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フランス美術は、フランスの地理的地域に起源を持つ視覚芸術と造形芸術（フランス建築、木工、織物、陶磁器を含む）から成ります。近代フランスは、旧石器時代後期のヨーロッパ美術の中心地の一つであり、多くの巨石建造物を残しました。また、鉄器時代には、初期ケルト美術の最も印象的な発見が数多くありました。ガロ・ローマ時代には、独特の地方様式の彫刻が残され、現代のフランスとドイツの国境付近の地域は、精巧に装飾された古代ローマ陶器の大量生産において帝国をリードし、イタリアをはじめとする各地に大規模に輸出されました。メロヴィング朝美術から、キリスト教ヨーロッパ美術の広範な発展において、フランス様式が独特かつ影響力のある要素としての歴史が始まります。
中世フランスではロマネスク様式とゴシック様式の建築が栄え、ゴシック様式はフランス北部のイル・ド・フランス地方とピカルディ地方で生まれ、すぐにヨーロッパ全土に広まった。[ 1 ] [ 2 ] 16世紀以降、ルネサンスによりイタリアが様式発展の主要な源泉となり、ルイ14世治世末期、特にロココ様式と新古典主義の時代にはフランスがフランスにおける芸術的影響力の主導的な地位を占めるようになった。[ 3 ] 19世紀から20世紀半ばにかけて、フランス、特にパリは芸術界の中心地とみなされ、印象派、ポスト印象派、キュビスム、フォーヴィスムなどの芸術様式が生まれ、エコール・ド・パリ などの外国人芸術家の運動や集まりもそこで行われた。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]
現在知られているヨーロッパ最古の美術は、4万年前から1万年前の後期旧石器時代のもので、フランスにはシャテルペロン文化、オーリニャック文化、ソリュートレ文化、グラヴェット文化、マドレーヌ文化の先史時代の美術が数多く現存しています。これらの美術には、紀元前1万6000年に遡るラングドック地方ロット県のペシュ・メルル洞窟の有名な壁画、紀元前1万3000年から1万5000年、あるいは紀元前2万5000年まで遡る可能性のあるドルドーニュ県モンティニャック村近くのラスコー洞窟、紀元前2万9000年に遡るコスケール洞窟、そしてトロワ・フレール洞窟などの洞窟壁画が含まれます。また、動物の彫刻や、ヴィーナス像と呼ばれる巨大な女神像などの持ち運び可能な美術品も含まれており、例えば、ランド地方で発見され、現在はサン＝ジェルマン＝アン＝レー城の博物館に所蔵されている紀元前21,000年の「ブラッサンポイのヴィーナス」や、人類博物館にあるレスピューグのヴィーナスなどが挙げられます。装飾用のビーズ、骨製のピン、彫刻、そして火打ち石や石の矢じりも、フランスのこの地域から出土した先史時代の遺物です。
芸術的表現能力を持つのはホモ・サピエンスだけだという憶測もあるが、最近発見されたラ・ロッシュ＝コタールの仮面（ムステリア文化またはネアンデルタール人の遺物で、紀元前3万3000年頃のものとされ、 2002年にロワール川のほとり近くの洞窟で発見された）は、ネアンデルタール人が洗練された複雑な芸術的伝統を発展させていた可能性を示唆している。
新石器時代（新石器時代のヨーロッパを参照 ）には、カルナック、サン・シュルピス・ド・ファレイラン、その他フランス各地のドルメンやメンヒルなどの巨石建造物（大きな石）が現れ始めます。この出現は紀元前5千年紀に始まったと考えられていますが、一部の著者は中石器時代に起源があると推測しています。フランスには約5,000の巨石建造物があり、そのほとんどはブルターニュ地方に集中しています。この地域には、メンヒル、ドルメン、クロムレック、ケルンなど、保存状態の良いさまざまな巨石建造物があります。ブルターニュ南部のガヴリニスのケルンは巨石芸術の傑出した例で、その14メートルの内部通路は装飾的な彫刻でほぼ完全に覆われています。エル・グラの巨大なメンヒルは現在4つに割れているが、元々は高さ20メートル以上あり、これまで建てられたメンヒルの中で最大だった。フランスにはこの時代の彩色石、磨製石斧、碑文入りのメンヒルも数多く存在する。グラン・プレシニー地域は貴重な燧石の刃で知られ、新石器時代には大量に輸出されていた。
フランスでは、新石器時代から青銅器時代にかけて、紀元前4500年～4000年頃のレッセン文化、紀元前2800年～1900年頃のビーカー文化、紀元前1600年～1200年頃の墳丘文化、紀元前1300年～ 800年頃の骨壺埋葬文化、そして鉄器時代への移行期における紀元前1200年～500年頃のハルシュタット文化など、多様な考古学的文化が見られる。
フランス西部の先史時代の遺跡に関する詳細は、「ブルターニュの先史時代」をご覧ください 。
原ケルトの骨壺文化とハルシュタット文化から、大陸の鉄器時代のケルト美術が発展しました。これは主にラ・テーヌ文化と関連付けられ、紀元前450年から紀元前1世紀のローマによる征服まで、鉄器時代後期に栄えました。この美術は、土着の古典美術、そしておそらく地中海や東洋の美術から影響を受けています。ガリアのケルト人は、フランス各地で発見された数多くの墓や墳丘墓を通して知られています。
ケルト美術は非常に装飾的で、直線は避け、対称性もごくまれにしか用いず、古典の伝統の中心にある自然の模倣や美の理想は欠如しているが、複雑な象徴主義がしばしば含まれているようだ。この美術作品には様々な様式があり、他の文化から微妙に改変された要素がしばしば取り入れられている。例えば、特徴的な上下に絡み合う模様は、ゲルマンの芸術家によって既に用いられていたものの、フランスに伝わったのは6世紀になってからである。現在のブルゴーニュ地方にあるケルト人のヴィクスの墓からは、古代最大の青銅製のクレーターが発見された。これはおそらくケルト貴族がギリシャから持ち込んだものだろう。
ガリア地方（ラテン語：Gallia ）は、紀元前1世紀から紀元後5世紀までローマ帝国の支配下にありました。南フランス、特にプロヴァンス地方とラングドック地方は、数多くの保存状態の良いガロ・ローマ時代の遺跡で知られています。現在のリヨンにあたるルグドゥヌムは、ローマ帝国時代にはイタリア国外で最大の都市であり、2人のローマ皇帝を輩出しました。この都市には、劇場をはじめとするローマ時代の遺跡が今も残っています。この時代の記念碑的な建造物には、ヴォクリューズ県オランジュの円形闘技場、ヨーロッパで最も保存状態の良いローマ神殿の一つであるニームの「メゾン・カレ」 、非常に保存状態の良い神殿（アウグストゥスとリウィアの神殿）、サーカス、その他の遺跡があるリヨン近郊のヴィエンヌ市、同じく非常に保存状態の良いポン・デュ・ガール水道橋、ローマ都市グラヌムとヴァゾン・ラ・ロメーヌ、ニームとアルルにある2つの完全なガロ・ローマ時代の円形闘技場、ローマ浴場、そしてパリの円形闘技場などがあります。
メロヴィング朝美術は、現在のフランスとドイツで5世紀から8世紀まで続いたフランク王国のメロヴィング朝の美術と建築を指します。5世紀にガリアにメロヴィング朝が出現したことで、美術に大きな変化が生じました。建築においては、堅牢で調和のとれた建物を建てるという欲求はもはやなくなりました。彫刻は、石棺、祭壇、教会家具の装飾のための単純な技法に過ぎなくなりました。一方、金細工と写本装飾の隆盛はケルト装飾の復活をもたらし、キリスト教やその他の要素とともに、メロヴィング朝美術の基礎を形成しました。クローヴィス1世（465年～511年）とその後継者によるフランク王国の統一は、教会を建設する必要性を生み出しました。これらの教会の設計は、おそらくローマのバシリカから模倣されたと考えられます。残念ながら、これらの木造建築物は、偶発的なものか、ノルマン人が侵攻した際に引き起こしたものかは定かではないが、火災による破壊のため現存していない。
カロリング朝美術は、750年から900年までのおよそ120年間、すなわちカール・マルテル、ピピン2世、カール大帝、そしてその直系の後継者たちの治世にあたり、一般にカロリング・ルネサンスとして知られています。カロリング朝時代は、中世美術運動であるプレ・ロマネスクの最初の時代です。北ヨーロッパの王たちが初めて地中海ローマの古典美術様式を庇護し、古典様式とゲルマン様式を融合させ、人物像の線描に全く新しい革新をもたらし、西欧におけるロマネスク美術、そして最終的にはゴシック美術の隆盛の舞台を整えました。
装飾写本、金属工芸品、小規模な彫刻、モザイク、フレスコ画などがこの時代から残っている。カロリング朝はまた、フランス各地の多くの教会で大規模な建築事業を行った。これには、メッツ、リヨン、ヴィエンヌ、ル・マン、ランス、ボーヴェ、ヴェルダン、オセールのサン・ジェルマン、フラヴィニーのサン・ピエール、サン・ドニの教会、そしてシャルトルの町の中心部が含まれる。 788年に完成したサン・リキエ（ソンム県）のセントゥラ修道院は、修道院建築における大きな成果であった。もう一つの重要な建物（現在ではほとんど失われている）は、ジェルミニ・デ・プレの「テオドゥルフの別荘」である。
900年頃のカロリング朝の終焉とともに、芸術制作はほぼ3世代にわたって途絶えた。カロリング帝国の崩壊後、フランスは組織的な庇護を欠いたまま、互いに争う多くの州に分裂した。10世紀と11世紀のフランス美術は、識字率と信仰心を高めるために地方の修道院によって制作されたが、その素朴な様式は、初期のカロリング朝時代の技術ほど高度なものではなかった。
カロリング朝写本が模写のモデルとして偶然入手できたことや、旅する芸術家がいたことから、地域ごとに様々な様式が発展した。サン・ベルタン修道院は、修道院長オドベール（986～1007年）のもとで重要な中心地となり、アングロ・サクソン様式とカロリング様式を基にした新しい様式を生み出した。近隣のサン・ヴァースト修道院（パ＝ド＝カレー県）も多くの重要な作品を制作した。フランス南西部では、1000年頃、リモージュのサン・マルシャル修道院、ガスコーニュのアルビ、フィジャック、サン＝セヴェール＝ド＝リュスタンなどで多くの写本が制作された。パリでは、サン＝ジェルマン＝デ＝プレ修道院で独自の様式が発展した。ノルマンディーでは975年に新しい様式が生まれた。10世紀後半になると、クリュニー修道院の改革運動と帝国概念への熱狂的な支持によって、美術制作が再開された。
ロマネスク美術とは、西ヨーロッパにおける約150年間の美術様式を指し、紀元1000年頃から、12世紀半ばにフランスで興ったゴシック様式の台頭までを指します。「ロマネスク美術」の特徴は、ローマ建築技術への関心の高まりです。例えば、サン＝ギレム＝ル＝デゼール修道院の回廊にある12世紀の柱頭には、ローマ時代の建造物によく見られるアカンサスの葉のモチーフや、ドリル穴の装飾が用いられています。フランスにおけるその他の重要なロマネスク建築には、ロワレ県のサン＝ブノワ＝シュル＝ロワール修道院、アヴェロン県コンクのサン＝フォワ教会、トゥールのサン＝マルタン教会、ソーヌ＝エ＝ロワール県トゥルニュのサン＝フィリベール教会、ランスのサン＝レミ教会、トゥールーズのサン＝セルナン教会などがあります。特にノルマンディー地方では、ベルネー、モン・サン・ミシェル、クータンス大聖堂、バイユーの教会で大規模な建築事業が行われた。
ロマネスク彫刻のほとんどは、美的目的だけでなく構造的目的のためにも教会建築に組み込まれていました。ロマネスク以前の時代の小規模な彫刻は、ビザンチン彫刻や初期キリスト教彫刻の影響を受けていました。その他の要素は、中東諸国のさまざまな地方様式から取り入れられました。モチーフは、グロテスクな人物、獣、幾何学模様など、「野蛮人」の芸術から派生したもので、特にアルプス以北の地域では重要な追加要素でした。この時代の重要な彫刻作品の中には、ザンクト・ガレン修道院の象牙彫刻があります。ロマネスク以前の時代には、記念碑的な彫刻が建築から切り離されて行われることはまれでした。ローマ帝国の崩壊後初めて、記念碑的な彫刻が重要な芸術形式として出現しました。教会正面、出入口、柱頭の屋根は、ボーリュー＝シュル＝ドルドーニュの「最後の審判」ティンパヌムやモワサックの「立つ預言者」のように、規模と重要性を増していった。記念碑的な扉、洗礼盤、燭台は、聖書の歴史の場面で装飾されることが多く、青銅で鋳造され、当時の金属細工師の技術の高さを証明した。フレスコ画は教会の天井や壁に描かれた。聖杯や聖遺物箱など、金銀製の豪華な織物や貴重な品々は、典礼のニーズを満たし、聖人崇拝に役立てるために、ますます多く生産された。12世紀には、大規模な石彫刻がヨーロッパ全土に広まった。プロヴァンス、ブルゴーニュ、アキテーヌのフランス・ロマネスク様式の教会では、彫刻が正面を飾り、彫像が柱頭に組み込まれた。
ゴシック美術と建築は、約300年続いた中世の芸術運動の産物です。それはフランスで始まり、12世紀半ばのロマネスク様式から発展しました。14世紀後半には、より世俗的で自然主義的な様式である国際ゴシック様式へと進化し、15世紀後半にルネサンス美術へとさらに発展するまで続きました。ゴシック美術の主な表現媒体は、彫刻、板絵、ステンドグラス、フレスコ画、そして装飾写本でした。
ゴシック建築は、12世紀半ばにイル・ド・フランス地方で誕生しました。シュジェール修道院長が1140年頃にサン・ドニに修道院を建設し、これが最初のゴシック建築と考えられています。その後まもなく、 1145年頃にシャルトル大聖堂が建てられました。それまでイル・ド・フランス地方には彫刻の伝統がなかったため、ブルゴーニュから彫刻家が招かれ、シャルトル大聖堂の西側（王室側）入口の柱として使われている革新的な人物像を制作しました（画像参照）。これはフランス美術における全く新しい発明であり、後の世代の彫刻家の模範となりました。フランスの他の著名なゴシック教会には、ブールジュ大聖堂、ラオンのノートルダム大聖堂、パリのノートルダム大聖堂、ランス大聖堂、アミアン大聖堂、パリのサント・シャペルなどがあります。
フランス・ゴシック建築の様式区分は、初期ゴシック、盛期ゴシック、レイヨナン、後期ゴシック（またはフランボワイヤン）の4つです。これらの区分は有効ではありますが、議論の余地があります。ゴシック大聖堂は複数の時代にわたって建設され、各時代の職人が必ずしも前の時代の意向に従っていたわけではないため、特定の建物の建設中に支配的な建築様式が変化することがよくありました。したがって、ある建物を特定のゴシック建築の時代に属すると断言することは困難です。建物全体に適用するよりも、構造内の特定の要素を記述する用語として使用する方がより有用です 。シャルトル大聖堂の西側入口は初期ゴシックの例であり、13世紀初頭に遡る西側および北側翼廊の入口は盛期ゴシックの典型です。
フランスの思想は広まった。ゴシック彫刻は、初期の硬直的で細長い様式（まだ部分的にロマネスク様式を残していた）から、12世紀後半から13世紀初頭にかけて、空間的で自然主義的な表現へと発展した。フランスの建築家や彫刻家は、イングランド、スペイン、神聖ローマ帝国など海外でも活躍した。スペインのブルゴス大聖堂にあるサルメンタル扉のゴシック彫刻はフランス人芸術家によって制作された一方、13世紀の匿名のドイツ人彫刻家でナウムブルクの巨匠として知られる人物はフランス出身であると推測されている。オランダ・ブルゴーニュ出身の彫刻家クラウス・スリューテルは、現存する古代ギリシャ・ローマ彫刻の影響を衣服のひだ、表情、ポーズの表現に取り入れ、自然主義への嗜好はゴシック彫刻の終焉を告げ、15世紀末には古典主義的なルネサンス様式へと発展した。
当時、西洋世界最大の都市であったパリは、13世紀から14世紀にかけて、豪華な工芸品の生産の中心地となりました。特に、小さな象牙の彫刻や、宮廷恋愛の場面を描いた象牙の小箱（ウォルターズ美術館所蔵の「恋愛場面を描いた小箱」など）の生産が盛んに行われました。また、パリは宝飾品や貴重な聖遺物箱の生産においても、最も活気のある中心地のひとつとなり、ベリー公ジャンのために作られた「聖イバラの聖遺物箱」や、フランス国王シャルル6世のために作られた「アルトエッティングの黄金のレスル」などがその代表例です。
「ゴシック」と呼ばれる様式の絵画は、ゴシック建築や彫刻の始まりから約50年後の1200年頃まで現れませんでした。ロマネスクからゴシックへの移行は非常に曖昧で、明確に区別できるものではありませんが、以前の時代よりも陰鬱で暗く、感情的な様式の始まりを見ることができます。この移行は、1200年頃にイングランドとフランスで、1220年頃にドイツで、1300年頃にイタリアで最初に起こりました。絵画、つまり表面にイメージを表現することは、ゴシック時代にはフレスコ画、板絵、写本装飾、ステンドグラスという4つの主要な技法で行われました。フレスコ画は、初期キリスト教とロマネスクの伝統の継続として、南ヨーロッパの教会の壁で主要な絵画的物語技法として引き続き使用されました。北ヨーロッパでは、ステンドグラスと写本装飾が15世紀まで支配的な芸術形式であり続けました。
14世紀末から15世紀にかけて、ブルゴーニュ公、アンジュー公、ベリー公などのフランスの君主の宮廷、そしてアヴィニョンの教皇や枢機卿たちは、ネーデルラントのリンブール兄弟、バルテルミー・デック、ジャン・ヘイ、フランスの画家アングラン・クアルトン、ジャン・フーケ、ニコラ・フロマンといった著名な画家を雇い、ヨーロッパ中に広まったいわゆる国際ゴシック様式を発展させ、新たなフランドルの影響や、後にイタリアの初期ルネサンス期の芸術家たちの革新を取り入れた。フランドルとネーデルラントの彫刻家たち（当時はヴァロワ家の分家であるブルゴーニュ公爵の支配下にあったため、ほとんどがブルゴーニュ領ネーデルラントの一部であった）は、ディジョンのモーゼの井戸を制作したクラウス・スリューテルやクラウス・ド・ヴェルヴェのように、フィリップ豪胆公やジャン無畏公のために幅広く活動した。彼らはゴシック彫刻を新たな表現感覚とより自然主義的なスタイルで刷新し、後にスペインのジャン・ド・ラ・ウエルタやフランスのアントワーヌ・ル・モワチュリエが加わった。北フランスはまた、ヨーロッパにおける装飾写本制作の中心地でもあった。装飾写本はゴシック絵画の最も完全な記録であり、他に記念碑的な作品が残っていない場所の様式を記録している。
フランス・ゴシック様式の挿絵が描かれた最古の完全な写本は、13世紀半ばに遡る。[ 10 ]こうした装飾写本の多くは王室の聖書であったが、詩篇集にも挿絵が含まれていた。1253年から1270年にかけて制作されたパリの聖ルイ詩篇集には、テンペラ絵具と金箔を用いた78枚の全面挿絵が描かれている。 [ 11 ]
装飾写本は、特に15世紀に隆盛を極めました。これは、当時フランスで権力を握った多くの公爵宮廷のおかげです。15世紀には、これらの貴重な彩色本は、通常、ブルゴーニュ領ネーデルラント出身のフランドル人画家、あるいは主要な君主宮廷（パリの国王宮廷だけでなく、ブルゴーニュ、アンジュー、ベリー、ブルボン、オルレアン、ブルターニュの公爵宮廷）に仕えるフランス人画家によって制作されました。シチリア王でありアンジュー公でもあったルネ自身も宮廷恋愛小説の作家であり、最高の芸術家たちに、バルテルミー・ダイクが彩色した『愛の心の書』のような精緻な絵画で自身の著作を飾るよう依頼しました。リンブール兄弟は、シャルル5世の弟であるベリー公のために制作された、国際ゴシック写本の傑作とされる『ベリー公のいとも豪華な時祷書』の制作を担当した。
15世紀後半、フランスによるイタリア侵攻と、フランドルとの繋がりを持つ活気あふれるブルゴーニュ宮廷との近接により、フランス人は北イタリア・ルネサンスの商品、絵画、そして創造的精神に触れることになった。当時のフランスにおける絵画の最初の芸術的変化は、ジャン・クルーエとその息子フランソワ・クルーエ（フランス生まれ）や肖像画家コルネイユ・ド・リヨンといったフランドルの画家たちと、イタリア人のロッソ・フィオレンティーノ、フランチェスコ・プリマティッチョ、ニッコロ・デッラバーテによって行われた。後者の3人は、 1531年に設立されたフォンテーヌブロー派と呼ばれる最初のグループを構成している。フランソワ1世のお気に入りの居城の一つであったフォンテーヌブロー宮殿では、彼らは宮殿の装飾のために数多くの作品を手がけ、その中にはフレスコ画、漆喰、彫刻が施された木製パネルで飾られた全長64メートルの大回廊も含まれる。レオナルド・ダ・ヴィンチもフランソワ1世に招かれてフランスにやって来たが、彼が持参した絵画以外に、フランス国王のために制作した作品はほとんどなかった。
しかし、ゴシック芸術は消滅するどころか、16世紀前半のフランスでは、特に建築において依然として非常に人気を博していた。多くの場合、建築家や彫刻家は、ゴシック様式の構造（尖頭アーチ、大きなステンドグラスの窓、リブヴォールト）と古代に触発されたルネサンス様式の装飾を組み合わせ、華麗なゴシック様式の延長線上にある、装飾豊かな様式を生み出した。パリのサン・トゥスタッシュ教会はその好例である。
1530年代からアンリ4世の治世までの時代の芸術は、ミケランジェロやパルミジャニーノなどの後期の作品と関連付けられるマニエリスムと呼ばれる後期イタリア絵画・彫刻の発展に強く影響を受けていることが多い。マニエリスムの特徴は、細長く優美な人物像と、寓意や神話の精緻な使用を含む視覚的修辞に依拠している点である。フランス・ルネサンスの最大の功績はおそらく、アゼ・ル・リドー、シャンボール、シュノンソーなどのロワール渓谷の城の建設であろう。もはや要塞として考えられなくなったこれらの遊興宮殿は、ロワール地方の川や土地の豊かさを活用し、シェール川にかかる橋の上に建てられたシュノンソー城のように、驚くべき建築技術を示している。
ルネサンス様式を採用した重要なフランス人建築家には、国王のためにルーブル宮殿の一部を再建したピエール・レスコ、ディアーヌ・ド・ポワティエのためにアネ城を建てたフィリベール・ドロルム、アンヌ・ド・モンモランシーのためにパリ近郊のエクーアン城を再建したジャン・ビュラン、そしてフランスの城とその庭園の遠近法による図版集『フランスの最も優れた城』 （1576年、第2巻1579年）で特に知られるジャック1世・アンドルーエ・デュ・セルソーなどがいる。
彫刻はルネサンス期にフランスで大きな発展を遂げ、絵画よりも保存状態が良い。フランチェスコ・ラウラーナは15世紀後半に短期間フランスで活動したが、イタリア様式がフランスで普及したのはイタリア戦争が始まってからの16世紀初頭になってからである。彫刻においては、 1504年にルイ12世に続いてフランスにやってきたジュスト一族の存在が重要な役割を果たした。その後、宮廷に仕えたもう一人の主要なイタリア人彫刻家はベンヴェヌート・チェッリーニで、 1540年からフランソワ1世に仕え、マニエリスム様式をフランスにもたらした（フォンテーヌブローのニンフはその一例である）。当時の主要なフランス人彫刻家としては、ナントにあるブルターニュ公フランソワ2世の墓を制作したミシェル・コロンブが挙げられ、彼はジュスト兄弟と共演する機会に恵まれた。コロンブとともに、ジャン・グジョンとジェルマン・ピロンは、精緻なマニエリスム様式で制作した、この時代のフランス最高の彫刻家とみなされている。グジョンは、ルーブル美術館の新しい装飾のために、純粋で優美な女性像を制作した。それらは細長く、官能的で、流れるようであり、そのドレープは、彼がギリシャ彫刻の知識を持っていることを示しているが、もちろん直接見たわけではない。ピロンの作品（主に墓碑）は、写実性と演劇的な感情に満ちており、ミケランジェロの影響が顕著である。この時代のもう一人重要な人物はピエール・ボンタンである。トロワ周辺のシャンパーニュ地方だけでなく、ロワール渓谷とノルマンディーも彫刻の重要な地域中心地であった。ロレーヌ公国とバール公国では、リジエ・リシェという、地方出身だが非常に才能のある人物が現れた。
ルネサンス期には、リモージュはエナメル生産の中心地となり、レオナール・リモザンとその子孫の工房のように、作品に署名や刻印を施す王朝工房が数多く存在しました。皿、飾り板、水差しなどの豪華な作品には、精巧な縁取りで囲まれた絵画的な人物像の洗練されたマニエリスム装飾が施されました。1520年代から1550年代頃まで、フランス西部のポワトゥー地方ではサン・ポルシェール陶器が作られましたが、現存するものはごくわずかです。この陶器は、異なる色の粘土に粘土を象嵌する技法が特徴です。本体は白ですが、薄いクリーム色の釉薬で覆われています。茶色、赤褐色、黄土色のスリップで象嵌された模様が多用されています。これは、ヒスパノ・モレスク陶器やイタリア・ルネサンス期のマヨリカ陶器に典型的な、平らな皿の表面に絵付けを施す装飾ではなく、彫刻的なフォルムへの関心を示した、最初の高品質なヨーロッパの陶磁器様式と言えるかもしれない。
16世紀後半、王妃と国王に仕えたプロテスタントの人文主義者ベルナール・パリシーは、非常に独創的な陶器の様式を生み出しました。彼は、いわゆる「ラスティックウェア」で最もよく知られています。これは、植物の中に小さな動物が浮き彫りで描かれた、装飾豊かな大きな楕円形の皿が特徴で、動物はしばしば死んだ標本から型を取って作られたようです。19世紀には、この様式が復活し、彼の名にちなんでパリシーウェアと呼ばれるようになりました。
17世紀は、フランスが宗教戦争から復興し、アンリ4世、ルイ13世、ルイ14世の治世下でヨーロッパの主要政治勢力としての地位を確立したため、あらゆる分野でフランス美術の黄金時代となった。17世紀初頭、マリー・ド・メディシスとその息子ルイ13世の宮廷では、後期マニエリスムと初期バロックの傾向が引き続き隆盛を極めた。この時代の美術は、北ヨーロッパ、特にオランダ派とフランドル派、そして対抗宗教改革期のローマの画家たちの影響を示している。フランスの画家たちは、フランドル・バロックの官能的な線と色彩を持つピーテル・パウル・ルーベンスと、合理的な統制と均整、ローマ古典主義バロック様式を持つニコラ・プッサンのどちらが優れているかについて、しばしば議論を交わした。ローマで活躍したもう一人の古典主義の提唱者は、古典風景画の形式を確立したクロード・ジェレ（ル・ロランとして知られる）である。
19世紀初頭の多くの若いフランス人画家は、修業のためにローマへ渡り、すぐにカラヴァッジョの影響を吸収した。例えば、ヴァランタン・ド・ブローニュやシモン・ヴーエなどが挙げられる。ヴーエはフランスにバロック様式をもたらした人物として知られ、1627年にパリに戻ると国王の首席画家となった。しかし、フランス絵画はすぐにイタリア・バロックの華美さと自然主義から離れ、ウスターシュ・ル・シュールやローラン・ド・ラ・イールといった画家たちは、プッサンの例に倣い、古代に触発され、均衡、調和、そしてデッサンの重要性に焦点を当てた、パリのアッティカ様式として知られる古典主義的な様式を発展させた。ヴーエでさえ、イタリアから帰国後、より抑制された、しかし依然として装飾的で優雅なスタイルへと作風を変えた。
しかし同時に、ジョルジュ・ド・ラ・トゥールのろうそくの灯りの下で描かれた素晴らしい絵画に代表される、力強いカラヴァッジョ派も存在していた。彼は主に故郷のロレーヌで活動したが、短期間パリでも活動した。ル・ナン三兄弟の絵画では、悲惨な境遇にある人々や貧しい人々が、オランダ風の手法で描かれている。フィリップ・ド・シャンパーニュの絵画には、首相リシュリュー枢機卿の宣伝的な肖像画と、カトリックのヤンセニスト派の人々を描いた、より瞑想的な肖像画の両方がある。
建築においては、パリのリュクサンブール宮殿を設計したサロモン・ド・ブロス、フランソワ・マンサール、ジャック・ルメルシエといった建築家たちが、フランスにおけるバロック様式の確立に貢献した。彼らは、ヨーロッパ全土に影響を与えることになる都市型邸宅（オテル・パルティキュリエ）の様式を発展させ、イタリアのパラッツォとは大きく異なるものにした。多くの貴族の城が、この新しい古典バロック様式で再建され、中でもマンサールやシュヴェルニーの邸宅は特に有名である。これらの邸宅は、フランス風の高い屋根と、中世の城の様式を継承しつつ、現在は優雅なパビリオンへと姿を変えた、堂々とした塔を備えた形態が特徴である。
17世紀半ばから後半にかけて、フランス美術は「古典主義」という用語で呼ばれることが多くなりました。これは、同時期にヨーロッパの他のほとんどの地域で実践されていたバロック様式には見られない、一定の比例と簡素さの規則への順守を意味します。ルイ14世の治世下では、イタリアで実践されていたバロック様式はフランスの趣味には合わず、例えば、ルーブル美術館の改築に関するベルニーニの有名な提案はルイ14世によって却下されました。ルイ14世は、プロパガンダ、戦争、そして壮大な建築作品を通して、フランスと自身の名声を高めるための大規模な計画を開始しました。ヴェルサイユ宮殿は、もともとは彼の父が建てた小さな狩猟小屋でしたが、ルイ14世によって祝宴やパーティーのための素晴らしい宮殿へと変貌しました。その際、建築家のルイ・ル・ヴォー（ヴォー・ル・ヴィコント城も建てた）とジュール・アルドゥアン・マンサール（パリのアンヴァリッド教会を建てた）、画家兼デザイナーのシャルル・ル・ブラン、そしてヴェルサイユからヨーロッパ全土に広まったフランス式庭園の合理的な形態を完成させた造園家のアンドレ・ル・ノートルが指揮を執りました。肖像画においては、1680年代に肖像画家のイアサント・リゴーとニコラ・ド・ラルジリエールという2人の人物が登場し、彼らの演劇的でありながら心理的に洗練された肖像画は18世紀の新たなモデルとなりました。
17世紀のフランス彫刻は、ジャック・サラザン、シモン・ギラン、アンギエ兄弟などの活躍により、1630年代には後期マニエリスムからより洗練された古典的でありながら壮大な様式へと移行しました。この世紀に建てられた数多くの城、邸宅、教会の祭壇画、墓碑は彫刻の需要が高く、多くの熟練した芸術家が活躍しました。フランス彫刻は、特にルイ14世の治世において、古典主義を追求する独自の道を歩みました。国王がピエール・ピュジェ（イタリアでも活躍）、フランソワ・ジラードン、アントワーヌ・コワズヴォー、ニコラ・クストゥーといった芸術家を保護したことにより、彫刻の発展にとって極めて重要な時期となりました。彼らは皆、ヴェルサイユ宮殿の庭園、そしてマルリー宮殿やアンヴァリッド宮殿のために彫刻を制作した。これらの庭園では、数十人の彫刻家が関わる野心的な装飾計画が進められ、彼らはまた、貴族階級のためにも幅広く作品を制作した。多くの若いフランス人彫刻家が古代美術やルネサンス美術を学ぶために派遣されたローマでは、よりバロック的な作風で制作したピエール・ルグロ（子）が、ピエール＝エティエンヌ・モノと並んで、世紀末で最も影響力のある彫刻家の一人となった。
パリやその他の主要都市以外では、17世紀には地方の宗教建築物の装飾が盛んに行われ、石や木でできた精巧な祭壇画や祭壇後壁が数多く制作されました。これらは建築、絵画、彫刻を融合させた作品です。これらの作品は、宮廷で流行していた様式よりも明らかにバロック的で装飾的な様式で、地元の工房によって制作されました。こうした工房の中には、数世代にわたって大きな成功を収め、様々な地域に広まった独自の様式を発展させたところもありました。黒と赤の大理石の採石場が発見された町ラヴァルの祭壇画制作者たちもその例で、彼らの様式はメーヌ、アンジュー、トゥーレーヌ、ブルターニュ東部の各地方に広がり、ピエール・コルビノーやトゥガル・カリスといった、建築家と彫刻家の両方の才能を持つ芸術家たちによって広められました。ブルターニュ西部では、地元の芸術家たちが、非常に精巧で彫刻が施された木製の祭壇画を基調とした、また別のジャンルを発展させました。南フランスでは、彫刻家や建築家の一族がピレネー山脈で非常に活発に活動しており、例えば祭壇画制作者のフェレール家などが挙げられます。また、プロヴァンス地方では、クリストフ・ヴェイリエやアヴィニョンのペルー家のような高度な訓練を受けた彫刻家たちが活躍し、宮殿、教会、噴水、祭壇画などを制作しました。
17世紀には版画においても重要な刷新があり、フランス（特にパリとロレーヌ公国）は彫刻とエッチングの主要中心地のひとつとなった。世紀初頭、ジャック・ベランジュはロレーヌでマニエリスムの影響を受けた洗練されたスタイルで、女性的な優雅さを帯びた感情豊かな表現力豊かなエッチング作品を制作した。この時代の主要な彫刻家のもう一人、ジャック・カロもロレーヌ出身である。彼は版画に重要な技術的進歩をもたらし、先端が斜めの楕円形断面を持つエッチング針の一種であるエショップを開発した。これにより、エッチング職人は彫刻家ができたような膨らんだ線を描くことが可能になった。彼は、兵士、道化師、酔っぱらい、ロマ、乞食、そして宮廷生活などを題材にした1400点以上のエッチング作品を制作し、その時代の生活を記録した。例えば、シリーズ作品『戦争の悲惨と不幸』（1632～33年）などが挙げられる。カロの信奉者の一人であるアブラハム・ボッセはパリで活躍した。彼は、エッチングの最初の出版マニュアルによって、カロの革新をヨーロッパ中に広めた。非常に丁寧に描かれた壮大な室内と比較的取るに足らない家庭の題材を組み合わせた彼の手法は独創的で、フランス美術に大きな影響を与えた。同じくパリを拠点としていたクロード・メランは、独特の技法による版画の技術的な巧みさで知られていた。彼は、交差線で陰影をつける代わりに、平行線のシステムを使用した。有名な例としては、イエスの鼻先から始まる一本の螺旋線で描かれた『キリストの顔』 （1649年）がある。そしてついに、世紀後半には、フランス肖像版画の紛れもない巨匠とみなされるロベール・ナントゥイユが登場した。
装飾芸術において、フランスはイタリア、フランドル、オランダの生産に対抗するため、国営または国営監督の新しい工場を優遇する国家主導の政策を追求した。ヌヴェールとルーアンのファイアンス工場は、私営ではあったものの、それぞれ1603年と1647年に初めて王室独占権を与えられた。これらの工場はイタリアやアジアの様式に影響を受けた優れた陶器を生産し、ルイ14世の時代にはフランス王室のために幅広く作品を制作した。1601年にアンリ4世の支援を受けて設立されたパリのゴブラン窯は、 1662年に大臣ジャン＝バティスト・コルベールによってフランス王室のために買収され、再編成された。フランスはすぐにヨーロッパで最も洗練されたタペストリーを生産するようになり、また家具職人のアンドレ＝シャルル・ブール（黒檀にべっ甲、真鍮、ピューターを象嵌するブール様式の家具製作を発明した人物）とピエール・ゴール（流行のルイ14世様式の確立に貢献した人物）のおかげで、ヨーロッパにおけるキャビネット製作と家具生産の中心地となった。
ロココと新古典主義は、18世紀初頭から18世紀末にかけてのヨーロッパの視覚芸術、造形芸術、建築を指す用語です。フランスでは、 1715年のルイ14世の死去により、一般に摂政時代と呼ばれる自由の時代が到来しました。ヴェルサイユ宮殿は1715年から1722年まで放棄され、若き国王ルイ15世とオルレアン公率いる政府はパリに居を構えました。そこで、ロカイユと呼ばれる装飾芸術の新しい様式が生まれました 。バロックの非対称性とダイナミズムは維持されつつも、より修辞的でなく、大げさな効果も少なく、人工性へのより深い探求と自然から着想を得たモチーフの使用によって刷新された様式です。部屋や家具を飾るこの様式は、絵画にも存在しました。ロカイユ絵画は、フェット・ギャラント、劇場の舞台設定、楽しい神話物語、女性の裸体など、より明るい主題へと向かいました。神話や歴史画の教訓的な側面はほとんどの場合省略され、描かれた場面の装飾的で楽しい側面に重点が置かれます。この時代の絵画は、描画よりも色彩を重視し、はっきりとした筆致と非常に色彩豊かな場面が特徴で、世紀初頭にルーベンス派が最終的に勝利した王立絵画アカデミーでの議論を反映しています。この時代の重要なフランス人画家には、フェット・ギャラントの創始者とされるアントワーヌ・ワトー、穏やかな牧歌的場面やギャラント的場面（特にパストラル）で知られるニコラ・ランクレとフランソワ・ブーシェ、ルイ15世の宮廷の女性たちの優雅で魅力的な油彩肖像画で賞賛されたジャン＝マルク・ナティエなどがいます。当時、パステル画による肖像画はヨーロッパで特に流行し、フランスはパステル画家たちの活動の中心地となり、モーリス・カンタン・ド・ラ・トゥール、ジャン＝バティスト・ペロノー、スイス出身のジャン＝エティエンヌ・リオタールといった著名な画家たちが活躍した。19世紀前半の歴史画の分野では、フランソワ・ルモワーヌ（ヴェルサイユ宮殿のエルキュールの間天井画を描いた）、ジャン＝フランソワ・ド・トロワ、カール・ヴァン・ルー、シャルル＝ジョゼフ・ナトワールといった重要な画家もいた。
ルイ15世様式の装飾は、最後の治世の終わりにはすでに顕著でしたが、パステルカラー、精巧な木製パネル、小さめの部屋、金箔や錦織の少なさなど、より明るい印象でした。貝殻、花飾り、そして時折見られる中国風のモチーフが主流でした。シャンティイ、ヴァンセンヌ、そしてセーヴルの製造業者は、当時最高級の磁器を生産しました。 1771年に設立されたリモージュの製造所は、19世紀後半にフランスで初めて硬質磁器を生産しました。パリを拠点とする熟練した家具職人、エベニストは、貴重な木材とブロンズの装飾を用いた精巧な家具を製作し、ヨーロッパ全土で高く評価され、模倣されました。最も有名なのは、ヴェルサイユ宮殿でルイ15世の執務机を制作したジャン＝フランソワ・オーベン、ベルナール2世・ヴァン・リザンブルフ、ジャン＝アンリ・リーゼナー、マルタン・カルリン、そして椅子職人のジョルジュ・ジャコブとジャン＝バティスト＝クロード・セネである。高度な技術を持つ彫刻家、シズルール・ドルールは、家具やその他の装飾美術品のためのブロンズ装飾を専門としており、最も有名なのはピエール・グティエールとピエール＝フィリップ・トミールである。トーマス・ジェルマンとその息子フランソワ＝トーマス・ジェルマンのような才能ある銀細工師は、ヨーロッパの様々な王族から高く評価された精巧な銀食器セットを制作した。シャトーやオテル・パルティキュリエの部屋は、ルイ14世の時代よりも親密な雰囲気で、ジェルマン・ボフランやジル＝マリー・オッペノールといった建築家、あるいはジュスト＝オーレル・メッソニエといった装飾家（装飾品のデザイナー）によって考案されたロカイユ様式の木製パネル（部屋の壁を覆う彫刻が施された木製パネル）で装飾されていた。
19世紀前半で最も著名な建築家は、ボフランのほか、ロベール・ド・コットとアンジュ＝ジャック・ガブリエルであり、彼らはパリのコンコルド広場やボルドーのブルス広場といった公共広場を、ルイ14世時代の様式に意識的に影響を受けたスタイルで設計した。 19世紀前半、フランスはイタリアに代わってヨーロッパの芸術の中心地となり、主要な芸術的影響力を持つようになりました。多くのフランス人芸術家が大陸各地の宮廷で活躍しました（例えば、ローマで教皇ベネディクト14世に仕えた画家ピエール・スブレラス、ベルリンでプロイセン国王に仕えたアントワーヌ・ペーヌ、マドリードでスペイン国王に仕えたジャン・ランクとルイ＝ミシェル・ヴァン・ルー、ロンドンで活躍したフィリップ・ジャック・ド・ルーテルブール、サンクトペテルブルクでエカチェリーナ2世に仕えた彫刻家エティエンヌ・モーリス・ファルコネ、ロンドンで活躍したルイ＝フランソワ・ルビリアック、イギリスで活躍した鉄工職人ジャン・ティジューなど）。
19世紀前半で最も著名な彫刻家は、最後の王室依頼作品であるマルリーの馬像（1743～1745年）で有名なギヨーム・クストゥー（父）とその息子ギヨーム・クストゥー（子） 、パリのロアン館にある太陽の馬像のレリーフ（1737年）で名高いロベール・ル・ロラン、そして新古典主義の先駆者であり、パリの四季の噴水（1739～1745年）を主な公的依頼作品としたエドメ・ブシャルドンであった。彼はまた、古代を彷彿とさせる貴族の胸像を大理石で制作したことでも有名であった。
19世紀後半のフランスを代表する彫刻家としては、表情の移ろいゆくニュアンスを捉え、動きを感じさせる大理石とテラコッタの両方で表現力豊かな肖像彫刻を制作したことで知られる肖像彫刻家のジャン＝バティスト・ルモワーヌ、ストラスブールのモーリス・ド・サックスの印象的な葬儀記念碑（1753～1765年）と古代の哲学者として描かれたヴォルテールの裸像（1776年）で有名なジャン＝バティスト・ピガール、エカチェリーナ2世のためにサンクトペテルブルクに記念碑的な青銅の騎馬像（1768～1782年）を制作したエティエンヌ・モーリス・ファルコネ、そして繊細で親密なテラコッタのレリーフで知られるクロディオンなどが挙げられる。
ルイ15世の治世後半になると、彫刻家たちは顔の表現により一層力を注ぎ、新古典主義の原則を取り入れるようになった。この新しい様式の先駆者となったのは、著名な作家や政治家の胸像、そしてマニエリスムを思わせる身体の伸びやかさと新古典主義の冷徹な厳格さを融合させた、すっきりとした線が特徴のブロンズ像で知られるジャン＝アントワーヌ・ウードン（彼の作品「冬の寓意」など）、オーギュスタン・パジュー、ピエール・ジュリアンであった。
18世紀後半も、特に芸術と科学の分野でフランスがヨーロッパにおける優位性を維持し、ヨーロッパの宮廷ではフランス語を話せることが当然とされていた。フランスのアカデミックな美術教育は引き続き多くの芸術家を輩出していたが、ジャン＝オノレ・フラゴナールやジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダンといった一部の芸術家は、厚塗りの筆致を用いた、より印象派的な新しい絵画様式を探求した。ジャンルの序列は公式には尊重され続けていたものの、風俗画、風景画、肖像画、静物画は非常に流行していた。シャルダンとジャン＝バティスト・ウードリーは静物画で高く評価されたが、静物画は絵画の主題の序列において公式には最も低い位置づけとされていた。
この時代には、前ロマン主義的な側面も見られます。イタリアのカプリッチョ絵画に影響を受けたユベール・ロベールの廃墟の絵は、この点において典型的です。クロード・ジョゼフ・ヴェルネの嵐と月光に照らされた海兵隊の絵や、レオナルド・ダ・ヴィンチとコレッジョに影響を受けた霞がかったようなタッチを採用したピエール＝ポール・プリュドンの寓意的な裸体像も同様で、新古典主義の厳格な線に対抗するロマン主義的な感性の出現を示しています。また、アンドレ・ル・ノートルの合理的で幾何学的なフランス式庭園から、人工的に野生的で非合理的な自然を強調したイギリス式庭園への変化も見られます。ヴェルサイユのプチ・トリアノンの敷地内にマリー・アントワネットのためにリシャール・ミケが作った庭園には、人工の湖、丘、洞窟が含まれています。これらの庭園の中には、新古代様式の愛の神殿（テンプル・ド・ラムール）のように、「フォリー」と呼ばれる奇妙な神殿の遺跡が見られるものもある。プティ・トリアノンの庭園にも同様の遺跡がある。
18世紀後半、フランスでは新古典主義への転換が見られました。これは、ギリシャ・ローマの様式や図像を意識的に用いることを意味します。この運動は、ロカイユ様式の人工性や装飾的な本質への反動として、ディドロなどの知識人によって推進されました。絵画において、この様式の最も偉大な代表者はジャック＝ルイ・ダヴィッドであり、彼はギリシャの壺の横顔を模倣し、横顔の使用を強調しました。彼の主題は、ソクラテスやブルータスの死など、古典史を題材にすることが多かったのです。彼の絵画の威厳と主題は、 17世紀のニコラ・プッサンの作品から大きな影響を受けています。プッサンとダヴィッドは、世紀末のまさに最後の年にキャリアをスタートさせたジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングルにも大きな影響を与えました。この時代の他の重要な新古典主義画家には、道徳的な風俗画で有名なジャン＝バティスト・グルーズ、ジョゼフ＝マリー・ヴィアン、そして肖像画の分野ではマリー＝アントワネットのお気に入りだったエリザベート＝ルイーズ・ヴィジェ＝ルブランがいる。ルイ＝レオポルド・ボイリーは1770年代後半に活動を開始し、フランスの中流階級の社会生活やフランス革命を記録した風俗画、小さな肖像画、トロンプルイユを、非常に精密で緻密なスタイルで描いた。新古典主義は装飾芸術や建築にも浸透した。
ルドゥーやブーレーといった建築家は、対称性と調和を追求し、シンプルで純粋な幾何学的形態に基づいた革新的な新古典主義建築様式を発展させ、例えばルドゥーによるアルク＝エ＝セナン塩田複合施設のように、啓蒙思想家の合理的概念から発展した理想的な工場のモデルとなるような、先見性のあるプロジェクトを数多く手がけた。
フランス革命とナポレオン戦争は、フランスの芸術に大きな変化をもたらした。皇帝ナポレオンに付随する賛美と神話創造のプログラムは、ダヴィッド、グロ、ゲランの絵画において密接に連携していた。建築と装飾芸術においては、ピエール・フォンテーヌとシャルル・ペルシエの建築家がローマとエジプトの古代美術を多用して皇帝の住居のためにアンピール様式を創り出した。家具職人のヤコブ・デマルターは、主にマホガニーの化粧板と重厚な金メッキのブロンズ金具を用いたアンピール様式の独創的な家具を制作した。塗装や金メッキが施されていないマホガニー製の椅子は、古代のレリーフやギリシャの壺の細部から着想を得た古代の椅子や玉座のデザインに触発されたものである。ジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングルは、 1850年代まで絵画における新古典主義の中心人物であり、著名な教師でもあり、色彩よりもデッサンを重視した。一方、オリエンタリズム、エジプトのモチーフ、悲劇的な反英雄、荒々しい風景、歴史小説、中世やルネサンスの場面など、ロマン主義のあらゆる要素が、容易に分類できない活気に満ちた時代を生み出した。この時代の最も重要なロマン主義の画家はウジェーヌ・ドラクロワで、彼は公的なキャリアで成功を収め、アングルの主要なライバルであった。彼より前に、テオドール・ジェリコーは1819年のサロンに出品した記念碑的な作品「メデュース号の筏」でロマン主義への道を開いた。カミーユ・コローは、古典主義の影響を受けた慣習的で理想化された風景画の形式から脱却し、より写実的であると同時に、大気の変化にも敏感であろうとした。
ロマン主義的な傾向は世紀を通じて続き、理想化された風景画と写実主義の両方にロマン主義の萌芽が見られる。ギュスターヴ・クールベやバルビゾン派の作品は、そこから論理的に発展したものであり、アンリ・マティスやジョルジュ・ルオーの師であるギュスターヴ・モローやオディロン・ルドンといった画家による19世紀後半の象徴主義も同様である。
エコール・デ・ボザールで発展したアカデミック絵画は、一般大衆と国家の両方から最も高い評価を得ました。ジャン＝レオン・ジェローム、ウィリアム・ブーグロー、アレクサンドル・カバネルといった高度な訓練を受けた画家たちは、アングルや新古典主義の画家たちの足跡をたどり、古代にインスピレーションを得た歴史画を描きました。若い前衛画家や批評家からは慣習主義的だと批判されましたが、アカデミック絵画の最も才能ある画家たちは、東洋などの多様な文化や技法、そして写真の発明によって可能になった新たな構図からインスピレーションを得て、歴史画というジャンルを刷新しました。
19世紀と近代性の概念について論じた多くの批評家にとって、エドゥアール・マネは、アカデミズムや公式絵画に対抗する前衛運動の台頭を導いた主要人物である（シャルル・ボードレールが同時代の詩においてそうであったように）。スペイン黄金時代の絵画の再発見、未塗装のキャンバスを見せる意欲、率直な裸体への探求、そして斬新な筆致は、印象派への第一歩となった。印象派はバルビゾン派をさらに一歩進め、凝った様式や混色、黒の使用を完全に否定し、屋外で変化する光の中で捉えられた、繊細で移ろいやすい光の効果を追求した（これはJMWターナーやウジェーヌ・ブーダンの絵画に部分的に影響を受けている）。それは、大聖堂や干し草の山を描いたクロード・モネ、初期の野外祭典と後期の赤ら顔の裸婦像を軽やかに描いたピエール＝オーギュスト・ルノワール、そして踊り子や水浴びをする人々を描いたエドガー・ドガへと繋がった。その他の重要な印象派画家には、フレデリック・バジール、アルフレッド・シスレー、カミーユ・ピサロ、ギュスターヴ・カイユボットなどがいる。
その転換点を越えた後、続く30年間は驚くべき実験の連続となった。オランダ生まれだがフランスに住んでいたフィンセント・ファン・ゴッホは表現主義への道を開いた。色彩理論に影響を受けたジョルジュ・スーラは、印象派の実験を支配した点描画法を考案し、ポール・シニャックがそれに続いた。画家の中の画家であるポール・セザンヌは、幾何学的な世界探求を試みたが、同時代の多くの画家は無関心だった。銀行家であったポール・ゴーギャンは、エミール・ベルナールと共にブルターニュで象徴主義を見出し、その後フランス領ポリネシアで異国情緒と原始主義を見出した。これらの画家たちはポスト印象派と呼ばれた。1890年代の芸術運動であるナビ派は、ポール・セリュジエ、ピエール・ボナール、エドゥアール・ヴュイヤール、モーリス・ドニといった画家たちによって構成され、ブルターニュにおけるゴーギャンの作風に影響を受け、日本の浮世絵のようなグラフィックな手法を用いて平原に装飾芸術を探求した。彼らは、芸術作品とは、芸術家が自然を個人的な美的メタファーやシンボルで統合した最終的な成果物であり、視覚的な表現であると説いた。 独学で絵を学んだ郵便局長アンリ・ルソーは、この素朴派革命のモデルとなった。
20世紀初頭は、印象派とポスト印象派が解き放った色彩と内容の実験が主流でした。極東の産物もまた、新たな影響をもたらしました。ほぼ同時期に、フォーヴィスム（アンリ・マティス、アンドレ・ドラン、モーリス・ド・ヴラマンク、アルベール・マルケ、ラウル・デュフィ、オトン・フリーズ、シャルル・カモワン、アンリ・マンガン）は、ドイツ表現主義と同様に、色彩の爆発的な広がりを見せました。
パリ在住のスペイン人画家パブロ・ピカソは、アフリカの部族の仮面を発見したことがきっかけとなり、1907年に『アヴィニョンの娘たち』を制作しました。ピカソとジョルジュ・ブラックはそれぞれ独立して制作活動を行い、平面的な媒体で対象物を合理的に理解するというセザンヌの手法に立ち返り、それを洗練させました。キュビスムの実験を通して、新聞、楽器、タバコ、ワインなど、日常生活のあらゆる側面や対象物を作品に取り入れるようになりました。キュビスムは、そのあらゆる段階において、その後10年間、ヨーロッパとアメリカの絵画界を席巻することになります。（詳細については、キュビスムに関する記事を参照してください。）
第一次世界大戦は、フランスにおける芸術のダイナミックな創造を止めることはなかった。1916年、不満を抱えた人々がチューリッヒのキャバレー・ヴォルテールに集まり、可能な限り最も過激な行為、ダダという反芸術を生み出した。同時期に、フランシス・ピカビアとマルセル・デュシャンも同様の概念を探求していた。1917年にニューヨークで開催された美術展で、デュシャンは「R. Mutt」と署名された白い磁器製の小便器（「泉」）を芸術作品として発表し、レディメイドの父となった。
ダダがパリに伝わると、ジークムント・フロイトの著作、特に彼の無意識の概念に魅了された若い芸術家や作家たちが熱狂的に受け入れた。ダダの挑発的な精神は、自動記述、偶然性操作、そして場合によっては変性意識状態を用いることで、無意識の探求と結びついた。シュルレアリストたちはすぐに絵画と彫刻へと活動の場を移した。予期せぬ要素の衝撃、フロッタージュ、コラージュ、デカルコマニーの使用、神秘的な風景や夢想的なイメージの表現は、1930年代後半を通して彼らの主要な技法となった。
戦争直後、フランスの美術界は大きく二つの方向に分かれた。一つは戦前からの芸術的実験、特にシュルレアリスムを継続する者たち、もう一つはニューヨークから伝わった新しい抽象表現主義やアクション・ペインティングを取り入れ、タシズムやアンフォルメルといったフランス独自の手法で表現する者たちである。これら二つの潮流と並行して、ジャン・デュビュッフェは戦後初期を席巻し、様々な媒体を用いて子供のような絵、落書き、漫画を探求した。
二つの世界大戦の間に、エコール・ド・パリ（パリ派）として知られる芸術運動が隆盛を極めた。パリを中心とするこの運動は、独特な表現主義芸術を生み出した。多くの外国人およびフランス人芸術家が参加し、その多くはユダヤ人であった。これらの芸術家は主にモンパルナスに集まっていた。[ 12 ]これらのユダヤ人芸術家はエコール・ド・パリで重要な役割を果たし、迫害やポグロムから逃れて東ヨーロッパからパリに避難してきた者もいた。[ 13 ]マルク・シャガール、ジュール・パスキン、シャイム・スーティン、アイザック・フレンケル・フレネル、アメデオ・モディリアーニ、アブラハム・ミンチンといった著名な人物は、フランス国内外でこの運動に貢献した著名な人物であった。[ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]これらの芸術家は作品の中でユダヤ的なテーマを描き、強い感情的なトーンを込めることが多かった。[ 17 ]
1925年に外国人嫌悪に対抗するために作られた「l' École de Paris」という用語は、外国人、多くはユダヤ人の芸術家を認めるものでした。しかし、ナチスの占領によりホロコーストでユダヤ人芸術家が悲劇的に失われ、一部の芸術家がイスラエルや米国に去ったり逃げたりしたため、パリ派は衰退しました。[ 13 ] [ 18 ] [ 14 ] [ 12 ]
1940年代、抽象絵画は第二次世界大戦後、フランス版アンフォルメル芸術である抒情抽象（タシズム）によって勢いを増し、批評家からも高く評価されるようになった。その主な代表者は、ジャン・フォートリエ、ピエール・スーラージュ、ジャン・デュビュッフェ、ニコラ・ド・スタール、ジョルジュ・マチューであった。1950年代には、パリは再びヨーロッパの主要な芸術の中心地となり、ハンス・ハルトゥング、セルジュ・ポリアコフ、ジェラール・シュナイダー、シモン・アンタイ、ザオ・ウーキーなど、世界中から画家が集まった。1950年代後半から1960年代初頭にかけてのフランスでは、ポップアートとみなせるような芸術形式が見られた。イヴ・クラインは、魅力的な裸婦が青い絵の具の中で転げ回り、キャンバスに身を投げ出す様子を描き、マルシャル・レイスは写真、広告、コラージュを作品に取り入れた。レイモン・アンやジャック・ヴィルグレといったアフィシストたちは、デコラージュという手法を用いました。これは、元のイメージの一部を引き裂いたり、切り取ったり、その他の方法で取り除いたりして作品を作り出す技法です。
ルーマニア生まれのヴィクトル・ヴァザルリは、洗練された光学的パターンをデザインすることでオプ・アートを発明した。一方、フランソワ・モルレやジュリオ・ル・パルクなど、 11人のアーティストがグループ「視覚芸術研究グループ」に再集結し、さまざまなタイプの人工光と機械的な動きを用いて、キネティック・アートとオプ・アートの光学効果の幅広いスペクトルを研究した。ベン・ヴォーティエなどのフルクサス運動のアーティストは、作品に落書きや拾得物を取り入れた。ニキ・ド・サンファルは、膨張した鮮やかなプラスチック製の人物像を制作した。ヌーヴォー・レアリスムのグループは、日常生活の実際の物を作品に取り入れた。アルマンは拾得物を箱や樹脂でコーティングしたアッサンブラージュに集め、セザール・バルダッチーニは一連の大きな圧縮されたオブジェ彫刻を制作した。セザールは、自動車、金属、ゴミ、家庭用品などの廃棄された材料を圧縮して、大きな廃棄物彫刻を制作した。[ 19 ]
ポップアート絵画は1960年代初頭にフランスに伝わり、「具象物語」として知られ、アメリカのポップアートよりも政治的なメッセージを強く打ち出した。その代表的な画家には、エルヴェ・テレマック、ジェラール・フロマンジェ、ベルナール・ランシラック、ジャック・モノリーなどがいる。
1968年5月、急進的な青年運動は、彼らのアトリエ・ポピュレールを通じて、シャルル・ド・ゴール大統領の行き詰まった政策に抗議するポスター作品を数多く制作した。
現代の多くの芸術家は、第二次世界大戦の惨禍とホロコーストの亡霊に今もなお苦しめられている。クリスチャン・ボルタンスキーの、失われた人々や名もなき人々を描いた痛ましいインスタレーション作品は、特に強い印象を与える。
（都市名アルファベット順）
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芸術に関するフランス語の単語と表現：
特定の
" l'École de Paris is a term coined by the art critic André Warnod in 1925, in the magazine Comœdia, to define the group formed by foreign painters in Paris. The École de Paris does not designate a movement or a school in the academic sense of the term, but a historical fact. In Warnod's mind, this term was intended to counter a latent xenophobia rather than to establish a theoretical approach.
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