アメリカの視覚芸術

アメリカの視覚芸術、あるいはアメリカ美術は、アメリカ合衆国で制作された、あるいはアメリカの芸術家によって制作された視覚芸術である。植民地化以前は、ネイティブアメリカンの芸術の伝統が数多く栄えており、スペイン人が植民地化した地域では、スペイン植民地時代の建築や、それに付随する他の媒体のスタイルがすぐに定着した。東海岸の初期の植民地芸術は、当初はヨーロッパの芸術家に頼っており、ジョン・ホワイト（1540年 - 1593年頃）がその最古の例である。18世紀後半から19世紀初頭にかけて、芸術家は主に肖像画を描き、一部の風景画は主にイギリスの絵画に基づいたスタイルで描かれた。イギリスのスタイルを模倣した家具職人や同様の職人も主要都市に設立されたが、イギリスの植民地では、地元で作られた陶器は19世紀まで実用的なもののままであり、装飾的な製品は輸入されていた。

しかし、18世紀後半には、ベンジャミン・ウェストとジョン・シングルトン・コプリーという2人のアメリカ人芸術家が、当時最高の芸術形式と考えられていた歴史画の画家としてロンドンで最も成功した画家となり、西洋芸術における台頭の兆しを見せた。国内に残ったアメリカ人芸術家たちはますます熟練していったが、ヨーロッパではほとんど知られていなかった。19世紀初頭には芸術家を養成する基盤が整い始め、1820年からハドソン・リヴァー派が独創的でアメリカの風景の巨大なスケールにマッチしたロマンチックな 風景画を描き始めた。アメリカ独立戦争は愛国的な芸術、特に歴史画の需要を生み出し、一方で他の芸術家たちは辺境の国を記録した。アメリカの田舎で形成されつつあったのが、産業革命への反応として始まったアメリカン・クラフト運動である。

1850 年以降、ヨーロッパ風のアカデミック アートが栄え、裕福なアメリカ人が大金持ちになるにつれ、新旧のヨーロッパ アートがアメリカに流入し始め、この流れはそれ以来ずっと続いています。美術館が開設され、これらのアートの多くを展示するようになりました。ヨーロッパの近代アートの発展は、1913年のアーモリー ショーなどのニューヨーク市の展示会からアメリカにもたらされました。第二次世界大戦後、ニューヨークはパリに代わってアート界の中心地となりました。それ以来、多くのアメリカの運動がモダン アートやポストモダン アートを形作ってきました。今日のアメリカのアートは、非常に幅広いスタイルを網羅しています。

イギリス領アメリカを訪れた最初の画家の一人はジョン・ホワイト（1540年頃～1606年頃）で、東海岸のネイティブ・アメリカンの生活に関する重要な水彩画の記録を残しました（現在は大英博物館に所蔵）。ホワイトは探検隊の画家および地図製作者として初めてア​​メリカを訪れましたが、植民地時代の初期には、西洋のスタイルで訓練を受けた他の画家のほとんどは陸軍および海軍の士官であり、訓練には風景画のスケッチも含まれていました。やがてイギリス人の入植地は、ほとんどが肖像画家であり、その多くは独学であることが多いプロの画家を養えるほどに大きくなりました。

最も初期の人物には、ロンドン出身の芸術家ジョン・スマイバート(1688-1751) がいます。彼は美術教授になるつもりで 1728 年に移住しましたが、ボストンで肖像画家と版画商になりました。友人のピーター・ペルハムは画家と版画家でした。2 人とも別の収入源が必要で、店を経営していました。一方、後にアメリカ領となったスペイン領では、主に後期バロック様式の宗教芸術が見られ、そのほとんどは先住民の芸術家によるもので、先住民の文化ではさまざまな伝統にのっとった芸術が生み出され続けました。

1776年の独立宣言によりアメリカの国民的アイデンティティが正式に始まった後、新しい国家には歴史が必要となり、その歴史の一部は視覚的に表現されることになった。初期のアメリカ美術（18世紀後半から19世紀初頭）のほとんどは歴史画、特に肖像画である。植民地時代のアメリカと同様に、肖像画を専門とする画家の多くは基本的に独学であり、ジョセフ・バジャー、ジョン・ブリュースター・ジュニア、ウィリアム・ジェニーなどが有名である。若い国の芸術家たちは一般にイギリス美術のスタイルを模倣したが、それは彼らが版画や、ジョン・スミバート（1688年 - 1751年）やジョン・ウォラストン（1742年 - 1775年活動）などのイギリスで教育を受けた移民の絵画を通して知っていたからである。^[2]

植民地時代の未熟な画家ロバート・フェケ（1707–1752）は、スミバートを見習って洗練されたスタイルを作り上げました。^[3] チャールズ・ウィルソン・ピールは、初期の美術教育の多くをスミバートのヨーロッパ絵画の模写から学び、^[4]アメリカ独立戦争の重要人物の多くの肖像画を描きました。ピールの弟ジェームズ・ピールと、ピールの姪と息子6人（アンナ・クレイプール・ピール、サラ・ミリアム・ピール、ラファエル・ピール、レンブラント・ピール、ルーベンス・ピール、ティツィアーノ・ピール）も芸術家でした。ギルバート・スチュアートなどの画家は、新しく選出された政府高官の肖像画を描きました。^[1]これらは19世紀から20世紀初頭にかけてのさまざまな米国の切手に複製されて象徴的なものとなりました。^[5]

ジョン・シングルトン・コプリーは、ポール・リビア（1768年頃-1770年）の肖像画など、繁栄を増す商人階級の象徴的な 肖像画を描いた。彼の最も有名な絵画「ワトソンとサメ」（1778年）のオリジナル版は、ナショナル・ギャラリー^[6]のコレクションにあり、ボストン美術館には別のバージョンが、デトロイト美術館には3番目のバージョンがある。ベンジャミン・ウエストは肖像画のほか、フレンチ・インディアン戦争の歴史画を描いた。ウエストはロンドンでも活動し、ワシントン・オールストン^[7]、ラルフ・アール、ジェームズ・アール[ ^8]、サミュエル・モールス、チャールズ・ウィルソン・ピール、レンブラント・ピール、ギルバート・スチュアート、ジョン・トランブル、マザー・ブラウン、エドワード・サベージ、トーマス・サリー^[9]など、多くのアメリカ人芸術家が彼に師事した。ジョン・トランブルは、アメリカ独立戦争の大規模な戦闘シーンを描いた。風景画が描かれる場合、それはほとんどの場合、被写体が所有する財産の量を示すため、または肖像画の美しい背景として描かれました。

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  ジェレミア・テウス「 自由の女神の肖像」 1765年
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  ジョン・シングルトン・コプリー『ポール・リビア』、1768年頃～ 1770年、ボストン美術館
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  ベンジャミン・ウェスト『ペンとインディアンの条約』 1771-72年、フィラデルフィアのペンシルベニア美術アカデミー
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  ギルバート・スチュアート『スケーター』1782年、ナショナル・ギャラリー、ワシントンD.C.
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  チャールズ・ウィルソン・ピール、自画像、1782年～1785年頃、ヒューストン美術館
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  ジョン・トランブル『ケベック攻撃におけるモンゴメリー将軍の死、1775年12月31日、1786年』イェール大学美術館
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  マザー・ブラウン、『トーマス・ジェファーソンの肖像』、1786年、ナショナル・ポートレート・ギャラリー、ワシントン D.C.
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  エドワード・サヴェージ『ワシントン一家1789-1796』、ナショナル・ギャラリー、ワシントン D.C.
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  ラルフ・アール、オリバー・エルズワースとアビゲイル・ウォルコット・エルズワースの肖像、1792年、ワズワース・アセナウム
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  ジェームズ・ピール『芸術家とその家族』 1795年。ペンシルバニア美術アカデミー
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  ジョン・ブリュースター・ジュニア、母と息子（コネチカット州ダンベリーのルーシー・ナップ・マイガットと息子のジョージ）、1799年
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  レンブラント・ピール、『ゼラニウムを持つルーベンス・ピール』、1801年、ナショナル・ギャラリー、ワシントン D.C.
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  ワシントン・オールストン、「月明かりの風景」、1809年、ボストン美術館、マサチューセッツ州
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  マザー・ブラウン、自画像、1812年頃、アメリカ古物協会、マサチューセッツ州ウースター
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  ベンジャミン・ウェスト『空から電気を引くベンジャミン・フランクリン』、1816年頃、フィラデルフィア美術館
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  トーマス・サリー『デラウェア川の航路』1819年、ボストン美術館

米国で最初によく知られた絵画の流派であるハドソン川派は、1820 年に登場しました。トーマス・コールが先駆者となり、アルバート・ビアスタット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、トーマス・ダウティなど数人が参加しました。音楽や文学と同様に、この発展は、新世界が独自の主題を提供していることを芸術家が認識するまで遅れました。この場合、開拓地の西方への拡大により、辺境の風景の並外れた美しさが画家の注目を集めました。

ハドソン川沿いの画家たちの直接的でシンプルな視点は、ジョン・ケンセットやルミニスト、ジョージ・イネスやトーナリスト（アルバート・ピンカム・ライダーやラルフ・ブレイクロックなど）、そしてアメリカの田舎、海、山、そしてその近くに住む人々を描いたウィンスロー・ホーマー（1836年 - 1910年）といった後代の芸術家たちに影響を与え、刺激を与えました。

ハドソン川派の風景画家ロバート・S・ダンカンソンは、最初の重要なアフリカ系アメリカ人画家の一人でした。鳥類学者ジョン・ジェームズ・オーデュボンは、鳥を記録した絵画を制作し、初期の米国で最も重要な博物学芸術家の一人でした。彼の主要作品である「アメリカの鳥類」（1827-1839年）と題されたカラー版画のセットは、これまでに完成した鳥類学の作品の中でも最も優れた作品の1つと考えられています。エドワード・ヒックスは、米国のフォーク画家で、クエーカー教徒の著名な牧師でした。彼は絵画により クエーカー教徒の象徴となりました。

西部を描いた絵画は、その多くが土地の広大さとそこに住む原住民の文化を強調しており、これもまた独自のジャンルとなった。ジョージ・カトリンは西部とその人々を可能な限り正直に描写した。ジョージ・カレブ・ビンガム、後にフレデリック・レミントン、チャールズ・M・ラッセル、写真家のエドワード・S・カーティスらは、アメリカ西部の遺産と古き良きアメリカ西部を芸術を通して記録した。

歴史画は19世紀のアメリカ美術ではそれほど人気のなかったジャンルだが、ドイツ生まれのエマニュエル・ロイツェが描いた『デラウェア川を渡るワシントン』は最もよく知られたアメリカの絵画の一つである。ウィリアム・B・T・トレゴの歴史画と軍事画は彼の死後広く出版された（エドウィン・A・ピープルズによれば、「アメリカの歴史書でトレゴの絵が載っていないものはおそらくない」）。^[10]

19世紀の米国の肖像画家には、アミ・フィリップスのような訓練を受けていない画家や、トーマス・サリーやGPAヒーリーのようなヨーロッパの伝統に学んだ画家がいた。中流階級の都市生活は、妥協を許さない写実主義者であるトーマス・エイキンズ（1844-1916）のような画家によって支えられてきた。彼の揺るぎない正直さは、上流階級が好むロマンチックな感傷主義を打ち砕いた。その結果、彼は生前目立った成功を収めることはなかったが、その後、米国で最も重要な芸術家の一人として認められるようになった。^[11]彼の教え子の一人は、国際的な評価を得た最初のアフリカ系アメリカ人画家 ヘンリー・オサワ・タナーである。

トロンプ・ルイユ様式の静物画は主にフィラデルフィアで発祥し、ラファエル・ピール（ピール家の数人の芸術家の一人）、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・F・ピートなどがその代表的作品である。

その時代で最も成功したアメリカの彫刻家、ハイラム・パワーズは30代前半でアメリカを離れ、残りの人生をヨーロッパで過ごし、『誘惑されたイヴ』などの理想的な裸婦像に従来のスタイルを採用した。^[12] アメリカ人と見なされている重要な画家の何人かはヨーロッパで人生の大半を過ごしており、特にメアリー・カサット、ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、ジョン・シンガー・サージェントはフランス印象派の影響を受けていた。セオドア・ロビンソンは1887年にフランスを訪れ、モネと親しくなり、新しい技法を採用した最初のアメリカ人画家の一人となった。20世紀最後の数十年間には、チャイルド・ハッサムやフランク・W・ベンソンなどの芸術家によって実践されたアメリカ印象派が人気のスタイルとなった。

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  エドワード・ヒックス『平和な王国』 1834年頃、国立美術館
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  ジョン・J・オーデュボン『ワシントン・シー・イーグル』、1836年頃～1839年、スミソニアン・アメリカン美術館
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  ジョージ・カレブ・ビンガム『ミズーリ川を下る毛皮商人』1845年頃、メトロポリタン美術館
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  ジョージ・カトリン、『インディアンのボール遊び』 1846-1850年頃、スミソニアンアメリカ美術館
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  ジョージ・カレブ・ビンガム、『カンバーランド・ギャップを通る開拓者を護衛するダニエル・ブーン』、1851-52年
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  イーストマン・ジョンソン『自由への旅 - 逃亡奴隷たち』、油彩・板紙、1862年頃、ブルックリン美術館
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  フレデリック・エドウィン・チャーチ、「オーロラ」、1865年、スミソニアン・アメリカン美術館、ワシントン D.C.
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  ジョージ・イネス、アルバノ湖、1869年。フィリップス・コレクション
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  ジョン・ケンセット、『オールド・パイン』、コネチカット州ダリエン、1872年頃、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラー、『夜想曲：青と金 - オールド・バタシー橋』（1872年）、テート・ブリテン、ロンドン、イギリス
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  トーマス・エイキンズ『グロス・クリニック』1875年、フィラデルフィア美術館およびペンシルバニア美術アカデミー
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  ジョン・シンガー・サージェント『エドワード・ダーリー・ボイトの娘たち』1882年、ボストン美術館
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  アルバート・ピンカム・ライダー『水の無駄は彼らの畑』1880年代初頭、ブルックリン美術館
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  ラルフ・アルバート・ブレイクロック『月光』 1885年、ブルックリン美術館
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  アルバート・ピンカム・ライダー、『月光の海岸』、 1890年、フィリップス・コレクション、ワシントンD.C.
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  ラルフ・アルバート・ブレイクロック、『月光ソナタ』、1889-1892年、ボストン美術館
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  チャイルド・ハッサム『シーリア・サクスターの庭』1890年、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  フレデリック・レミントン、「同志を助ける」、1890年、ヒューストン美術館
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  チャールズ・M・ラッセル『バッファロー狩り』1899年、エイモン・カーター美術館
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  ウィンスロー・ホーマー『メキシコ湾流』1899年、キャンバスに油彩、 メトロポリタン美術館、ニューヨーク市

論争はすぐにアメリカの芸術家たちの生活様式となった。実際、1900 年以降のアメリカの絵画や彫刻の多くは、伝統に対する反抗の連続であった。「芸術的価値観などくそくらえ」とロバート・ヘンリー(1865-1929) は宣言した。彼は、都市生活の荒涼とした側面を描いたグループにちなんで評論家がアッシュカン派と呼んだ絵画のリーダーであった。

20 世紀初頭、アメリカのリアリズムはアメリカの視覚芸術家にとって新たな方向性となった。アッシュカンの画家ジョージ・ベローズ、エヴェレット・シン、ジョージ・ベンジャミン・ラックス、ウィリアム・グラッケンズ、ジョン・スローンらは、作品の中で社会意識の高いイメージを展開した画家たちである。写真家のアルフレッド・スティーグリッツ(1864-1946)は、写真という新たな芸術形式への道を切り開いた 写真分離運動を主導した。

すぐにアッシュカン派の芸術家たちは、ヨーロッパからやってきたモダニストたち、つまりニューヨーク市の291ギャラリーでスティーグリッツが推進したキュビズムや抽象画家たちに道を譲った。ジョン・マリン、マースデン・ハートリー、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、アーサー・B・カールズ、アーサー・ダブ、ヘンリエッタ・ショア、スチュアート・デイビス、ウィルヘルミナ・ウェーバー、スタントン・マクドナルド＝ライト、モーガン・ラッセル、パトリック・ヘンリー・ブルース、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフ、ジェラルド・マーフィーは、重要な初期アメリカのモダニスト画家たちである。アメリカの初期モダニスト彫刻家には、ウィリアム・ゾラック、エリー・ネーデルマン、ポール・マンシップがいる。フロリン・ステテイマーは、極めて個人的なフェイク・ナイーフ・スタイルを展開した。

第一次世界大戦後、多くのアメリカ人芸術家は、アーモリー・ショーやパリ派などのヨーロッパの影響から生まれた近代的傾向を拒否した。その代わりに彼らは、アメリカの都市や田舎の風景を描く際に、様々な（場合によってはアカデミックな）リアリズムのスタイルを採用することを選んだ。グラント・ウッド、レジナルド・マーシュ、ギー・ペーヌ・デュボア、チャールズ・シーラーは、それぞれ異なる方法でリアリズムの傾向を体現している。シーラーやモダニストのチャールズ・デムスとラルストン・クロフォードは、機械や建築形態をはっきりと描写したことから、プレシジョニストと呼ばれた。アンリに師事したエドワード・ホッパーは、光と形に集中し、あからさまな社会的内容を避けることで、独自のリアリズムのスタイルを生み出した。

第一次世界大戦後、サンタフェ鉄道が完成し、アメリカ人開拓者は西へ、遠くはカリフォルニア海岸まで旅することができるようになりました。サンタフェとタオスの周辺に新しい芸術家のコロニーが形成され始め、芸術家の主な主題は南西部の原住民と風景でした。

南西部の絵は人気の広告形式となり、サンタフェ鉄道が開拓者たちを西部に誘い込み「汚れのない風景」を楽しませるために最も多く利用した。ウォルター・ウーファー、バート・ギア・フィリップス、E・アーヴィング・コーズ、ウィリアム・ヘンリー・ジャクソン、マースデン・ハートリー、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフは、南西部で多作な芸術家たちの一部である。19世紀後半に生まれたジョージア・オキーフは、『ラムズ・ヘッド・ホワイト・ホリホック』や『リトル・ヒルズ』に見られるように、花、骨、ニューメキシコの風景を題材にした絵画で知られるようになった。オキーフは1929年に南西部を訪れ、1949年に永住し、1986年に亡くなるまでそこで暮らし、絵を描き続けた。

ハーレム・ルネッサンスは、アメリカ美術におけるもう一つの重要な発展であった。1920年代から30年代にかけて、教育を受け、政治的に鋭敏な新世代のアフリカ系アメリカ人男女が登場し、人種差別的な固定観念と戦うために文学協会や美術・産業展示会を後援した。アフリカ系アメリカ人コミュニティ内の幅広い才能を披露したこの運動には、全米のアーティストが含まれていたが、中心はハーレムであった。ハーレムの画家でグラフィックアーティストの アーロン・ダグラスと写真家のジェームズ・ヴァンダージーの作品は、この運動の象徴となった。ハーレム・ルネッサンスに関連するアーティストには、ロマーレ・ベアデン、ジェイコブ・ローレンス、チャールズ・オールストン、オーガスタ・サヴェージ、アーチボルド・モトリー、ロイス・マイロウ・ジョーンズ、パーマー・ヘイデン、サージェント・ジョンソンがいる。^{[13] [14] [15]}

大恐慌が悪化すると、ルーズベルト大統領の ニューディール政策により、いくつかの公共芸術プログラムが作られた。プログラムの目的は、芸術家に仕事を与え、公共の建物を装飾することであり、通常は国家的なテーマで飾ることだった。これらのプロジェクトの最初のものは、芸術家組合の失業中の芸術家によるロビー活動が成功した後に創設された公共芸術プロジェクト（PWAP）だった。^{[16] PWAPは1年も続かなかったが、約15,000点の芸術作品が制作された。その後、1935年に公共}事業促進局の連邦芸術プロジェクト（FAP/WPA）が続き、最も有名なアメリカ人芸術家の何人かに資金を提供した。^[17]

WPA が委託したパブリックアートの多くは、ディエゴ・リベラや同時代のメキシコ壁画運動の他の芸術家の作品の影響を受けています。大恐慌中には、アメリカの風景画、地域主義、社会的リアリズムなど、いくつかの別個の関連する運動が始まり、発展しました。^[18] トーマス・ハート・ベントン、ジョン・スチュアート・カリー、グラント・ウッド、マキシン・アルブロ、ベン・シャーン、ジョセフ・ステラ、レジナルド・マーシュ、アイザック・ソイヤー、ラファエル・ソイヤー、スペンサー・ベアード・ニコルズ、ジャック・レヴィンなどが、最もよく知られた芸術家の一部です。

戦間期に登場した芸術家は、全員が地域主義者や社会リアリストだったわけではない。ミルトン・エイヴリーの絵画は抽象的であることが多かったが、抽象表現主義者として知られるようになる若い芸術家たちに大きな影響を与えた。^[19] ジョセフ・コーネルはシュルレアリスムに触発され、拾った物やコラージュを組み込んだ箱型のアサンブラージュを制作した。

第二次世界大戦後の数年間、ニューヨークの芸術家グループが、国際的に大きな影響力を持つ最初のアメリカの運動である抽象表現主義を形成しました。この用語は、1919年にベルリンで初めて使用され、1946年にロバート・コーツによってニューヨーク・タイムズで再び使用され、当時の2人の著名な美術評論家、ハロルド・ローゼンバーグとクレメント・グリーンバーグによって取り上げられました。抽象表現主義は常に大きすぎると批判されてきましたが、一般的な定義では、抽象芸術を使用して感情、感情、芸術家の内面にあるものを表現し、外面にあるものを表現することを意味しています。

抽象表現主義者の第一世代には、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、マーク・ロスコ、フランツ・クライン、アーシル・ゴーキー、ロバート・マザーウェル、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、アド・ラインハルト、ジェームズ・ブルックス、リチャード・プーゼット＝ダート、ウィリアム・バジオテス、マーク・トビー、ブラッドリー・ウォーカー・トムリン、テオドロス・ステイモス、ジャック・トワークフ、ウィルヘルミナ・ウェーバー・ファーロング、デイヴィッド・スミス、ハンス・ホフマンなどがいた。ミルトン・エイブリー、リー・クラスナー、ルイーズ・ブルジョワ、アレクサンダー・カルダー、トニー・スミス、モリス・グレイブスなども、この時代の関連のある重要で影響力のある芸術家であった。

このラベルに含まれた多数の芸術家は、スタイルが大きく異なっていたが、当時の批評家は彼らの間にいくつかの共通点を見出していた。ゴーリキー、ポロック、デ・クーニング、クライン、ホフマン、マザーウェル、ゴットリーブ、ロスコ、スティル、ガストンらは、抽象表現主義運動、そしてほとんどの場合アクション・ペインティング（クラインの1954年の絵画第2号に見られるように）と関連づけられたアメリカの画家であり、 1940年代から1950年代の ニューヨーク・スクールの一部であった。

第一世代の抽象表現主義者の多くは、キュビズムの作品（美術評論の写真や291ギャラリーやアーモリーショーで作品を見て知っていた）、ヨーロッパのシュルレアリスト、パブロ・ピカソ、ジョアン・ミロ、アンリ・マティス、アメリカのミルトン・エイブリー、ジョン・D・グラハム、ハンス・ホフマンの影響を受けた。彼らのほとんどは、実物の形式的な構成や表現を放棄した。抽象表現主義者は、本能的で直感的で自発的な空間、線、形、色の配置を試みることにした。抽象表現主義は、2つの大きな要素によって特徴付けられる。使用されるキャンバスのサイズが大きいこと（メキシコのフレスコ画や1930年代にWPAのために制作した作品に部分的に触発されている）、そしてプロセスに対する新しい理解による力強く珍しい筆使いと実験的な絵の具の塗り方である。

色彩の強調と強烈さ、そして大きく開いた表面の広がりは、カラーフィールド・ペインティングと呼ばれる運動に適用された2つの原則でした。アド・ラインハルト、アドルフ・ゴットリーブ、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマンがこのカテゴリーに分類されました。もう一つの運動はアクション・ペインティングと呼ばれ、自発的な反応、力強い筆使い、滴ったり飛び散ったりした絵の具、そして絵画制作に使われる強い身体の動きが特徴でした。ジャクソン・ポロックはアクション・ペインターの一例です。彼の創作プロセスは、棒から投げたり滴らせたり、缶から直接注いだりする絵の具を取り入れたもので、絵画技法に革命をもたらしました。^[20]

ウィレム・デ・クーニングはポロックについて「彼は我々の心を打った」と有名な​​言葉を残している。^[21]皮肉なことに、ポロックの線状のフィールドの大きな反復的な広がりは、カラーフィールドペインティングの特徴でもあると、美術評論家の マイケル・フリードは、1965年にフォッグ美術館で開催された「3人のアメリカ人画家：ケネス・ノーランド、ジュールス・オリツキー、フランク・ステラ」のカタログのエッセイで書いている。美術評論家の間で意見の相違があったにもかかわらず、抽象表現主義はアメリカ美術の歴史における転換点となった。1940年代と1950年代には、国際的な注目がヨーロッパ（パリ）美術からアメリカ（ニューヨーク）美術に移った。^[22]

カラーフィールドペインティングは1960年代にも運動として継続され、モリス・ルイス、ジュールス・オリツキー、ケネス・ノーランド、ジーン・デイヴィス、ヘレン・フランケンサーラーらが、繰り返しや縞模様、大きく平らな色面などを用いて余分なレトリックを排除した絵画を作ろうとした。^[23]

1950年代、アメリカの抽象絵画は、ネオ・ダダ、ポスト・ペインタリー・アブストラクション、オプ・アート、ハード・エッジ・ペインティング、ミニマル・アート、シェイプド・キャンバス・ペインティング、リリカル・アブストラクション、抽象表現主義の継続などの運動へと発展しました。抽象化への傾向への反応として、ポップ・アート、ベイエリア・フィギュラティブ・ムーブメント、そして1970年代後半の新表現主義など、さまざまな新しい運動を通じてイメージが登場しました。

リリカル・アブストラクションは、フルクサス運動やポストミニマリズム（ 1969年にロバート・ピンカス＝ウィッテンがアートフォーラム^{誌上で初めて作った言葉） [25]}とともに、プロセス、新しい素材、新しい表現方法に焦点を当てることで、抽象絵画とミニマリズムの境界を広げようとした。ポストミニマリズムは、工業材料、原材料、製作物、発見された物、インスタレーション、連続的な反復を取り入れ、ダダやシュルレアリスムを参照することが多く、エヴァ・ヘッセの彫刻に最もよく表れている。^[25]

叙情的抽象、コンセプチュアルアート、ポストミニマリズム、アースアート、ビデオ、パフォーマンスアート、インスタレーションアート、そしてフルクサスの継承とともに、抽象表現主義、カラーフィールドペインティング、ハードエッジペインティング、ミニマルアート、オプアート、ポップアート、フォトリアリズム、ニューリアリズムが、1960年代半ばから1970年代にかけて現代アートの境界を広げた。 ^[26]

リリカルアブストラクションは、特にペイントの質感と表面の自由な使用において、カラーフィールドペインティングや抽象表現主義と類似点があります。直接描画、カリグラフィ的な線の使用、ブラシ、飛び散り、染色、スクイージー、注ぎ、飛び散ったペイントの効果は、抽象表現主義やカラーフィールドペインティングに見られる効果と表面的に似ています。しかし、スタイルは著しく異なります。^{[27] [28]}

1960 年代、1970 年代、1980 年代には、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、リー・クラスナー、サイ・トゥオンブリー、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョーンズ、リチャード・ディーベンコーン、ヨーゼフ・アルバース、エルマー・ビショフ、アグネス・マーティン、アル・ヘルド、サム・フランシス、ケネス・ノーランド、ジュールス・オリツキー、エルズワース・ケリー、モリス・ルイス、ジーン・デイビス、フランク・ステラ、ジョーン・ミッチェル、フリーデル・ズバス、ポール・ジェンキンスといった強力で影響力のある画家たちや、ブライス・マーデン、ロバート・マンゴールド、サム・ギリアム、ショーン・スカリー、エリザベス・マレー、ウォルター・ダービー・バナード、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、ロナルド・デイビス、ダン・クリステンセン、スーザン・ローゼンバーグといった若手アーティストたちが活躍しました。ロス・ブレックナー、リチャード・タトル、ジュリアン・シュナーベル、ピーター・ハリー、ジャン＝ミシェル・バスキア、エリック・フィッシュルなど数十名の画家が、重要かつ影響力のある絵画を制作しました。

次の世代の芸術家たちは、異なる抽象表現形式、つまり複合メディアの作品を好んだ。その中には、ロバート・ラウシェンバーグ（1925年 - 2008年）やジャスパー・ジョーンズ（1930年 - ）がおり、彼らは作品に写真、新聞紙、廃棄された物を使用した。アンディ・ウォーホル（1928年 - 1987年）、ラリー・リヴァース（1923年 - 2002年）、ロイ・リキテンスタイン（1923年 - 1997年）などのポップ・アーティストは、コカコーラの瓶、スープ缶、漫画といったアメリカの大衆文化の日常的な物やイメージを風刺的な配慮をもって再現した。

モダニズムの影響にもかかわらず、リアリズムも米国で継続的に人気を博しており、エドワード・ホッパーの都市風景、アンドリュー・ワイエスの田園風景、ノーマン・ロックウェルのイラストレーションにリアリズムの傾向が顕著に表れています。抽象表現主義が流行らなかった場所もあります。たとえばシカゴでは、シカゴ・イマジストのコスモ・カンポリ（1923年 - 1997年）、ジム・ナット（1938年 - ）、エド・パシュケ（1939年 - 2004年）、ナンシー・スペロ（1926年 - 2009年）に代表されるように、グロテスクで象徴的なリアリズムが主流の芸術スタイルでした 。

21 世紀初頭、米国の現代美術は、一般的に、文化多元主義という考え方を特徴とするいくつかの連続した様式で継続しています。今日の絵画、現代美術、現代美術批評における「危機」は、多元主義によってもたらされています。時代を代表するスタイルについては、コンセンサスはなく、またその必要もありません。何でもありの態度が蔓延しており、「何でもあり」症候群であり、確固とした明確な方向性はないものの、芸術の高速道路のすべての車線が満員になっています。その結果、米国では、スタイルや美的気質は多種多様ではあるものの、壮大で重要な芸術作品が作られ続けており、その価値を判断するのは市場に委ねられています。

ハードエッジ・ペインティング、幾何学的抽象、流用、ハイパーリアリズム、フォトリアリズム、表現主義、ミニマリズム、叙情的抽象、ポップアート、オプアート、抽象表現主義、カラーフィールド・ペインティング、モノクローム・ペインティング、新表現主義、コラージュ、インターメディア・ペインティング、アサンブラージュ・ペインティング、デジタル・ペインティング、ポストモダン・ペインティング、ネオ・ダダ・ペインティング、シェイプド・キャンバス・ペインティング、環境壁画、グラフィティ、伝統的人物画、風景画、肖像画などは、21 世紀初頭の絵画における継続的かつ現在の方向性の一部です。

著名なアメリカ人アーティストとしては、アンセル・アダムス、ジョン・ジェームズ・オーデュボン、ミルトン・エイブリー、ジャン＝ミシェル・バスキア、トーマス・ハート・ベントン、アルバート・ビアスタット、アレクサンダー・カルダー、メアリー・カサット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、チャック・クローズ、トーマス・コール、ロバート・クラム、エドワード・S・カーティス、リチャード・ディーベンコーン、トーマス・エイキンズ、ジュールス・ファイファー、リオネル・ファイニンガー、ヘレン・フランケンサーラー、アーシル・ゴーキー、キース・ヘリング、マースデン・ハートリー、アル・ハーシュフェルド、ハンス・ホフマン、ウィンスロー・ホーマー、エドワード・ホッパー、ジャスパー・ジョーンズ、ジョージア・オキーフ、ジャック・カービー、フランツ・クライン、ウィレム・デ・クーニング、リー・クラスナー、ドロテア・ラング、ロイ・リキテンスタイン、モリス・ルイス、ジョン・マリンなどがいます。、アグネス・マーティン、ジョーン・ミッチェル、グランマ・モーゼス、ロバート・マザーウェル、ナンペヨ、ケネス・ノーランド、ジャクソン・ポロック、マン・レイ、ロバート・ラウシェンバーグ、フレデリック・レミントン、ノーマン・ロックウェル、マーク・ロスコ、アルバート・ピンカム・ライダー、ジョン・シンガー・サージェント、シンディ・シャーマン、デイヴィッド・スミス、フランク・ステラ、クリフォード・スティル、ギルバート・スチュアート、ルイス・コンフォート・ティファニー、サイ・トゥオンブリー、アンディ・ウォーホル、グラント・ウッド、フランク・ロイド・ライト、アンドリュー・ワイエス。

• アメリカの楽園：ハドソン川派の世界。ニューヨーク：メトロポリタン美術館。1987年。ISBN 9780870994968。
• エイブリー、ケビン J. 18 世紀後半のアメリカの素描。メトロポリタン美術館。2000-2011 メトロポリタン美術館
• バーネット、クラウス。 Nothnagle、Alan L.: Christliche Kunst aus den USA、Norderstedt 2015、ISBN 978-3-7386-1339-1。 
• メイヤー、ランス、マイヤーズ、ゲイ。『アメリカの画家の技法：植民地時代から1860年まで』ロサンゼルス：ゲッティ出版、2011年。ISBN 978-1-60606-077-3 
• メイヤー、ランス、マイヤーズ、ゲイ。『アメリカの画家の技法：1860-1945』ロサンゼルス：ゲッティ出版、2013年。ISBN 978-1-60606-135-0 
• ポール、フランシス・K. 『アメリカをとらえる。アメリカ美術の社会史』 ニューヨーク：テムズ＆ハドソン、2002年（74～84、118～122、366～365、385、343～344、350～351ページ）
• アメリカ合衆国。ニューヨーク：メトロポリタン美術館。1987年。ISBN 0870994166。

• メトロポリタン美術館所蔵のアメリカ絵画、完全デジタル化された全3巻の展覧会カタログ
• 探究の眼：アメリカの絵画、アメリカ絵画の歴史に関する教育リソース