はより自由な描写を可能にしましたが、耐久性が悪く、ほとんどが埋葬用に作られました。^[6]

慣習的に、古代ギリシャ人はほとんどの陶器を展示用ではなく日常使用のために作ったと言われている。例外は、墓標として作られた大型のアルカイック記念碑的な壺、オリーブ油で満たされたパナシナイコアンフォラなどの競技で獲得したトロフィー、墓に置くために特別に作られた作品などである。香水瓶の中には、口のすぐ下に節約用の底があり、少量を入れるといっぱいに見えるものがある。^[7]ここ数十年、多くの学者がこれに疑問を呈しており、ギリシャとエトルリアの両方で、金属製品の安価な代替品として墓に置くために作られたと考えられていたよりもはるかに多くの香水瓶が生産されているのを見てきています。^[8]

現存する陶器のほとんどは、アンフォラ、クラテール（ワインと水を混ぜるボウル）、ヒュドリア（水差し）、献酒ボウル、トイレ用の油や香水の瓶、水差し、カップなど、液体を保管したり、提供したり、飲んだりするための容器です。食べ物を提供したり、食べたりするための絵付けされた容器はそれほど一般的ではありません。絵付けされた陶器は一般の人々でも購入でき、「約5〜6人の人物できちんと装飾された」作品は、約2〜3日分の賃金で済みました。^[9]ミニチュアも大量に生産され、主に寺院の供物として使用されました。^[10]ヘレニズム時代にはより幅広い種類の陶器が生産されましたが、そのほとんどは芸術的価値がほとんどありません。

初期の時代では、ギリシャの非常に小さな都市でさえ、それぞれの地域のために陶器を生産していた。そのスタイルや基準は多種多様だった。芸術として認められる独特の陶器は、エーゲ海の島々、クレタ島、南イタリアやシチリア島の裕福なギリシャ植民地で生産された。^[12]しかし、後期アルカイック期から初期古典期にかけて、コリントスとアテネという二大商業国が優勢となった。彼らの陶器はギリシャ世界中に輸出され、地元の品種を駆逐した。コリントスとアテネの壺は、スペインやウクライナまで遠くまで見つかっており、イタリアでは非常に一般的であるため、18世紀に初めて「エトルリアの花瓶」として収集された。^[13]これらの壺の多くは、低品質の大量生産品である。実際、紀元前5世紀までに陶器は産業となり、陶器の絵付けは重要な芸術形式ではなくなった。

壺に使用できる色の範囲は焼成技術によって制限されており、黒、白、赤、黄色が最も一般的でした。初期の3つの時代では、壺は自然な明るい色のままで、窯の中で黒くなる泥で装飾されていました。^[6]

ギリシャの陶器には署名が頻繁に見られるが、陶工や陶工の親方による署名もあるが、絵付け師による署名はまれである。しかし、何百人もの絵付け師は、その芸術的個性によって識別できる。署名が残っていない絵付け師は、題材の選択によって「アキレスの画家」、後期アルカイックの「クレオフラデスの画家」のように、絵付け師が働いていた陶工によって、あるいは後期アルカイックの「ベルリンの画家」のように、現代の場所によっても名前が付けられている。^[14]

古代ギリシャの陶器の歴史は、様式的に 5 つの時期に分けられます。

• 紀元前1050年頃の原幾何学模様
• 紀元前900年頃の幾何学模様
• 紀元前750年頃の後期幾何学文様またはアルカイック文様
• 紀元前7世紀初頭の黒像
• 紀元前530年頃の赤像

プロト幾何学様式と幾何学様式の時代、ギリシャの陶器は抽象的なデザインで装飾されていた。プロト幾何学様式では通常、エレガントで大きく、未塗装のスペースがたっぷりあったが、幾何学様式では、 750年頃に活躍したディピュロンの巨匠による大型の壺のように、表面のほとんどを密に覆うことが多かった。彼と同時代の他の陶工たちは、人間や動物、特に馬の非常に様式化されたシルエット像を導入し始めた。これらは葬列や戦いを表していることが多く、おそらく死者が戦った戦いを表していると思われる。^[15]

幾何学的段階の後には、8世紀後半の東洋化の時代が続き、スフィンクスやライオンなどギリシャ原産ではない神話上の動物が近東から取り入れられ、蓮やパルメットなどの装飾的なモチーフが添えられた。これらの動物は以前の人物像よりもはるかに大きく描かれた。野生のヤギのスタイルは地域的な変種で、ヤギがよく描かれている。人物像は東洋の影響をあまり受けなかったが、より大きく、より詳細に描かれた。^[16]

完全に成熟した黒絵式技法は、赤と白のディテールが加えられ、輪郭とディテールを刻み込むもので、紀元前7世紀初頭にコリントスで生まれ、約1世代後にアッティカに導入され、紀元前6世紀末まで栄えました。^{[17]紀元前530年頃に発明された}赤絵式技法は、この伝統を覆し、壺は黒く塗られ、人物は赤く塗られました。赤絵式の壺は徐々に黒絵式に取って代わっていきました。時には、より大きな容器には、絵付けだけでなく彫刻が施されることもありました。異性愛と男性同性愛の両方のエロティックなテーマが一般的になりました。^[18]

紀元前320年頃までに、アテネや他のギリシャの中心地では、多色のケルチ様式が最後の盛り上がりを見せたのを最後に、精巧な具象的な壺絵付けは廃れ、その機能のほとんどが金属細工に取って代わられたものと思われる。黒釉をかけた器に装飾的なモチーフを描いた西斜面陶器は、その後も1世紀以上にわたって続いた。^[19]イタリアの赤絵式絵画は紀元前300年頃には終焉し、次の世紀には、おそらくクレタ島産の比較的原始的なハドラ壺、シチリア島のセンチュリーペ陶器、そして現在は伝統が途絶えてしまったパナシナイコアンフォラだけが、まだ作られていた大型の絵付け壺だった。^[20]

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  後期幾何学的ピクシス、大英博物館
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  コリント式の東洋化水差し、紀元前 620 年頃、ミュンヘン古代博物館
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  アマシスの画家による黒絵式オルペ（ワイン容器）、ヘラクレスとアテナを描いたもの、紀元前 540年頃、ルーブル美術館
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  ヘラクレスとアテナを描いた赤像式キュリクスの内部（トンド） 、フォイニクス（陶工）とドゥーリス（画家）作、紀元前 480年- 470年頃、ミュンヘン古代美術館
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  パンパイオス（陶工）とオルトス（画家）による、サテュロスがメナドを襲撃する様子を描いた赤像式アンフォラの詳細、紀元前 520年頃、ルーブル美術館
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  葦の画家による喪の場面を描いた白地のレキュトス、紀元前 420 - 410 年頃、大英博物館
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  ヘレニズム時代の浮彫りの鉢、メナドの頭、紀元前 2 世紀 (?)、大英博物館

古代ギリシャでは精巧な金属細工が重要な芸術であったが、後世の作品はほとんど残っておらず、そのほとんどはギリシャ世界の端っこや、フランスやロシアなど遠く離れたところから来ている。器や宝飾品は高い水準で作られ、遠くへ輸出された。当時、現代よりも金に比べて価値が高かった銀製品には、製作者によって重量が刻まれていることが多かった。銀製品は主に価値の貯蔵庫として扱われ、すぐに売却されるか、再び溶かされる可能性があったからである。^[22]

幾何学様式とアルカイック様式の時代、大型の金属製容器の製作はギリシャの創造性の重要な表現であり、鋳造や打ち出し鍛造などの青銅細工技術の発展における重要な段階であった。初期の聖域、特にオリンピアからは、奉納物として納められた、主に青銅製の三脚鉢または供儀用の三脚鉢が何百個も出土した。これらには、3本の脚の上に高く上げられた2つの取っ手が付いた浅い鉢があったが、後期のバージョンでは、台と鉢が別の部分になった。オリエンタリズム化の時代には、このような三脚鉢は、グリフィン、スフィンクス、その他の空想上の生き物の形をした人物像の原型で頻繁に装飾された。 ^[23]

剣、ギリシャのヘルメット、筋肉胸甲などの鎧は青銅で作られ、3世紀のクソール・エセフ胸甲のように貴金属で装飾されることもあった。^[24]鎧と「盾帯」は、アルカイックの低浮き彫りの場面の2つの文脈であり、木製のさまざまな物体にも取り付けられていた。ヴィックス・クラテルの帯は大きな例である。^[25]磨かれた青銅の鏡は、最初は装飾された背面とコレの取っ手を備えており、もう1つの一般的なアイテムであった。後の「折りたたみ式鏡」タイプには蝶番で留められたカバーピースがあり、通常はエロチックな浮き彫りの場面で装飾されることが多かった。^[26]コインについては以下で説明する。

後期アルカイック時代から、最高の金属細工は彫刻やその他の芸術の様式的発展と歩調を合わせ、フィディアスはそれを実践した彫刻家の一人として知られています。^[27]ヘレニズム時代の趣味は、非常に複雑な技術的美徳の表現を奨励し、「巧妙さ、奇抜さ、または過剰な優雅さ」に傾いていました。^[28]ギリシャの陶器の形状の多く、またはほとんどは、最初に金属で使用された形状から取られており、ここ数十年、最も優れた花瓶の絵付けの多くは、描かれたデザインから作業して、銀細工師が彫刻を施し、別の金属でメッキした容器のデザインを再利用したという見方が増えています。^[29]

比較的一般的な種類の大型青​​銅器であったと思われる例外的な現存物に、ワインや水を混ぜるための渦巻き形のクラテルが2つある。 ^[30]これらは紀元前 530年頃のヴィクス・クラテルで、高さ1.63メートル（5フィート4インチ）、重さ200キログラム（440ポンド）以上、容量約1,100リットルで、現代フランスのケルト人女性の埋葬地で発見された。^[31]および紀元前4世紀のデルヴェニ・クラテルで、高さ90.5センチメートル（35.6インチ）である。^[32]トラキア人やスキタイ人など、ギリシア人の他の近隣諸国のエリート層はギリシアの金属細工の熱心な消費者であり、おそらく彼らの領土に定住したギリシアの金細工師が彼らに仕え、地元の嗜好や用途に合わせて製品を改良していたものと思われる。こうした混合作品は、パナギュリシテの財宝、ボロヴォの財宝、その他のトラキアの財宝、そしておそらく黒海沿岸のギリシャ人居住地を拠点としたギリシャ人芸術家の作品が含まれていたと思われるいくつかのスキタイ人の埋葬地など、現存する遺物の大部分を占めています。^{[33]他の贅沢な芸術品と同様に、}ヴェルギナのマケドニア王家の墓地からは、古典期とヘレニズム期の先端から最高品質の品々が出土しています。^[34]

ギリシャ市場向けの宝飾品は、多くの場合、非常に質の高いものである。^[35]珍しいものとしては、頭にかぶる、植物の形を模した複雑で非常に繊細な金の冠がある。これらは、生前にかぶることはほとんどなかったと思われるが、奉納物として贈られ、死後にかぶった。^[36]ファイユームのミイラ肖像画の多くは、これをかぶっている。特にヘレニズム時代の作品の中には、人物を描く余地があるほど大きなものもあり、スキタイ人は比較的しっかりした金の作品を好んだ。^[37]

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  オリンピアの青銅製グリフィンの頭部プロトーム、紀元前 7 世紀
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  ヴィックス・クラテルは、フランスのケルト人に輸出された後期アルカイック時代の記念碑的な青銅器である。
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  紀元前 460 年頃の、人間のカリアティードの持ち手が付いた初期古典派の青銅鏡
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  黄金の花輪、370～360年、南イタリア
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  トラキア市場向けの銀のリュトン、4世紀末^[38]
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  紀元前4世紀ギリシャの金と青銅のリュトンとディオニュソスの頭部、タモイキン美術基金
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  クリミア半島の埋葬地から発見された、紀元前320年～300年頃の金 の花輪の破片
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  金の髪飾りと網、紀元前3世紀
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  後期ヘレニズム時代の銀メダル

ギリシア人は、人間の姿こそが芸術にとって最も重要な主題であると、かなり早い段階から決めていた。^[39]彼らの神は人間の姿をしているとみなしていたため、芸術において神聖なものと世俗的なものの区別はほとんどなく、人体は世俗的であると同時に神聖なものだった。アポロやヘラクレスの男性ヌードは、その年のオリンピックのボクシングチャンピオンのヌードと扱いにわずかな違いがあっただけだった。アルカイック期において最も重要な彫刻形態は、男性の裸の立像であるクーロス（複数形はkouroi）であった（例えばビトンやクレオビスを参照）。服を着た女性の立像であるコーレ（複数形はkorai）も一般的であったが、ギリシア社会では女性の裸体を公に見せることが紀元前4世紀まで認められなかったため、コーレは彫刻の発展においてそれほど重要ではなかったと考えられている。^[40]アルカイック期の終わりまでに、寺院の建築彫刻が重要になってきた。

陶器と同様、ギリシャ人は単に芸術的な展示のためだけに記念碑的な彫刻を制作したわけではない。彫像は貴族や国家によって発注され、公共の記念碑、寺院、神託所、聖域への供物（彫像の碑文によく見られるように）、あるいは墓標として使われた。アルカイック期の彫像は、すべて特定の個人を表現することを意図していたわけではない。美、敬虔さ、名誉、犠牲といった理想を描いたものだった。これらは常に青年期から早熟期まで幅広い年齢の若者を描いたもので、（おそらく）高齢者の墓に置かれる場合もそうだった。クーロイはすべて様式的に似ていた。彫像を発注した人物の社会的地位の段階は、芸術的革新ではなく大きさで示された。^[41]

作家とは異なり、彫刻を含む視覚芸術に携わる人々の古代ギリシャにおける社会的地位は当初は低かったが、一流の彫刻家は次第に有名になり、かなり裕福になり、作品に署名することが多かった（台座に署名することが多く、台座は彫像本体から分離していた）。^[42] プルタルコス（『ペリクレスの生涯』第2章）は「我々は芸術作品を賞賛するが、その作者を軽蔑する」と述べたが、これは古代世界では一般的な考え方であった。古代ギリシャの彫刻は、通常の様式の時代区分である「アルカイック」、「古典」、「ヘレニズム」に加え、主に彫刻に適用されるいくつかの追加様式、例えば東洋化したダイダリス様式や初期古典彫刻の厳格様式などによって分類されている。^[43]

現存する古代ギリシャ彫刻は、主に2種類の素材で作られている。最も頻繁に使用されたのは石、特に大理石やその他の高品質の石灰岩で、金属工具を使って手彫りされた。石の彫刻は、完全に円形に彫られた独立した彫像（彫像）の場合もあれば、建築のフリーズや墓の石碑のように、背景の銘板にまだ付いている部分的なレリーフのみの場合もある。^[44]

ブロンズ像はより高貴な地位にあったが、金属の再利用性のため、現存する数ははるかに少ない。これらは通常、ロストワックス技法で作られた。金象牙像は寺院の祭祀用像であり、彫刻の最高峰とみなされていたが、断片が残っているだけである。これらは通常、実物大以上の大きさで、木製の枠で作られ、薄い象牙の彫刻板で肉体を表現し、おそらく木の上に金箔を貼って衣服、鎧、髪、その他の細部を表現した。^[45]

場合によっては、ガラスペースト、ガラス、貴石や半貴石が目や宝石、武器などの細部に使用されました。他の大型のアクロリティック彫像では、肉体部分に石、その他の部分に木が使用され、大理石の彫像にはスタッコの髪型が施されることもありました。ほとんどの彫刻は彩色されており（下記参照）、本物の宝石を身に着け、目やその他の要素をさまざまな素材で象嵌していました。^[46]

テラコッタは、大きな彫像に時々使われた。テラコッタの作品は、少なくとも部分的には、そのような彫像のもろさのせいで、ほとんど残っていない。最もよく知られている例外は、紀元前470年頃に制作された、オリンピアで発見されたガニュメデスを運ぶゼウスの彫像である。この場合、テラコッタには彩色がされている。初期の時代には非常に重要だったかもしれない、純粋に木でできた彫刻もあったことは間違いないが、実質的には何も残っていない。^[47]

紀元前 1100 年頃までの青銅器時代のキクラデス美術では、すでに人体への異例の重点が置かれており、通常は腕をお腹の前で組んだ正面からの直立姿勢で描かれていた。小さな特徴としては、鼻、時には目、女性の胸のみが彫られていたが、人物像は通常は彩色されていたようで、元々はかなり違った外見だった可能性がある。

エジプトとメソポタミアの記念碑的な石の彫刻に触発され、アルカイック期にギリシャ人は再び石に彫刻を彫り始めた。ギリシャの傭兵と商人は、エジプトのファラオ・プサムティク1世（紀元前664-610年）に仕えるなど海外で活動し、これらの国の記念碑的な芸術に触れた。^{[48] [49]}「紀元前2千年紀のエジプトの彫像は、7世紀後半のアルカイック期における等身大および超大型のギリシャ彫刻の革新に決定的な刺激を与えた」ことは一般的に認められている。^[48]自立型の人物像は、東洋のモデルの特徴である堅牢性と正面からの姿勢を共有しているが、その形状はエジプトの彫刻よりも動的であり、たとえばオセールの貴婦人やヘラのトルソ（初期アルカイック期、紀元前 660 -580年頃、ともにパリのルーブル美術館所蔵）がそうだ。紀元前575年頃以降、男性、女性ともに、このような人物像はいわゆるアルカイック・スマイルを浮かべるようになった。この表情は、描かれた人物や状況に特に適切というわけではないが、人物像に独特の人間的特徴を与えるための工夫だったのかもしれない。^[50]

3種類の人物像が使われた。裸の若者の立像（kouros）、衣服をまとって立つ少女（kore）、そしてそれほど頻繁ではないが、座る女性である。^[51]これらすべてが人体の本質的な特徴を強調し一般化しており、人体構造に対するより正確な理解を示している。若者は墓碑銘または奉納彫像であった。例としては、初期の作品であるアポロ（ニューヨーク、メトロポリタン美術館）、かなり後の作品であるアナフィ島のストラングフォードのアポロ（ロンドン、大英博物館）、アナヴィソスのクーロス（アテネ国立考古学博物館）がある。この彫像では、初期の作品よりも筋肉と骨格の構造がよりよく見える。衣服をまとって立つ少女は、アテネのアクロポリス博物館の彫刻のように、幅広い表現をしている。彼女たちの衣服は、この時代彫刻の細部に共通する繊細さと細心の注意を払って彫刻され、塗装されている。^[52]

古代のレリーフは、多くの墓や、イタリアのフォチェ・デル・セレ（現在はパエストゥム国立考古学博物館所蔵）にある、紀元前550年と510年ごろの2組のメトープパネルがある大きな建物、およびフリーズと小さなペディメントがあるデルフィのシフニア宝物庫から現存している。巨大なゴルゴンが目立つコルフ島のアルテミス神殿（紀元前 580年ごろ）とアテネのアテナ古神殿（紀元前 530年- 500年ごろ）の大きな三角形のペディメント群の一部は、現在はすべて地元の博物館に残っている。^[53]

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  ディピュロン・クーロス、紀元前 600年頃、アテネ、ケラメイコス博物館
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  モスコフォロスまたは子牛運びの像、紀元前570 年頃、アテネ、アクロポリス博物館
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  ペプロス・コレ、紀元前 530年頃、アテネ、アクロポリス博物館
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  デルフィのシフノスの宝物庫のフリーズ、ギガントマキアを描いたもの、紀元前 525年頃、デルフィ考古学博物館
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  ストラングフォードのアポロ、500-490年、最後のクーロイの1つ
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  サブロフの頭部、紀元前 550 年- 525 年頃の、後期アルカイック期ギリシャの大理石彫刻の重要な例。
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  ペルサーシュット、つまり「ペルシャの瓦礫」は、紀元前480年から479年にかけてのギリシャへの第二次ペルシャ侵攻中にアテネが破壊された際に発見されたもので、アルカイック時代の彫像の明確な年代測定マーカーとなっている。

古典期にはギリシャの彫像に革命が起こり、それは民主主義の導入とクーロイに関連する貴族文化の終焉と関連づけられることが多い。古典期には彫刻のスタイルと機能に変化が見られた。ポーズはより自然主義的になり（デルポイの戦車兵はより自然主義的な彫刻への移行の例として参照）、ギリシャの彫刻家がさまざまなポーズで人間の姿を描写する技術力は大幅に向上した。紀元前500年頃から彫像は実在の人物を描写し始めた。アテネで暴政の打倒を記念して建てられたハルモディオスとアリストゲイトンの彫像は、実在の人物を描いた最初の公共記念碑と言われている。^[54]

同時に、彫刻や彫像の用途も広がった。アテネのパルテノン神殿やオリンピアのゼウス神殿など、古典期の偉大な神殿では、装飾的なフリーズにはレリーフ彫刻が、ペディメントの三角形の領域を埋めるには円形彫刻が必要だった。難しい美的、技術的な挑戦は、彫刻の革新を大いに刺激した。これらの作品は断片としてのみ現存しており、最も有名なのはパルテノン神殿の彫刻で、その半分は大英博物館に所蔵されている。^[57]

この時期、葬儀用の彫像は、アルカイック時代の厳格で非人格的なクーロスから、古典期の非常に個人的な家族グループへと進化しました。これらの記念碑は、古代には都市の郊外の墓地であったアテネ郊外でよく見られます。それらの中には「理想的な」タイプ、つまり悲しむ母親や孝行息子を描いたものもありますが、現実の人間を描いたものが増え、典型的には、亡くなった人が家族から威厳をもって別れを告げる様子が描かれています。これらは、古代ギリシャの最も親密で感動的な遺物の一つです。^[58]

古典期には初めて彫刻家の名前が知られるようになった。ペイディアスはパルテノン神殿の設計と建設を監督した。プラクシテレスは後期古典期（4世紀半ば）に初めて女性の裸体を尊厳あるものにした。彼のクニドスのアフロディーテ像は複製が残っており、プリニウスによれば世界最高の彫像である。^[59]

同時代の人々にとって古典期の最も有名な作品は、オリンピアの巨大なゼウス像とパルテノン神殿のアテナ・パルテノス像である。どちらも象牙細工で、ペイディアスか彼の指揮下で制作されたもので、現在は失われているが、他の資料にある小さな複製と詳細な説明が残っている。その大きさと壮大さから、ビザンチン時代に皇帝が押収し、コンスタンティノープルに移されたが、後に火災で焼失した。^[60]

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  ポリュクレイトスの『ディアドゥメノス』の複製、アテネ国立考古学博物館
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  プラクシテレス作のいわゆる「ブラスキのヴィーナス」 、クニドスのアフロディーテのタイプ、ミュンヘン・グリプトテーク
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  マラソンの若者、紀元前 4 世紀のブロンズ像、おそらくプラクシテレス作、アテネ国立考古学博物館
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  ヘルメス、おそらくリュシッポス作、アテネ国立考古学博物館
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  アテネのアクロポリス博物館にあるパルテノン神殿の南メトープ1 。
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  アテネのアクロポリス博物館にあるパルテノン神殿の西フリーズブロック VI。

古典期からヘレニズム期への移行は紀元前4世紀に起こった。アレクサンダー大王（紀元前336年 - 紀元前323年）の征服に続いて、ギリシャ文化はインドにまで広がった。これは東アフガニスタンのアイ・ハヌムの発掘や、グレコ・バクトリア人およびインド・ギリシア人の文明によって明らかになった。ギリシャ仏教美術は、ギリシャ美術と仏教の視覚的表現の融合を表していた。こうしてギリシャ美術は、ギリシャの軌道に引き込まれた人々の文化により多様化し、より影響を受けるようになった。^[61]

一部の美術史家は、質と独創性も低下したと見ている。しかし、これは当時の芸術家や芸術愛好家が共有しなかった判断である。実際、以前は古典的な傑作と考えられていた多くの彫刻が、現在ではヘレニズム時代のものと認識されている。ヘレニズム彫刻家の技術的能力は、サモトラケのニケやペルガモンの祭壇などの主要作品に明確に表れている。アレクサンドリア、アンティオキア、ペルガモンなどの都市で、特に彫刻におけるギリシャ文化の新しい中心地が発展し、新しい君主がこれらの都市に多額のパトロンを置いた。^[62] 2世紀までには、台頭するローマ帝国もギリシャの伝統の多くを吸収し、その製品の割合も増加した。^[63]

この時期、彫刻はより自然主義的になり、また表現豊かになった。感情の極限を描くことへの関心は、時には極端にまで押し進められた。庶民、女性、子供、動物、家庭の風景といった風俗画は、彫刻の題材として受け入れられるようになり、裕福な家庭が家や庭の装飾として注文した。その一例が「とげのある少年」である。あらゆる年齢の男性と女性の写実的な肖像画が制作され、彫刻家はもはや人々を美の理想や肉体の完璧さとして描く義務を感じなくなった。^[64]

ディオニュソスの世界は、サテュロス、メナド、ニンフ、シレーノが住む田園詩であり、以前の花瓶画やフィギュアにはよく描かれていたが、等身大の彫刻で描かれることは稀だった。この時代、そのような作品が作られ、バルベリーニの牧神、ベルヴェデーレのトルソ、休息するサテュロスなどの複製が現存している。また、フリエッティのケンタウロスや眠れるヘルマプロディートスは、関連するテーマを反映している。^[65]同時に、エジプト、シリア、アナトリア全土に出現した新しいヘレニズム都市では、寺院や公共の場所にギリシャの神々や英雄を描いた彫像が必要となった。これにより、陶器と同様に彫刻が産業となり、結果として標準化と品質の低下を招いた。これらの理由により、古典期の場合よりも多くのヘレニズム彫像が現存している。

ヘレニズム時代の彫刻で最もよく知られているのは、サモトラケのニケ（紀元前2世紀または1世紀）^{[66] 、}メロス島のアフロディーテ像でミロのヴィーナスとして知られる像（紀元前2世紀半ば）、[67]、瀕死のガリア人（紀元前230年頃）、ラオコーンとその息子たちの記念碑的群像（紀元前1世紀後半）などである。これらの彫像はすべて古典時代のテーマを描いているが、その扱い方は古典時代の厳格な趣味や当時の技術が許すよりもはるかに官能的で感情的である。

多人数の彫像群は、おそらく3世紀のヘレニズム時代の革新であり、以前の寺院のペディメントの壁のレリーフの壮大な戦いを取り除いて、等身大の彫像群として配置したものです。そのスタイルはしばしば「バロック」と呼ばれ、体の姿勢が極端にねじれ、顔に激しい表情があります。ペルガモン祭壇のレリーフは、現存するオリジナルに最も近いものですが、いくつかの有名な作品は、ヘレニズム時代のオリジナルのローマによるコピーであると考えられています。これには、「瀕死のガリア人」と「ルドヴィージのガリア人」、およびあまり知られていない「ひざまずくガリア人」などがあり、すべて、おそらく2つのグループで構成されていたガラティアのガリア人に対する紀元前241年頃の勝利を記念してアッタロス1世がペルガモンに依頼した作品を模倣したものと考えられています。^[67]

ラオコーン像、ファルネーゼの雄牛、パトロクロスの体を支えるメネラオス（「パスクィーノ像」）、アロティーノ、スペルロンガの彫刻などがその例である。^[68] 2世紀以降、新アッティカ様式または新古典主義様式は、バロック様式の過剰に対する反応、古典主義様式の一種への回帰、あるいは宗教的彫像の伝統的な様式の継続として、さまざまな学者によって見なされている。^[69]この様式の工房は、主にローマ市場向けの複製品の製作者となった。ローマ市場は、ヘレニズム時代の作品よりも古典主義の作品の複製品を好んだ。^[70]

19世紀末以降、エジプトの古代都市ヘラクレウム（現在は水没）周辺で発見されたものには、紀元前4世紀の、非常に官能的で、詳細かつフェミニズム的な（神格化されたものではなく）イシス像が含まれており、アレクサンダー大王によるエジプト征服の頃から始まったエジプトとヘレニズム様式の融合を示している。しかし、これはプトレマイオス朝の宮廷彫刻としては典型的ではなく、プトレマイオス朝では、エジプト様式とかなり慣習的なヘレニズム様式を混ぜることは一般的に避けられており、^[71]エジプトの他の地域の寺院では、伝統的なエジプト様式の後期バージョンが引き続き使用されていた。^[72]学者はヘレニズム彫刻に「アレクサンドリア様式」を提案しているが、実際にはアレクサンドリアとそれを結びつけるものはほとんどない。^[73]

ヘレニズム時代の彫刻も規模の拡大が目立ち、自由の女神像と同じ大きさのロドス島の巨像（3世紀後半）が完成しました。地震と略奪の複合的な影響で、この時代における他の非常に大きな作品と同様に、この巨像も破壊されました。

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  ヘレニズム時代の王子。もともとはセレウコス朝の王子、あるいはペルガモン王アッタロス2世の像と考えられていたが、現在はローマの将軍の肖像画であると考えられている。紀元前2世紀にローマで活動していたギリシャ人芸術家によって制作された。
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  サモトラケのニケ（ヘレニズム時代）、ルーブル美術館、パリ
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  ラオコーンとその息子たち（後期ヘレニズム時代）、バチカン美術館
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  後期ヘレニズム時代の騎手ブロンズ像、アテネ国立考古学博物館

粘土は、ミノア文明以前からローマ時代まで、奉納用の小像や偶像を作るのによく使われていた素材である。紀元前8世紀、ボイオティアの墓には、動く脚を持つ女性の小像である「鐘型偶像」がよく含まれていた。頭は体の残りの部分に比べて小さく、長い首の先にとまっており、体は鐘の形をしており、非常にふっくらとしている。^[74]古代の英雄の墓には、地元の英雄が埋葬されており、一般的には腕を上げた人物を描いた、粗雑な形の小像が多数埋葬されていた。

ヘレニズム時代までに、テラコッタの小像のほとんどは宗教的性格を失い、日常生活の人物像を描いていた。生産の中心地の1つであるタナグラの小像は、鋳型を使って大量生産され、焼成後に彩色された。人形、流行の服を着た女性や俳優の像、おそらく肖像画もいくつか、洗練されたスタイルで描かれた新しい題材の一つだった。これらは安価で、当初は現代の装飾小像のように家に飾られていたが、所有者と一緒に埋葬されることも多かった。同時期に、アレクサンドリア、スミルナ、タルソスなどの都市では、奇形の肢体や、目が飛び出したり、体を歪めたりする人物像など、グロテスクな小像が大量に生産された。このような小像は青銅製でもあった。^[75]

塗装された建築用テラコッタについては、以下の「建築」を参照してください。

金属、主に青銅で作られた小像は、オリンピアのような古代ギリシャの聖域で非常によく見つかっており、動物を描いたものが何千体も見つかっている。これらは通常、ロストワックス技法で作られており、ギリシャの青銅彫刻の発展の初期段階と考えることができる。幾何学様式時代に最も一般的なモチーフは馬と鹿であったが、犬、牛、その他の動物も描かれている。人間の姿も時々見られる。小さな金属製の奉納物の製造は、ギリシャ古代を通じて続いた。古典期とヘレニズム期には、記念碑的な彫刻と密接に関連した、より精巧な青銅小像も一般的になった。高品質の例は裕福なギリシャ人、そして後にはローマ人によって熱心に収集されたが、現存するものは比較的少ない。^[76]

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  鐘の偶像、紀元前 7 世紀
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  紀元前8世紀のオリンピアの青銅製の奉納馬
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  紀元前200年頃の新喜劇の俳優
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  タナグラの流行に敏感な女性の像、高さ 32.5 cm (12.8 インチ)、紀元前 330-300 年

ギリシャでは、ミケーネ文明の終わり（紀元前1200年頃）から、都市生活と繁栄が回復し、公共建築が着手できるようになった7世紀まで、建築（美的に考慮された設計で建てられた建物）は行われなかった。アルカイック期と初期古典期のギリシャの建物のほとんどは木造か泥レンガ造りだったため、平面図がわずかにある以外は何も残っておらず、初期の建築や建物の説明に関する文献はほとんど残っていない。ギリシャ建築に関する私たちの知識のほとんどは、後期アルカイック期、古典期、ヘレニズム期、ローマ期（古代ローマ建築はギリシャ様式を多用していたため）の現存する建物と、ウィトルウィウス（紀元前1世紀）などの後期の文献から得たものである。つまり、最も一般的に現存する主要建築物である寺院に強い偏りがあるということである。ここでは、壁に使用された四角い石のブロックが後の建物に役立ったため、残っているのはリサイクルが難しい柱やメトープの一部だけであることが多い。 ^[77]

この時代の大半は、重力のみで支えられた厳格な石柱とまぐさの建築システムが使用されていました。持ち出しはミケーネ時代のギリシャで知られており、アーチは遅くとも5世紀には知られていましたが、ローマ時代までこれらの技術はほとんど使用されていませんでした。^[78]木材は、高級な石造りの建物の天井と屋根材にのみ使用されていました。溝を掘って固定するだけの大きなテラコッタの屋根瓦を使用するため、屋根の勾配は低くする必要がありました。^[79]

ヘレニズム時代までは、正式な石造りの様式で建てられたのは公共の建物だけでした。これにはとりわけ神殿と、しばしば神殿に付随する小さな宝物庫の建物が含まれ、多くの都市でデルポイに建てられました。他のタイプの建物は屋根が付いていないことが多く、周囲に1つ以上の列柱のあるストアがある中央アゴラ、劇場、体育館、パライストラまたはレスリング学校、集会のためのエクレシアステリオンまたはブイレウテリオン、プロピュライアまたは記念碑的な出入り口がありました。^{[80]さまざまな機能のための円形の建物は}トロスと呼ばれ、^[81]最大の石造りの構造物は防御用の都市の壁であることが多かったです。

墓は、この時期のほとんどの間、ギリシャ世界の周辺、特にアナトリアで精巧な霊廟としてのみ造られていた。 ^[82]資金に余裕があれば、民家は中庭を取り囲むように建てられ、通りに面して壁は何もなかった。2階建てのところもあったが、地下室があるのは極めて稀だった。たいていはせいぜい瓦礫で建てられ、それについてはあまり知られていない。少なくとも男性は、人生の大半を外で過ごした。^[83]ヘレニズム時代の宮殿がいくつか発掘されている。^[84]

神殿やデルフィの宝物庫などの他の建物は、立方体か、より一般的には長方形に設計されていた。石灰岩はギリシャに豊富に存在し、大きなブロックに切り出されて仕上げられた。これに柱が加わり、少なくとも入口正面と多くの場合はすべての側面に柱が建てられた。^[85]他の建物はより柔軟な設計で、最も裕福な家でさえ外部の装飾があまりなかったようだ。大理石はギリシャでは高価な建築材料だった。高品質の大理石はアッティカのペンテルス山とパロス島などのいくつかの島からしか採れず、大きなブロックでの輸送は困難だった。大理石は主に彫刻の装飾に使用され、構造的には使用されなかったが、アテネのパルテノン神殿などの古典期の最も壮大な建物では例外だった。^[86]

ギリシャ建築にはドーリア式とイオニア式の2つの主要な古典様式があり、コリント式は古典期にのみ登場し、ローマ時代まで主流にならなかった。3つの様式の最も顕著な特徴は柱頭であるが、その他の設計と装飾の点では各様式の間に大きな違いがある。^[87]これらの名称はギリシャ人自身によって使用され、暗黒時代のドーリア式とイオニア式のギリシャ様式から派生したという彼らの考えを反映しているが、これは真実ではない可能性が高い。ドーリア式が最も古く、おそらく7世紀前半に石で初めて登場し、木造の前身から（おそらくあまり直接的ではないが）発展した。 ^[88]ギリシャ本土とイタリアのギリシャ植民地で使用された。イオニア式は、おそらく6世紀にイオニア（現在のトルコ西海岸）の都市とエーゲ海の島々のいくつかで最初に使用された。^[89]ドーリア式はより形式的で厳格で、イオニア式はよりゆったりとしていて装飾的であった。より華やかなコリント式はイオニア式の後の発展であり、当初は建物の内部にのみ使用され、柱頭以外のすべてにイオニア式の形状が使用されていたようである。アテネのアクロポリス近くにある有名で保存状態の良いリュシクラテスのコラギック記念碑（335/334）は、建物の外部にコリント式が使用された最初のものとして知られている。^[90]

アテネのパルテノン神殿やヘファイストス神殿など、現存する最も有名なギリシャ建築のほとんどはドーリア式である。しかし、パルテノン神殿の隣にあるエレクテイオンはイオニア式である。イオニア式は、より装飾的なスタイルが控えめなドーリア式よりも時代の美学に合っていたため、ヘレニズム時代に支配的になった。現存する最も優れたヘレニズム建築のいくつか、例えばケルスス図書館は、トルコのエフェソスやペルガモンなどの都市で見ることができる。^{[91]しかし、}ヘレニズム時代の最大の都市であるエジプトのアレクサンドリアには、ほとんど何も残っていない。

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  古代デルフィの行列道の模型。彫像はほとんど描かれていない。^[92]
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  エピダウロスの古代劇場、紀元前4世紀
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  アテネのアクロポリスのエレクテイオン、紀元前5世紀後半
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  リュシクラテスのコラギック記念碑、アテネ、335/334

コインは（おそらく）紀元前7世紀にリディアで発明されましたが、最初に広く使用したのはギリシャ人でした。^[93]そして、ギリシャ人はそれ以来ずっと続いているコインデザインの規範を確立しました。今日のコインのデザインは、古代ギリシャから流れてきたパターンを今でも明らかに踏襲しています。ギリシャ人はコインのデザインを主要な芸術形式とは見なしていませんでしたが、一部のコインは、特にギリシャ国外、中央アジアの王国や宣伝に熱心なシチリアの都市で、一流の金細工師によって高価にデザインされていました。それでも、コインの耐久性と豊富さから、ギリシャの美学に関する最も重要な情報源の1つとなっています。^[94]ギリシャのコインは、古代ギリシャ世界の芸術形式の中で、今でもささやかな資産を持つ個人コレクターが購入して所有できる唯一のものです。

最も広く普及した硬貨は、原産地をはるかに超えて使用され、他者によって模倣および偽造されたアテネのテトラドラクマ硬貨（紀元前 510年頃から紀元前 38年頃まで発行）と、ヘレニズム時代のマケドニアのテトラドラクマ硬貨で、どちらも銀貨であった。^[95]これらは両方とも、長い間同じ馴染みのあるデザインを維持した。^{[96]ギリシャの設計者は、硬貨の}表面に横顔の肖像画を置く習慣を始めた。これは当初、硬貨を発行した都市の守護神または女神の象徴的な肖像であり、アテネの場合はアテナ、コリントスの場合はアポロ、テーベの場合はデメテルなどであった。後に、アレクサンダー大王の硬貨にはヘラクレスのようなギリシャ神話の英雄の頭部が使用された。

硬貨に描かれた最初の人物肖像は、アケメネス朝の小アジアの太守たちの肖像画で、 紀元前450年頃にマグネシアの太守となった追放されたアテネ の将軍テミストクレスに始まり、特に5世紀末にかけてのリキアの王朝によって続けられた。 ^{[97]イタリアの}シラクサなどのギリシャ都市は、紀元前4世紀に硬貨に実在の人物の肖像を刻み始め、エジプト、シリア、その他の地域でアレクサンダー大王の後継者であるヘレニズムの王たちもこれを行った。 ^[98]ギリシャ都市は硬貨の裏に都市のシンボルを描くことが多かった。アテネならフクロウ、シラクサならイルカなどである。硬貨に銘文を刻むこともギリシャ時代に始まった。これらの習慣はすべて後にローマ人によって継承された。^[94]

最も芸術的に野心的なコインは、金細工師や宝石彫刻師によってデザインされ、ギリシャ世界の端っこ、初期の新植民地、後の新王国から来たものが多く、現代の言葉で言えば「ブランド」を宣伝する形となっていた。^[99]大都市では、コリントスとシラクサも一貫して魅力的なコインを発行した。グレコ・バクトリアのコインの中には、大きな肖像画が描かれたギリシャコインの最も優れた例とみなされているものがあり、「リアリズムと理想化がうまく融合」しており、ヘレニズム世界で鋳造された最大のコインも含まれる。最大の金貨はエウクラティデス（在位紀元前171～145年）が鋳造したもので、最大の銀貨はインド・ギリシャ王アミンタス・ニカトール（在位紀元前 95～90年頃）が鋳造したものである。肖像画は「西方の同時代の王族のしばしば平凡な描写とは決して匹敵しないほどの個性を示している」。^[100]

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  ヘラクレスに扮したアレクサンダー大王の肖像が描かれたマケドニアのテトラドラクマ金貨（紀元前330年以降）
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  亀と刻印のあるアイギナ ドラクマ貨幣、紀元前404年以降
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  ネメアのライオンと戦うヘラクレス。ヘラクレア・ルカニアの銀貨
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  シラクサの貨幣に描かれたアレトゥーサ、シチリア島、415-400年

ギリシア人は彫刻よりも絵画を重視していたようで、ヘレニズム時代には絵画の知識に基づいた鑑賞や実践さえも紳士の教養の一部となっていた。エクフラシスは芸術作品の描写からなる文学形式であり、ギリシア絵画と画家に関する文献は相当な量存在し、ラテン語でさらに追加されているが、言及されている芸術家による論文はどれも現存していない。^[101]この文献が扱っていた木板やフレスコ画の最も権威ある種類の絵画はほとんど残っておらず、ギリシア彫刻に関する私たちの知識のほとんどを与えてくれるものと同等の、間違いなく存在したコピーもごくわずかである。

壺絵との対照は完全である。文献に壺絵に関する記述は全くないが、10万点以上の作品が現存しており、多くの画家が立派な作品を遺している。^[102]ギリシャ絵画の最高傑作がどのようなものであったかという私たちの考えは、壺絵、後期ギリシャ・ローマ時代のモザイクやフレスコ画の模写、ギリシャ伝統の実際の絵画のごく後期の例、そして古代の文献の類似点を注意深く考慮して導き出されなければならない。^[103]

古代ギリシャには、相互に関連した絵画の伝統がいくつかあった。技術的な違いにより、それらは多少異なる発展を遂げた。初期の絵画は、輪郭と色の平坦な部分に大きく依存する花瓶画と似た方向に発展したようであるが、花瓶画が衰退する頃に開花し発展した。ヘレニズム時代の終わりまでに、形の輪郭を示すモデリング、影、短縮法、おそらく不正確な遠近法、室内と風景の背景、風景での距離を示唆するための色の変化の使用などの技術的発展が見られ、「ギリシャの芸術家は、完全に幻想的な絵画に必要なすべての技術的装置を持っていた」。^[104]

プリニウスやパウサニアスなどの著述家によると、最も一般的で尊敬されていた芸術形式は板絵、つまり木の板に描かれた個々の持ち運び可能な絵画だった。使用された技法はエンカウスティック（蝋）画とテンペラ画だった。このような絵画は通常、肖像画や静物画を含む人物の場面を描いたもので、多くの作品の記述が残っている。それらは収集され、公共の場で展示されることが多かった。パウサニアスはアテネやデルフォイでのそのような展覧会について述べている。私たちは、主に古典時代とヘレニズム時代の多くの有名な画家の名前を文学から知っている（右の展開可能なリストを参照）。古代ギリシャの画家の中で最も有名なのはコス島のアペレスで、大プリニウスは彼を「彼より前または後に活躍した他のすべての画家を凌駕した」と称賛した。^{[105] [106]}

使用された材料の腐りやすい性質と古代末期の大きな変動のため、ギリシャ板画の有名な作品は1つも現存していない。壁画作品はわずかに重要なものが残っている。ローマ時代以前のギリシャの作品で最も重要な現存する作品は、紀元前530 年頃のかなり質の低いピツァ板、^{[107] 、}パエストゥムのダイバーの墓、ヴェルギナの王家の墓のさまざまな絵画である。エトルリアとカンパニアの墓の絵画はギリシャ様式に基づいているものがさらに多い。ローマ時代には、ポンペイとその周辺地域、そしてローマ自体に多数の壁画があり、そのいくつかは特定の以前の傑作のコピーであると考えられている。^[108]

特に、アレクサンダー・モザイクとボスコレアーレ邸では、特定の壁画のコピーが確実に特定されています。^[109]エジプトの乾燥した気候から、はるか後代のギリシャ・ローマ時代の考古学的遺物が多数残されています。ファイユームのミイラの肖像画や、同様のセウェルス・トンド、金ガラスに描かれた肖像画のミニチュアの小グループなどです。^[110]ビザンチン時代のイコンもエンカウスティックの板絵の伝統に由来しており、ビザンチン時代の彩色写本は、ギリシャの幻想的なスタイルを何世紀にもわたって継承していることもありました。

ギリシャの壁画の伝統は、少なくともミノア文明とミケーネ文明の 青銅器時代にまで遡り、クノッソス、ティリンス、ミケーネなどの遺跡には豪華なフレスコ画が描かれています。これらの先例とその後のギリシャの壁画との間に連続性があるかどうかは明らかではありません。

壁画についてはパウサニアスに頻繁に記述されており、その多くは古典期およびヘレニズム期に制作されたと思われる。完全な状態で現存する建築物が少ないため、保存されているものは多くない。最も注目すべき例としては、カラポディ（テーベ近郊）の神殿内部のアルカイック期紀元前7世紀の重装歩兵戦闘場面を描いた記念碑的な絵画や、マケドニアのヴェルギナにある紀元前4世紀の「フィリップの墓」および「ペルセポネの墓」 、またはテッサロニキのアギオス・アタナシオスの墓の精巧なフレスコ画があり、これらは上記の高品質の板絵と密接な関連があるとされることもある。パルメットの墓（紀元前3世紀、1971年発掘）は絵画が良好な状態で珍しく現存しており、ティンパヌムには内部に埋葬された夫婦の肖像画が含まれている。

ギリシャの壁画の伝統は、イタリアのギリシャ植民地における同時代の墓の装飾にも反映されており、例えばパエストゥムの有名なダイバーの墓などがある。学者たちは、ポンペイなどの遺跡にある有名なローマのフレスコ画はギリシャの伝統の子孫であり、いくつかは特に有名な板絵を模したものであると考えている。しかし、これらのローマのコピーはすべて緩い翻案であり、人物が追加され、ポーズが変更され、色が変更されている。

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  ヘレニズム時代のギリシャの テラコッタの葬祭壁画、紀元前3世紀
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  紀元前 2 世紀、ギリシャ、中央マケドニア、イマティア、古代ミエザ(現在のレフカディア)のリュソンとカリクレスの墓から発見された古代マケドニアの鎧、武器、装備品の絵画。
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  紀元前2世紀のディオスクリデスの石碑。プトレマイオス朝の軍の「ローマ化」の特徴的な例であるプトレマイオス朝の テュレオフォロス兵士が描かれている。
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  ギリシャ、中央マケドニア、イマティア、古代ミエザ（現在のレフカディア）の審判の墓のフレスコ画。来世の宗教的イメージを描いている。紀元前 4 世紀
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  戦車に乗るハデスとペルセポネを描いたフレスコ画。ギリシャ、ヴェルギナのマケドニア女王エウリュディケ 1 世の墓から出土。紀元前 4 世紀。
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  紀元前4世紀、テッサロニキのアギオス・アタナシオスのマケドニアの墓から発見された宴会の場面。6人の男性がソファに寄りかかり、近くのテーブルに食べ物が並べられ、男性の召使が付き添い、女性の音楽家がエンターテイメントを提供している。^[111]
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  鎖かたびらの鎧を身にまとい、トゥレオスの盾を持った古代マケドニアの兵士 (トラキタイ)のフレスコ画、紀元前 3 世紀
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  中国新疆ウイグル自治区ホータン州ロプ県の毛織物の壁掛け、サンプル・タペストリーには、グレコ・バクトリア王国（紀元前250-125年）のギリシャ人と思われる兵士が描かれている。青い目をし、槍を持ち、王冠のようなものをかぶっている。兵士の上には、ギリシャ神話のケンタウロスが描かれており、ヘレニズム美術でよく見られるモチーフである。^[112]新疆地域博物館。
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  テオドロスという名の若者の肖像画を描いた、大理石の墓石に描かれたヘレニズム時代のギリシャの エンカウスティック画。紀元前1 世紀、ローマ帝国時代のギリシャ、テーベ考古学博物館所蔵。

古代ギリシャの人物や建築彫刻の多くは、色鮮やかに彩色されていました。ギリシャの石細工のこの側面は、ポリクローム（ギリシャ語の πολυχρωμίαから来ており、πολύ = 多くの、χρώμα = 色）と呼ばれています。激しい風化により、彫刻や建築物のポリクロームはほとんどの場合、かなりまたは完全に色あせています。

ポリクロームという言葉は2つのギリシャ語を組み合わせたものですが、古代ギリシャでは使われていませんでした。この言葉は19世紀初頭にアントワーヌ・クリュソストム・カトレメール・ド・クインシーによって造られました。^[113]

絵画は建築の視覚的側面を高めるためにも使われた。ギリシャ神殿の上部構造の特定の部分は、アルカイック時代から習慣的に塗装されていた。このような建築の多色性は、石に直接塗られた明るい色（例えばパルテノン神殿に見られる）や、精巧な模様（テラコッタで作られた建築部材が多い）の形をとることもあった（オリンピアやデルフォイのアルカイック時代の例）。テラコッタには人物が描かれることもあった。テルモンの紀元前7世紀のテラコッタのメトープがその例である。^[114]

ギリシャ彫刻のほとんどは、強くて明るい色で塗装されており、これは「多色性」と呼ばれています。塗料は衣服や髪などを描写する部分に限定されることが多く、肌の色は石や青銅の自然な色のままでしたが、彫刻全体を覆うこともありました。大理石の女性の肌は無色である傾向があり、男性の肌は明るい茶色でした。ギリシャ彫刻の絵画は、彫刻の形を強調するものとしてのみ見られるべきではなく、独特の芸術スタイルの特徴を持っています。^[115]

例えば、アイギナ島のアファイア神殿のペディメント彫刻は、大胆で精巧な模様で描かれ、他の細部の中でも模様のある衣服が描かれていたことが最近明らかになりました。石像の多色性は、クリセレファンティン彫刻で皮膚、衣服、その他の細部を区別するために異なる素材が使用されていることや、リアチェ青銅器のような高品質の青銅で唇、爪などを表現するために異なる金属が使用されていることと並行しています。^[115]

古代ギリシャ絵画の最も豊富な証拠は、花瓶絵の形で現存している。これらは上記の「陶器」の項で説明されている。これらは、少なくともギリシャ絵画の美学をある程度示している。しかし、その技法は、大判の絵画で使用される技法とは大きく異なっていた。同じことは、描かれた主題にも当てはまると思われる。花瓶絵師は通常、陶器工房の専門家であり、他の媒体の画家でも陶工でもなかったようだ。また、花瓶絵は、古代ギリシャ絵画に関する現存する最も目立つ資料ではあるが、古代ではそれほど高く評価されておらず、古典文学にも一切言及されていないことも念頭に置くべきである。^[116]

モザイクは当初は丸い小石で作られ、後にはより色彩豊かで表面が平らなテッセラの付いたガラスが使われるようになった。モザイクはヘレニズム時代に人気があり、最初は宮殿の床の装飾として、やがて個人の家の装飾にも使われるようになった。 ^[118]中央のパネルに描かれた中央の紋章画は、周囲の装飾よりもはるかに精巧に仕上げられることが多かった。^[119] 客が期待するさまざまな食べ物の例を家が展示するクセニアのモチーフは、現存するギリシャの静物画の大半を占めている。一般的にモザイクは、アレクサンダー・モザイクのように、絵画を非常に直接的に模倣する二次的な媒体とみなされなければならない。^[120]

ペルガモンのソサス（紀元前 200年頃）による「掃除されていない床」は、オリジナルで有名なトロンプ・ルイユ作品で、多くのグレコローマンの模写で知られています。ジョン・ボードマンによると、ソサスは名前が残っている唯一のモザイク芸術家であり、彼の鳩も文献に記載されており、模写されています。^[121]しかし、キャサリン・MD・ダンバビンは、2人の異なるモザイク芸術家がデロス島のモザイクに署名を残したと主張しています。^[122]紀元前4世紀の鹿狩りのモザイクの芸術家も、おそらくグノーシスという署名を残しましたが、この言葉は知識の抽象的な概念を指している可能性があります。^[123]

モザイクは現存するマケドニア美術の重要な要素であり、今日の中央マケドニアにある古代マケドニアの首都ペラの遺跡に多数のモザイクが保存されている。^[124]「鹿狩りとライオン狩りのモザイク」などのモザイクは、ヘレニズム絵画に一般的に見られる幻想的で立体的な性質を示しているが、素朴なマケドニアの狩猟の追求は他のテーマよりも顕著である。^[125]フランソワ・シャムーは、紀元前2世紀のギリシャのデロス島のモザイクを、ヘレニズムモザイク芸術の頂点を表すものとして評価し、同様のスタイルはローマ時代を通じて継続され、おそらく西洋世界で中世までモザイクが広く使用される基礎を築いた。^[118]

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  冥王星によるペルセポネの誘拐を描いたアンフィポリスのカスタ墓のモザイク、紀元前 4 世紀
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  アレクサンダー大王（左）、カウシアを着て友人のクラテロス（詳細）と共にアジアのライオンと戦う。紀元前4世紀後半のペラのモザイク^[126]
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  ロードス騎士団長の宮殿のニンフのモザイク、紀元前2世紀
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  トラに乗った有翼の神ディオニュソス。ギリシャ、デロス島のディオニュソス神殿より。紀元前2世紀。
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  アレキサンドリン インコの床パネルの詳細、ペルガモン現代トルコ、紀元前 2 世紀半ば (エウメネス 2 世とアッタロス 2 世の治世)
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  紀元前200-150年頃のヘレニズム時代エジプトのプトレマイオス朝モザイク画、犬とアスコスワイン容器
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  エジプトのトゥムイス（メンデス）のヘレニズム時代のモザイク。ソフィロスの署名入り。紀元前 200年頃。プトレマイオス朝の女王 ベレニケ2世（夫のプトレマイオス3世との共同統治者）がアレクサンドリアの擬人化として描かれている。^[127]

彫刻が施された宝石は高級芸術で、名声が高く、ポンペイやジュリアス・シーザーも後世の収集家となった。^{[128]この技法は}近東に古くから伝わっており、円筒印章は湿った粘土の上で転がすことでのみデザインが浮かび上がり、そこから平らなリング型の印章が発達したが、これはギリシャやキプロスの一部を含むミノア文明世界に広まった。ギリシャの伝統は、本土のヘラディック文化に対するミノア文明の影響下で生まれ、ヘレニズム時代には繊細さと洗練さの頂点に達した。^[129]

円形または楕円形のギリシャの宝石（骨や象牙で作られた類似の品々とともに）は、紀元前8世紀から7世紀にかけて発見されており、通常は動物が力強い幾何学的なポーズで描かれ、縁取りは点や縁取りでマークされていることが多い。^[130]初期の例は主に柔らかい石で作られている。6世紀の宝石は楕円形が多く、^[131]スカラベの背面（過去にはこのタイプは「スカラベウス」と呼ばれていた）があり、動物だけでなく人間や神の姿が描かれている。スカラベの形はフェニキアから取り入れられたと思われる。^[132]

宝石のサイズは小さいのが普通であるにもかかわらず、その形は当時としては洗練されている。^{[96] 5世紀には宝石はいくらか大きくなったが、それでも高さは2～3センチに過ぎない。それにもかかわらず、肖像画と思われる男性の頭のまつげなど、非常に細かいディテールが表現されている。}キオスのデクサメノスが署名した宝石4点は、この時代で最も優れたもので、そのうち2点はサギを描いている。^[133]

紀元前 5 世紀のギリシャでは、浮き彫りの彫刻が一般的になり、次第に見事な宝石の彫刻のほとんどが浮き彫りになりました。一般に、浮き彫りの像は凹版の像よりも印象的です。初期の形態では、文書の受取人が刻印された封蝋でこれを見ましたが、後期の浮き彫りでは、封印の所有者がそれを自分で保管しました。これはおそらく、宝石がコレクション用、またはネックレスなどのジュエリー ペンダントとして着用されるようになったことを示し、封印として使用されることはありませんでした。後期のものは、手紙を封印するにはかなり大きい場合があります。ただし、碑文は通常、逆さま (「鏡文字」) であるため、刻印でのみ正しく読み取れます (または透明な石で後ろから見ることで)。この側面は、宝石の刻印を石膏やワックスに集めることも部分的に説明しています。刻印は、オリジナルよりも鑑賞しやすい場合があります。

より大きな硬石彫刻やカメオは、凹版彫刻としては珍しいが、3世紀頃にはギリシャに伝わっていたようである。ファルネーゼのタッツァは、ヘレニズム時代の唯一の主要な現存する例である（ゴンザーガのカメオとプトレマイオスの杯に割り当てられた年代による）が、肖像画のある他のガラスペーストの模造品は、この時代に宝石タイプのカメオが作られたことを示唆している。^[134]アレクサンドロスの征服により、ギリシャ世界への新しい貿易ルートが開かれ、入手可能な宝石の種類が増えた。^[135]

アルカイック期には、単純な幾何学模様という土着のレパートリーと、東方から輸入された主に植物をモチーフとした模様が統合され、膨大な装飾語彙が生み出され、芸術家や職人はそれを自信を持って流暢に使いこなした。^{[136]今日、この語彙は主に大量の彩色陶器や建築遺跡に見られるが、後世のヨーロッパ}新古典主義で使用されているように、もともとは幅広い媒体で使用されていたと考えられる。

この語彙の要素には、幾何学的な蛇行または「ギリシャの鍵」、エッグアンドダーツ、ビーズアンドリール、ウィトルウィウスのスクロール、ギョーシェ、そして植物界からは、様式化されたアカンサスの葉、渦巻き、パルメットとハーフパルメット、さまざまな種類の植物のスクロール、ロゼット、蓮の花、パピルスの花が含まれます。もともとアルカイックの花瓶で顕著に使用されていましたが、具象絵画が発達するにつれて、これらは通常、花瓶の端や装飾のさまざまなゾーンを区切る境界として機能するようになりました。^{[137]ギリシャ建築は、これらのモチーフを調和のとれた統合された全体で使用した、}モールディングやその他の建築装飾要素を使用するための洗練された慣習を発展させたことで有名です。

古典期以前から、この語彙はケルト美術に影響を与えており、アレクサンダー大王以後のギリシャ世界の拡大と、さらに遠くへのギリシャの物品の輸出により、インド亜大陸北部の地域を含むユーラシアの大部分が影響を受け、そこで仏教が広がり、ギリシャ仏教美術が生まれた。仏教が中央アジアから中国やその他の東アジアに広まると、宗教美術を大いに活用する形で、この語彙のさまざまなバージョンが仏教とともに持ち込まれ、仏像やその他の宗教的像を囲むために使われ、古代ギリシャ人には過剰と思われたであろうサイズや強調で使われることが多かった。この語彙はインド、中国、ペルシャ、その他のアジア諸国の装飾に吸収され、ビザンチン美術でもさらに発展していった。^[138]ローマ人は多かれ少なかれその語彙をそのまま引き継ぎ、大きく改変されたにもかかわらず、ヨーロッパ中世美術、特に植物をベースにした装飾品を通してその痕跡を辿ることができます。

イスラム美術では、装飾が主に図形に取って代わり、ビザンチンの植物の渦巻き模様が無限に続くアラベスク模様へと発展し、特に14世紀のモンゴル征服以降は、ギリシア語の語彙の子孫を含む中国から新たな影響を受けました。^{[139]ルネッサンス以降、これらのアジアのスタイルのいくつかは、ヨーロッパに輸入された織物、}磁器、その他の製品に表現され、ヨーロッパの装飾に影響を与え、そのプロセスは現在も続いています。

キプロスでは紀元前9世紀までにガラスが作られ、その時代末期までにかなり発展したが、ギリシャ・ローマ時代以前のガラス細工で、最高級の芸術的品質を示すものはわずかしか残っていない。^{[140]残っているもののほとんどは小さな香水瓶で、}他の地中海のガラスと同様に、派手な色の「羽根」模様になっている。^[141] ヘレニズム時代のガラスはより安価になり、より幅広い層の人々に利用されるようになった。

ギリシャ家具は現存していないが、ヘゲソのレリーフや花瓶などにギリシャ家具の絵が数多く残っている。18世紀以降にギリシャ家具から派生したスタイルと同様、ギリシャ家具は非常に優雅なものであったことは明らかである。ヴェルギナなどでは象嵌として使われた象牙の彫刻がいくつか現存しており、象牙の彫刻もいくつか残っている。これは非常に高級な芸術であり、非常に上質なものであった。^[142]

壺の絵から、ギリシャ人はしばしば精巧な模様の服を着ており、織物の技術は立派な女性の証であったことは明らかである。マケドニア王フィリップの墓からは、豪華な布が2枚現存している。^[143]家や寺院の装飾用の垂れ幕に関する記述は数多くあるが、現存するものはない。

古代ギリシャ美術は、とりわけ人物描写において、世界中の多くの国の文化に多大な影響を与えてきました。西洋ではギリシャ建築も大きな影響力を持っており、東西を問わずギリシャの装飾の影響は現代まで遡ることができます。エトルリア美術とローマ美術は、主にギリシャのモデルから直接派生したものであり、^[144]ギリシャの物品や影響は、アルプス山脈以北のケルト美術にまで及び、 ^[145]地中海世界全体やペルシャにも及んでいます。^[146]

東方では、アレクサンダー大王の征服により、ギリシャ、中央アジア、インドの文化の間で数世紀にわたる交流が始まりました。これは仏教の普及によって大きく促進されました。仏教は早い段階でギリシャの特徴やモチーフをギリシャ仏教美術に取り入れ、それが文化パッケージの一部として東アジア、さらには日本にまで伝わりましたが、芸術家たちは自分たちが使用したモチーフやスタイルの起源をまったく知らなかったに違いありません。^[147]

ヨーロッパのルネサンス以降、ギリシャ美術のヒューマニズム的な美学と高度な技術水準は、ヨーロッパの芸術家たちにインスピレーションを与え、18世紀半ばに始まった新古典主義運動の大きな復興とともに、西ヨーロッパからギリシャへのアクセスが容易になり、パルテノン神殿のエルギン・マーブルに代表されるギリシャのオリジナル作品が新たに輸入された。19世紀に入っても、ギリシャに由来する古典的な伝統が西洋世界の芸術を支配していた。^[148]

共和政末期から帝政初期にかけてのギリシャ化したローマの上流階級は、ギリシャの芸術の優位性をあまり異論なく受け入れていたが、プリニウスがプレヘレニズム芸術家の彫刻や絵画を賞賛したのは、個人的な知識というよりも、それ以前のギリシャの著作に基づいているのかもしれない。プリニウスや他の古典作家はルネサンス期に知られており、このギリシャの優位性の仮定は再び一般的に受け入れられた。しかし、ルネサンス期およびそれよりずっと後の批評家たちは、どの作品が実際にギリシャの作品であるかを明確にしていなかった。^[149]

オスマン帝国の一部であったギリシャは、18世紀半ばまで西欧人しか訪れることができませんでした。エトルリア人の墓地で発見されたギリシャの壺だけでなく、（より物議を醸した点として）パエストゥムのギリシャ神殿も、18世紀後半以降までエトルリア、あるいはイタリアのものとみなされていましたが、この誤解はイタリアの民族主義的感情によって長引いたのです。^[149]

ヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンの著作、特に『絵画と彫刻におけるギリシャ作品の模倣についての考察』（1750年）と『古代美術の歴史』（1764年）は、古代ギリシャ、エトルリア、ローマ美術を明確に区別し、ギリシャ美術の時代を定義した初めての著作であり、成長から成熟、そして模倣または退廃への軌跡をたどり、現在まで影響を与え続けている。^[150]

ギリシャ彫像をローマの模写から完全に分離し、ギリシャ・ローマ美術におけるギリシャ性とローマ性のバランスをよりよく理解するには、はるかに長い時間がかかり、おそらく今も続いている。^[151]ギリシャ美術、特に彫刻は絶大な評価を得続け、 19世紀後半にアカデミック美術が衰退するまで、その研究と模写は芸術家の訓練の大部分を占めていた。この期間中、ギリシャ美術、そしてそれほどではないが建築の実際の既知のコレクションは大幅に拡大した。花瓶の研究は、19世紀後半から20世紀にかけて、サー・ジョン・ビーズリーを筆頭に、個々の芸術家の手による特定に大きく基づいた膨大な文献を生み出した。この文献では一般に、花瓶画は独立した媒体の発展を表し、一般的な意味でのみ他の芸術媒体の様式の発展を参考にしていると想定されていた。この仮説はここ数十年でますます疑問視されるようになり、一部の学者はこれを二次的な媒体と見なし、主に失われた金属細工の安価な複製であり、日常使用のためではなく埋葬のために作られたものだと見ている。^[152]

• ディオニュソス美術
• 古代ギリシャ美術における死
• パルティア美術
• 古代ギリシャの寺院のリスト
• アテネ国立考古学博物館
• 古典建築

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