黒絵陶器

黒絵式陶器絵付けは、黒絵式様式あるいは黒絵式陶器（古代ギリシア語：μελανόμορφα、ローマ字表記：  melanómorpha ）としても知られ、古代ギリシアの花瓶に描かれた絵付けの様式の1つである。紀元前7世紀から紀元前5世紀にかけて特に一般的であったが、紀元前2世紀の標本も存在する。様式的には、先行する東洋化期やその後の赤絵式陶器様式とは区別できる。

人物や装飾品は、シルエットを思わせる形や色を使って器の胴部に描かれた。焼成前に繊細な輪郭が絵の具に刻まれ、細部は不透明な色、通常は白と赤で強調された。この様式の中心地は、最初は商業の中心地コリントス、後にアテネであった。他の重要な生産地としては、ラコニア、ボイオティア、東ギリシャ、イタリアが知られている。特にイタリアでは、少なくとも部分的にはエトルリア市場向けの個別の様式が開発された。ギリシャの黒像式の花瓶はエトルリア人に非常に人気があり、頻繁に輸入されていたことからもそれがわかる。ギリシャの芸術家は、通常の製品とは形や装飾が異なる、エトルリア市場向けの特注品を創作した。エトルリア人もギリシャのモデルを参考にして、独自の黒像式陶器産業を発展させた。

黒絵式の壺は、識別可能な芸術家を多数生み出した最初の芸術様式でした。本名で知られる者もいれば、学術文献で与えられた実用的な名前でのみ知られる者もいます。特にアッティカは有名な芸術家の故郷でした。陶工の中にはさまざまな革新をもたらし、それがしばしば画家の作品に影響を与えた者もいました。また、陶工の独創性に触発されたのが画家であったこともありました。赤絵式の壺と黒絵式の壺は、神話や図像学の最も重要な資料であり、古代ギリシャの日常生活を研究するための資料でもあります。遅くとも西暦19世紀以降、これらの壺は徹底的な調査の対象となってきました。

陶器の絵付けの基礎は、絵付けされる花瓶です。人気の形は流行とともに変化しました。一定期間後に再び現れたものもあれば、時とともに置き換わったものもありました。それらはすべて、共通の製造方法を持っていました。花瓶を作った後、まず乾燥させてから絵付けをします。工房は陶工の管理下にあり、陶工は事業主として高い社会的地位を持っていました^[要出典]。

陶工と絵付け師がどの程度同一であったかは不明である。多くの陶工の親方自身が花瓶の絵付け師として生産工程に主な貢献を果たし、同時に絵付け師も雇っていた可能性が高い。しかし、陶工と絵付け師の関係を再構築するのは容易ではない。トレソンとトレソンの絵付け師、アマシスとアマシスの絵付け師、さらにはニコステネスと絵付け師 N など、多くのケースでは、科学文献の多くで陶工と絵付け師は同一人物であると想定されているものの、明確な帰属を行うことは不可能である^[要出典]。しかし、陶工と絵付け師の署名が手元にある場合にのみ、自信を持って帰属させることができる。

絵付け職人は奴隷か、陶器絵付け職人として給料をもらっていた職人で、未焼成の皮革乾燥花瓶に取り組んでいました。黒像式の場合、絵付け対象は粘土スラリー（古い文献ではニスとも呼ばれていた）で花瓶に描かれ、焼成後に黒く光沢を帯びます。これは通常の意味での「絵の具」ではありません。表面のスラリーは花瓶自体と同じ粘土材料から作られ、陶器作りを始める前に粘土を精製する過程で得られる成分粒子のサイズが異なるだけです。人物の領域は、最初にブラシのような道具で描かれました。内部の輪郭と構造の詳細がスラリーに刻み込まれ、傷を通して下にある粘土が見えるようになりました。赤と白の2つの他の土系顔料は、装飾品、衣服または衣服の一部、髪、動物のたてがみ、武器の一部、その他の装備などの細部を追加するために使用されました。白は女性の肌を表すためにもよく使用されました。

この努力の成果は、本体の粘土の赤色と塗布された泥漿の黒色を生成する複雑な三段階の焼成工程を経て初めて判断できた。この器は窯で約 800 °C の温度で焼かれ、その結果生じた酸化により花瓶は赤みがかったオレンジ色に変わった。次に温度を約 950 °C まで上げ、窯の通気口を閉じ、酸素を除去するために生木を加えた。すると器は全体的に黒くなった。最終段階では、通気口を再び開いて窯に酸素を入れ、窯を冷ます必要があった。すると、新たな酸化により器は赤みがかったオレンジ色に戻り、焼結した塗装層は第 2 段階で作成された光沢のある黒色のままであった。

スコアリングは主要な様式的指標の1つですが、一部の作品ではスコアリングは行われません。これらの作品では、形式は技術的には東洋化スタイルに似ていますが、イメージのレパートリーはもはや東洋化の実践を反映していません。^[1]

黒絵陶器の絵付けの進化は、伝統的にさまざまな地域のスタイルや流派によって説明されています。コリントスを中心地として、各地域の作品には、たとえ互いに影響し合っていたとしても、基本的な違いがありました。特にアッティカでは、その時代で最も優秀で影響力のある芸術家たちが、古典ギリシャの陶器の絵付けを特徴づけました。このセクションでは、絵付けの担い手としての陶器のさらなる発展と品質について取り上げます。

黒絵式技法は紀元前700年頃にコリントスで開発され^{[2] 、紀元前7世紀初頭に、まだ}東洋風のスタイルで絵を描いていたプロトコリントスの陶器絵師たちによって初めて使用されました。新しい技法は彫刻された金属片を彷彿とさせ、より高価な金属製の食器は、人物が描かれた陶器の花瓶に置き換えられました。特徴的な黒絵式スタイルは、世紀末までに発達しました。東洋風の要素のほとんどは放棄され、点描のロゼット（小さな点の配置によって形成されるロゼット）以外の装飾はありませんでした。

コリントスで使われた粘土は柔らかく、黄色、時には緑がかった色をしていた。焼成不良は当然のことであり、複雑な焼成手順が期待通りに機能しなかったときはいつでも起こった。その結果、花瓶全体、またはその一部が望ましくない色になることがよくあった。焼成後、花瓶に塗られた光沢のあるスリップは鈍い黒に変わった。補助的な赤と白の色はコリントスで最初に現れ、その後非常に一般的になった。彩色された器は通常小型で、高さが30cmを超えることはめったになかった。油壺（アラバストラ、アリュバロス）、ピクシス、クラテル、オイノコエ、カップは、彩色された最も一般的な器であった。彫刻が施された花瓶も広く普及していた。アッティカの花瓶とは対照的に、碑文はまれであり、画家の署名はさらにまれである。コリントスで製作された現存する器のほとんどは、エトルリア、イタリア南部、シチリア島で発見されている。紀元前 7 世紀から 6 世紀前半にかけて、地中海の陶器市場ではコリントスの花瓶の絵が主流でした。コリントスの花瓶の絵の様式的な順序を組み立てるのは困難です。たとえば、アッティカの絵とは対照的に、陶器の土台の比率はあまり進化していません。コリントスの花瓶の年代を特定することも難しいことが多く、イタリアにギリシャ植民地が設立された時期など、二次的な年代に頼らざるを得ません。このような情報に基づいて、様式の比較を使用しておおよその年代順を作成できますが、アッティカの花瓶の年代ほど正確になることはほとんどありません。

神話の場面、特にヘラクレスやトロイ戦争に関わる人物が頻繁に描かれている。しかしコリントスの壺に描かれた絵は、後期アッティカの画家たちの作品ほど幅広いテーマを扱っているわけではない。神々が描かれることはめったになく、ディオニュソスは決して描かれていない。しかしテーベの絵画群は、後期アテネよりもコリントスで人気があった。主に戦い、騎手、宴会が日常生活の最も一般的な場面であり、宴会はコリントス初期に初めて登場した。スポーツの場面はまれである。太った腹の踊り子の場面は独特で、その意味は今日に至るまで議論の的となっている。これらは酒飲みで、腹と臀部に枕を詰めており、ギリシア喜劇の初期の形を表しているのかもしれない。^[3]

過渡期のスタイル（紀元前640-625年）は、東洋化（プロトコリントス）と黒絵式を結び付けた。プロトコリントス時代の古い動物フリーズスタイルは枯渇し、神話の場面に対する花瓶の絵師たちの関心も薄れていた。この時期は、動物や混血の生き物が主流だった。当時の代表的な形は球形のアリュバロスで、大量に生産され、動物のフリーズや日常生活の場面で装飾されていた。画像の品質は、東洋化期に比べると劣っている。当時の最も著名な芸術家は、狩猟場面のアリュバロスで最も有名な作品があるシャムブリング・ブルの画家、パレルモの画家 489、そしてその弟子のコロンブスの画家である。後者の個人的なスタイルは、力強いライオンの絵で最も簡単に見分けることができる。アリュバロスの他に、コティルとアラバストロンは最も重要な花瓶の形です。コティルの縁は装飾され、他の装飾は動物とエイで構成されていました。花瓶の 2 つの垂直面には、神話の場面がよく描かれています。アラバストロンには通常、1 人の人物が描かれていました。

決闘画家は初期コリントス時代の最も重要な画家（紀元前625-600年）であり、^[4]アリュバロスに戦闘シーンを描いた。中期コリントス時代（紀元前600-575年）以降、細部を強調するために不透明な色がますます頻繁に使用されるようになった。人物は一連の白い点を使ってさらに描かれた。アリュバロスは大きくなり、平らな台座が与えられた。

フォロエの画家はよく知られており、彼の最も有名な作品はヘラクレスの絵が描かれたスキュフォスである。ドッドウェルの画家は、他の画家がすでにこの伝統をやめていたにもかかわらず、動物のフリーズを描き続けた。^[5]彼の創作期間は後期コリントス時代（紀元前575-550年）まで続き、その時代の壺の絵画に対する彼の影響は計り知れない。同様に、ゴルゴネイオン・グループの巨匠と騎馬像の画家も並外れた名声を博しており、この呼称はカップの内側に騎手を描くことを好んだことから付けられた。彼は紀元前580年頃に活動していた。^[6]彼の傑作のうちの2つ^[7]は、アイアスの自殺を描いたカップ^[8]と、戦車に乗った新郎新婦を描いた円柱型クラテールである。ボウルに描かれた人物にはすべてラベルが貼られている。

名前が知られている最初の芸術家は多色の花瓶画家ティモニダス [de]で、彼は^[9]フラスコ^[10]とピナックス^[11]に署名しました。2番目の芸術家の名前であるミロニダスもピナックスに表示されています。

コリントスのオルペのワインの壺は、クローバーの葉の縁を持つアッティカ版のオイノコエに置き換えられました。中期コリントス時代には、人物の描写が再び一般的になりました。紀元前 600 年頃のエウリュティオス クラテルは特に高品質であると考えられており、メイン フリーズにはヘラクレス、エウリュティオス、その他の神話上の人物による 饗宴が描かれています。

後期コリントス時代 (後期コリントス I、紀元前 575-550 年とも呼ばれる) には、コリントスの花瓶には、大きな白い部分と粘土の容器のかなり淡い色とのコントラストを強調するために赤いコーティングが施されていました。これにより、コリントスの職人は、その頃に陶器産業の主導的役割を担っていたアッティカの陶器絵付け職人と競争するようになりました。アッティカの花瓶の形もますます模倣されるようになりました。その頃まで基本的に形が変わっていなかったオイノコエスは、アッティカの形に似るようになり、レキュトスもますます生産されるようになりました。コリントスの発明で、ギリシャの他の地域ではコリンティオスと呼ばれていた円柱型クラテルは、改良されました。取っ手の上の渦巻きを短くすることで、カルキス型クラテルが生まれました。メインの像の領域には、日常生活や神話の場面を描いたさまざまな表現が飾られ、副領域には動物のフリーズがありました。背面には、2 匹の大きな動物が描かれることが多かったです。

コリントス中期には杯はより深くなっており、この傾向は続きました。杯はコティルスと同じくらい人気になりました。杯の多くは外側に神話の場面、内側にゴルゴンのしかめっ面を描いています。このタイプの絵画はアッティカの画家たちも取り入れました。一方、コリントの画家たちは、アテネから額装されたイメージフィールドを引き継ぎました。動物のフリーズの重要性は低下しました。この時期には、名前の知られている3人目のコリントス画家、カレスが活躍していました。^[12]テュデウスの画家も言及する必要があります。彼は紀元前560年頃に赤い背景の首のアンフォラを描くことを好みました。 ^[13]刻まれたロゼットは引き続き花瓶に付けられ、いくつかのクラテルと杯にのみ欠けています。この時期の最も優れた芸術作品は、紀元前560年頃にアンフィアラーオスの画家の主要作品として作成された円柱状のクラテル、アンフィアラーオスクラテルです。英雄 アムピアラオスの生涯におけるいくつかの出来事が描かれています。

紀元前 550 年頃、図像式花瓶の製作は終了しました。その後に続いた後期コリントス様式 II は、通常シルエット技法で描かれた装飾のみの花瓶が特徴です。その後、赤絵式が続きましたが、コリントスでは特に高い品質は得られませんでした。

現存する2万点を超えるアッティカ黒像式花瓶は、アッティカ赤像式花瓶に次いで最大かつ最も重要な花瓶コレクションを構成しています。^[14]アッティカの陶工は、アッティカで見つかった鉄分を豊富に含む優れた粘土の恩恵を受けました。高品質のアッティカ黒像式花瓶は、均一で光沢のある真っ黒なコーティングが施され、色彩豊かなテラコッタ粘土の土台は細心の注意を払って滑らかにされています。女性の肌は常に不透明な白で示されており、個々の馬、衣服、装飾品などの細部にもよく使用されています。最も優れたアッティカの芸術家は、花瓶の絵付けをグラフィックアートにまで高めましたが、平均的な品質で大量生産された製品も多数生産されました。アッティカ陶器の卓越した重要性は、幅広いテーマを網羅したほぼ無限のシーンのレパートリーにあります。これらは、特に神話に関して、また日常生活に関しても豊富な証言を提供します。一方、当時の出来事に言及した絵はほとんど見当たらない。そのような言及は、例えば花瓶にカロス碑文が描かれているときのような注釈の形で時折見られるのみである。花瓶は国内市場向けに作られ、祝賀行事や儀式行為に関連して重要であった。その一方で、花瓶は地中海地域全体で販売される重要な輸出品でもあった。このため、現存する花瓶のほとんどはエトルリア人の墓地から出土している。^[15]

黒絵式の技法は、プロトアッティカの花瓶絵付けの時代である紀元前7世紀半ばに初めて採用されました。当時最高品質を提供していたコリントスの陶器の影響を受け、アッティカの花瓶の絵付け職人は、紀元前635年頃から世紀末の間に新しい技術に切り替えました。最初は、コリントスのモデルの方法と主題を厳密に追跡しました。この時期の初めのベルリンの画家A 34が、最初に特定された個別の画家です。独自のスタイルを持つ最初の芸術家は、ネッソスの画家でした。彼は、ネッソスのアンフォラで、アッティカ黒絵式スタイルの最初の傑出した作品を制作しました。^[16]同時に、彼はアッティカの動物フリーズスタイルの初期の巨匠でもありました。彼の花瓶の1つは、エトルリアに輸出された最初のアッティカの花瓶としても知られています。^{[17]彼はまた、アッティカ美術における}ハルピュイアとセイレーンの最初の表現を担当しました。コリントスの画家たちとは対照的に、彼は動物の解剖学をより良く描写するために、二重、さらには三重の刻み目を使いました。二重の刻み目が入った肩の線は、アッティカの花瓶の特徴となりました。腹部のアンフォラなどの大型陶器が、絵を載せる媒体として本来持つ可能性も、早い時期に認識されていました。この開拓時代の他の重要な画家には、ピレウスの画家、ベレロフォンの画家、ライオンの画家がいます。

黒像式は紀元前600年頃にアテネで一般的に定着しました。アテネで初期に開発されたのが馬頭アンフォラで、この名前は馬の頭を描いた絵窓に由来しています。絵窓はその後の時代に頻繁に使用され、後にコリントスでも採用されました。馬頭アンフォラには、ケラメイコスの画家とゴルゴンの画家が関係しています。コリントスの影響は維持されただけでなく、さらに強まりました。動物のフリーズは一般的に必須で、慣習的に使用されていました。これには経済的な理由と様式的な理由がありました。アテネは市場をめぐってコリントスと競合していたからです。アッティカの花瓶は、ギリシャ本土だけでなく、黒海地域、リビア、シリア、イタリア南部、スペインでも販売されました。

アテネの花瓶は、コリントスのモデルを踏襲するだけでなく、独自の革新も見せた。紀元前6世紀初頭には、細長い楕円形の「デイアナイラ型」のレキュトスが出現した。^[18]この初期の最も重要な画家は、ゴルゴンの画家（紀元前600～580年）である。彼は非常に多作な芸術家であったが、神話のテーマや人物像をほとんど使用せず、使用する場合は常に動物や動物のフリーズを添えていた。彼の他の花瓶のいくつかには、コリントスの多くの花瓶と同様に、動物の表現のみが描かれていた。ゴルゴンの画家のほかに、コマスト・グループ（紀元前585～570年）の画家たちも言及しておくべきである。このグループは、レカネ、コティル、コトンといったアテネでは新しいタイプの花瓶を装飾した。しかし、最も重要な革新はコマストカップの導入であり、これはオックスフォードパルメットクラスの「プレコマストカップ」とともにアッティカカップの発展の始まりに立つものである。このグループの重要な画家は、年長のKXペインターと、それほど才能のなかったKYペインターであり、 KYペインターはアテネに円柱型クラテルを導入した。^{[19]これらの容器は宴会で使用するために設計されていたため、}コマストパフォーマーやコモスシーンなど、関連するコモスシーンで装飾された。

第一世代の他の重要な画家には、パンテールの画家、アナギュロスの画家、ドレスデン・レカニスの画家、ポロスの画家がいる。第一世代の画家の最後の重要な代表者はソフィロス（紀元前580年 - 570年）で、名前が知られている最初のアッティカの壺の絵付け職人である。彼は現存する壺全部で4つに署名しており、3つは絵付け職人として、1つは陶工として署名しており、このことは、この時代に陶工が黒絵式の花瓶の絵付けも行っていたことを示している。両技術の根本的な分離は、赤絵式の発展の過程でのみ起こったと思われるが、それ以前に専門化していた可能性も否定できない。ソフィロスは注釈をふんだんに使用している。彼は大型の花瓶を専門としていたようで、特に恐竜やアンフォラが彼の作品として知られている。ソフィロスは、前任者よりもはるかに頻繁に、パトロクロスの葬儀の競技のような神話の場面を描いている。動物のフリーズの衰退は彼から始まり、植物やその他の装飾も、それほど重要ではないとみなされて画家からほとんど注意を払われなかったため、質が低下しました。しかし、他の点では、ソフィロスは野心的な芸術家であったことを示しています。2つの恐竜には、ペレウスとテティスの結婚が描かれています。これらの花瓶は、この主題を完璧に描いたフランソワの花瓶とほぼ同時期に制作されました。しかし、ソフィロスは、2つの恐竜のうち1つに動物のフリーズという形での装飾を一切施しておらず、^[20]さまざまな花瓶の表面に分散したシーンでさまざまな神話を組み合わせていません。これは、複数の関連するセグメントで単一の神話を表現した最初の大きなギリシャの花瓶です。恐竜の特徴は、女性を表す不透明な白い塗料を、通常のように黒い光沢仕上げではなく、粘土の土台に直接塗っていることです。人物の内部の細部と輪郭は、鈍い赤で塗装されています。この技法は珍しく、ソフィロスの工房で描かれた花瓶と、紀元前6世紀にコリント様式で描かれた木製パネルにのみ見られます。ソフィロスはまた、珍しい聖杯（ゴブレットの一種）の1つを描き、現存する最初の奉納板シリーズを制作しました。彼自身、または彼の後継者の1人が、発見された最初の結婚用花瓶（レベス・ガミコスとして知られる）にも装飾を施しました。^[21]

紀元前6世紀の後半から、アッティカの芸術家たちは神話の場面やその他の人物の表現に興味を持つようになった。動物のフリーズの重要性は低下した。動物のフリーズを気にかける画家はわずかで、一般的に花瓶の中心からそれほど重要でない場所に移された。この新しいスタイルは、特にフランソワの花瓶に代表され、陶工エルゴティモスと画家クレイティアス（紀元前570-560年）の両者が署名している。このクラテルは、最も有名なギリシャの彩色済み花瓶と考えられている。^[22]これは粘土で作られた最初の渦巻き型クラテルとして知られている。神話の出来事はいくつかのフリーズで描かれ、動物のフリーズは二次的な場所に示されている。いくつかの図像的および技術的な詳細は、この花瓶で初めて登場する。帆船の下げられたマストの表現など、多くは独特である。他のものは標準的なレパートリーの一部になった。例えば、人々が伝統的な平行な脚の位置ではなく、片方の脚をもう一方の脚の後ろに重ねて座っているなどである。^[23]他の4つの小さな花瓶はエルゴティモスとクレイティアスの署名があり、追加の花瓶と断片が彼らの作品であると考えられている。それらは、アテナの誕生やクレタ島の踊りの最初の描写など、クレイティアスによる他の革新の証拠を提供している。

ネアルコス（紀元前565-555年）は陶工、画家として名を連ねた。彼は大きな人物を好み、戦車の馬具を描いた最初の人物である。もうひとつの革新は、白地の花瓶の口の下に舌のデザインを配置したことである。^[24]他に才能ある画家には、アクロポリスの画家606やプトゥーンの画家がおり、その最も有名な作品はハースト・ヒュドリアである。ブルゴン・グループもまた重要で、完全に保存された最初のパナシナイア・アンフォラの産地である。

シアナカップは、紀元前 575 年頃にコマスト カップから発展しました。コマスト グループはカップ以外の形状も製作しましたが、シアナ カップの最初の重要な代表であるC 画家(紀元前 575-555 年) の時代以降、カップ製作を専門とする職人も現れました。カップの縁は以前よりも高く、比較的短い中空の脚にトランペット型のベースが付いています。アッティカの壺の絵付けで初めて、カップの内側に額縁付きの絵 (トンド) が描かれました。装飾には 2 つのタイプがありました。「ダブルデッカー」スタイルでは、カップの本体と口縁にそれぞれ別々の装飾が施されます。「オーバーラップ」スタイルでは、絵は本体と口縁の両方に広がります。紀元前 6 世紀の第 2 四半期以降、特にアスリートの絵でカップを飾ることに関心が集まりました。もう 1 人の重要なシアナ カップの絵付け職人は、ハイデルベルクの画家です。彼も、ほとんどシアナ カップのみを描きました。彼のお気に入りの題材は、英雄ヘラクレスでした。ハイデルベルクの画家は、エリュマントスの猪、ネレウス、ブシリス、ヘスペリデスの庭の絵を描いた最初のアッティカの画家である。中型のカップに高い底と口金を描いたカサンドラの画家は、シアナ杯の発展の終焉を告げる。彼は、リトル・マスターズと呼ばれる同じ範囲の容器を制作した大規模な画家グループに属する最初の画家として主に重要である。いわゆるメリーソートカップは、シアナ杯と同時期に制作された。その取っ手は2本叉のフォークの形をしており、先端はボタンのように見える。これらのカップには縁取りがなく、より深いボウルとより高く狭い足を持っている。

古典期前アルカイック期最後の傑出した画家はリュドス（紀元前560-540年）で、現存する作品のうち2点にho Lydos（リュディア人）という署名がある。リュドスまたはその直系の先祖はおそらく小アジア出身だが、彼がアテネで訓練を受けたことは間違いない。現在130個以上の現存する花瓶が彼の作とされている。彼が水差しに描いた絵の1つは、アッティカでヘラクレスとゲリュオンの戦いを描いた最初のものとして知られている。リュドスは、後にアッティカ美術で一般的となるライオンの皮をかぶったヘラクレスを描いた最初の画家である。彼はまた、アテネのアクロポリスで発見された恐竜に神々と巨人の戦いを、またヘラクレスとキュクノスを描いた。リュドスは、ヒュドリアイやディノス以外にも、皿、カップ（シエナのオーバーラップカップ）、柱状クラテル、プシュクテル、奉納板など、さまざまな容器を装飾した。リュドスの作品は、彼の周囲の作品とほとんど変わらないことが多いため、依然としてリュドスの作品を特定するのは困難である。スタイルは極めて均一だが、作品の質はかなりばらつきがある。絵は必ずしも丁寧に描かれているわけではない。リュドスは、おそらくアテネの陶器地区の非常に生産性の高い工房の職長だったと思われる。彼は、おそらく、大型の花瓶に動物のフリーズを描いた最後のアッティカの花瓶絵付け職人だった。コリントスの伝統を受け継ぐ彼の人物画は、クレイティアスからリュドス、アマシスの画家たちを経てエクセキアスへと続く花瓶絵付け職人の連鎖のつながりである。彼らとともに、彼はアッティカにおけるこの芸術の発展に加わり、永続的な影響を与えた。^[25]

この時代のアッティカの壺の特別な形態は、ティレニアのアンフォラ（紀元前550-530年）である。これは、当時の通常のアッティカのデザイン規範とは異なる装飾が施された、卵形の首のアンフォラであった。現存する約200個の壺のほぼ全てがエトルリアで発見された。アンフォラの本体は通常、いくつかの平行なフリーズに分割されている。上部または肩のフリーズには、通常、神話の人気のある場面が描かれている。ポリュクセネーの犠牲というユニークな場面など、あまり一般的ではない主題のこともある。アッティカの壺に描かれた最初のエロティックな画像として知られるものも、この壺の場所から発見されている。画家たちは、ティレニアのアンフォラに、描かれている人物を特定する注釈を頻繁に入れた。他の2つまたは3つのフリーズは動物で装飾されており、時にはそのうちの1つが植物のフリーズに置き換えられた。首には、蓮のパルメット十字または花飾りが慣習的に描かれている。アンフォラは非常に色鮮やかで、コリントスの製品を思い起こさせます。この場合、コリントスの形が意図的に模倣され、そのスタイルが人気だったエトルリア市場向けの特定の花瓶が作られたことは明らかです。この形はアテネではなく、アッティカのどこか、あるいはアッティカ以外で製造された可能性があります。重要な画家は、カステラーニの画家とゴルティルの画家です。

紀元前560年から紀元前530/520年頃の赤絵式陶器の絵付けが始まるまでの期間は、黒絵式壺絵付けの絶対的な頂点と考えられています。この時期に、最も優れた、最も有名な芸術家たちが、このスタイルが提供するあらゆる可能性を活用しました。^[26]

この時代最初の重要な画家は、アマシスの画家（紀元前560-525年）で、主に一緒に仕事をした有名な陶工アマシスにちなんで名付けられました。多くの研究者は彼らを同一人物と見なしています。彼はリドスとほぼ同時期に画家としてのキャリアをスタートしましたが、活動期間はほぼ2倍に及びました。リドスが熟練した職人としての能力を示したのに対し、アマシスの画家は熟達した芸術家でした。彼のイメージは巧妙で魅力的で洗練されており^[27]、彼の個人的な芸術的発展は、当時の黒像式アッティカ壺絵画の全体的な進化を反映しています。彼の初期の作品は、シアナの杯の絵付け師との親和性を示しています。彼の進歩は、衣服のひだの描き方に最も簡単に認められます。彼の初期の女性像は、ひだのない衣服を着ています。後に彼は平らで角張ったひだを描き、最終的にはしなやかで流れるような衣服の印象を伝えることができます。^[28]衣服のデッサンが彼の主な特徴の1つでした。彼は模様やフリンジのついた衣服を描くのが好きだった。アマシスの画家が描いた人物群は、注意深く描かれ、対称的に構成されている。最初は静止していたが、後に人物は動きの印象を与えるようになった。アマシスの画家は神話上の出来事を描くことが多かったが（例えば豚の顔をしたサテュロス）、日常生活の場面でよく知られている。彼は、それらをかなり描いた最初の画家だった。彼の作品は、後の赤絵式の画家の作品に決定的な影響を与えた。彼はおそらく、画家としてのキャリアの終わりごろに、彼らの革新のいくつかを先取りしていたか、あるいは影響を受けていた。彼の花瓶の多くでは、女性は輪郭だけで描かれ、黒で塗りつぶされておらず、不透明な白が肌の色として塗られているため、もはや女性であるとは特定できない。^[29]

Eグループ（紀元前550年 - 525年）は、大規模で自己完結的な職人集団であり、黒絵式アッティカ陶器を製作した最も重要な匿名のグループであると考えられています。このグループは、像と容器の両方において、リドスの様式的伝統を厳密に破りました。卵形のネックアンフォラは完全に放棄され、円柱クラテルはほぼ完全に放棄されました。代わりに、このグループはタイプAの腹型アンフォラを導入し、これは後にインデックス形式になりました。ネックアンフォラは通常、カスタマイズされたバージョンでのみ製作されました。このグループは小型フォーマットに興味がありませんでした。多くの場面、特に神話に由来するものが何度も複製されました。したがって、このグループのいくつかのアンフォラには、ヘラクレスとゲリュオンまたはネメアのライオン、そしてますますテセウスとミノタウロス、そしてアテナの誕生が描かれています。しかし、このグループの特別な重要性は、エクセキアスに及ぼした影響にあります。対照的に、リドスとアマシスの画家の作品は、それほど頻繁に模倣されることはなかった。ビーズリーは、エクセキアスにとってのこのグループの重要性を次のように述べている。「グループEは、エクセキアスの芸術が芽生えた肥沃な土壌であり、優れた職人から真の芸術家への道のりで彼が引き継ぎ、超越した伝統である」^[30]

エクセキアス（紀元前545-520年）は、一般的に黒絵式の絶対的な巨匠とみなされており、この様式は彼によって頂点に達した。^[31]彼の重要性は、彼の見事な壺絵付けだけでなく、高品質で革新的な陶器によってももたらされた。現存する彼の作品のうち12点には陶工として、2点には絵付けと陶工の両方として署名されている。エクセキアスは、おそらく上記の小マスターカップとタイプAの腹型アンフォラの開発に大きな役割を果たしたと思われる。また、おそらく彼が発明した萼片クラテルは、少なくとも現存する最古の作品が彼の工房から出ている。他の多くの同等の職人とは対照的に、彼は画家として装飾品の入念な精巧化を非常に重視した。彼の描く馬のたてがみ、武器、衣服などの細部も、非常によくできている。彼の描く情景は通常、記念碑的で、人物からはそれまでの絵画には見られなかった威厳が漂っている。多くの場合、彼はアッティカの慣習を破った。最も有名な器であるディオニュソスの杯では、彼は、慣習的な赤色ではなく、内側に珊瑚色のコーティングを使用した最初の人物である。この革新と、外側に 2 対の目を置いたことは、エクセキアスと古典的なアイ カップとのつながりを示している。おそらく、さらに革新的だったのは、杯の内側全体を使って、ブドウの蔓が生えている船に横たわるディオニュソスの絵を描いたことである。当時は、内側の表面をゴルゴンの顔だけで装飾するのが慣例だった。この杯^[32]は、赤絵式が導入される前に陶器の地域で行われた新境地を拓く実験の 1 つであると思われる。彼は、ディノスの縁に沿って航行する船を描いた最初の人物である。彼は、神話の題材を描くという慣習的なパターンにほとんど従わなかった。アイアスの自殺の描写も重要である。エクセキアスは、伝統に従って行為そのものを描いているのではなく、アイアスの準備を示している。^[33]ディオニュソスの杯と同じくらい有名なのが、ボードゲームに興じるアイアスとアキレスを描いたアンフォラである。^[34]描写が詳細なだけでなく、エクセキアスはゲームの結果まで伝えている。まるで吹き出しのように、両プレイヤーにサイコロで投げた数字を言わせている。アイアスは3、アキレスは4である。これはこの場面を描いた最古のもので、古典文学には何も書かれていない。エクセキアス版から紀元前480年頃までの180個以上の壺にこの場面が描かれている。^[35]

ジョン・ボードマンは、エクセキアスが伝統的な花瓶の絵付け師たちとは一線を画す特別な地位にあることを強調している。「初期の画家が描いた人物は、せいぜい優雅な人形だ。アマシス（アマシスの画家）は、人物を人間として描くことができた。しかしエクセキアスは、人物を神として思い描き、それによって古典芸術の予感を与えることができたのだ」^[36]

古代ギリシャでは花瓶の絵付け職人は芸術家というよりは職人とみなされていたことを認めつつも、エクセキアスは、その時代の「主要な」絵画（壁画や板絵）に匹敵する作品を持つ、熟練した芸術家であると、今日の美術史家はみなしている。^[37]同時代の人々も、このことを認識していたようだ。アルテス美術館のベルリン古典古代コレクションには、彼の奉納板のシリーズの残骸が収蔵されている。このシリーズは、おそらく 16 枚のパネルで構成されていた。陶工兼花瓶の絵付け職人にこのような注文をすることは、古代ではおそらく珍しく、この芸術家の高い評判の証拠である。この板には、亡くなったアテネの女性を悼む様子と、彼女が安置され墓地に運ばれる様子が描かれている。エクセキアスは、人物の悲しみと威厳の両方を表現している。たとえば、葬列の先頭の人物が、いわば観客に顔を向けて直接見ているという特徴がある。馬の描写も独特で、馬は個性的な気質を持っており、花瓶に描かれる他の慣習のように高貴な動物としての役割に限定されていません。^[38]

古典期が成熟するにつれて、器やカップの製作者の間でさらなる専門化が進んだ。大容量のコマストカップとシアナカップは、ゴルディオンカップ^[39]を経て、繊細な絵付けが施されていることからリトルマスターカップと呼ばれる優美な変種に進化した。この形態の陶工や絵付け師は、リトルマスターと呼ばれている。彼らは主にバンドカップやリップカップに絵付けをした。リップカップ^[40]は、比較的目立ち輪郭がはっきりしたリップからその名前が付けられた。カップの外側は粘土の背景を多く残し、通常は小さな絵が数個、時には碑文だけが描かれ、場合によってはカップ全体に最小限の装飾が施されているだけだった。また、取っ手の部分にも、取り付け部の近くにパルメットや碑文以上のものはほとんどない。これらの碑文は、陶工の署名、乾杯の挨拶、または単に意味のない文字列である場合がある。しかし、リップカップの内側も絵で装飾されることがよくある。

バンドカップ^[41]は、本体と縁の間の移行が緩やかです。装飾はカップの外側を囲む帯の形で、非常に精巧なフリーズであることが多いです。この形式の場合、縁は光沢のある黒いスリップでコーティングされています。中央に描かれた黒い点を除き、内側は粘土の色を保っています。バリエーションには、ドループカップとカッセルカップがあります。ドループカップ^[42]は、黒く凹んだ口縁と高い足を持っています。古典的なバンドカップと同様に、縁は黒のままですが、その下の領域はカップの外側に葉、つぼみ、パルメット、点、後光、動物などの装飾で飾られています。カッセルカップ^[43]は他のリトルマスターズカップよりもずんぐりとした小さな形で、外側全体が装飾されています。ドループカップの場合と同様に、主に装飾が描かれています。有名な小陶工には、陶工のフリュノス、ソクレス、トレソン、エルゴテレスがおり、後者の二人は陶工ネアルコスの息子である。ヘルモゲネスは、現在ヘルモゲネス・スキフォスとして知られる小陶工の変種^[44]を発明した。フリュノスの画家、タレイデスの画家、クセノクレスの画家、ロードス島のグループ 12264 もここで言及しておくべきである。

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  陶工トレソン作のリップカップ（署名入り、「ネアルコスの息子トレソンが私を作った」）、紀元前 540年頃、現在はミュンヘン国立古代遺物コレクションに所蔵
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  戦士を描いた無名の画家によるバンドカップ。紀元前 540 年頃、ヴルチ出土。現在はパリのルーブル美術館所蔵。
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  作者不明のドロップカップ、紀元前 550年/530年頃、ギリシャ、現在はパリのルーブル美術館所蔵
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  カッセルのカップ、作者不明、紀元前 540年頃、現在はパリのルーブル美術館所蔵

世紀末まで、黒絵式の花瓶の制作品質は基本的に維持されていました。しかし、紀元前530年頃にアンドキデスの画家によって赤絵式が開発されてからは、ますます多くの画家が赤絵式に移行しました。赤絵式では、人物の輪郭に細部を加える可能性が大幅に高まりました。この新しいスタイルでは、短縮法、遠近法、配置の新しいデザインなど、さらに多くの有望な実験が可能になりました。場面の内容は、いつものように、趣味の傾向や時代精神を反映していましたが、赤絵式では、新しい配置の可能性を活用して、より精巧な場面を表現するためのより良い条件が整いました。

しかしその間にも、数人の革新的な職人が黒絵式花瓶の製作に新たな刺激を与えていた。当時最も想像力に富んだ陶工であり、有能な実業家でもあったのがニコステネスである。120 個以上の花瓶に彼の署名があり、彼自身または彼の工房で作られたものであることがわかる。彼は特にエトルリアへの輸出用花瓶の製作を専門としていたようである。彼の工房では、通常の首付きアンフォラ、リトル マスターズ、ドループ、アイ カップが製作されたが、エトルリアのブッケロ陶器を彷彿とさせるタイプのアンフォラも製作され、製作者にちなんでニコステニック アンフォラと名付けられた。これらの作品は特にカエレで発見され、他のタイプの花瓶は通常チェルヴェテリとヴルチで発見された。彼の工房で行われた多くの発明は、形状に限定されなかった。ニコステネスの工房では、黒の光沢のあるスリップの上に赤茶色または白で人物を描く、いわゆる「シックス技法」が開発された。ニコステネスが花瓶の絵も描いていたかどうかは明らかではないが、描いていた場合は通常、画家Nと同一人物とみなされる。 ^[45] BMNの画家と赤絵式のニコステネスの画家もニコステネスにちなんで名付けられた。彼の工房には、高齢のリドス、オルトス、エピクテトスなど、多くの有名な花瓶絵付け職人が雇われていた。工房の伝統はニコステネスの後継者であるパンパイオスによって継承された。^[46]

2 人の黒像式花瓶の絵付け家はマニエリスム派と考えられている (紀元前 540-520 年)。エルボーズ アウトという画家は主にリトル マスターズ カップを装飾した。彼の人物像の伸びた肘は目立ち、それが彼の実用的な名前の由来となっている。彼は神話の場面を描くことはほとんどなく、エロチックな場面の方がはるかに一般的である。彼はまた、リディオンと呼ばれる珍しい形の花瓶も装飾した。2 人の画家のうち最も重要なのはアフェクターで、その名前は彼の人物像が与える誇張された人工的な印象から来ている。これらの頭の小さい人物像は、演技しているというよりはポーズをとっているように見える。彼の初期の作品は日常生活の場面を描いていたが、後に彼は装飾的な場面に目を向け、人物像と属性は認識できるが、行動はほとんど見られないようになった。彼の人物像が服を着ている場合はパッドを入れているように見え、裸の場合は非常に角張っている。アフェクターは陶工であり画家でもあり、彼の花瓶は 130 個以上現存している。^[47]

アンティメネスの画家（紀元前530-500年）は、水瓶のプレデッラに動物のフリーズをあしらうことを好み、また首にかけるアンフォラも特に好んだ。彼の作品とされる2つの水瓶は、首の部分に白地技法で装飾されている。彼は、アンフォラにディオニュソスの仮面のような顔を描いた最初の画家である。現存する200個を超える彼の壺の中で最も有名なのは、裏側にオリーブの収穫が描かれている。彼の絵は、あまり精密ではないが、過度に不注意というわけでもない。^[48]画家プシアクスは、様式的にはアンティメネスの画家と近い関係にあるが、前者も赤絵式技法を用いていた。画家エウフロニオスとフィンティアスの師として、プシアクスは赤絵式様式の初期の発展に大きな影響を与えた。彼は、馬と戦車の場面や射手を頻繁に描いている。^[49]

最後の重要な画家グループは、レアグロス・グループ（紀元前520-500年）で、彼らが頻繁に使用したカロス碑文「レアグロス」にちなんで名付けられました。アンフォラとヒュドリア（後者はプレデッラにパルメットが付いていることが多い）は、最も頻繁に描かれた容器です。絵の領域は通常、完全にいっぱいに満たされていますが、それでも絵のクオリティは非常に高く保たれています。このグループの200を超える花瓶の多くは、トロイ戦争やヘラクレスの生涯の場面で装飾されています。 ^[50]ウィットに富んだアケロースの画家、伝統的なキウージの画家、忠実なディテールの夜明けの画家などの画家は、レアグロス・グループに属しています。^[51]

当時の有名な壺絵付け師としては他に、バチカンの哀悼者の画家、プリンストンの画家、ミュンヘンの画家1410年、そして多くの壺の作者とされるスウィング画家（紀元前540-520年）がいる。彼はあまり腕のいい画家とはみなされていないが、その人物像は大きな頭、奇妙な鼻、そして頻繁に握りしめた拳のため、思わずユーモラスになっている。^[52]ライクロフトの画家の作品は、赤絵式の壺絵付けや新しい表現形式に似ている。彼はディオニュソス的な場面、馬や戦車、ヘラクレスの冒険を描くのを好んだ。彼はしばしば輪郭線を使った描画を用いる。彼の作品とされる約50点の通常は大型の壺は優雅に描かれている。^[53] CM 218のクラスは主にニコステニコスのアンフォラのバリエーションを装飾した。ヒポビバゾン階級は、丸い取っ手と脚を備えた新しいタイプの腹型アンフォラを制作しました。その装飾は、画像フィールドの上部の重要な蛇行が特徴です。首型アンフォラの小型版は、スリーライングループによって装飾されました。ペリゾマグループは、紀元前520年頃に、新しく導入されたスタムノスの形を採用しました。世紀の終わりにかけて、エウフィレトスの画家、マドリードの画家、想像力豊かなプリアモスの画家によって、高品質の作品が引き続き制作されていました。

特に、オルトス、エピクテトス、フェイディッポス、スキステスなどのカップ絵付け職人は、主にアイカップに、赤絵式と黒絵式（バイリンガル陶器）の両方で花瓶を描いた。内側は通常黒絵式、外側は赤絵式であった。前面と背面に2つの異なるスタイルで装飾されたアンフォラの例がいくつかある。最も有名なのはアンドキデスの画家の作品で、その黒絵式の場面はリュシッピデスの画家の作とされている。これらの画家が同一人物であるかどうかについては学者の間で意見が分かれている。ニコクセノスの画家やアテナの画家など、両方の技法を使用して大量の花瓶を制作した画家はほんのわずかだった。バイリンガル陶器は短期間かなり人気があったが、このスタイルは19世紀末にはすでに廃れていた。^[54]

紀元前5世紀初頭から遅くとも紀元前480年まで、名声のある画家は皆、赤絵式を使用していました。しかし、黒絵式の花瓶はその後約50年間制作され続けましたが、品質は徐々に低下していきました。大きな花瓶に許容できる品質の絵を描いた最後の画家は、エウカリデスの画家とクレオフラデスの画家でした。オルペス、オイノコエ、スキュフォス、小さな首のアンフォラ、特定のレキュトスなどの小さな形状を制作する工房だけが、古いスタイルを使用するようになりました。ファニュリスの画家は、他の方法の中でもシックス技法を使用し、エディンバラの画家とジェラの画家はどちらも最初の円筒形レキュトスを装飾しました。前者は主に、白地に黒絵式を使用して、カジュアルで明快でシンプルなシーンを制作しました。花瓶の白地はかなり厚く、粘土の土台に直接絵を描くことはなくなりました。この技法は、すべての白地の花瓶の標準となりました。サッポーの画家は葬祭用レキュトスを専門にしていた。ハイモンの画家の工房は特に生産的で、600 個以上の花瓶が現存している。アテナの画家 (おそらく赤絵式のボウディンの画家と同一人物) とペルセウスの画家は、大型の標準的なレキュトスを装飾し続けた。アテナの画家の描いた場面は、今でもレアグロス グループの作品に固有の威厳をいくらか放っている。マラトンの画家は、紀元前 490 年のマラトンの戦いで亡くなったアテネ人の墓で発見された葬祭用レキュトスで主に知られている。最後の重要なレキュトス画家であるベルダムの画家は、紀元前 470 年頃から紀元前 450 年まで活動した。パナテナイアの賞品アンフォラを除いて、黒絵式はこの時期にアッティカで終焉を迎えた。^[55]

黒像式のアッティカの壺の中で、パナシナイア祭の賞品アンフォラは特別な役割を果たしています。紀元前 566 年以降、パナシナイア祭が導入または再編成されたとき、賞品アンフォラはスポーツ競技の優勝者への賞品となり、都市の主な輸出品の 1 つであるオリーブ オイルが詰められました。前面には、雄鶏が止まっている 2 本の柱の間に立つアテナ女神の像が描かれ、背面にはスポーツの場面が描かれていました。形状は常に同じで、長い製造期間を通じてわずかに変更されただけでした。腹部アンフォラは、その名前が示すように、もともと特に球根状で、首が短く、脚が長くて細いものでした。紀元前 530 年頃には首が短くなり、胴体がいくらか細くなりました。紀元前 400 年頃には、壺の肩の幅がかなり狭くなり、壺の胴体の曲線がくびれたように見えました。紀元前 366 年以降、壺は再びエレガントになり、さらに細くなりました。

これらの花瓶は、主にケラメイコス地方の有力な工房で制作されました。花瓶の制作を依頼されることは名誉なこと、あるいは特に利益の大きいことだったようです。これは、優れた花瓶絵付け職人による賞品アンフォラが数多く存在することも説明しています。エウフィレトス、エクセキアス、ヒュペレイデス、レアグロス・グループなどの優れた黒像式絵付け職人に加えて、多くの赤像式職人も賞品アンフォラの製作者として知られています。これらには、エウカリデス、クレオフラデス、ベルリン、アキレウス、そして現存する花瓶に署名した唯一の人物であるソフィロスが含まれます。知られている最初の花瓶はブルゴン・グループによって制作され、ブルゴン花瓶として知られています。紀元前4世紀以降、統治官（アルコン）の名前が花瓶に時々現れるため、いくつかの花瓶は正確な年代を特定できます。パナテナイア祭は宗教的な祭りであったため、赤絵式時代も、アテネで絵付壺が実際に取引されなくなった後も、様式や装飾の種類は変化しなかった。賞品アンフォラは紀元前2世紀まで生産され、約1,000個が現存している。いくつかの日付では勝者に授与されたアンフォラの数がわかっているため、アテネの壺の総生産量の約1％が現存していると推測できる。他の推定では、アテネでは合計で約700万個の絵付壺が生産されたという結論に至っている。^[56]賞品アンフォラに加えて、擬似パナテナイア賞品アンフォラとして知られる模倣品も製造された。^[57]

紀元前7世紀には、スパルタで国内消費用および輸出用に彩文陶器が作られていた。最初の良質の陶器は紀元前580年頃に作られた。黒絵式陶器の最盛期は紀元前575年から525年頃であった。スパルタのほか、主な発見地はロドス島とサモス島、ターラント、エトルリアの墓地、キュレネであり、キュレネは当初、陶器の起源であると考えられていた。陶器の品質は非常に高い。粘土はよく練られ、クリーム色のコーティングが施されていた。アンフォラ、ヒュドリアイ、円柱型クラテル（古代ではクラテル・ラコニコスと呼ばれた）、渦巻き型クラテル、カルキス型クラテル、レベス、アリュバロイ、スパルタの酒杯であるラカイナには彩文が描かれていた。しかし、最も頻繁に発見される指標となるのはカップです。ラコニアでは、深いボウルは通常、高い脚の上に置かれ、低い脚の上に置かれるカップはまれです。外側は、通常、ザクロの花飾りなどの装飾で飾られ、内部のシーンはかなり大きく、人物が描かれています。ラコニアでは、ギリシャの他の地域よりも早く、トンドがカップのシーンの主な枠組みになりました。メインの絵も、同様に、初期の段階では、メインのシーンと、より小さな低いシーンの 2 つの部分に分割されていました。多くの場合、容器は光沢のあるスリップでコーティングされているか、いくつかの装飾で飾られています。碑文はまれですが、名前の注釈として現れることがあります。陶工と画家の署名は不明です。ラコニアの職人は、おそらくペリオエキ陶器の絵付け職人でした。陶器の特徴的な特徴は、よく知られている画家のファッションと一致します。また、彼らが東ギリシャからの移民陶工であった可能性があり、それが、特にボレアス画家に強い東ギリシャの影響を説明できます。

その間に、少なくとも 8 人の壺の絵付け職人が区別できる。アルケシラスの画家( 565–555)、ボレアスの画家 (575–565)、ハントの画家、ナウクラティスの画家(575–550)、ライダーの画家(550–530) の 5 人がこの様式のより重要な代表者とみなされ、他の画家は能力の劣る職人とみなされている。絵は通常、角張って硬直しており、動物のフリーズ、日常生活の場面、特に饗宴、多くの神話の主題が含まれている。後者の中では、ポセイドンとゼウスが特に頻繁に描かれているが、ヘラクレスと彼の 12 の功業、テーバイとトロイの伝説のサイクルも描かれている。特に初期の壺では、ゴルゴンのしかめっ面がカップ トンドの中に描かれている。ニンフのキュレネの描写と、頭から渦巻く触手が生えている騎手を描いたトンド（騎手画家の名壺）は例外的である。^{[58]また、}アルケシラオス2世の肖像が描かれた杯も重要である。アルケシラスの杯は、アルケシラスの画家に実用的な名前を与えた。^[59]これは、ギリシャの陶器に時事問題や人物が描かれた珍しい作品の1つである。主題はアッティカの影響を示唆している。赤みがかった紫が主な不透明色であった。現在、360を超えるラコニアの壺が知られており、そのうちほぼ3分の1にあたる116点がナウクラティスの画家の作とされている。ラコニアの絵画に大きな影響を与えたコリントスの黒絵式壺絵が紀元前550年頃に衰退したため、ラコニアの黒絵式壺の生産は大幅に減少し、紀元前500年頃には終了した。陶器はマルセイユからイオニアのギリシャまで広く流通していた。サモス島ではスパルタとの密接な政治的同盟のため、コリントス陶器よりもラコニア陶器の方が一般的である。^[60]

黒絵式花瓶は、紀元前6世紀から4世紀にかけてボイオティアで生産された。紀元前6世紀初頭には、多くのボイオティアの画家が東洋風の輪郭線技法を使用していた。その後、彼らはアッティカの生産に焦点を絞った。2つの地域の区別や帰属は難しい場合があり、花瓶はコリントスの陶器と混同されることもある。低品質のアッティカやコリントスの花瓶は、しばしばボイオティアの作品であると宣言される。良質のボイオティアの花瓶はアッティカのものとされ、低品質のアッティカの花瓶は誤ってボイオティアのものとされることが多い。おそらくアッティカとの職人の交換があったと思われる。少なくとも1つのケースでは、アッティカの陶工がボイオティアに移住したことは確かである（馬鳥画家、おそらくトクラ画家も、陶工の中には間違いなくアテネのテイシアスがいる）。最も重要な主題は、動物のフリーズ、饗宴、コモスの場面である。神話の場面はまれで、あったとしても通常はヘラクレスかテセウスが描かれている。6世紀後半から5世紀にかけては、シルエットのようなスタイルが主流であった。特にカンタロス、レカニス、カップ、皿、水差しが描かれた。アテネの場合と同様に、カロスの碑文がある。ボイオティアの陶工は、特に型押しの花瓶、彫刻が施されたカンタロス、三脚のピクシデスを好んで作った。レカニス、カップ、首のアンフォラの形もアテネから引き継がれた。絵画のスタイルはユーモラスなものが多く、コモスの場面やサテュロスが好まれている。^[61]

紀元前425年から350年の間、ボイオティアではカベイリクの壺が黒絵式の主流でした。ほとんどの場合、これはカンタロスとスキフォスの混合型で、深いボウルと垂直のリングハンドルを備えていますが、レベス、カップ、ピクシデスもありました。これらは、主に発見された場所、テーベ近郊のカベイロイの聖域にちなんで名付けられています。通常、壺の片側だけに描かれた場面は、地元の宗教を表しています。壺は、神話の出来事をユーモラスで誇張した形で戯画化しています。時には、おそらく宗教に直接関係するコモスの場面が描かれています。^[62]

エヴィア島の黒絵式壺の絵付けもコリントス、特にアッティカの影響を受けている。これらの作品をアッティカの壺と区別するのは必ずしも容易ではない。学者たちは、陶器のほとんどはエレトリアで作られたと推測している。主にアンフォラ、レキュトス、ヒュドリア、皿に絵付けがされた。大型のアンフォラには通常、ヘラクレスの冒険やパリスの審判などの神話の場面が描かれている。7世紀の形に由来する大型のアンフォラは口が細くなっており、通常は結婚式に関する場面が描かれている。これらは明らかに、結婚する前に亡くなった子供たちのために作られた葬祭用の壺である。控えめな刻み込みと、花飾りに不透明な白を頻繁に使用することが、エレトリアの黒絵式陶器の典型的な特徴である。アッティカのモデルを反映した場面に加えて、サテュロスによる鹿の強姦や、ケンタウロスや悪魔と対峙するヘラクレスなどのより荒々しい場面もあった。ドルフィンクラスの壺は以前はアッティカのものとされていたが、現在ではエウボアのものとされている。しかし、その粘土は既知のエレトリア産のものと一致するものはない。おそらく、この壺はカルキスで作られたものと思われる。^[63]

いくつかの地方の黒絵式の様式の起源については議論がある。例えば、カルキス人の陶器の絵付けはかつてエウビア島と関連づけられていたが、現在ではイタリアで制作された可能性が高いと考えられている。

ギリシャの他の地域では、東ギリシャの花瓶ほど、東洋化様式と黒絵式様式の境界がはっきりしないところはほとんどありません。紀元前 600 年頃までは、輪郭線と空白のみが使用されていました。その後、東洋化様式の末期に、北イオニアから伝わった新しい技法である刻み込み模様が現れ始めました。それまで主流だった動物のフリーズ様式は確かに装飾的でしたが、技術的および芸術的な発展の機会はほとんどありませんでした。特にイオニアでは、地域的な様式が生まれました。

ワイルドゴート様式の終焉に近づくと、北イオニアの芸術家たちはコリント式の模範を模倣したが、その出来はかなり劣っていた。しかし、7世紀にはすでにイオニアで高品質の花瓶が生産されていた。紀元前600年ごろから、花瓶の装飾には黒絵式が全面的または部分的に使用されていた。クラゾメナイ、エフェソス、ミレト、キオス、サモスで発達した地域様式に加えて、北イオニアには特に正確に特定できない様式があった。リディアの模範に従った油壺（リディオン）は一般的だったが、そのほとんどは縞模様でしか装飾されていなかった。また、例えばスキタイ人とフタコブラクダ、サテュロスと雄羊など、独自の場面もある。いくつかの様式については、その帰属が議論の的となっている。したがって、ノーザンプトングループは強いイオニアの影響を示しているが、おそらくイタリアで、おそらくイオニアからの移民によって生産されたと思われる。^[64]

クラゾメナイでは、紀元前6世紀中頃（紀元前 550年頃～紀元前350年）に、主にアンフォラやヒュドリア、そして平らで角張った人物像が描かれた深い鉢が描かれた。これらの器の細工は、あまり優雅ではない。踊る女性や動物が頻繁に描かれた。主要な工房は、テュービンゲンの画家、ペトリーの画家、ウルラ・グループのものであった。ほとんどの花瓶は、ナウクラティスと、紀元前525年に放棄されたテル・デフェネで発見された。当初、その起源は不明であったが、ロバート・ザーンがクラゾメナイの石棺の絵と比較して起源を特定した。陶器には、彫刻された女性の仮面で飾られることが多かった。神話の場面が描かれたものは稀で、魚の鱗のような装飾、白い点の列、硬そうな踊る女性が人気があった。王と女王の前に立つヘロルドの描写は独特である。一般的に、男性は大きなスペード型のあごひげを生やしているのが特徴であった。紀元前600年から紀元前520年頃まで、東ギリシャの鳥のカップの後継となるロゼットカップが、おそらくクラゾメナイで生産されていた。^[65]

サモスの陶器は、アッティカから取り入れた形で紀元前560年か550年頃に初めて登場した。これらは、顔の形をしたリトルマスターズカップとカンタロスである。絵は精密で装飾的である。サモスは、ミレトやロードスとともに、野生のヤギ様式の花瓶の生産の中心地の一つであった。^[66]

ロードス島の壺絵は、主にロードス島の皿絵から知られています。これらは多色技法を使用して制作され、多くの細部は黒絵のように刻まれています。紀元前560年から530年頃、エジプトのモデルに触発されたシトゥラが一般的でした。これらには、テュポンなどのギリシャの主題と、エジプトの象形文字やエジプトのスポーツ競技などの古代エジプトのテーマの両方が描かれています。^[67]

「カエレタのヒュドリア」は、特に色彩豊かな黒絵式の花瓶の絵付けに使われる名前です。これらの花瓶の起源は文献で議論されています。絵の評価に基づいて、花瓶は長い間エトルリアまたはコリントスのものであると考えられていましたが、近年では、製作者はギリシャ東部からエトルリアのカエレ(現在のチェルヴェテリ) に移住した 2 人の陶器絵付け職人であるという見解が主流となっています。イオニア式ギリシャ語の碑文は、移住説を裏付けています。工房は 1 世代だけ存在しました。今日、このスタイルで 2 人の熟練職人が製作した花瓶が約 40 個知られています。1 つのアラバストロンを除いて、すべてヒュドリアです。エトルリア以外で発見されたものはなく、ほとんどがカエレから来たため、この名前が付けられました。花瓶は、紀元前 530 年から 510/500 年頃のものとされています。カエレタのヒュドリアの様式に倣って、ストライプで装飾されたネックアンフォラが作られました。

技術的にかなり劣るこれらのヒュドリアイは、高さが 40～45 cm です。これらの壺の胴部は、高く非常に目立つ首、幅広い肩、逆さまの聖杯の形をした低い輪状の脚を備えています。ヒュドリアイの多くは変形していたり​​、焼成に欠陥があったりします。描かれた絵は、肩の部分、人物のある腹部の部分、装飾のある腹部の部分、および下部の 4 つの部分に分かれています。人物のある腹部の部分を除くすべての部分には装飾が施されています。両方の腹部のフリーズに人物が描かれているのは 1 つの例だけです。これらのヒュドリアイは、他のすべての黒絵式様式とは色が異なります。この様式は、イオニアの壺の絵や、エジプトで発見された多色塗りの木板を思い起こさせます。男性は赤、黒、または白の肌で描かれています。女性は、ほとんどの場合、不透明な白色で描かれています。黒絵式に典型的なように、輪郭と細部は彫り込まれています。黒い光沢のある粘土の表面は、しばしば追加の色の粘土で覆われ、刻み目がある部分から見える黒い粘土が、さまざまな形に内部の詳細を与えます。前面の画像は常に動きにあふれ、裏面には紋章のデザインがよく見られます。装飾はヒュドリアの重要な要素であり、他のモチーフの補助的なものではありません。装飾を描くのにステンシルが使用され、刻み目は使用されません。

画家としてはブシリスの画家と鷲の画家の名前が挙げられている。後者はこのスタイルの代表的な画家と考えられている。彼らは特に神話の題材に興味を持っており、東洋の影響が見られることが多かった。ブシリスの画家の名壺には、ヘラクレスがエジプト神話のファラオ、ブシリスを踏みつけている姿が描かれている。ヘラクレスは他の壺にも頻繁に描かれており、日常生活の場面も存在する。また、白い印章を伴ったクジラなど、珍しい場面もある。 ^[68]

ポントスの花瓶は、様式的にもイオニアの陶器の絵画と密接な関連がある。この場合も、イオニアから移住した職人によってエトルリアの工房で製作されたと推定されている。この花瓶は、黒海（ポントゥス）に住んでいたスキタイ人と思われる射手が描かれた花瓶にちなんで、誤解を招くような名前が付けられた。花瓶のほとんどはヴルチの墓で発見され、チェルヴェテリからもかなりの数が発見された。代表的な形は、ティレニアのアンフォラによく似た、特に細身の首付きアンフォラであった。他の形としては、螺旋状の取っ手が付いたオイノコ、ディノ、キュアトス、皿、底の高いビーカー、そして頻度は低いがカンタロスやその他の形があった。ポントスの花瓶の装飾は常に類似している。一般的には、首に装飾があり、次に肩に人物が描かれ、さらに別の装飾帯、動物のフリーズ、最後にエイの輪が続く。足、首、取っ手は黒。装飾の重要性は顕著であるが、しばしばかなり無造作に作られており、花瓶の中には装飾のみで飾られているものもある。これらの花瓶の粘土は黄赤色で、花瓶を覆うスリップは黒または茶赤色で、高品質で金属的な光沢がある。人物や装飾には赤と白の不透明色がふんだんに使用されている。動物は通常、腹部に白い縞模様で装飾されている。学者たちは現在までに 6 つの工房を特定している。最も古くて優れた工房はパリの画家の工房であると考えられている。彼は東ギリシャの慣習に従って、ひげのないヘラクレスを含む神話の人物を描いている。時には、パリの画家によるヘラクレスとユノ・ソスピタ（「救世主」）の戦いや、ティティオスの画家による狼の悪魔など、ギリシャ神話の一部ではない場面もあります。日常生活、コモスの場面、騎手などの場面もあります。花瓶は紀元前550年から500年の間に作られたもので、約200個が知られています。^[69]

地元で作られたエトルリアの花瓶は、おそらく紀元前 7 世紀に遡る。最初は、コリントスや東ギリシャの黒絵式のモデルに似ている。初期の段階では、主にギリシャ移民が製作者だったと推定されている。最初の重要なスタイルは、ポントス陶器の絵付けだった。その後、紀元前 530 年から 500 年の間に、ミカリの画家とその工房が続いた。この時期、エトルリアの芸術家はアッティカのモデルに従う傾向があり、主にアンフォラ、ヒュドリアイ、水差しを制作した。それらには通常、コモスやシンポジウムの場面、動物のフリーズがあった。神話の場面はそれほど一般的ではないが、非常に丁寧に制作されている。黒絵式のスタイルは紀元前 480 年頃に終了した。終わりに向かってマニエリスムのスタイルが発達し、時にはかなり不注意なシルエット技法が見られるようになった。^[70]

カルキス陶器画は、神話の碑文にカルキス文字で書かれていることからその名が付けられた。このため、当初、陶器の起源はエヴィア島ではないかと疑われた。現在では、陶器はレギオン、おそらくカエレでも作られたと推定されているが、まだ最終的な結論は出ていない。^[71]カルキス陶器画は、アッティカ、コリントス、そして特にイオニア絵画の影響を受けていた。この陶器は主にイタリアのカエリ、ヴルチ、レギオンなどの場所で発見されたが、地中海西部の他の場所でも発見されている。

カルキス式花瓶の生産は紀元前 560 年頃に突然始まりました。現在まで、先駆者は特定されていません。50 年後の紀元前 510 年頃にはすでに生産は終了していました。約 600 個の花瓶が現存しており、15 人の画家または画家グループがこれまでに特定されています。これらの花瓶は、高品質の陶器細工が特徴です。花瓶を覆う光沢のあるスリップは、焼成後は通常真っ黒になります。粘土はオレンジ色です。赤と白の不透明な色彩が、内部の詳細を表現するために刻み目と同様に、絵付けにふんだんに使用されました。指標となるのは首のアンフォラで、既知の花瓶の 4 分の 1 を占めていますが、アイカップ、オイノコ、ヒュドリアもあります。他の種類の容器はあまり一般的ではありません。レカニスとエトルリア様式のカップは例外です。花瓶は経済的で、構造が厳格です。「カルキス式カップの足」は典型的な特徴です。これは黒絵式のアッティカの花瓶に模倣されることがありますが、赤絵式のものはあまりありません。

古い世代の有名な芸術家の中で最も重要なのは碑文画家で、若い世代の代表としてはフィネウス画家です。前者はおそらくこのスタイルの創始者であり、現存する花瓶のうち約 170 個は後者の非常に生産性の高い工房で作られたものとされています。彼はおそらくこのスタイルの最後の代表者でもあります。絵は通常、物語よりも装飾的です。騎手、動物のフリーズ、紋章画、または人々のグループが描かれています。大きな蓮の花とパルメットの十字架が絵の一部になっていることがよくあります。神話の場面はまれですが、描かれた場合は一般に非常に高品質です。

擬似カルキス風花瓶画はカルキス風花瓶画の後継である。カルキス風花瓶画に近いが、アッティカやコリント風花瓶画とも強いつながりがある。そのため、芸術家たちは碑文にカルキス風アルファベットではなくイオニア文字を使用した。粘土の構造も異なる。このタイプの花瓶は約70個知られており、アンドレアス・ルンプフによって初めて分類された。これらの職人は、エトルリアに移住したカルキス風花瓶画家や陶工の後継者であった可能性がある。^[72]

擬カルキス文化の壺絵は2つのグループに分けられる。2つのグループのうち古いほうはポリフェモス・グループで、現存する壺のほとんど、主に首飾りのアンフォラとオイノコエを制作した。動物の群れが描かれることが多いが、神話の場面が描かれることもまれにある。この壺はエトルリア、シチリア島、マルセル、ヴィックスで発見されている。新しいほうで作品数が少ないメムノン・グループは現在12個の壺が制作されているが、地理的分布ははるかに狭く、エトルリアとシチリア島に限られている。オイノコエ1個を除いて首飾りのアンフォラのみを制作し、動物や騎手が描かれることが多かった。^[73]

ノーザンプトン・グループの壺は、1つの胴部アンフォラを除いて、すべて首の小さいアンフォラであった。様式的には北イオニアの壺の絵に非常に似ているが、おそらくイオニアではなくイタリアで、おそらく紀元前540年頃のエトルリアで制作されたと思われる。このグループの花瓶は非常に高品質である。馬に乗った王子や鶴に乗った人物など、学者の興味をそそる豊かな装飾や場面が描かれている。カンパーナ・ディノイ・グループの作品や、粘土がカエレタのヒュドリアイに似ている、いわゆるノーザンプトン・アンフォラに似ている。ノーザンプトン・グループはこのアンフォラにちなんで名付けられた。丸いカンパーナ・ヒュドリアイは、ボイオティアとエウボイアのモデルを思い起こさせる。^[74]

アンドロス島産の円筒形のアラバストロンは希少で、タソス島産のレカニスも同​​様である。これらはボイオティア産の製品に似ているが、動物のフリーズが 1 つしかないのに対し、タソス島産のものは 2 つある。タソス島の皿はアッティカのモデルに倣ったもので、人物の描かれた場面はレカニスのものより野心的である。黒絵式でキオス島産の壷の模造品が知られている。ハライ島産の黒絵式陶器も希少である。アテネ人がダーダネルス海峡のエライオスを占領した後、黒絵式陶器の生産もそこで始まった。控えめな製品には、輪郭線が描かれたシンプルなレカニスなどがある。黒絵式の花瓶は少数だが、ケルト系フランスで生産された。これらもギリシャの壷に触発されたものであることはほぼ間違いない。^[75]

これらの花瓶に関する学術的研究は、特に 19 世紀に始まりました。この頃から、これらの花瓶はエトルリアではなくギリシャ起源であるという疑いが強まりました。特に、エドワード・ドッドウェルが1819 年にアテネで発見したパナシナイア祭の賞品アンフォラが証拠を提供しました。最初に証拠を提示したのは、グスタフ・クレイマーで、その著書「ベマルテンのギリシャ陶器の様式と特徴」 （1837 年）でした。しかし、この洞察が一般に受け入れられるまでには数年かかりました。エドゥアルト・ゲルハルトは、Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica に「Rapporto Volcente」と題する記事を発表し、その中で花瓶を体系的に調査しました。彼がそうした最初の学者でした。この目的のために、1830 年に彼はタルクィニアで発見された花瓶を研究し、たとえばアッティカやエギナで発見された花瓶と比較しました。この作業で彼は31人の画家と陶工の署名を特定した。それまでは陶工のタレイデスだけが知られていた。^[76]

研究の次のステップは、博物館の主要な花瓶コレクションの科学的カタログ作成でした。1854年、オットー・ヤーンはミュンヘン国立古代美術コレクションの花瓶を出版しました。それ以前には、バチカン美術館 (1842年) と大英博物館 (1851年) のカタログが出版されていました。1885年にアドルフ・フルトヴェングラーによってまとめられたベルリン古典美術コレクションの花瓶コレクションの説明は特に影響力がありました。フルトヴェングラーは、芸術的起源の地域、技術、スタイル、形状、および絵画スタイルによって容器を分類した最初の人物であり、これはその後の研究に永続的な影響を及ぼしました。1893年、パウル・ハートヴィヒは著書「マイスターシャーレン」で、カロスの銘文、署名、およびスタイル分析に基づいてさまざまな画家を特定しようと試みました。ルーブル美術館の学芸員エドモンド・ポティエは、1919年にCorpus Vasorum Antiquorumを開始しました。世界中の主要なコレクションはすべてこのシリーズで出版されており、2009年時点で300巻を超えています。^[77]

アッティカの花瓶絵に​​関する科学的研究は、ジョン・D・ビーズリーに大きく負っている。ビーズリーは、美術史家ジョヴァンニ・モレリが絵画研究のために開発し、バーナード・ベレンソンが改良した手法を用いて、1910年頃からこれらの花瓶の研究を始めた。ビーズリーは、各画家が常に間違いなく作者を特定できる独創的な作品を作成したと仮定した。顔、指、腕、脚、膝、衣服のひだなどの細部を活用した。ビーズリーは65,000個の花瓶と破片を研究し、そのうち20,000個が黒絵式だった。約60年に及んだ研究の過程で、ビーズリーは名前または実用的な名前のシステムを用いて17,000個の花瓶の作者を特定し、画家や工房のグループ、関係性、様式の類似性に分類した。ビーズリーは1,500人以上の陶工と画家を特定した。考古学の分野の研究にビーズリーほど決定的な影響を与えた考古学者は他にいない。ビーズリーの分析は、現在に至るまでかなりの程度まで有効である。ビーズリーの後には、ジョン・ボードマン、エリカ・サイモン、ディートリッヒ・フォン・ボートマーなどの学者が黒絵式アッティカ壺を調査した。^[78]

コリント陶器の基礎研究はハンフリー・ペインによって成し遂げられ、彼は1930年代に、本質的には今日まで使われている最初の様式分類を行った。彼は花瓶を形、装飾の種類、および絵画の主題によって分類し、その後になって初めて画家と工房を区別した。彼はビーズリーの方法に従ったが、画家とグループの割り当てをあまり重視しなかった。なぜなら、彼にとっては年代順の枠組みの方が重要だったからである。ジャック・L・ベンソンは1953年にこの割り当て作業を引き受け、109人の画家とグループを区別した。最後に、ダレル・A・エイミックスは、 1988年にその時点までの研究を彼の著書『古代期のコリント陶器の絵』にまとめた。しかし、コリント陶器の場合、特定の画家を割り当てることがそもそも可能かどうかは、学問上の論争の的となっている。^[79]

ラコニア陶器は、19世紀からエトルリア人の墓から発見された多数の花瓶から知られるようになった。当初は誤って帰属され、長い間キュレネ産とみなされていたが、最も古い作品のいくつかはキュレネで発見された。スパルタのアルテミス・オルティアの聖域で行われたイギリスの発掘調査により、ラコニア陶器の真の起源はすぐに特定された。1934年、アーサー・レーン氏は既知の資料をすべてまとめ、異なる画家を特定した最初の考古学者となった。1956年、ブライアン・B・シェフトン氏が新たな発見を研究した。彼は画家の数を半分に減らした。1958年と1959年には、ターラントから新たに発見された資料が出版された。サモス島でも多数の他の花瓶が発見されている。コンラッド・マイケル・スティーブは、彼が知る360個の花瓶すべてを新たに研究し、1972年にその研究結果を発表しました。彼は5人の大画家と3人のマイナー画家を特定しました。^[80]

考古学者は、アッティカ、コリント、ラコニアの壺絵の研究に加えて、イタリアのマイナーな様式に特に興味を持っていることが多い。カエレタのヒュドリアイは、カール・フマンとオットー・プフシュタインによって初めて特定され命名された。アンドレアス・ルンプ、アドルフ・キルヒホフ、その他の考古学者は、ハルキディシェ陶器の起源がエヴィア島であると誤って推測した。ゲオルク・フェルディナント・デュムラーは、ポンティアックの壺にスキタイ人が描かれていたため、黒海地域から来たと推測し、誤った名前を付けた。^[81]一方、すべての様式の研究は、個人ではなく、大規模な国際科学者グループによって行われている。

• ギリシャの壺絵師一覧 § 黒絵時代
• 古代ギリシャの陶器
• 花瓶の形状とバリエーションを分類し、形状の輪郭と典型的な例を区別する便利な表セットについては、ドイツ語版ウィキペディアの w:de:Liste der Formen, Typen und Varianten der antiken griechischen Fein- und Gebrauchskeramik も参照してください。
• 「w:de:Liste der griechischen Töpfer und Vasenmaler/Konkordanz」も参照

• ボードマン、ジョン。2001年。『ギリシャの花瓶の歴史：陶工、画家、絵画』。ニューヨーク：テムズ＆ハドソン。
• ボウゼック、1990年1月。「黒海地域におけるギリシャ陶器の研究」プラハ：カレル大学。
• ロバート・マニュエル・クック、ピエール・デュポン、1998年。『東ギリシャ陶器』ロンドン：ラウトレッジ。
• ファーンズワース、マリー。1964年。「ギリシャの陶器：鉱物学的研究。」アメリカ考古学誌68（3）：221-28。
• スパークス、ブライアン A. 1996. 『赤と黒：ギリシャ陶器の研究』ロンドン：ラウトレッジ。