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静物画（複数形：静物画）は、主に無生物を題材とした美術作品であり、一般的には自然物（食べ物、花、死んだ動物、植物、岩、貝殻など）または人工物（グラス、本、花瓶、宝石、硬貨、パイプなど）といったありふれた物を題材としている。[ 1 ]
古代ギリシャ・ローマ美術と中世に起源を持つ静物画は、 16世紀後半までに西洋絵画における独自のジャンルおよび専門分野として確立され、それ以来重要な位置を占めています。静物画の利点の1つは、絵画の構図における要素の配置に関して、画家が自由に実験できることです。静物画は、特定のジャンルとして、 16世紀から17世紀のネーデルラント絵画に始まり、英語のstill lifeはオランダ語のstillevenに由来します。初期の静物画、特に1700年以前の作品には、描かれた対象物に関連する宗教的および寓意的な象徴が含まれていることが多かった。後期の静物画は、拾得物、写真、コンピュータグラフィックス、ビデオ、サウンドなど、さまざまなメディアとテクノロジーを使用して制作されています。
この用語には、死んだ動物、特に狩猟動物の絵画が含まれます。生きている動物の絵画は動物画とみなされますが、実際には死んだ動物をモデルにして描かれることが多かったのです。植物や動物を題材とするため、静物画は動物学、特に植物学の図解とも共通点があります。しかし、視覚芸術や美術作品と同様に、静物画は単に題材を正確に描写することだけを目的としているわけではありません。
静物画はジャンルの階層構造において最下位に位置していましたが、購入者には非常に人気がありました。静物画には、独立した静物画の主題だけでなく、通常は象徴的な、静物画の要素が際立つ他のタイプの絵画や、「一見『生活の一断面』を再現するために多数の静物画の要素に依存するイメージ」も含まれます。[ 2 ] トロンプルイユ絵画は、鑑賞者を騙してその場面が現実であると思わせることを意図した、特殊なタイプの静物画であり、通常は無生物で比較的平面的な物体を描いています。[ 3 ]
静物画は、古代エジプトの墓の内部を飾ることが多い。そこに描かれた食べ物やその他の品々は、死後の世界で現実のものとなり、故人が使えるようになると信じられていた。古代ギリシャの壺絵もまた、日常的な物や動物を描く優れた技術を示している。大プリニウスは、ポンペイのモザイク画や地方の壁画に残るような「低俗な」主題、すなわち「理髪店、靴屋の屋台、ロバ、食べ物、その他同様の主題」を描いたパネル画家としてペイライコスに言及している。[ 4 ]
ポンペイ、ヘルクラネウム、ヴィラ・ボスコレアーレで発掘されたローマ時代の壁画や床モザイクにも、同様の静物画が見られる。これらは装飾的な意図はより単純だが、写実的な遠近法が用いられている。後によく見られるガラスのボウルに入った果物のモチーフも含まれる。裕福なローマ人の家で見つかった「エンブレマ」と呼ばれる装飾モザイクは、上流階級が楽しんでいた食べ物の種類を示しており、もてなしの印や季節や生活の祝祭としても機能していた。[ 5 ]
16世紀までに、食べ物や花は再び季節や五感の象徴として登場するようになる。また、ローマ時代に始まった、絵画における頭蓋骨の使用は、死と地上の遺物の象徴として、しばしば「Omnia mors aequat （死はすべてを平等にする）」というフレーズを伴って行われる伝統である。 [ 6 ]これらのヴァニタスのイメージは、1600年頃のオランダの画家たちを皮切りに、過去400年間の美術史を通して再解釈されてきた。[ 7 ]
静物画の写実性に対する一般的な評価は、古代ギリシャのゼウクシスとパルラシオスという伝説に伝えられており、彼らはかつて最も生き生きとした物を描くために競い合ったと言われており、これは歴史上最も初期のトロンプルイユ絵画の記述である。[ 8 ]古代ローマ時代に大プリニウスが記録したように、ギリシャの芸術家たちは何世紀も前に肖像画、風俗画、静物画の芸術において既に進歩していた。彼はペイライコスを特に取り上げ、「彼の芸術性はごく少数の者しか凌駕していない…彼は理髪店や靴屋の屋台、ロバ、野菜などを描いたため、『俗っぽい主題の画家』と呼ばれるようになった。しかし、これらの作品はどれも実に素晴らしく、他の多くの芸術家の最も優れた絵画よりも高値で売られていた。」と述べている。[ 9 ]
1300年までに、ジョットとその弟子たちを皮切りに、静物画は宗教的な壁画の架空のニッチの形で復活し、日常の物を描いた。[ 11 ]中世からルネサンスにかけて、西洋美術における静物画は主にキリスト教の宗教的主題の付随物であり、宗教的および寓意的な意味を集約した。これは特に北ヨーロッパの芸術家の作品に当てはまり、彼らは非常に詳細な光学的リアリズムと象徴主義に魅了され、絵画全体のメッセージに多大な注意を払った。[ 12 ]ヤン・ファン・エイクのような画家は、静物画の要素をしばしば図像プログラムの一部として使用した。
中世後期には、静物画の要素、主に花、動物、時には無生物が、装飾写本の縁取りにますます写実的に描かれるようになり、より大きな絵を描く画家が使用するモデルや技術の進歩が発展しました。写本のための細密画を描く画家とパネルを描く画家の間には、特に初期ネーデルラント絵画において、かなりの重複がありました。おそらく1440年頃にユトレヒトで制作された「クレーフェのカタリナの時祷書」は、この傾向の傑出した例の1つであり、縁取りには、その特定の箇所の本文や主要な絵を引き立てるために選ばれた、コインや漁網など、非常に多様な物体が描かれています。19世紀後半のフランドルの工房では、縁取りの要素の自然主義がさらに進みました。ゴシック様式のミルフルール・タペストリーも、植物や動物の正確な描写に対する一般的な関心の高まりを示すもう1つの例です。 「貴婦人と一角獣」のセットは最もよく知られた例で、1500年頃にパリでデザインされ、フランドルで織られました。
ヤン・ファン・エイクや他の北ヨーロッパの画家による油絵技法の発展により、油絵具の乾燥が遅く、混色や重ね塗りが可能な特性のおかげで、日常の物をこのような超写実的な方法で描くことが可能になった。[ 13 ]宗教的な意味合いから最初に脱却した画家の中には、自然に対する飽くなき探求の一環として果物の水彩画（1495年頃）を制作したレオナルド・ダ・ヴィンチや、動植物の精緻な色彩の素描を制作したアルブレヒト・デューラーなどがいる。 [ 14 ]
ペトルス・クリストゥスの金細工師を訪れた花嫁と花婿の肖像画は、宗教的内容と世俗的内容の両方を描いた過渡期の静物画の典型的な例である。メッセージは主に寓意的だが、カップルの人物像は写実的で、描かれている物（硬貨、器など）は正確に描かれているが、金細工師は実際には聖エリギウスの描写であり、物は非常に象徴的である。もう1つの類似したタイプの絵画は、人物ときちんと整えられた食卓を組み合わせた家族の肖像画であり、これは人間の主題の敬虔さと神の豊かさへの感謝の両方を象徴している。[ 15 ]この頃、人物像を取り除いた（ただし寓意的意味はない）単純な静物画が、個人の信仰絵画のシャッターの外側に描かれ始めた。[ 9 ]自律的な静物画へのもう 1 つのステップは、1475 年頃の世俗的な肖像画の裏に花瓶に生けられた象徴的な花を描くことであった。 [ 16 ]ヤコポ・デ・バルバリは、署名と日付が記された最も初期のトロンプルイユ静物画の 1 つである「ヤマウズラと手袋のある静物画」 （1504 年）でさらに一歩進んだが、宗教的な内容は最小限である。[ 17 ]
1600年以降の静物画のほとんどは比較的小さな絵画であったが、このジャンルの発展において重要な段階となったのは、主にアントワープを中心とした「記念碑的静物画」の伝統であり、これは人物や動物を添えた広大な静物画の風景を描いた大きな絵画であった。これはピーテル・アールツェンによって発展したもので、彼の『聖家族が施しを与える肉屋』 （1551年、現在はウプサラ）は、今なお見る者を驚かせる絵画でこのタイプの作品を導入した。もう一つの例は、アールツェンの甥ヨアヒム・ベウケラールの『肉屋』 （1568年）で、前景には生肉が写実的に描かれ、背景には酩酊と好色さの危険性が描かれている。ピーテル・アールツェンと彼の甥ヨアヒム・ベウケラールによって発展した非常に大きな台所や市場の風景は、台所用品の静物画とたくましいフランドルの女中たちとともに、豊富な食べ物を描いているのが典型的である。遠くに小さな宗教的な場面が描かれていることが多く、あるいは四季などのテーマが加えられて主題が高められている。このような大規模な静物画は、南北分離後のフランドル絵画で発展を続けたが、オランダ絵画では稀である。ただし、この伝統の他の作品は、「陽気な仲間」タイプの風俗画を予見している。[ 18 ]
徐々に、この種の絵画における宗教的な内容は規模と位置において縮小していったが、道徳的な教訓は副次的な文脈として残っていた。[ 19 ] この様式のイタリアの作品としては比較的少ないものの、アンニーバレ・カラッチが1583年に同じ主題を扱った『肉屋の店』では、この時代の他の「台所と市場」の静物画と同様に、道徳的なメッセージが取り除かれ始めている。[ 20 ]ヴィンチェンツォ・カンピはおそらく1570年代にアントワープ様式をイタリアに導入した。この伝統は次の世紀にも続き、ルーベンスによるいくつかの作品では、彼は主に静物や動物の要素をフランス・スナイデルスやその弟子ヤン・フィットなどの専門の巨匠に下請けさせていた。16世紀後半には、自律的な静物画が発展した。[ 21 ]
16世紀には自然界への関心が爆発的に高まり、新世界やアジアの発見を記録した豪華な植物百科事典が作られました。また、科学的な図解や標本の分類も始まりました。自然物は、宗教的または神話的な関連性とは切り離して、個々の研究対象として評価されるようになりました。この時期には、この新しい知識の実践的な延長として、初期の薬草療法も始まりました。さらに、裕福な後援者たちが動物や鉱物の標本の収集を支援し始め、大規模な珍品陳列室が作られました。これらの標本は、写実性と斬新さを追求する画家たちのモデルとなりました。貝殻、昆虫、エキゾチックな果物や花が収集され、取引されるようになり、チューリップ（トルコからヨーロッパに輸入）などの新しい植物は静物画で称賛されました。[ 22 ]
園芸ブームはヨーロッパで広く関心を集め、芸術家たちはそれを利用して何千もの静物画を制作した。地域や宮廷によっては特別な関心があった。例えば、柑橘類の描写はイタリアのフィレンツェのメディチ家の宮廷で特に熱中されていた。[ 23 ]ヨーロッパ全土で自然標本が広く普及し、自然描写への関心が高まった結果、1600年頃に近代的な静物画がほぼ同時に制作されることになった。[ 24 ] [ 25 ]
世紀の変わり目に、スペインの画家フアン・サンチェス・コタンは、野菜を題材にした簡素で静謐な絵画でスペインの静物画の先駆けとなり、1603年に40代で修道院に入り、その後は宗教画を描くようになった。
17世紀初頭の著名なアカデミー会員、例えばアンドレア・サッキなどは、風俗画や静物画には、絵画が偉大な作品とみなされるにふさわしい「重厚さ」がないと感じていた。歴史家、建築家、そしてフランス古典主義の理論家であるアンドレ・フェリビアンが1667年に発表した影響力のある定式化は、18世紀におけるジャンルの階層理論の古典的な声明となった。
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des Fruit、des fleurs ou des coquilles。 Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des は死を選択し、mouvement はありません 。 & COMME LA フィギュア・デ・ローム・エスト・ル・プラス・パフェ・オーヴラージュ・ド・デュー・シュール・ラ・テール、イル・レスト・アウシー・ケ・セルイ・キ・セイ・レンド・リミテチュール・デ・デュー・アン・ペニナン・デ・フィギュア・ヒューメーヌ、エスト・ボークーと優れたク・トゥ・レ・オートル... [ 26 ]
完璧な風景画を描く者は、果物や花、魚介類だけを描く者よりも優れている。生きている動物を描く者は、動きのない死んだものだけを描く者よりも高く評価されるべきであり、人間は地上における神の最も完璧な創造物であるから、人間の姿を描くことで神を模倣する者は、他の誰よりもはるかに優れていることは間違いない。
静物画は、16 世紀後半に低地諸国で独立したカテゴリーとして発展しました。 [ 27 ] 英語のstill life はオランダ語stillevenに由来し、ロマンス語 (ギリシャ語、ポーランド語、ロシア語、トルコ語も含む) は死んだ自然を意味する用語を使用する傾向があります。15 世紀の初期ネーデルラント絵画は、パネル絵画と装飾写本の両方で高度に錯視的な技法を発展させ、縁取りには花、昆虫、そして「クレーフェのカタリナの時祷書」のような作品ではさまざまな物体の精巧な描写がよく見られました。装飾写本が印刷本に取って代わられると、同じ技術が後に科学的な植物図鑑に用いられました。低地諸国は植物学とそれを芸術で表現することの両方でヨーロッパをリードしました。フランドルの画家ヨリス・ホーフナーゲル（1542年 - 1601年）は、皇帝ルドルフ2世のために花やその他の静物画を水彩やグワッシュで描き、ハンス・コラールトの『フロリレギウム』（ 1600年にプランタン社から出版）など、書籍（当時は手彩色が多かった）のための版画の挿絵も数多く制作した。[ 28 ]
1600年頃、油彩による花の絵画が一種のブームとなった。カレル・ファン・マンデル自身もいくつかの作品を描き、コルネリス・ファン・ハールレムなどの他の北方マニエリスムの画家たちも同様に描いたと記録されている。彼らの花の絵画は現存していないが、南ネーデルラントで活躍したヤン・ブリューゲル（父）とアンブロシウス・ボッシャールトという一流の画家による作品は数多く残っている。 [ 29 ]
北部の芸術家たちは、長らく彼らの定番であった宗教的図像を制作する機会が限られていた（オランダ改革派プロテスタント教会では宗教的主題の図像は禁じられていた）が、緻密な写実主義と隠されたシンボルという北部の伝統は、オランダで芸術の主要な後援者として教会と国家に取って代わりつつあった成長中のオランダの中産階級に受け入れられた。これに加えて、オランダ人は園芸、特にチューリップに熱狂していた。花を美的対象として、また宗教的シンボルとして捉えるこの二つの見方が融合し、この種の静物画の非常に強い市場が生まれた。[ 30 ]静物画は、ほとんどのオランダ美術作品と同様に、一般的に露店市場やディーラー、あるいは芸術家がアトリエで販売し、依頼されることは稀であった。そのため、芸術家は通常、主題と構図を選んだ。[ 31 ]この種の静物画は非常に人気があったため、オランダの花卉画の技法の多くは、1740 年にジェラール・デ・ライレスによって著された論文「Groot Schilderboeck」に体系化され、色彩、配置、筆遣い、標本の準備、調和、構図、遠近法などに関する幅広いアドバイスが提供された。[ 32 ]
花の象徴はキリスト教初期から発展してきた。最も一般的な花とその象徴的な意味には、バラ（聖母マリア、儚さ、ヴィーナス、愛）、ユリ（聖母マリア、処女性、女性の乳房、心の清らかさまたは正義）、チューリップ（華やかさ、高貴さ）、ヒマワリ（忠誠心、神の愛、献身）、スミレ（慎み深さ、控えめさ、謙遜）、オダマキ（憂鬱）、ケシ（力、睡眠、死）などがある。昆虫に関しては、蝶は変容と復活を、トンボは儚さを、アリは勤勉と収穫への注意を象徴している。[ 33 ]
フランドル派とオランダ派の画家たちは、トロンプ・ルイユ、特に自然の模倣、つまりミメーシスという古代ギリシャの静物画の伝統を復活させ、それをベドリーゲルチェ（「小さな欺瞞」）と呼んだ。[ 8 ]これらのタイプの静物画に加えて、オランダの画家たちは「台所と市場」の絵画、朝食と食卓の静物画、ヴァニタス絵画、寓意的なコレクション絵画を特定し、独自に発展させた。[ 34 ]
カトリック教徒が多い南ネーデルラントでは、花輪絵画というジャンルが発展しました。1607年から1608年頃、アントワープの画家ヤン・ブリューゲル（父）とヘンドリック・ファン・バーレンは、豪華な静物画の花輪で囲まれたイメージ（通常は宗教的なもの）で構成されるこれらの絵画の制作を始めました。これらの絵画は、静物画家と人物画家の2人の専門家による共同制作でした。ダニエル・セーヘルスはこのジャンルをさらに発展させました。元々は宗教的な役割を果たしていた花輪絵画は非常に人気を博し、家の装飾として広く使われるようになりました。[ 35 ]
静物画の特別なジャンルとして、いわゆるプロンクスティルヴェン（オランダ語で「華美な静物画」）というものがあった。この装飾的な静物画のスタイルは、1640年代にアントワープでフランツ・スナイデルスやアドリアーン・ファン・ユトレヒトなどのフランドル派の画家によって発展した。彼らは、果物、花、獲物の死骸など、さまざまな物を描き、しばしば生きている人や動物も一緒に描くことで、豊かさを強調した静物画を描いた。このスタイルはすぐにオランダ共和国の画家たちにも採用された。[ 36 ]
この時代に特に人気があったのはヴァニタス絵画で、果物や花、本、小像、花瓶、硬貨、宝石、絵画、楽器や科学機器、軍の記章、上質な銀製品や水晶などを豪華に配置し、人生の無常を象徴するモチーフを添えたものでした。さらに、頭蓋骨、砂時計や懐中時計、燃え尽きかけのろうそく、ページをめくる本などが、感覚的な快楽のはかなさについての教訓的なメッセージとして用いられました。多くの場合、果物や花の一部は腐り始めたり色あせたりしている様子が描かれ、同じ点を強調していました。
もう一つのタイプの静物画は、オントビチェスまたは「朝食の絵」として知られており、上流階級が楽しむであろう珍味を文字通り表現すると同時に、暴食を避けるようにという宗教的な戒めも表している。[ 37 ] 1650 年頃、サミュエル・ファン・ホーグ ストラテンは、壁掛け絵画の最初の 1 つを描いた。これは、壁板に物を縛ったり、鋲で留めたり、その他の方法で取り付けたりしたトロンプルイユ静物画で、19 世紀の米国で非常に人気のあるタイプの静物画である。[ 38 ]もう一つのバリエーションは、トロンプルイユ静物画で、特定の職業に関連する物を描いたもので、コルネリス・ノルベルトゥス・ギスブレヒトの絵画「果物のピースのある画家のイーゼル」のように、画家の仕事に必要な道具すべてを描いている。[ 39 ] 17世紀前半には、「五感」、「四大陸」、「四季」など、さまざまな標本を寓意的に描いた絵画も人気を博し、女神や寓意的な人物が適切な自然物や人工物に囲まれている様子が描かれました。[ 40 ]ヴァニタス絵画やその他の静物画の人気は、すぐにオランダからフランドルやドイツ、そしてスペイン[ 41 ]やフランスにも広まりました。
オランダでは静物画の生産量が膨大で、特に北ヨーロッパに広く輸出された。イギリスではほとんど生産されなかった。ドイツの静物画はオランダのモデルに忠実に従った。ゲオルク・フレーゲルは人物を描かない純粋な静物画の先駆者であり、キャビネット、食器棚、陳列ケースの中に詳細な物を配置し、複数の視点を同時に表現するという構図上の革新を生み出した。[ 42 ]
スペイン美術において、ボデゴンとは、食料、狩猟肉、飲み物などの食料品をシンプルな石板の上に並べた静物画、あるいは、台所や居酒屋を舞台に、1人以上の人物が描かれているものの、重要な静物要素を持つ絵画を指す。バロック時代に始まり、このような絵画は17世紀第2四半期にスペインで人気を博した。静物画の伝統は、南ヨーロッパよりも、当時の低地諸国（現在のベルギーとオランダ、当時のフランドルとオランダの画家たち）で始まり、はるかに人気があったようだ。北方の静物画には多くのサブジャンルがあり、朝食の作品はトロンプルイユ、花束、ヴァニタスによってさらに充実していた。
スペインでは、このような絵画のパトロンははるかに少なかったが、テーブルの上に数点の食べ物や食器を置いた朝食の絵が人気を博した。スペインの静物画は、ボデゴネスとも呼ばれ、簡素なものであった。それは、装飾的で豪華な布やガラス製品に囲まれた豪華な宴会を描いたオランダの静物画とは異なっていた。スペインの絵画に描かれる獲物は、皮を剥がされるのを待っているだけの、ただの死んだ動物であることが多い。果物や野菜は調理されていない。背景は、荒涼とした、あるいは簡素な木製の幾何学的なブロックで、しばしばシュールレアリスム的な雰囲気を醸し出している。オランダとスペインの静物画には、しばしば道徳的な目的が込められていたが、スペインの高原の荒涼とした風景に似ているとされる簡素さは、オランダの静物画の官能的な喜び、豊かさ、贅沢さを拒否しているように見える。[ 44 ]
イタリアの静物画（イタリア語ではナトゥーラ・モルタ、「死んだ自然」と呼ばれる）の人気が高まっていたにもかかわらず、歴史的には歴史、宗教、神話の主題を描いた「壮大な様式」の絵画よりも評価が低かった。一方で、成功したイタリアの静物画家は当時、十分な後援者を得ていた。[ 45 ]さらに、女性画家は少数であったが、静物画を描くことを選んだり、あるいは静物画に限定されたりすることが多かった。ジョヴァンナ・ガルツォーニ、ラウラ・ベルナスコニ、マリア・テレサ・ファン・ティーレン、フェデ・ガリツィアは注目すべき例である。
他のジャンルの多くの著名なイタリア人画家も、静物画を制作しました。特にカラヴァッジョは、影響力のある自然主義の形式を静物画に適用しました。彼の「果物の籠」 （1595年頃～ 1600年）は、精緻に描かれ、目線の高さに設定された、純粋な静物画の最初の例の1つです。[ 46 ]この絵は、明らかに象徴的ではありませんが、フェデリコ・ボッロメオ枢機卿が所有しており、宗教的および美的理由の両方で評価された可能性があります。ヤン・ブリューゲルも枢機卿のために「ミラノの大花束」（1606年）を描き、「すべて自然から作った」と述べ、追加の労力に対して追加料金を請求しました。[ 47 ]これらは、枢機卿のコレクションにある多くの静物画の1つであり、彼の膨大な骨董品コレクションに加えてのものでした。イタリアの静物画の中でも、ベルナルド・ストロッツィの『料理人』はオランダ風の「台所の情景」であり、料理人と彼女が調理している狩猟鳥の両方を詳細に描いた作品である。[ 48 ]同様に、レンブラントの珍しい静物画の一つである『死んだ孔雀を持つ少女』は、同様に共感的な女性像と狩猟鳥のイメージを組み合わせている。[ 49 ]
カトリックのイタリアとスペインでは、純粋なヴァニタス絵画は稀で、静物画の専門家ははるかに少なかった。南ヨーロッパでは、北ヨーロッパのスタイルと比較して、カラヴァッジョの柔らかな自然主義がより多く用いられ、超写実主義への重点は少なかった。[ 50 ]フランスでは、静物画家（nature morte）は、オランダのヴァニタス絵画とスペインの簡素な構成を取り入れ、北ヨーロッパと南ヨーロッパの両方の流派の影響を受けていた。[ 51 ]
18世紀は、17世紀の様式を大部分において洗練させ続け、生産量は減少した。ロココ様式では、花模様の装飾が磁器、壁紙、布地、彫刻が施された木製家具に広く用いられるようになり、絵画には対比として人物が描かれている方が好まれた。変化の一つは、フランスの画家たちの間で新たな熱意が芽生えたことであり、彼らは今や著名な芸術家の大部分を占めるようになった一方、イギリス人は輸入に満足していた。ジャン＝バティスト・シャルダンは、オランダ黄金時代の巨匠たちの作風を継承しつつ、19世紀の構図に大きな影響を与えることになる、非常に繊細なスタイルで、食べ物や物を小さくシンプルに描いた。狩猟小屋では、死んだ獲物を題材とした作品が引き続き人気があり、多くの専門家は生きた動物も題材として描いた。ジャン＝バティスト・ウードリーは、毛皮や羽毛の質感の見事な描写と、それらを際立たせるシンプルな背景（多くの場合、石灰で塗られた食料庫の壁の真っ白な壁）を組み合わせた。
18世紀までに、多くの場合、静物画の宗教的および寓意的な意味合いはなくなり、食卓の絵画は、日常の食べ物を描いた、さまざまな色と形の計算された描写へと進化しました。フランスの貴族は、オランダの先人たちの道徳的なヴァニタスのメッセージなしに、食卓を飾る豊かで贅沢な静物画を描くために画家を雇いました。ロココの技巧への愛は、フランスでトロンプ・ルイユ（フランス語で「目を欺く」）絵画への評価の高まりにつながりました。ジャン＝バティスト・シャルダンの静物画は、オランダ風の写実主義からより柔らかな調和まで、さまざまな技法を使用しています。[ 52 ]
アンヌ・ヴァラエ＝コステルの作品の大部分は、17世紀から18世紀にかけて発展した静物画の表現方法に捧げられていた。[ 53 ]これらの世紀において、静物画というジャンルは階層の最下位に位置づけられていた。ヴァラエ＝コステルの絵画には、人を惹きつける独特の魅力があった。それは、「大胆で装飾的な構図の線、豊かな色彩と模造された質感、そして自然物と人工物の両方を含む多種多様な対象物を描写する際に彼女が成し遂げた錯視の妙技」[ 53 ]であり、これが王立アカデミーや彼女の絵画を購入した多くの収集家の注目を集めた。芸術と自然とのこのような相互作用は、オランダ、フランドル、フランスの静物画ではごく一般的であった。 [ 53 ]彼女の作品には、ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダンや、より高く評価されている17世紀のオランダの巨匠たちの明らかな影響が見られるが、ヴァラエ＝コステールのスタイルを他の静物画家たちと一線を画しているのは、写実的なイリュージョニズムと装飾的な構図構造を融合させる彼女独自の方法である。[ 53 ] [ 54 ]
18世紀末とフランス王政の崩壊は、ヴァラエ＝コステールの静物画の「時代」に終止符を打ち、彼女の新しい花のスタイルへの扉を開いた。[ 55 ]これが彼女のキャリアのハイライトであり、彼女が最もよく知られているものであると主張されている。しかし、花の絵は彼女のキャリアにとって無益であったという主張もある。それでも、このコレクションには油彩、水彩、グワッシュによる花の習作が含まれている。[ 55 ]
ヨーロッパのアカデミー、中でもアカデミック美術の中心を担ったアカデミー・フランセーズの台頭に伴い、静物画は次第に人気を失っていった。アカデミーは「ジャンルの階層」（あるいは「主題の階層」）という教義を説き、絵画の芸術的価値は主にその主題に基づくとした。アカデミックな体系において、絵画の最高峰は歴史的、聖書的、あるいは神話的な意義を持つイメージであり、静物画は芸術的評価の最下位に位置づけられた。ジョン・コンスタブルやカミーユ・コローといった一部の画家は、静物画で自然を讃える代わりに、風景画をその目的に用いた。
1830年代までに新古典主義が衰退し始めると、写実主義とロマン主義の芸術革命の中心は風俗画と肖像画になった。その時代の偉大な画家の多くは、作品の中に静物画を取り入れた。フランシスコ・ゴヤ、ギュスターヴ・クールベ、ウジェーヌ・ドラクロワの静物画は強い感情の流れを伝え、正確さよりも雰囲気を重視している。[ 56 ]シャルダンの初期の静物画を模範としているものの、エドゥアール・マネの静物画は強い色調を持ち、明らかに印象派に向かっている。アンリ・ファンタン＝ラトゥールは、より伝統的な技法を用い、精緻な花の絵で有名で、コレクターのために静物画を描くことでほぼ専ら生計を立てていた。[ 57 ]
しかし、ヨーロッパにおけるアカデミックな階層構造が最終的に衰退し、印象派とポスト印象派の画家たちが台頭するまで、技法と色彩の調和が主題に勝ることはなく、静物画が再び画家たちによって熱心に制作されるようになったのは、それ以降のことである。クロード・モネは初期の静物画においてファンタン＝ラトゥールの影響を示しているが、暗い背景という伝統を最初に打ち破った画家の一人であり、ピエール＝オーギュスト・ルノワールも『花束と扇のある静物』（1871年）で明るいオレンジ色の背景を用いてこの伝統を捨て去っている。印象派の静物画には、寓意的、神話的な内容は完全に欠如しており、緻密な筆致も見られない。印象派は代わりに、大胆な筆致、明度、色彩配置の実験に重点を置いた。印象派とポスト印象派は自然の色彩構成からインスピレーションを得たが、独自の色彩調和で自然を再解釈し、時には驚くほど非自然的なものとなった。ゴーギャンが述べたように、「色彩にはそれぞれ意味がある」[ 58 ]。ギュスターヴ・カイユボットの「台に並べられた果物」のように、タイトなトリミングやハイアングルを用いるなど、遠近法のバリエーションも試みられている。この絵は当時、「鳥瞰図で果物を並べた絵」として嘲笑された。[ 59 ]
フィンセント・ファン・ゴッホの「ひまわり」シリーズは、19世紀の静物画の中でも特に有名な作品の一つです。ファン・ゴッホは主に黄色の色調と比較的平坦な表現を用いて、静物画の歴史に記憶に残る貢献をしました。彼の「ドローイングボードのある静物」（1889年）は、静物画の形式で描かれた自画像で、ファン・ゴッホは自身の姿は描かずに、パイプ、シンプルな食べ物（玉ねぎ）、インスピレーションを与えてくれる本、弟からの手紙など、私生活の多くの品々をテーブルの上に並べています。彼はまた、ヴァニタス絵画の独自の解釈である「開いた聖書、ろうそく、本のある静物」（1885年）も描きました。[ 58 ]
独立戦争時代の米国では、海外で訓練を受けたアメリカ人画家たちがヨーロッパの様式をアメリカの肖像画や静物画に取り入れた。チャールズ・ウィルソン・ピールは著名なアメリカ人画家の一族を築き、アメリカ美術界の主要人物として、芸術家の養成協会や有名な自然珍品博物館も設立した。彼の息子ラファエル・ピールは、ジョン・F・フランシス、チャールズ・バード・キング、ジョン・ジョンストンらとともに、初期のアメリカの静物画家の一人だった。[ 60 ] 19世紀後半には、マーティン・ジョンソン・ヒードが、花や鳥を模擬的な屋外環境に配置した、生息地または生物群集の絵画のアメリカ版を導入した。[ 61 ]この時期には、ジョン・ハーバーレ、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・フレデリック・ペトらによって制作されたアメリカのトロンプルイユ絵画も隆盛を極めた。ペトはノスタルジックな壁掛け棚の絵を専門としていたが、ハーネットは身近な物を通してアメリカの生活を絵画的に称賛することで、超写実主義の最高レベルを達成した。[ 62 ]
20世紀最初の40年間は、類まれな芸術的激動と革命の時代であった。前衛芸術運動は急速に発展し、互いに重なり合いながら、非具象的で完全な抽象へと向かっていった。静物画をはじめとする具象芸術は、世紀半ばまで進化と変化を続け、ジャクソン・ポロックのドリッピング絵画に代表されるような完全な抽象表現によって、あらゆる認識可能な要素が排除された。
20世紀は、美術界でいくつかの潮流が台頭するとともに始まった。1901年、ポール・ゴーギャンは、11年前に亡くなった友人ゴッホへのオマージュとして『ひまわりのある静物』を描いた。ピエール・ボナールやエドゥアール・ヴュイヤールを含むナビ派として知られるグループは、ゴーギャンの調和理論を取り入れ、日本の浮世絵から着想を得た要素を静物画に加えた。フランスの画家オディロン・ルドンもこの時期に、特に花を題材とした注目すべき静物画を描いた。[ 63 ]
アンリ・マティスは、静物画の描写をさらに簡略化し、鮮やかな色彩で塗りつぶされた大胆で平坦な輪郭線のみにまで縮小しました。また、遠近法を簡略化し、多色の背景を導入しました。[ 64 ]彼の静物画の中には、『ナスのある静物』のように、テーブル上の物が部屋の残りの部分を埋め尽くす他の色彩豊かな模様の中にほとんど埋もれてしまっているものもあります。[ 65 ]モーリス・ド・ヴラマンクやアンドレ・ドランなど、フォーヴィスムの他の代表者たちは、静物画において純粋な色彩と抽象性をさらに探求しました。
ポール・セザンヌは、静物画の中に、幾何学的な空間構成における革新的な探求のための完璧な手段を見出した。セザンヌにとって、静物画は絵画を写実的あるいは模倣的な機能から、色彩、形態、線といった要素を独立して示す機能へと移行させるための主要な手段であり、抽象芸術への大きな一歩となった。さらに、セザンヌの実験は、20世紀初頭のキュビスムの静物画の発展に直接的に繋がったと見ることができる。[ 66 ]
セザンヌの平面と軸の転換を取り入れたキュビスムは、フォーヴィスムの色彩を抑え、代わりに物体を純粋な幾何学的形態と平面に分解することに焦点を当てた。1910年から1920年にかけて、パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラック、フアン・グリスといったキュビスムの画家たちは、楽器を含む静物画を数多く描き、静物画を芸術革新の最前線に、ほぼ初めて押し上げた。静物画は、ピカソの楕円形の「籐張りの椅子のある静物」（1912年）のような、最初の総合的キュビスムのコラージュ作品の主題でもあった。これらの作品では、静物画の物体が重なり合い、混ざり合い、かろうじて識別可能な二次元形態を保ち、個々の表面の質感を失い、背景に溶け込んでいく。これは、伝統的な静物画の目的とはほぼ正反対の目的を達成している。[ 67 ]フェルナン・レジェの静物画は、豊かな余白と色鮮やかで明確な輪郭を持つ重なり合う幾何学的形状を用いることで、より機械的な効果を生み出した。[ 68 ]
キュビスムによる空間の平面化を拒否したマルセル・デュシャンとダダ運動の他のメンバーは、根本的に異なる方向へ進み、3Dの「既製品」の静物彫刻を制作した。静物に何らかの象徴的な意味を取り戻す一環として、未来派とシュルレアリストは、夢のような風景の中に認識可能な静物を配置した。ジョアン・ミロの静物画では、物体は重さがなく、軽く示唆された2次元空間に浮かんでいるように見え、山さえも単純な線で描かれている。[ 66 ]この時期のイタリアでは、ジョルジョ・モランディが静物画の第一人者であり、日常のボトルや台所用品を描写するさまざまなアプローチを探求した。[ 69 ]詳細でありながら曖昧なグラフィックで最もよく知られているオランダの芸術家MCエッシャーは、伝統的なオランダのテーブル静物画を現代的にアレンジした「静物と通り」 （1937年）を制作した。[ 70 ]イギリスでは、エリオット・ホジキンが、非常に緻密な静物画にテンペラを使用していた。
20世紀のアメリカ人芸術家たちがヨーロッパのモダニズムに気づくと、彼らは静物画をアメリカ的リアリズムとキュビスム由来の抽象表現を融合させた形で描き始めた。この時期のアメリカの静物画の代表例としては、ジョージア・オキーフ、スチュアート・デイヴィス、マースデン・ハートレーの絵画、そしてエドワード・ウェストンの写真が挙げられる。オキーフの超クローズアップで描かれた花の絵画は、花びらや葉の物理的な構造と感情的なニュアンスを、かつてないほど鮮明に描き出している。
メキシコでは、1930年代からフリーダ・カーロをはじめとする芸術家たちが、地元の食べ物や文化的なモチーフを静物画に取り入れた独自のシュルレアリスムを生み出した。[ 71 ]
1930年代から始まった抽象表現主義は、静物画を形と色の生々しい描写へと大幅に縮小し、1950年代には完全な抽象が美術界を席巻しました。しかし、1960年代と1970年代のポップアートは、この流れを逆転させ、新しい形の静物画を生み出しました。ポップアートの多くは（アンディ・ウォーホルの「キャンベルのスープ缶」など）静物画を基にしていますが、その真の主題は、物理的な静物画そのものよりも、表現された商業製品の商品化されたイメージであることが多いのです。ロイ・リキテンスタインの「金魚鉢のある静物」（1972年）は、マティスの純粋な色彩とウォーホルのポップな図像を組み合わせています。ウェイン・ティーボーの「ランチテーブル」（1964年）は、ある家族のランチではなく、標準化されたアメリカ料理の組み立てラインを描いています。[ 72 ]
ジャスパー・ジョーンズを含むネオ・ダダ運動は、ジョーンズの《ペイント・ブロンズ》（1960年）や《愚者の家》 （1962年）のように、デュシャンの日常的な家庭用品の三次元表現に立ち返り、独自の静物画を制作した。[ 73 ]抽象画家として出発したアヴィグドル・アリハは、ピエト・モンドリアンの教えを静物画にも他の作品にも取り入れた。彼は古い巨匠の伝統と再び結びつきながら、一回のセッションで自然光の下で制作することで、主題が驚くべき視点から現れることが多かったモダニズムの形式主義を達成した。
20世紀の静物画の発展に大きく貢献したのは、セルゲイ・オチポフ、ヴィクトル・テテリン、エフゲニア・アンティポワ、ゲヴォルク・コティアンツ、セルゲイ・ザハロフ、タイシア・アフォニナ、マヤ・コピツェワなどのロシアの画家たちである。[ 74 ]
対照的に、 1970年代のフォトリアリズムの台頭は、ポップアートが提唱した物体、イメージ、商業製品の融合というメッセージの一部を保持しつつ、イリュージョニスティックな表現を再主張した。この点において、ドン・エディやラルフ・ゴーイングスの絵画は典型的である。
20世紀から21世紀にかけて、静物画の概念は、絵画という伝統的な二次元芸術形式を超えて、ビデオアートや彫刻、パフォーマンス、インスタレーションといった三次元芸術形式へと拡張されてきました。ミクストメディアの静物画の中には、既成のオブジェ、写真、ビデオ、サウンドを用いたものもあり、ギャラリーの天井から床まで広がり、部屋全体を埋め尽くすものもあります。ビデオを通して、静物画家は鑑賞者を作品に取り込んできました。コンピュータ時代の到来とともに、コンピュータアートやデジタルアートが登場し、静物画の概念にもデジタル技術が取り入れられるようになりました。コンピュータグラフィックスは、静物画家が利用できる技術の可能性を大きく広げました。3Dコンピュータグラフィックスや、3Dフォトリアリスティック効果を備えた2Dコンピュータグラフィックスは、合成静物画像を生成するために使用されます。例えば、グラフィックアートソフトウェアには、透明レイヤー上の2Dベクターグラフィックスや2Dラスターグラフィックスに適用できるフィルターが含まれています。ビジュアルアーティストは、フィルターを使用せずに手動でフォトリアリスティック効果をレンダリングするために、3D効果をコピーまたは視覚化してきました。
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