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描画とは、道具を用いて紙やその他の二次元平面、あるいはそれらのデジタル表現に印をつける視覚芸術である。伝統的に、描画に用いられる道具には鉛筆、クレヨン、インクペンなどがあり、これらを組み合わせて使うこともある。より現代的な道具としては、スタイラスペン、マウス、グラフィックタブレット、そして仮想現実描画ソフトウェアにおけるゲームパッドなどが挙げられる。
描画用具は、表面に少量の材料を放出し、目に見える跡を残します。描画用具には、ペン、鉛筆、パステル、クレヨン、マーカー、色鉛筆、水彩絵具など、多くの種類があります。描画に最もよく使われる支持体は紙ですが、厚紙、羊皮紙、木材、プラスチック、革、キャンバス、板などの他の材料も使われてきました。一時的な描画は、黒板やホワイトボードに描くことができます。描画は、人類の歴史を通じて、公共の表現手段として人気があり、基本的なものでした。それは、アイデアを伝える最もシンプルで効率的な手段の1つです。[ 1 ]描画用具が広く利用できるため、描画は最も一般的な芸術活動の1つとなっています。
より芸術的な形式に加えて、描画は商業イラストレーション、アニメーション、建築、エンジニアリング、および技術製図で頻繁に使用されます。完成品として意図されていない、素早いフリーハンドの描画は、スケッチと呼ばれることがあります。技術製図を実践または作業するアーティストは、ドラフター、ドラフトマン、またはドラフトマンと呼ばれることがあります。[ 2 ]
描画は、視覚芸術における人間の表現の最も古い形態の 1 つです。一般的に、描画は紙やその他の素材に線や色の領域をマークすることに関係しており、視覚世界の正確な表現が平面上に表現されます。[ 3 ]伝統的な描画はモノクロ、または少なくとも色はほとんどありませんでしたが、[ 4 ]現代の色鉛筆による描画は、描画と絵画の境界に近づいたり、境界を越えたりすることがあります。西洋の用語では、描画は絵画とは区別されますが、両方の作業で類似の媒体が使用されることがよくあります。チョークなど、通常は描画に関連付けられる乾燥した媒体は、パステル画に使用されることがあります。描画は、筆やペンで塗布される液体媒体を使用して行うことができます。描画に筆を使用することは非常に一般的であり、ここでは、線とハッチングを使用するプロセスが何かを描画として特徴づけます。同様の支持体も同様に両方に使用できます。絵画は一般的に、準備されたキャンバスまたはパネルに液体の絵具を塗布することを含みますが、同じ支持体に最初に下絵が描かれることもあります。
絵画以外の何物も目指さない、それ自体を目的とする自律的な芸術形式としての描画の概念は、絵画を支配する造形的な性質と原理についての芸術家や美術愛好家の間の議論から生まれた。17世紀の「色彩論争」は、色彩の支持者と描画の支持者との対立であった。これらの議論において、「描画」は技法と媒体の両方から独立したものとして理解されていた。それは主に、レオナルド・ダ・ヴィンチが有名にしたように、色彩のある表面とその変化とは対照的に、対象の輪郭線を指していた。[ 5 ]
描画はしばしば探求的なものであり、観察、問題解決、構図に重点が置かれる。また、描画は絵画の準備段階でも頻繁に用いられるため、両者の区別はさらに曖昧になる。こうした目的で作成された描画はスケッチと呼ばれる。
描画にはいくつかの種類があり、以下のようなものがあります。
描画方法も数多くあり、例えば以下のようなものがあります。
美術以外の分野では、建築物、機械、回路図などの技術図面や設計図は、印刷によって別の媒体に転写された場合でも、「図面」と呼ばれることが多い。
絵を描くことは、人間の表現方法の中でも最も古い形態の一つであり、その存在は文字によるコミュニケーションよりも古い時代にまで遡ります。[ 6 ]絵を描くことは、文字言語の発明以前には特殊なコミュニケーション手段として用いられていたと考えられており、[ 6 ] [ 7 ]約3万年前の洞窟壁画や岩絵（旧石器時代後期の芸術）の制作によってそれが証明されています。[ 8 ] これらの絵はピクトグラムとして知られ、物体や抽象的な概念を描いていました。[ 9 ]新石器時代に描かれたスケッチや絵画は、やがて様式化され、簡略化されて記号体系（原文字）となり、最終的には初期の文字体系へと発展しました。
ヨーロッパで紙が広く普及する以前は、ヨーロッパの修道院の修道士たちは、羊皮紙やベラム紙に描かれた装飾写本の下絵として、あるいは最終的な図案として、絵を用いていました。絵は科学の分野でも、発見、理解、説明の方法として広く用いられてきました。
観察結果を図に描くことは、科学研究の重要な一部である。
1609年、天文学者のガリレオ・ガリレイは、望遠鏡による観測図を通して、金星の満ち欠けや太陽黒点の変化を説明した。 [ 10 ] 1924年、地球物理学者のアルフレッド・ウェゲナーは、図解を用いて大陸の起源を視覚的に説明した。[ 10 ]
絵を描くことは、アイデアを視覚化し、創造性を表現する最も簡単な方法の 1 つです。そのため、絵は芸術の世界で重要な位置を占めてきました。歴史の大部分において、絵は芸術的実践の基礎とみなされていました。[ 11 ]当初、芸術家は絵を描くために木製の板を繰り返し使用していました。[ 12 ] 14 世紀に紙が広く普及すると、芸術における絵の使用が増加しました。この時点で、絵は思考と調査のためのツールとして一般的に使用され、芸術家が最終作品の準備をする間の研究媒体として機能しました。[ 13 ] [ 14 ]ルネサンスは描画技術に大きな洗練をもたらし、芸術家は以前よりも物事をよりリアルに表現できるようになり、[ 15 ]幾何学と哲学への関心が明らかになりました。[ 16 ]
広く普及した最初の写真技術の発明は、芸術のヒエラルキーの変化をもたらした。[ 17 ]写真は、視覚現象を正確に表現する方法として描画に代わるものを提供し、特に西洋社会では、伝統的な描画の実践は芸術家にとって不可欠なスキルとしてあまり重視されなくなった。[ 10 ]
素描は15世紀後半頃から芸術形式として重要視されるようになり、アルブレヒト・デューラーやマルティン・ショーンガウアー（1448年頃- 1491年）といった芸術家や巨匠の彫刻家が登場しました。ショーンガウアーは名前が知られている最初の北方の彫刻家です。アルザス出身で、金細工師の家系に生まれました。次の世代の巨匠であるアルブレヒト・デューラーもまた、金細工師の息子でした。[ 18 ] [ 19 ]
オールドマスターの素描は、制作された国の歴史や当時の国民の基本的な特徴を反映していることが多い。17世紀のプロテスタントの国オランダでは、宗教的な美術作品はほとんどなく、国王や宮廷がなかったため、ほとんどの美術品は個人で購入されていた。風景画や風俗画は、スケッチではなく、高度に完成された芸術作品として見なされることが多かった。しかし、イタリアの素描には、芸術の後援において大きな役割を果たしたカトリックと教会の影響が見られる。フランスの素描にも同様のことが言えることが多いが、17世紀のフランス古典主義[ 20 ]の規律により、素描はより自由なイタリアの素描に比べてバロック的ではなく、より動きのある感覚を伝えていた[ 21 ] 。
20世紀のモダニズムは「想像力豊かな独創性」[ 22 ]を奨励し、一部のアーティストの描画へのアプローチは写実的ではなく、より抽象的になった。パブロ・ピカソ、アンディ・ウォーホル、ジャン＝ミシェル・バスキアなどの世界的に有名なアーティストは、描画を制作の中心に据え、伝統的な技法を再解釈することで、現状に挑戦するのに貢献した。[ 23 ]
バスキアのドローイングは、インク、鉛筆、フェルトペンやマーカー、オイルスティックなど、さまざまな媒体で制作され、ドア、衣服、冷蔵庫、壁、野球のヘルメットなど、手近にあるあらゆる表面に描かれた。[ 24 ]
何世紀にもわたり、それぞれ独自の描画言語を持つ著名な芸術家や製図家が数多く輩出されてきた。その中には以下のような人物が含まれる。
描画媒体は、インク、顔料、または色を描画面に塗布する手段です。ほとんどの描画媒体は、乾燥しているもの（例：グラファイト、木炭、パステル、コンテ、シルバーポイント）か、液体溶剤またはキャリアを使用するもの（マーカー、ペンとインク）です。水彩色鉛筆は、通常の鉛筆のように乾いた状態で使用し、濡れた筆で湿らせてさまざまな絵画的効果を得ることができます。ごくまれに、アーティストは（通常は解読された）不可視インクで描画したことがあります。メタルポイント描画は通常、銀または鉛を使用します。[ 26 ]金、プラチナ、銅、真鍮、青銅、錫ポイントは、あまり使用されません。
紙にはさまざまなサイズと品質があり、新聞用紙グレードから、1枚ずつ販売される高品質で比較的高価な紙まであります。[ 27 ]紙は、質感、色相、酸性度、濡れたときの強度が異なります。滑らかな紙は細かいディテールを表現するのに適していますが、より「ざらざらした」紙は描画材料をよりよく保持します。したがって、より粗い素材は、より深いコントラストを生み出すのに役立ちます。
新聞紙やタイプ用紙は、練習やラフスケッチに便利です。トレーシングペーパーは、未完成の絵の上で実験したり、デザインをある紙から別の紙に転写したりするのに使われます。カートリッジペーパーは、パッド状で販売されている基本的な画用紙です。ブリストルボードや、さらに厚手の無酸性ボード（多くの場合、表面が滑らか）は、細かい部分を描くのに適しており、水性画材（インク、水彩絵具）を塗布しても歪みません。ベラム紙は非常に滑らかで、非常に細かい部分を描くのに適しています。コールドプレス水彩紙は、その質感からインク画に好まれる場合があります。
無酸性で保存性に優れた紙は、新聞紙などの木材パルプを原料とする紙に比べて、色や質感をはるかに長く保ちます。新聞紙はすぐに黄ばんだり、もろくなったりします。
基本的な道具は、製図板またはテーブル、鉛筆削り、消しゴム、そしてインク画の場合は吸取紙です。その他に、コンパス、定規、三角定規なども使用します。定着剤は、鉛筆やクレヨンの跡がにじむのを防ぐために使用されます。製図テープは、紙を製図面に固定したり、スプレーや飛び散った材料、水彩絵の具などの偶発的な跡が付かないようにマスキングしたりするのに使用されます。イーゼルまたは傾斜テーブルは、製図面を適切な位置に保つために使用され、一般的に絵画で使用する位置よりも水平に近い位置になります。
ほとんどすべての製図者は、口や足で絵を描く一部の障害者を除いて、手や指を使って画材を塗布します。[ 28 ]
作品制作に取りかかる前に、アーティストは通常、様々な画材の特性を探求します。練習用紙に様々な描画道具を試用し、明暗や質感、そして道具をどのように使って様々な効果を生み出すかを確認します。
描画ストロークの選択は、画像の見た目に影響します。ペンとインクの描画では、平行線のグループであるハッチングがよく使用されます。 [ 29 ]クロスハッチングは、2 つ以上の異なる方向でハッチングを使用して、より暗いトーンを作成します。途切れ途切れのハッチング、つまり断続的な途切れのある線は、より明るいトーンを形成し、途切れの密度を制御することでトーンのグラデーションを実現します。点描は、ドットを使用してトーン、テクスチャ、および陰影を作成します。トーンを構築するために使用される方法に応じて、さまざまなテクスチャを実現できます。[ 30 ]
乾性画材を用いた描画では、鉛筆や描画棒を使うことで濃淡を連続的に変化させることができるものの、同様の技法がよく用いられます。一般的に、描画は利き手に合わせて塗りつぶされます。右利きの画家は、絵がにじむのを避けるため、左から右へと描きます。消しゴムは、不要な線を消したり、色調を明るくしたり、余分な線をきれいにしたりするのに使えます。スケッチや輪郭線画では、描かれた線は被写体の輪郭に沿って描かれることが多く、画家の位置にある光によってできた影のように見えることで奥行きが生まれます。
アーティストは、画像の一部をそのまま残し、残りの部分を塗りつぶすことがあります。残したい部分の形状は、マスキング液で塗るか、マスキングシートを切り抜いて描画面に貼り付けることで、マスキングを剥がすまで描画面を汚れから保護できます。
画像の一部を保存する別の方法として、表面に定着剤をスプレーする方法があります。これにより、剥がれやすい素材が紙にしっかりと固定され、にじみを防ぎます。ただし、定着剤スプレーには通常、呼吸器系に害を及ぼす可能性のある化学物質が含まれているため、屋外など換気の良い場所で使用する必要があります。
陰影表現とは、紙面の濃淡を変化させることで、素材の色合いや影の位置を表現する技法です。反射光、影、ハイライトに細心の注意を払うことで、非常にリアルな描写が可能になります。
ブレンディングとは、道具を使って元の描画ストロークを柔らかくしたり広げたりする技法です。ブレンディングは、グラファイト、チョーク、木炭など、すぐに定着しない画材を使うと最も簡単にできますが、インクを塗ったばかりの場合でも、乾いた状態でも、ぼかすことで効果を出すことができます。陰影をつけたりブレンディングしたりするために、画家はブレンディングスティック、ティッシュ、練り消しゴム、指先、またはこれらの組み合わせを使うことができます。セーム革は、滑らかな質感を作り出したり、素材を取り除いてトーンを明るくしたりするのに役立ちます。滑らかな表面にグラファイトで連続的なトーンを出すには、ブレンディングは不要ですが、この技法は手間がかかり、やや鈍い先端で小さな円形または楕円形のストロークを描く必要があります。
描画に質感を与える陰影技法には、ハッチングや点描などがあります。他にも様々な方法で質感を生み出すことができます。紙の種類に加え、描画材料や技法も質感に影響を与えます。質感は、対照的な質感の隣に描くことでよりリアルに見せることができます。例えば、粗い質感は、滑らかにブレンドされた部分の隣に描くとより際立ちます。同様の効果は、異なるトーンを近くに描くことでも得られます。暗い背景の隣にある明るいエッジは目を引き、まるで表面から浮いているように見えます。
描画の下書きをしながら対象の寸法を測ることは、対象をリアルに表現する上で重要なステップです。コンパスなどの道具を使って、さまざまな辺の角度を測ることができます。これらの角度を描画面に再現し、再度確認することで、正確さを確かめることができます。別の測定方法として、対象のさまざまな部分の相対的な大きさを比較する方法があり、これは比較測定と呼ばれます。描画道具上の特定の点に指を置いて、その寸法を画像内の他の部分と比較することができます。定規は、直線定規としてだけでなく、比率を計算するための道具としても使用できます。
人体のような複雑な形状を描こうとする場合、まず基本となる立体の組み合わせでその形状を表現すると便利です。ほとんどあらゆる形状は、立方体、球体、円柱、円錐のいずれかの組み合わせで表現できます。これらの基本となる立体を組み合わせて形ができたら、より正確で洗練された形に仕上げることができます。基本となる立体の線は削除され、最終的な形に置き換えられます。基礎となる構造を描くことは、写実的な芸術における基本的なスキルであり、多くの書籍や学校で教えられています。これを正しく適用することで、細かい部分に関するほとんどの不確実性が解消され、最終的な画像が一貫性のあるものになります。[ 32 ]
より洗練された人物デッサンは、解剖学と人体のプロポーションに関する深い理解を画家が持つことに依存します。熟練した画家は、骨格構造、関節の位置、筋肉の配置、腱の動き、そして動きの際に各部位がどのように連携して機能するかを熟知しています。これにより、画家は不自然に硬く見えない、より自然なポーズを描くことができます。また、特に肖像画を描く際には、被写体の年齢によってプロポーションがどのように変化するかについても理解しています。
線遠近法とは、平面上に物体を描写する際に、距離が離れるにつれて物体の大きさが縮小するように描く手法です。建物やテーブルなど、あらゆる物体の平行な直線状の辺は、最終的に消失点に収束する線に沿っています。建物は平面と水平に建てられるため、通常、この収束点は地平線上にあります。通り沿いの建物のように、複数の構造物が一直線に並んでいる場合、構造物の水平な上端と下端は、通常、消失点で収束します。
建物の正面と側面の両方を描くと、側面を形成する平行線が地平線上の第 2 点 (描画用紙の外にある場合もある) で収束します。これが 2 点透視図法です。[ 33 ]垂直線を地平線の上または下の第 3 点で収束させると、3 点透視図法になります。
奥行きは、上記の遠近法以外にも、いくつかの技法で表現できます。同じ大きさの物体は、見る人から遠ざかるほど小さく見えるはずです。例えば、荷車の後輪は前輪よりもわずかに小さく見えます。奥行きは、質感を用いることでも表現できます。物体の質感は、遠ざかるにつれて圧縮され、複雑になり、近くにある場合とは全く異なる様相を呈します。また、遠くにある物体のコントラストを下げ、色の彩度を低くすることでも奥行きを表現できます。これは大気中の霞の効果を再現し、視線を主に前景に描かれた物体に集中させる効果があります。
作品の構成は、芸術的に優れた興味深い作品を生み出す上で重要な要素です。アーティストは、鑑賞者にアイデアや感情を伝えるために、作品における要素の配置を計画します。構成は作品の焦点を決定づけ、美的に魅力的で刺激的な調和のとれた全体像を生み出すことができます。
被写体の照明も芸術作品を制作する上で重要な要素であり、光と影の相互作用はアーティストにとって貴重な表現手段です。光源の位置によって、作品が伝えるメッセージの種類は大きく変わります。例えば、複数の光源を用いることで、人物の顔のしわを消し去り、より若々しい印象を与えることができます。一方、強い自然光のような単一の光源は、質感や特徴を際立たせる効果があります。
物体や人物を描く際、熟練した画家はシルエットの内側の領域と外側の領域の両方に注意を払います。外側の領域はネガティブスペースと呼ばれ、人物そのものと同じくらい表現において重要な役割を果たすことがあります。人物の背景に配置された物体は、見える範囲であればどこにあっても適切に配置されているように見えるべきです。
習作とは、最終的なイメージを制作する準備として作成される下絵のことです。習作は、完成したイメージの特定の部分の見た目を決定したり、最終目標を達成するための最適なアプローチを試したりするために用いられます。しかし、丁寧に作られた習作はそれ自体が芸術作品となり得るものであり、完成までには何時間もの綿密な作業が必要となる場合もあります。
個人によって視覚的に正確な絵を描く能力に違いが見られるが、[ 34 ]視覚的に正確な絵とは、「特定の時間と特定の空間にある特定の物体として認識され、表現された物体には見えない視覚的詳細をほとんど追加せず、または視覚的詳細をほとんど削除せずに描かれたもの」である。[ 35 ]
調査研究では、なぜ人によって絵の上手さが異なるのかを説明することを目的としてきた。ある研究では、描画プロセスにおける4つの重要な能力として、描画に必要な運動能力、描画者自身の絵に対する認識、描画対象の認識、そして適切な表現上の判断を下す能力を挙げた。[ 35 ]この仮説に基づき、いくつかの研究では、これらのプロセスのうちどれが描画の正確さに最も影響を与えるかを結論づけようとしてきた。
運動制御は、描画プロセスの「制作段階」における重要な物理的要素である。[ 36 ]運動制御は描画能力に役割を果たしているが、その影響は大きくないと考えられている。[ 35 ]
描画プロセスにおいて、対象物を認識する個人の能力が最も重要な段階であると示唆されている。[ 35 ]この示唆は、知覚と描画能力の間に強い相関関係があることの発見によって裏付けられている。[ 37 ]
この証拠は、ベティ・エドワーズの絵の描き方に関する本『右脳で描く』の基礎となった。[ 38 ]エドワーズは、読者の知覚能力の発達に基づいて、読者に絵の描き方を教えることを目指した。
さらに、影響力のある芸術家であり美術評論家でもあるジョン・ラスキンは、著書『描画の要素』の中で、描画過程における知覚の重要性を強調した。[ 39 ]彼は、「十分に鋭敏に見れば、見たものを描くことはほとんど難しくない、と私はほぼ確信している」と述べた。
これは、視覚的に正確な絵を描く能力にも影響を与えることが示されています。短期記憶は、描画対象と描画自体との間で視線が移動するため、描画において重要な役割を果たします。[ 40 ]
アーティストと非アーティストを比較したいくつかの研究では、アーティストは描画中に戦略的に考える時間をより多く費やしていることがわかっています。特に、アーティストは、描画を進めるためのさまざまな仮説的な計画を検討するなど、「メタ認知」活動に多くの時間を費やしています。[ 41 ]
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