イギリスの芸術

英国の芸術とは、1707年のグレートブリテン王国成立以来の英国における、または英国に関連するあらゆる形態の視覚芸術を指し、イングランドの芸術、スコットランドの芸術、ウェールズの芸術、アイルランドの芸術を包含し、西洋美術史の一部をなす。18世紀、英国は中世のヨーロッパ美術においてイングランドがこれまで果たしていた主導的な地位を取り戻し始め、特に肖像画と風景画で強かった。

当時のイギリスの繁栄は、美術と装飾美術の生産量を大幅に増加させ、後者は輸出されることが多かった。ロマン主義の時代は、ウィリアム・ブレイク、JMWターナー、ジョン・コンスタブル、サミュエル・パーマーといった画家を含む、非常に多様な才能が生み出した時代であった。ヴィクトリア朝時代には、芸術の多様性が高まり、それ以前よりもはるかに多くの作品が生み出された。現在、ヴィクトリア朝の芸術の多くは批評家から支持されておらず、関心はラファエル前派と18世紀末の革新的な運動に集中している。

長い間無視されてきた芸術家の養成は、18世紀に民間および政府の取り組みを通じて改善され始め、19世紀には大幅に拡大しました。公の展覧会とその後の美術館の開館により、特にロンドンでは、より広い大衆に芸術がもたらされました。19世紀には、宗教改革以来事実上休止していた宗教芸術が再び公開展示され、他の国々と同様に、ラファエル前派やグラスゴー派などの運動が、確立されたアカデミック芸術と競合しました。

初期のモダニズム芸術に対する英国の貢献は比較的小さかったが、第二次世界大戦以降、英国の芸術家は特に具象芸術において現代美術に多大な影響を与えており、英国はますますグローバル化する芸術界の重要な中心地であり続けている。^[要出典]

現存する最古の英国美術には、紀元前2600年頃のストーンヘンジや、紀元前2150年頃のビーカー族が制作した錫と金の美術品がある。ラ・テーヌ様式のケルト美術が英国諸島に到達したのはかなり遅く、紀元前400年頃以降で、バタシー盾や、曲線、螺旋、トランペット形の複雑な模様で装飾された多数の青銅製の鏡の裏蓋などの物品に見られるような、特定の「島嶼ケルト」様式を発達させた。スタッフォードシャー・ムーアランド・パンなどの物品や、キリスト教島嶼美術におけるゲルマン民族の織り交ぜや地中海の要素と融合したケルトモチーフの復活など、ケルトの装飾様式がローマ時代を通じて生き延びていたのは英国諸島のみである。この様式は、7世紀から8世紀にかけて、現在のイギリスを構成するすべての国で短期間ではあるが華々しく開花し、『ケルズの書』や『リンディスファーンの書』などの作品に現れた。インシュラー様式は北ヨーロッパ全体に影響を及ぼし、特に後のアングロサクソン美術に大きな影響を与えたが、大陸からの新たな影響も受けた。

イギリスはロマネスク美術やゴシック美術に多大な貢献をしたが、特に装飾写本や教会の記念碑的彫刻の分野で貢献した。しかし、他の国々は基本的に地方的であり、15世紀のイギリスは大陸の絵画の発展に追いつくのに苦労した。1500年以前の壁画やパネルに描かれた最高品質のイギリス絵画の例がいくつか現存しており、ウェストミンスター祭壇画、ウィルトンの二連祭壇画、ウェストミンスター寺院やウェストミンスター宮殿の絵画からの残存物などがある。^[1]

イングランドとスコットランドの宗教改革は特に既存の宗教美術を破壊し、新しい作品の制作は事実上停止した。テューダー朝の宮廷芸術家は主にヨーロッパから輸入され、18世紀まで続くパターンを作った。エリザベス1世の肖像画は、同時代のヨーロッパのルネッサンスのモデルを無視し、素朴派の象徴的なイメージを生み出した。肖像画家のハンス・ホルバインとアンソニー・ヴァン・ダイクは、英国で長期間を過ごした多くの芸術家の中で最も著名で影響力があり、肖像ミニチュア画家のニコラス・ヒリアード、ロバート・ピーク、ウィリアム・ラーキン、ウィリアム・ドブソン、そして主にロンドンで活動したスコットランド人ジョン・マイケル・ライトのような地元の才能を一般的に凌駕した。^[2]

連合当時のイギリスでは風景画はまだあまり発達していませんでしたが、ウィレム・ファン・デ・ヴェルデという父と息子によって海洋画の伝統が確立されていました。彼らは1673年、第三次英蘭戦争の最中にロンドンに移るまで、オランダを代表する海洋画家でした。^[3]

1707年のいわゆる合同法は、ロンドンがゴドフリー・ネラー卿の長きにわたる支配の真っ只中に制定された。ネラー卿はドイツ人の肖像画家で、最終的にはオランダ人のピーター・レリー卿の後を継いで首席宮廷画家となった。ネラー卿はレリー卿のスタイルを模倣し、その膨大で定型的な作品群を制作したが、その作品の質は大きく異なり、そのスタイルは多くの劣る画家たちによって踏襲された。エディンバラでのネラー卿のカウンターパートであるジョン・バプティスト・メディナ卿は、ブリュッセルでスペイン人の両親のもとに生まれ、合同が実現する直前に亡くなり、創設されたスコットランドの騎士団の最後の一人であった。メディナは最初はロンドンで活動していたが、キャリアの半ばでエディンバラの競争の少ない環境に移り、スコットランドのエリートの肖像画を制作するようになった。しかし、スコットランドの貴族たちは、1723年に移住したメディナの弟子ウィリアム・エイクマンやアラン・ラムゼイのようなスコットランド人画家に肖像画を描いてもらうために、より高いお金を払うことをあきらめた。^[4]

英国の肖像画界には、レリーとクネラーの伝統とは別の、より直接的な伝統があった。それは、ウィリアム・ドブソンとドイツ人またはオランダ人のジェラルド・ゾーストに遡る。彼らはジョン・ライリーを育てたが、ライリーの作品はほんのわずかしか確実に帰属していない。ライリーは次にジョナサン・リチャードソンを育てた。リチャードソンはトーマス・ハドソンを育てた美術家であり、ハドソンはジョシュア・レイノルズとジョセフ・ライト・オブ・ダービーを育てた。リチャードソンはまた、当時の最も著名なアイルランド人肖像画家、チャールズ・ジャーバスを育てた。ジャーバスは芸術家としての明らかな限界にもかかわらず、ロンドンで社会的、経済的成功を収めた。^[5]

絵画の「下級ジャンル」の支配に対する例外は、サー・ジェームズ・ソーンヒル（1675/76年 - 1734年）で、彼は巨大なバロックの寓意的装飾スキームを描いた最初で最後の重要なイギリス人画家で、ナイトに叙せられた最初のイギリス人画家でした。彼の最も有名な作品は、グリニッジ病院、ブレナム宮殿、ロンドンのセント・ポール大聖堂のキューポラのものです。彼の素描は、義理の息子ウィリアム・ホガースが追求することになる方向で、強く描かれたリアリズムへの好みを示していますが、これは完成作品ではほとんど無視されており、グリニッジでは、彼は「キングス・ランディングを実際のように、そして現代的な方法と衣装で単純に表現することから生じる異議」の慎重なリストを心に留め、伝統的なバロックの賛美を描きました。^[6]ホガース同様、彼は国家主義的な手法で自己宣伝を行い、最終的にはセバスティアーノ・リッチに先んじて十分な数の依頼を受け、1716年に彼と彼のチームはフランスに撤退した。ジョヴァンニ・アントニオ・ペレグリーニは1713年にすでにフランスを去っていた。寓意画を描いた他の主要な外国人画家、アントニオ・ヴェリオとルイ・ラゲールがそれぞれ1707年と1721年に亡くなると、ソーンヒルは独り立ちしたが、彼の生涯の終わりには嗜好の変化から壮大な計画の依頼は枯渇した。^[7]

1714年以降、ハノーヴァー朝は以前よりはるかに控えめな宮廷を運営し、必要な肖像画以外の芸術の支援からほぼ撤退した。幸いにも、イギリス経済が急成長し、特にロンドンの宮廷に代わる貴族や商人の富を供給することができた。^[8]

ウィリアム・ホガースは、20世紀後半に大きな存在でした。彼の芸術は、現代生活を生き生きと道徳的に描いた場面で、風刺と哀愁に満ち、プロテスタントの中流階級の趣味と偏見に即した、独特の英国的特徴をうまく表現していました。中流階級の人々は、ホガースの絵画の版画版を大量に購入しました。他の主題は版画としてのみ発行され、ホガースは最初の重要な英国版画家であり、今でも最もよく知られています。作品の多くは4つ以上の場面を描いた連作で、最もよく知られているのは、1730年代の「娼婦の進歩」と「放蕩者の進歩」 、 1740年代半ばの「結婚生活」です。実際、彼がイギリスを離れたのは一度だけであり、彼自身のプロパガンダでは彼がイギリス人であることを主張し、しばしば巨匠たちを攻撃していたにもかかわらず、版画家としての経歴、ほとんどのイギリス絵画家よりも大陸美術に精通していたこと、そして明らかに他の画家から教訓を素早く吸収する能力があったことから、彼は同時代のほとんどの画家よりも大陸美術に精通し、それをより多く活用していた。

後の多くの画家たちと同様、ホガースは何よりもまずグランドマナーの歴史画で成功することを望んだが、彼の数少ない試みは成功せず、現在ではほとんど評価されていない。彼の肖像画は主に中流階級の人物を描いたもので、同情とお世辞の両方を反映した明らかなリアリズムで描かれており、その中にはフィリップ・メルシエによってフランスから最近もたらされた流行のカンバセーションピース形式のものも含まれていた。これはイギリスで人気を保ち、フランシス・ヘイマンなどの芸術家によって取り上げられたが、芸術家が1桁の良い注文を受けると通常は放棄された。^[9]

イギリスでは、他のヨーロッパ諸国以上に芸術家の不足から、既存の巨匠の工房を超えて芸術家の養成を行う必要があるとの認識があり、 1711年にクネラーがペレグリーニの助けを借りてグレート・クイーン・ストリートにアカデミーを設立したのを皮切りに、さまざまなアカデミー設立の試みがなされた。このアカデミーは1716年にソーンヒルに引き継がれたが、1720年にジョン・ヴァンダーバンクとルイ・シェロンが独自のアカデミーを設立した頃には活動を停止していたようである。この状態は長くは続かず、1724年から1725年にかけてソーンヒルは自分の家で再度試みたが、あまり成功しなかった。ホガースはこのための設備を継承し、1735年にセント・マーティンズ・レーン・アカデミーを設立した。このアカデミーは最も長く存続し、最終的には1768年に王立アカデミーに吸収された。ホガースはまた、ロンドンの展示会場不足の問題を解決するのにも貢献し、1746年からファウンドリング病院でショーを開催した。 ^[10]

スコットランドの肖像画家アラン・ラムゼーは、1739年までにロンドンに移るまでエディンバラで活動していた。彼はキャリアの初めと終わりに3年間イタリアを訪れ、ジョシュア・レイノルズに先駆けて、よりリラックスした「グランド・マナー」をイギリスの肖像画に持ち込み、女性をモデルにした作品であると一般に認められている最高傑作では非常に繊細な扱い方を披露した。レイノルズが名声を得るまで、19世紀半ばのロンドンでの主なライバルは、レイノルズの師匠で堅苦しいトーマス・ハドソンだった。^[11]

ジョン・ウートンは、1714年頃から1765年に亡くなるまで活動し、当時の代表的なスポーツ画家であった。イングランド競馬の中心地であったニューマーケットを拠点に、馬の肖像画のほか、狩猟や乗馬を題材にした戦闘シーンや談話作品を多数制作した。彼は、ボーフォート公爵家の小姓としてキャリアをスタートし、1720年代にボーフォート公爵によってローマに派遣された。そこで、ガスパール・デュゲットやクロード・ウートンのスタイルを基にした古典的な風景画のスタイルを習得し、純粋な風景画やカントリーハウスや馬を題材にした作品を制作した。これは、それまでイギリスで主流の風景画のスタイルを確立していたオランダ人やフランドル人のさまざまな芸術家に代わるスタイルを導入し、ジョージ・ランバートなどの仲介芸術家を通じて、ゲインズバラなどの他のイギリス人芸術家に大きな影響を与えることとなった。ランバートは、風景画を題材にした画家としてキャリアを築いた最初のイギリス人画家である。^[12] サミュエル・スコットは、イギリスの海洋画家や都市景観画家の中で最高の人物であったが、後者の専門分野では、1746年から9年間イギリスに滞在し、ヴェネツィアの風景画がグランドツアーのお気に入りのお土産であったカナレットに匹敵することはできなかった。^[13]

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  サー・ジョン・ラシャウト、第4代準男爵、ゴッドフリー・クネラー作、1716年
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  ウィリアム・ホガース『グラハム家の子供たち』1742年
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  ウィリアム・ホガース、『結婚の様式』（ホガース）、1743-45年頃
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  アラン・ラムゼイ『チャールズ・スチュアートの肖像画』1745年
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  トーマス・ハドソン『ジョン・ビングの肖像』 1749年
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  ウィリアム・ホガース『選挙の気分』 1755年

古物収集家で彫刻家のジョージ・ヴァーチューは、この時期のほとんどの期間、ロンドンの芸術界で活躍しており、彼の膨大なノートは1760年代にホレス・ウォルポールによって『イングランドの絵画に関する逸話』として出版され、今でもこの時代に関する主要な資料となっている。^[14]

1720年にロンドンに到着して以来、フランドルの彫刻家ジョン・マイケル・リスブラックは、1730年にルイ・フランソワ・ルビリアックが到着するまで、その分野のリーダー的存在だった。ルビリアックはロココ様式の彫刻で、胸像や小像に非常に効果的だったが、その後の10年間には、より大きな作品の依頼も受けていた。ルビリアックは、1743年に設立されたチェルシー磁器工場のモデルも制作した。この私企業は、主に統治者によって設立された大陸の工場に対抗しようとしていた。ルビリアックのスタイルは、地元の著名な彫刻家ヘンリー・チアー卿と、庭園用の彫像を専門とする弟のジョンのスタイルを形成した。 ^[15]

ロンドンの強力な銀細工産業は、ポール・ド・ラメリー、ポール・クレスパン、ニコラス・スプリモン、コートールド家、そしてジョルジュ・ウィックスのようなユグノー難民の子孫によって支配されていた。注文はロシアやポルトガルの宮廷など遠くから寄せられていたが、イギリスのスタイルは依然としてパリ​​が主導していた。^{[16]ロンドンの}スピタルフィールズでの絹織物 の製造も伝統的なユグノー産業であったが、1720年代後半からは、絹のデザインはリンカンシャー出身の牧師の娘で、 40歳にしてロココ様式の花柄を多く手掛けるデザイナーとして頭角を現したアンナ・マリア・ガースウェイトという意外な人物によって支配されていた。^[17]

フランスやドイツとは異なり、イギリスではロココ様式の採用は全面的というよりは断片的であり、国民主義的な理由で抵抗があった。その先頭に立ったのが第3代バーリントン伯爵リチャード・ボイルとウィリアム・ケントで、彼らは一緒に制作した建築のパラディオ主義に合うようにインテリアデザインや家具のスタイルを推進し、また、影響力のあるイギリスの風景式庭園の伝統の始まりでもあった。^[18]ニコラウス・ペヴスナーによれば、 「イギリスの芸術における革新の中で最も影響力のあったもの」である。^[19] フランス生まれの彫刻家ユベール・フランソワ・グラヴロは、1732年から1745年までロンドンに住み、職人が真似できるよう本の挿絵や装飾版画にロココ様式を取り入れた重要人物であった。^[20]

現代の一般の認識では、1750年から1790年頃のイギリス美術（今日ではイギリス絵画の「古典時代」と呼ばれている）は、ジョシュア・レイノルズ卿（1723年～1792年）、ジョージ・スタッブス（1724年～1806年）、トーマス・ゲインズバラ（1727年～1788年）、ジョセフ・ライト・オブ・ダービー（1734年～1797年）が主流でした。当時はレイノルズが支配的人物とみなされ、ゲインズバラは非常に高い評価を得ていましたが、スタッブスは単なる動物画家とみなされ、今日ではほとんど知られていないか忘れ去られている他の多くの画家よりもはるかに重要性の低い人物とみなされていました。この時代はイギリスとイギリスの芸術家たちの繁栄が続いた時期だった。「1780年代までにイギリスの画家たちは国内で最も裕福な人々の一人となり、彼らの名前は新聞の読者に知られ、彼らの争いや陰謀は町の話題となり、彼らの題材は印刷所のショーウィンドウの展示を通して誰もが知っていた」とジェラルド・ライトリンガーは述べている。^[21]

レイノルズは1753年にイタリアへの長期滞在から戻り、すぐにロンドンで最も流行した肖像画家としての評判を確立し、やがて社交界の恐るべき人物、イギリスの芸術界の公的な指導者となった。彼はイタリアの古典芸術と現代芸術の両方を学んでおり、彼の作品には旅先で見たモデルがさりげなく再利用されている。彼は英雄的な軍人から非常に若い女性まで、幅広い気分や感情を伝えることができ、背景と人物を劇的に結びつけることも多かった。^[22]

1754年に設立された芸術・製造・商業奨励協会は、主に展覧会の会場を提供する目的で設立された。1761年、レイノルズはライバルである英国芸術家協会の設立を主導し、芸術家がより多くの権限を持つようになった。この協会は、 1768年に王立芸術アカデミーが設立されたにもかかわらず、1791年まで続いた。王立芸術アカデミーはすぐにロンドンで最も重要な展示組織と最も重要な学校になった。レイノルズはその初代会長となり、1792年に亡くなるまでその職を務めた。彼が最初に学生に配布した『講話』は、英語で書かれた最初の主要な芸術に関する著作とみなされ、古典彫刻や盛期ルネサンス絵画の古典的な壮大さに匹敵するスタイルへの憧れを示した。^[23]

アカデミーが設立された後、レイノルズの肖像画はより古典的になり、より遠ざかる傾向が強まったが、1770年代後半にはより親密なスタイルに戻るまでになった。これはおそらく、イプスウィッチ、次いでバースで活動した後、1773年にようやくロンドンに定住したトーマス・ゲインズバラ^[24]の成功の影響によるものと思われる。レイノルズの貴族の肖像画の制作は彼の才能にぴったり合っていたように思えるが、ゲインズバラは作品の市場に従うことを強いられなければ、純粋な風景画家、あるいは家族の肖像画の多くに見られるような非公式なスタイルの肖像画家として成長していたかもしれない。彼は晩年まで主に楽しみのために純粋な風景画を描き続けたが、風景画が完全に認められたのは20世紀になってからである。彼の主な影響は、肖像画ではフランス、風景画ではイタリアではなくオランダであり、彼は筆遣いの鮮やかな軽妙さで有名である。^[25]

ジョージ・ロムニーも1770年頃に有名になり、晩年には活動が衰えたものの、1799年まで活動していた。彼の肖像画は、品格のある社交界の人物たちの個性的で魅力的なイメージがほとんどだが、1781年からは気まぐれな若いエマ・ハミルトンに執着するようになり、より派手なポーズの彼女を60枚ほど描いた。^[26] 彼の作品は20世紀初頭に特にアメリカの収集家の間で人気があり、現在ではその多くがアメリカの美術館に所蔵されている。^{[27]この世代の終わりには、}ジョン・ホップナー、ウィリアム・ビーチー卿、そしてアメリカに帰国してからようやく成熟したスタイルに気付いた若きギルバート・スチュアートなど、 より若い肖像画家たちがこの世代を引き継いでいた。^[28]

ウェールズの画家リチャード・ウィルソンは、 1757年に7年間のイタリア滞在からロンドンに戻り、その後20年間で、クロードとガスパール・デュゲットのフランス・イタリアの伝統を英国の題材に取り入れた「崇高な」風景画スタイルを発展させた。ゲインズバラの作品と同様に、彼の風景画は高く評価されていたものの、売れ行きは悪く、レイノルズが不満を漏らしたように、小さな人物を数人追加して歴史画に仕立てるというありふれた戦略に頼ることもあった。その場合、値段は2倍の約80ポンドに跳ね上がった。 ^[29] 彼はイタリアだけでなく、イングランドやウェールズを舞台にした風景画を描き続けた。1782年に彼が亡くなったのは、ちょうど大勢の芸術家がウェールズ、後には湖水地方やスコットランドに山岳風景を求めて旅を始め、油絵や水彩画がプロとアマチュアの両方で英国で長く人気を集め始めた頃だった。ポール・サンドビー、フランシス・タウン、ジョン・ワーウィック・スミス、ジョン・ロバート・コーゼンズは、一流の専門画家たちであり、牧師でありアマチュア芸術家であったウィリアム・ギルピンは、アマチュア絵画の人気を刺激した重要な作家であった。一方、アレクサンダー・コーゼンズの作品は、ランダムなインクの染みを風景画の構成に形成することを推奨しており、コンスタブルもこの技法を試した。^[30]

壮大な様式の歴史画は、最も権威のある芸術形式であり続けたが、最も売れやすいわけではなかった。レイノルズも何度か挑戦したが、ホガース同様失敗に終わった。現代の衣装の非英雄的な性質は、同時代の場面の描写における大きな障害とみなされ、スコットランドの紳士芸術家で美術商のギャビン・ハミルトンは、古典的な場面を好み、また東洋旅行に基づいた絵も描いた。彼の描くヨーロッパ人の人物は、アラブの衣装を着ることでこの問題を回避した。彼は成人してからの人生の大半をローマで過ごし、少なくともイギリスと同じくらいヨーロッパの新古典主義に影響を与えた。アイルランド人のジェームズ・バリーはブレイクに影響を与えたが、キャリアは苦しく、王立芸術協会の大広間で連作『人類文化の進歩』の制作に何年も費やした。ボタンやかつらを恐れなかった最も成功した歴史画家は、ロンドンに定住したアメリカ人のベンジャミン・ウェストとジョン・シングルトン・コプリーであるが、彼の最も成功した作品の1つである『ワトソンとサメ』（1778年）では、溺死からの救助を描いており、ボタンやかつらをほとんど避けることができた。

文学作品から小スケールの題材を選んだことも人気があり、その先駆けとなったのは、フランシス・ヘイマン（シェイクスピアの場面を描いた最初の画家のひとり）とジョセフ・ハイモア（小説『パメラ』の挿絵を描いたシリーズ）である。この時期の終わりには、ボイデル・シェイクスピア・ギャラリーが野心的な絵画とそれに続く版画のプロジェクトとなり、当時のイギリスの歴史画の限界を露呈しながら、今や「詩人」となったシェイクスピアを描き出した。^[31] ジョセフ・ライト・オブ・ダービーは主に肖像画家だったが、産業革命を描いた最初の画家のひとりでもあり、また『空気ポンプの中の鳥の実験』（1768年）や『太陽系儀について講義する哲学者』 （1766年頃）といった作品で会話画と歴史画の融合を展開した。これらの作品は、彼の作品の多くと同様にろうそくの明かりだけで照らされており、強い明暗法の効果を生み出している。^[32]

劇場の場面を記録した絵画は、ドイツのヨハン・ゾファニーらが描いたもう一つのサブジャンルである。ゾファニーは肖像画や談話画を描き、インドでも2年以上過ごし、イギリスの太子や地元の場面を描いた。拡大する大英帝国はイギリス美術においてますます重要な役割を担うようになった。^[33] 軍隊ではスケッチマップや計画に美術の訓練が役立つと考えられており、多くのイギリス人将校が世界中の場面や場所を描いた最初の西洋風の絵画を、多くの場合は水彩画で制作した。インドでは、インド人がイギリス市場向けに制作した西洋美術とインド美術のハイブリッド形式としてカンパニー様式が発達した。

トーマス・ローランドソンはイギリスの生活を風刺した水彩画や版画を制作したが、政治については触れなかった。手彩色または無地で、印刷所（出版社も兼ねていることが多い）で個別に販売された政治的風刺画の巨匠はジェームズ・ギルレイだった。^[34] イギリス美術で肖像画が重視されたのは、モデルたちの虚栄心だけによるものではなかった。肖像画の版画、主に絵画の複製の大きなコレクター市場があり、アルバムに収められることが多かった。19世紀半ばから、肖像画やその他の絵画のメゾチントによる高価だがより効果的な複製が大幅に増加し、コレクターからは「文字が付けられる前」（つまり、銘が追加される前）の初期の試作品が特に求められ、版画家たちは喜んでそれをどんどん印刷していった。^[35]

この時代はイギリスの装飾芸術の絶頂期の一つとなった。19世紀半ばには、ロンドンのボウをはじめ、ローストフト、ウースター、ロイヤル・クラウン・ダービー、リバプール、ウェッジウッドなどの地方に多くの磁器工場が開設され、1767年にはスポードもそれに続いた。そのほとんどは小さな会社として始まり、数十年しか続かなかったものもあれば、今日まで存続しているものもある。この時代末期には、イギリスの磁器製造業者は外国の王族から注文を受けるようになり、イギリスの製造業者は急速に拡大する国際的な中流階級の市場を追求することに特に長けており、ボーンチャイナや転写プリントの製品、手描きの本物の磁器を開発していた。^[36]

3人の代表的な家具職人、トーマス・チッペンデール（1718年 - 1779年）、トーマス・シェラトン（1751年 - 1806年）、ジョージ・ヘップルホワイト（1727年？ - 1786年）は、それぞれスタイルが異なり、主に英国内外の家具職人が使用するパターンブックの著者として不朽の名声を獲得した。実際、最後の2人が実際に工房を経営していたかどうかは定かではないが、チッペンデールは確かにこの分野で、そして現在インテリアデザインと呼ばれる分野で成功していた。フランスと異なり、英国はギルド制度を廃止しており、チッペンデールは改装に必要なあらゆる技術の専門家を雇うことができた。^[37] この時期にロココとシノワズリは新古典主義に取って代わられ、スコットランドの建築家でインテリアデザイナーのロバート・アダム（1728年 - 1792年）が新しいスタイルを主導した。

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  ジョシュア・レイノルズ卿、自画像、約24歳、1747-9年頃
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  トーマス・ゲインズバラ、コナード・ウッド、サドベリー近郊、サフォーク、1748年
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  ジョージ・スタッブス、ホイッスルジャケット、1762年頃
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  ジョセフ・ライト・オブ・ダービー、『太陽系儀について講義する哲学者』、1766年頃
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  ジョージ・スタッブス『ニューホランドのコンゴウロ』1772年
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  初代スタッフォード侯爵グランヴィル・レベソン＝ガワーの子供たち（1776年～1777年）
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  トーマス・ゲインズバラ『メアリー・グラハム夫人の肖像』1777年
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  サー・ジョシュア・レイノルズ、『ウォルデグレーブの婦人たち』、1780–81年
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  トーマス・ゲインズバラ『朝の散歩』1785年
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  ジョシュア・レイノルズ卿、『無垢の時代』、1785-88年

18世紀後半から19世紀前半は、イギリス美術におけるロマン主義運動が特徴で、ジョセフ・ライト・オブ・ダービー、ジェームズ・ウォード、サミュエル・パーマー、リチャード・パークス・ボニントン、ジョン・マーティンらが活躍し、おそらくイギリス美術で最も急進的な時代であった。この時代、ウィリアム・ブレイク（1757年 - 1827年）、ジョン・コンスタブル（1776年 - 1837年）、ジェイ・エム・ワイ・ターナー（1775年 - 1851年）らも輩出しており、後者の2人はおそらくイギリスの芸術家の中で最も国際的に影響力のあった画家である。^{[38] [39]}ターナーの作風はイタリア風の伝統に基づいていたが、40代になるまでイタリアを訪れることはなかった。最終的な野性的でほとんど抽象的な風景画では光の効果を探求し、印象派や後の他の運動に大きな影響を与えるまでに、ターナーの作風は大きく変化した。^[40]コンスタブルは、通常、北ヨーロッパの伝統に基づいたスタイルで、せいぜい数人の風俗画の人物を描いた純粋な風景画を描いていたが、ターナーと同様に、彼の「6フィートの」作品は歴史画と同じくらい印象的なインパクトを与えることを意図していた。^[41]これらは、習作や実物大の油絵のスケッチを使用して慎重に準備されたが、^[42]ターナーは、展示作品がすでに展示用に掛けられているときに仕上げることで有名であり、当時の密集した展示物の中で周囲の作品を支配するように自由に調整した。^[43]

ブレイクの幻想的な作風は、生前は少数派の趣味であったが、 1820年代にケントのショアハムに集まり、貧困の中で強烈で叙情的な田園詩を制作したサミュエル・パーマー、ジョン・リンネル、エドワード・カルバート、ジョージ・リッチモンドらの「古代人」の若いグループに影響を与えた。彼らはより伝統的な芸術家としてのキャリアを歩み、パーマーの初期の作品は20世紀初頭まで完全に忘れ去られていた。^[44]ブレイクとパーマーは、20世紀のモダニズム芸術家に大きな影響を与え、特にドラ・キャリントン、^{[45] 、}ポール・ナッシュ、グラハム・サザーランドなどのイギリス人芸術家の絵画にそれが表れている。^[46]ブレイクは、 1950年代のビート詩人や1960年代のカウンターカルチャーにも多大な影響を与えた。^[47]

トーマス・ローレンスは20世紀初頭にはすでに一流の肖像画家であり、上流社会やナポレオン戦争後のウィーン会議に集まったヨーロッパの指導者たちの肖像画にロマン主義的な要素を加えることができた。ヘンリー・レイバーンはスコットランド連合以来、生涯を通じてエディンバラを拠点にし続けた最も重要な肖像画家で、スコットランドの繁栄の高まりを物語っている。^[48] しかしデイヴィッド・ウィルキーは伝統的な南の道を進み、田舎の生活や風俗と歴史の融合を題材にした『ワーテルロー通信』 (1822年)などの作品で大成功を収めた。^[49]

ジョン・フラックスマンは、最も徹底した新古典主義のイギリス人芸術家でした。彫刻家としてスタートした彼は、古典的場面を描いた多くの簡素な「アウトライン・ドローイング」で最もよく知られ、文学を題材にしたものが多く、版画として複製されました。これらは、彼が制作した古典様式のレリーフの効果を模倣したものです。ドイツ系スイス人のヘンリー・フュースリも線画スタイルの作品を制作しましたが、彼の物語の場面は、多くの場合、英語文学から取られており、非常にロマンチックで非常にドラマチックでした。^[50]

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  トーマス・ローレンス、サラ・バレット・モールトン：ピンキー、1794年
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  ウィリアム・ブレイク、ニュートン、1805
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  ジョン・コンスタブル、ウィヴンホー・パーク、エセックス、1816年
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  ジョン・コンスタブル『白い馬』1819年
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  デイヴィッド・ウィルキー『ウォータールー通信』を読むチェルシー年金受給者、1822年
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  ジョン・コンスタブル、草原から見たソールズベリー大聖堂、1831年
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  JMW ターナー、奴隷船、1840 年
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  JMW ターナー、リギ、1842 年
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  JMW ターナー、『雨、蒸気、そして速度 - グレート・ウェスタン鉄道』、1844 年

ラファエル前派( PRB) は、1848 年の創設後、宗教、文学、風俗の主題に集中した絵画を色鮮やかで細部までこだわったスタイルで制作し、サー・スロシュア・レイノルズに代表されるような伝統の緩い絵画的筆致を拒絶し​​て、大きな影響力を獲得した。PRB の芸術家には、ジョン・エヴァレット・ミレー、ウィリアム・ホルマン・ハント、ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ、フォード・マドックス・ブラウン(正式には会員ではなかった) がおり、エドワード・バーン＝ジョーンズやジョン・ウィリアム・ウォーターハウスなどの人物は、デザイナーのウィリアム・モリスと同様に、後に彼らの思想のさまざまな側面から大きな影響を受けた。モリスは、急速にあらゆる工芸品に適用されつつあった工業生産よりも、装飾芸術における手工芸への回帰を主張した。美しい物を誰もが手頃な価格 (あるいは無料) で手に入れられるようにしようとするモリスの努力は、壁紙やタイルのデザインにつながり、ヴィクトリア朝の美学を定義し、アーツ・アンド・クラフツ運動の火付け役となった。

ラファエル前派はターナー同様、権威ある美術評論家であり、自身も優れたアマチュア画家であったジョン・ラスキンの支援を受けていた。彼らは、技術的に革新的であったにもかかわらず、歴史画を最高の芸術形式として忠実に守る点で伝統的かつビクトリア朝的であり、その題材はビクトリア朝の趣味に完全に合致しており、実際「鉄版画の出版者が歓迎するあらゆるもの」であった^[51] 。そのため、彼らは後年、容易に主流に溶け込むことができた。^[52]

ラファエル前派の画家たちの評価は波乱に富み、賛否両論だったが、この時代で最も人気があり、最も高額な作品の作者には、ヴィクトリア女王とアルバート公のお気に入りだった感傷的な動物の題材を専門とするエドウィン・ランドシーアがいる。19世紀後半、画家たちは版画の複製権を版元に売って大金を稼ぐことができ、ランドシーアの作品、特にハイランドの雄鹿を描いた『谷間の君主』（1851年）は最も人気の高い作品の一つだった。ミレイの『泡』（1886年）と同様に、この作品は数十年にわたって、それぞれウイスキーや石鹸のブランドのパッケージや広告に使用された。^[53]

ヴィクトリア朝後期のイギリスでは、レイトン卿やオランダ生まれのローレンス・アルマ＝タデマの、時には非常に大きなアカデミックな絵画が大人気だった。どちらも軽装の美女をエキゾチックな、あるいは古典的な背景の中で描いているものが多かったが、一方で、GF・ワッツの寓意的な作品はヴィクトリア朝の高い目的意識に合致していた。エドワード・ポインターやアルバート・ムーアの古典的な女性たちはもっと服を着ていたが、あまり成功しなかった。 ウィリアム・パウエル・フリスは、社会生活の非常に詳細な場面を描いており、典型的には社会のあらゆる階級を描いている。そこには喜劇的要素や道徳的要素が含まれており、ホガースの作品とは明らかに異なっているものの、ホガースの影響を受けていることは認められている。^[54]

こうした芸術家たちにとって、ロイヤル・アカデミー夏季展覧会は欠かせない舞台であり、新聞で長々と論評され、作品について論じる際には嘲笑と大げさな賞賛が交互に繰り返された。究極の、そして非常に稀な賞賛は、熱心な観客から絵画を守るために絵画の前に柵を置かなければならなかったときだった。1874年まで、このようなことはウィルキーの『チェルシーの年金受給者』 、フリスの『ダービーの日』と『サロン・ドール』、ホンブルク、ルーク・フィルドの『カジュアル・ウォード』（下記参照）でのみ起こった。^[55] 多くの芸術家たちが、そこでヒットを期待して何年も苦労したが、自分の才能が実際には向いていない方法で制作することが多かった。その典型的な例が、1846年に自殺したベンジャミン・ヘイドンである。ヘイドンはキーツやディケンズの友人で、画家というよりは作家としてのほうが優れていた。ヘイドンは未完成の『アルフレッド王と第一英国陪審』に血しぶきをあげていた。^[56]

英国の歴史は非常に一般的な題材であり、中世、エリザベス1世、スコットランド女王メアリー、イングランド内戦が特に人気のある題材であった。他の箇所で言及されている多くの画家が歴史的な題材を描いており、その中にはミレー（『ローリーの少年時代』他多数）、フォード・マドックス・ブラウン（『農場のクロムウェル』）、デイヴィッド・ウィルキー、ワッツとフリス、そして数十年前のウェスト、ボニントン、ターナーが含まれる。ロンドンを拠点にしていたアイルランド人のダニエル・マクリースとチャールズ・ウェスト・コープは、新しいウェストミンスター宮殿の風景画を描いた。ジェーン・グレイ女王は、メアリー女王のように、その苦悩で多くの画家を魅了した女性であったが、フランス人ポール・ドラローシュによる数多くの英国の歴史題材の一つである『ジェーン・グレイ女王の処刑』に匹敵する画家はいなかった。^{[57]画家たちは、新しい}ヴィクトリア＆アルバート博物館のコレクションや書籍を研究し、前世代の芸術家たちの軽率な近似を軽蔑しながら、 衣装や物品に関して時代設定の正確さが増していることを誇りにしていた。 ^[58]

ヴィクトリア朝の絵画は、道徳的な詳細を詰め込んだホガースの社会的な主題と、文学の場面を描く伝統を、さまざまなタイプの風俗画へと発展させた。その多くは人物が少数の作品だが、フリスの最も有名な作品のように大きくて込み入った場面もある。ホルマン・ハントの『目覚める良心』（1853年）とオーガスタス・エッグの『過去と現在』（1858年）は前者のタイプで、どちらもヴィクトリア朝の永遠の関心事である「堕落した女性」を扱っている。ピーター・コンラッドが指摘するように、これらの絵画は小説のように読まれるようにデザインされており、その意味は鑑賞者が解読する作業をした後に明らかになるものだった。^{[59]その他の「逸話的な」場面は気分が軽く、キャプションのない}パンチ漫画 に近いものだった。

19世紀末にかけて、問題作は物語の詳細をわざと曖昧にし、鑑賞者に目の前の証拠から推測させるが、最終的な答えは示さない（画家たちは質問されると謎めいた笑みを浮かべるようになった）。このため、直接取り上げるのが難しかったかもしれない、女性に関係するデリケートな社会問題について議論が巻き起こることもあった。問題作は絶大な人気を博し、新聞各社は読者に絵の意味を推測させるコンテストを開催した。^[60]

多くの芸術家が、エッチングの復活として知られる、オリジナルの芸術的な版画の復活に参加しましたが、他の多くの技法による版画も作られました。これは 1850 年代に始まり、1929 年のウォール街大暴落の影響で、最も流行していた芸術家が獲得していた非常に高い価格が崩壊するまで続きました。

イギリスのオリエンタリズムは、同時期のフランスほど一般的ではなかったものの、カイロに9年間住んでいたジョン・フレデリック・ルイス、中東とイタリアを旅して石版画を制作したスコットランド人デイヴィッド・ロバーツ、セイロンまで旅を続けたナンセンス作家のエドワード・リア、リチャード・ダッドなど、多くの専門家がいた。ホルマン・ハントも、聖書の絵画の舞台となる本物の絵を手に入れるためにパレスチナを旅した。パリ・コミューン崩壊後にロンドンに逃れたフランス人ジェームズ・ティソは、上流社会の社交行事の場面と、複製出版用に水彩画で制作した膨大な聖書の挿絵のシリーズに時間を割いた。^[61]フレデリック・グッドールは古代エジプトの場面を専門とした。

貧困層の社会状況を描いた大作は、田園風景に重点が置かれる傾向があり、人物の悲惨さは風景画によって少なくとも相殺されていた。こうした絵を描いた画家には、フレデリック・ウォーカー、ルーク・フィルデス（フィルデスは1874年に『臨時病棟入所希望者』で名声を博したが、上記参照）、フランク・ホル、ジョージ・クラウゼン、ドイツのフーベルト・フォン・ヘルコマーなどがいた。^[64]

ロセッティ兄弟の友人であったウィリアム・ベル・スコットは、歴史的な場面やその他の種類の作品を描いたが、重工業の場面を描いた数少ない芸術家の一人でもあった。彼の回想録は、その時代を知る上で貴重な資料であり、また、彼は、行政官ヘンリー・コール（クリスマスカードの発明者）が主導し、リチャード・レッドグレーヴ、エドワード・ポインター、リチャード・バーチェット、スコットランド人デザイナーのクリストファー・ドレッサーなど多くの芸術家を雇用した、大幅に拡大した政府美術学校制度に、一時期雇用された数人の芸術家の一人でもあった。バーチェットは、現在の王立美術大学である「サウス・ケンジントン・スクール」の校長を務め、徐々に王立美術アカデミー・スクールに取って代わり、イギリスを代表する美術学校となったが、20世紀初頭には、スレイド美術学校が多くの先進的な芸術家を輩出した。^[65]

ロイヤル・アカデミーは当初、パリのサロンほど保守的でも制約的でもなかった。ラファエル前派の作品は、他の画家たちと同様、自分たちの作品が与えられた順位に不満を抱いていたものの、ほとんどが展示に受け入れられた。彼らは特に、地域最大の展示組織のひとつであるリバプール芸術アカデミーで歓迎された。ロイヤル・スコティッシュ・アカデミーは1826 年に設立され、1850 年代に壮大な新館をオープンした。ロンドンにはブリティッシュ・インスティテューションのような代わりの会場もあったが、当時の会長レイトン卿の努力にもかかわらずロイヤル・アカデミーの保守主義が徐々に強まると、新しいスペースがオープンした。特に1877 年以降はボンド・ストリートのグロブナー・ギャラリーが有名で、ここは美学運動の本拠地となった。ニュー・イングリッシュ・アート・クラブは1885 年以降、印象派傾向の多くの画家の作品を展示し、当初はロイヤル・アカデミーの向かいにあるエジプシャン・ホールを使用した。ロイヤル・アカデミーでは外国美術の展覧会も数多く開催されていた。アメリカの肖像画家ジョン・シンガー・サージェント（1856年 - 1925年）は、その生涯のほとんどをヨーロッパで過ごし、1886年から1907年までロンドン（そこで死去）にスタジオを構えていた。

フランス生まれだがイギリス国籍のアルフレッド・シスレーは印象派の一人としてフランスで絵を描いた。初期のウォルター・シッカートとフィリップ・ウィルソン・スティアーも強い影響を受けたが、画家ポール・デュラン＝リュエルがロンドンで多くの展覧会を開いたにもかかわらず、この運動がイギリスに影響を及ぼすまでには数十年かかった。^[66]ニューリン派の風景画や風俗画の中には、準印象派の技法を採用した 者もいれば、写実主義やより伝統的な仕上げの者もいた。

19世紀後半には、フランスでデカダンス運動、イギリスで美学運動が起こった。イギリスを拠点に活動したアメリカ人画家のジェイムズ・アボット・マクニール・ホイッスラー、オーブリー・ビアズリー、かつてのラファエル前派の ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ、エドワード・バーン＝ジョーンズはこれらの運動と関連があり、晩年のバーン＝ジョーンズとビアズリーはともに海外で賞賛され、ヨーロッパ象徴主義へのイギリス的アプローチに最も近いものであった。^[67] 1877年、ジェイムズ・マクニール・ホイッスラーは、美術評論家の ジョン・ラスキンが彼の絵画「黒と金の夜想曲：落下するロケット」を非難した後、名誉毀損で訴えた。ラスキンはホイッスラーが「大衆の顔に絵の具の壺を投げつけるのに200ギニーを要求した」と非難した。^{[62] [63]}陪審はホイッスラーに有利な評決を下したが、名目上の損害賠償金はわずか1ファージングしか認められず、訴訟費用は分割された。^[68]この訴訟費用と、自宅（チェルシーのタイト・ストリートにある「ホワイト・ハウス」、 EWゴドウィンと共同設計、1877-8年）の建設費用の巨額の負債により、ホイッスラーは1879年5月までに破産し、^[69]作品、コレクション、家が競売にかけられた。スタンスキー^[70]は、ラスキンの訴訟費用を賄うためにコレクションを組織したロンドン美術協会が、ホイッスラーの訴訟費用の回収に役立った「ヴェニスの石」のエッチング（および1883年の連作の展示）を支援したことを皮肉に指摘している。

スコットランド美術は、今や十分な国内市場を取り戻しつつあり、独特の特徴を発展させることができました。その特徴の 1 つが「グラスゴー・ボーイズ」です。彼らは絵画では印象派、デザインではアール・ヌーヴォー、ジャポニスム、ケルト復興の要素をまたいで表現し、建築家兼デザイナーのチャールズ・レニー・マッキントッシュが現在最もよく知られています。画家には、トーマス・ミリー・ダウ、ジョージ・ヘンリー、ジョセフ・クローホール、ジェームズ・ガスリーなどがいます。

新しい印刷技術によって本の挿絵は大きく発展し、児童書の挿絵は当時の最も記憶に残る作品の多くを占めるようになりました。専門の画家には、ランドルフ・コールデコット、ウォルター・クレイン、ケイト・グリーナウェイ、そして 1902 年からはビアトリクス・ポターなどがいます。

大英帝国の台頭による軍事力、政治力、経済力の経験は、イギリスにおける芸術的技術、趣味、感性に非常に独特な原動力をもたらした。^[71] イギリス人は「自然界に関する知識と理解力を示すために」芸術を使用し、一方、イギリス領北アメリカ、オーストラリア、南アフリカの永住者は「国民的アイデンティティ感覚にふさわしい独特の芸術的表現の探求に乗り出した」。^[71]帝国は「イギリス美術史の周辺ではなく、中心にいた」。^[72]

この時期のイギリスの装飾芸術の多種多様な形態と大量生産は、簡単にまとめるには複雑すぎる。ヴィクトリア朝の趣味は、アーツ・アンド・クラフツなど、ここ数十年のさまざまな運動まで、今日では一般的にあまり評価されていないが、多くの優れた作品が生み出され、多くの金が稼がれた。ウィリアム・バージェスとオーガスタス・ピュージンはともにゴシック・リバイバルに傾倒した建築家で、家具、金属細工、タイル、その他の媒体のオブジェのデザインにも手を広げた。中世の教会の備品を再びゴシック化したり、特に事実上消滅していた産業であるステンドグラスを使って、そのスタイルで新しい教会を装飾したりする大ブームが起こった。絵が描かれた家具の復活は、市場の上位層で特に目立ったものだった。^[73]

1875年の開店以来、ロンドンのデパート、リバティ・アンド・カンパニーは、 19世紀末の新しいスタイルの極東の輸入装飾品やイギリス製品を特に扱っていた。チャールズ・ヴォイジーは建築家でもあり、テキスタイル、壁紙、家具、その他の媒体で多くのデザインを手掛け、アーツ・アンド・クラフツ運動をアール・ヌーヴォー以降に持ち込み、1920年代までデザインを続けた。^[74] AH・マックマードも同様の人物だった。

多くの点で、ヴィクトリア朝時代は1914年の第一次世界大戦勃発まで続き、ロイヤル・アカデミーはますます硬直化していった。1924年には、紛れもなくヴィクトリア朝後期を代表する人物、フランク・ディクシーが会長に就任した。写真では、ピクトリアリズムが芸術的、まさに絵画的な効果を目指した。リンクド・リングには、その先駆者たちがいた。アメリカ人のジョン・シンガー・サージェントは、20世紀初頭に最も成功したロンドンの肖像画家で、ジョン・ラヴェリー、オーガスタス・ジョン、ウィリアム・オーペンが台頭してきた。ジョンの妹グウェン・ジョンはフランスに住んでいたが、彼女の親密な肖像画は、彼女の死後数十年まで比較的評価されなかった。19世紀末、イギリスの近代美術に対する態度は「二極化」していた。 ^[75] モダニズム運動は、芸術家や批評家によって大切にされ、また中傷された。印象派は当初、「多くの保守的な批評家」によって「破壊的な外国の影響」と見なされていたが、20世紀初頭にはイギリス美術に「完全に同化」された。^[75]アイルランドの芸術家ジャック・バトラー・イェイツ（1871-1957）はダブリンを拠点に活動し、ロマン派の画家であると同時に象徴主義者、表現主義者でもあった。

ヴォーティシズムは、1914年の直前の数年にわたる、多くのモダニズム芸術家による短い集まりでした。メンバーには、ウィンダム・ルイス、彫刻家のサー・ジェイコブ・エプスタイン、デイヴィッド・ボンバーグ、マルコム・アーバスノット、ローレンス・アトキンソン、アメリカ人写真家のアルヴィン・ラングドン・コバーン、フレデリック・エッチェルズ、フランスの彫刻家アンリ・ゴーディエ＝ブレズカ、カスバート・ハミルトン、クリストファー・ネヴィンソン、ウィリアム・ロバーツ、エドワード・ワズワース、ジェシカ・ディスモア、ヘレン・サンダース、ドロシー・シェイクスピアが含まれていました。 20世紀初頭には、シットウェル芸術サークルやブルームズベリー・グループも存在した。このグループは、主にイギリス人の作家、知識人、哲学者、芸術家で構成され、画家のドラ・キャリントン、画家で美術評論家のロジャー・フライ、美術評論家のクライヴ・ベル、画家のヴァネッサ・ベル、画家のダンカン・グラントなどが所属していた。当時は非常に流行していたが、視覚芸術における彼らの作品は今日ではそれほど印象的ではない。^[76]イギリスのモダニズムは第二次世界大戦後までやや不安定なままであったが、ベン・ニコルソンなどの人物はヨーロッパの動向と関わりを保っていた。

ウォルター・シッカートとカムデン・タウン・グループは、社会ドキュメンタリー色の強い英国風印象派とポスト印象派を発展させた。その中にはハロルド・ギルマン、スペンサー・フレデリック・ゴア、チャールズ・ジナー、ロバート・ビーヴァン、マルコム・ドラモンド、リュシアン・ピサロ（フランス印象派の画家カミーユ・ピサロの息子）が含まれる。^[77]色彩がしばしば悪名高いほど単調なのに対し、スコットランドの色彩派は実際、主に明るい光と色彩を用いていた。サミュエル・ペプローやジョン・ダンカン・ファーガソンのように、適切な題材を探すためにフランスに住んでいた者もいた。^[78]彼らは当初、印象派と関係のあるスコットランドの風景画家、 サー・ウィリアム・マクタガート（1835年 - 1910年）に影響を受けた。

第一次世界大戦の惨禍に対する反応として、ポール・ナッシュや版画家のエリック・ラヴィリアスに代表される田園的な主題への回帰が促された。スタンリー・スペンサーは神秘的な作品や風景画を描き、彫刻家、版画家、タイポグラファーの エリック・ギルはアール・デコに関連したスタイルで優雅でシンプルな形態を制作した。ユーストン・ロード・スクールは、影響力のある教師ウィリアム・コールドストリームを含む、1930年代後半の「進歩的」写実主義者のグループであった。ジョン・タナードやバーミンガム・シュルレアリストなどの芸術家によるシュルレアリスムは、1930年代に一時的に人気を博し、ローランド・ペンローズやヘンリー・ムーアに影響を与えた。スタンリー・ウィリアム・ヘイターは、 1930年代にシュルレアリスム、1940年以降は抽象表現主義と関係したイギリスの画家および版画家であった。^[79] 1927年、ヘイターはパリに伝説的なアトリエ17スタジオを設立した。 1988年に死去して以来、アトリエ・コントルポイントとして知られている。ヘイターは20世紀で最も影響力のある版画家の一人となった。^[80]流行の肖像画家には、アール・デコの古典主義の厳しい表情を描いたメレディス・フランプトン、オーガスタス・ジョン、馬を描いた場合はサー・アルフレッド・マニングスがいる。マニングスは1944年から1949年までロイヤル・アカデミーの会長を務め、モダニズムに対する敵意を嘲笑した。この時代を代表する写真家には、ビル・ブラント、アンガス・マクビーン、日記作家のセシル・ビートンがいる。

ヘンリー・ムーアは第二次世界大戦後、英国を代表する彫刻家として登場し、フェスティバル・オブ・ブリテンによってヴィクター・パスモア、ウィリアム・スコット、バーバラ・ヘップワースと並んで宣伝された。フランシス・ベーコン、ルシアン・フロイド、フランク・アウアーバック、レオン・コゾフ、マイケル・アンドリュースなどの具象画家による「ロンドン派」は国際的に広く認知されているが、[81] ジョン・ミントンやジョン・クラクストンなどの他の画家は新ロマン主義者として特徴づけられている。グラハム・サザーランド、ロマン派の風景画家ジョン・^パイパー（多作で人気のリトグラフ作家）、彫刻家エリザベス・フリンク、そしてLSローリーの産業都市の風景画も、戦後の英国美術における具象画の存在感を高めるのに貢献した。

ニューヨークタイムズのウィリアム・グライムズによると、「ルシアン・フロイトと彼の同時代人は、20世紀の人物画を一変させた。『白い犬を連れた少女』（1951-52年）のような絵画で、フロイトは伝統的なヨーロッパ絵画の絵画言語を、モデルの社会的仮面を剥ぎ取った反ロマン主義的で対立的な肖像画スタイルに役立てた。一般の人々 ― 多くは友人たち ― がキャンバスから目を大きく開いて見つめ、アーティストの冷酷な検査に無防備だった。」^{[82] 1952年、第26回}ヴェネツィア・ビエンナーレで、ケネス・アーミテージ、レッグ・バトラー、リン・チャドウィック、ウィリアム・ターンブル、エドゥアルド・パオロッツィを含む若いイギリスの彫刻家のグループが、反記念碑的表現主義を示す作品を展示した。^[83]スコットランドの画家アラン・デイヴィーは1950年代に神話と禅への関心を統合し反映した抽象画を多数制作した。^[84]抽象芸術は1950年代にベン・ニコルソン、テリー・フロスト、ピーター・ラニヨン、パトリック・ヘロンらコーンウォールのセント・アイヴス派の画家によって有名になった。^{[85] 1958年、}ウィリアム・スコットはケネス・アーミティッジやウィリアム・ヘイターとともに、ブリティッシュ・カウンシルによって第29回ヴェネツィア・ビエンナーレの英国館に選ばれた。

1950年代には、ロンドンを拠点とするインディペンデント・グループが結成され、 1956年に現代美術研究所で「This Is Tomorrow」という展覧会が開催され、イギリスにおける抽象表現主義への反応としてポップアートが誕生した。^[86]インターナショナル・グループは、2007年3月にテート・ブリテンで開催された2日間の国際会議のテーマであった。インディペンデント・グループは、イギリスとアメリカのポップアート運動の先駆けとみなされている。 ^{[86] [87]}「This is Tomorrow」展には、スコットランドのアーティスト、エドゥアルド・パオロッツィ、リチャード・ハミルトン、アーティストのジョン・マクヘイルなどが出演し、グループには影響力のある美術評論家のローレンス・アロウェイも含まれていた。^[88]

1960年代には、サー・アンソニー・カロが、アイザック・ウィトキン^[90]、フィリップ・キング、ウィリアム・G・タッカー[91 ^]などの若い世代の抽象芸術家とともに、英国彫刻界の指導的人物となった。^[89]ジョン・ホイランド^[92]、ハワード・ホジキン、ジョン・ウォーカー、イアン・スティーブンソン^[93] [ ^94]ロビン・デニー、ジョン・プランブ^[95]、ウィリアム・ティリヤー^[96]は、当時登場し、新しい国際的なスタイルであるカラーフィールド・ペインティングを反映した英国の画家であった。^{[97] 1960年代には、}ブルース・マクリーン、バリー・フラナガン、リチャード・ロング、ギルバートとジョージなど、別のグループの英国芸術家が、より慣習的な芸術制作に代わる急進的な選択肢を提示した。イギリスのポップアート画家であるデイヴィッド・ホックニー、パトリック・コールフィールド、デレク・ボシャー、ピーター・フィリップス、ピーター・ブレイク（ 『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』のジャケット写真で最もよく知られる）、ジェラルド・レイン、彫刻家アレン・ジョーンズは、イギリスを拠点に活動するアメリカ人画家RBキタイと同じく、60年代のアートシーンに名を連ねた。マルコム・モーリー（1984年に第1回ターナー賞を受賞した）によるフォトリアリズムや、ブリジット・ライリーのオプアートは、 1960年代に登場した。^[98]マイケル・クレイグ・マーティンは、若手イギリス人アーティストの有力な教師であり、コンセプチュアルな作品『オークの木』 （1973年）で知られている。^[99]

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  ジョン・ダンカン・ファーガソン『ロイアンの人々と帆』1910年
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  ジェイコブ・エプスタイン卿 オスカー・ワイルドの墓、 1911年、ペール・ラシェーズ墓地にある
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  ロジャー・フライ、「ポプラのある川」、1912年頃
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  カムデン タウン グループのスペンサー ゴア、「スタッフォード ギャラリーのゴーギャンと鑑定家たち」、1911 年
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  ジェームズ・ボリバー・マンソン、ルシアン・ピサロ・リーディングc. 1913年
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  デイヴィッド・ボンバーグ『泥風呂』1914年
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  ポール・ナッシュの『夜のイープル突出部』 （1917-18年）は、イギリス人画家による第一次世界大戦の最も迫力あるイメージを描いた作品の一つである。 ^[100]
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  ドラ・キャリントン、EM フォースターの肖像、 1924-1925 年
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  ヘンリー・ムーア、2ピースの横たわる像 No.5、ブロンズ、1963–1964年
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  サー・アンソニー・カロ、ブラックカバーフラット（1974）

ポストモダンの現代イギリス美術、特にヤング・ブリティッシュ・アーティストの作品は、「物質文化に対する根本的な関心が特徴で、ポスト帝国主義の文化的不安として認識されている」と言われてきた。^[101] 1984年に創設され、テートが主催する 毎年恒例のターナー賞は、現代イギリス美術の非常に宣伝されたショーケースとして発展してきた。受賞者の中には、ダミアン・ハースト、レイチェル・ホワイトリード、トレイシー・エミンなどヤング・ブリティッシュ・アーティスト（YBA）運動のメンバーが数人含まれている。エミンは、1988年のフリーズ展後にチャールズ・サーチの支援を受けて有名になり、独自のコンセプチュアル・アートで国際的に認知された。このコンセプチュアル・アートでは、インスタレーションが頻繁に取り上げられ、特にハーストの保存されたサメを展示したガラスケースが有名である。テート・ギャラリー、そして最終的にはロイヤル・アカデミーも彼らに注目させた。サーチの寛大で幅広い後援の影響は、最も影響力のあるロンドンのギャラリー経営者ジェイ・ジョップリングの場合と同様に、ある程度の論争の的となった。 ^[要出典]

サーチ・コレクションの作品を集めた「センセーション」展は、英国でも米国でも、さまざまな形で物議を醸した。ロイヤル・アカデミーでは、マスコミが巻き起こした論争は、マーカス・ハーヴェイによる殺人犯マイラ・ヒンドレーの非常に大きな像『マイラ』に集中していたが、この展覧会がニューヨーク市に巡回して1999年後半にブルックリン美術館で開幕したとき、ロンドンではこうした反応を引き起こさなかったクリス・オフィリの『聖なる聖母マリア』に対して激しい抗議が起こった。マスコミは、その作品に象の糞が塗りつけられていると報じたが、オフィリの作品は実際には、樹脂で覆われた象の糞の塊で飾られた、丁寧に描かれた黒い聖母マリアを描いていた。その像はまた、ポルノ雑誌からの女性器の小さなコラージュ画像に囲まれており、これらは遠くから見ると伝統的なケルビムのように見えた。ニューヨーク市長ルドルフ・ジュリアーニは、カタログでは作品を見たものの、展覧会では見ていなかったが、この作品を「ひどいもの」と呼び、展覧会を主催するブルックリン美術館に毎年700万ドルの市庁舎助成金を支給しないことを警告した。「他人の宗教を冒涜したからといって、政府の補助金を受ける権利はない」としている。^[102]

1999年、ビリー・チャイルディッシュとチャールズ・トムソンを含むスタッキスト具象絵画グループがYBAへの反応として設立された。^[103] 2004年、ウォーカー美術館はスタッキスト芸術運動の初の国立美術館展である「スタッキスト・パンク・ビクトリアン」を開催した。 ^[104]英国芸術家連盟は伝統的な具象絵画のショーを主催している。^[105]ジャック・ベトリアーノとベリル・クックは広く人気があるが、体制側からの認知度は低い。^{[106] [107] [108]}バンクシーはストリート・グラフィティで名声を築き、今では高く評価されている主流アーティストである。^[109]

アントニー・ゴームリーは、主に金属で人物をモチーフにした彫刻を制作している。その中には、ゲーツヘッド近郊にある高さ20メートルの「エンジェル・オブ・ザ・ノース」（ 2000年代に制作された数々の非常に大きな公共彫刻の最初のものの1つ）や、「アナザー・プレイス」 、「イベント・ホライズン」などがある。インド生まれの彫刻家アニッシュ・カプーアは、シカゴの「クラウド・ゲート」や様々な場所にある「スカイ・ミラー」など、世界中に公共作品を制作している。彼の作品の多くと同様に、これらの作品にも鏡のような湾曲した鋼鉄の表面が使われている。イギリスのランド・アーティスト、アンディ・ゴールズワーシーの環境彫刻は、世界各地で制作されている。自然界で見つかった材料を使用するこれらの彫刻は、非常にはかないものであることが多く、写真で記録されており、その写真集が数冊出版されている。^[110]グレイソン・ペリーは陶芸を含む様々な媒体で作品を制作している。一方、主要な版画家には、ノーマン・アクロイド、エリザベス・ブラックアダー、バーバラ・レイ、リチャード・スペアがいる。

• バリンジャー、TJ; クイリー、ジェフ; フォーダム、ダグラス (2007)、『芸術と大英帝国』、マンチェスター大学出版局、ISBN 978-0-7190-7392-2
• エガートン、ジュディ、ナショナル ギャラリー カタログ (新シリーズ):ブリティッシュ スクール、1998 年、ISBN 1-85709-170-1 
• フレッチャー、パメラ『近代性を語る：1895-1914年のイギリスの問題像』アッシュゲート、2003年
• フレイリング、クリストファー、ロイヤル・カレッジ・オブ・アート、『芸術とデザインの150年』、1987年、バリー＆ジェンキンス、ロンドン、ISBN 0-7126-1820-1 
• グリフィス、アントニー（編）、Landmarks in Print Collecting: 1753 年以降の大英博物館の鑑定家と寄贈者、1996 年、大英博物館出版、ISBN 0-7141-2609-8 
• ハミルトン、ジョージ・ハード『ヨーロッパの絵画と彫刻 1880-1940』（ペリカン美術史）、エール大学出版局、改訂第 3 版、1983 年ISBN 0-14-056129-3 
• Hughes、Henry Meyric、Gijs van Tuyl (編)、『Blast to Freeze: British Art in the 20th Century』、2003 年、Hatje Cantz、ISBN 3-7757-1248-8 
• ジェンキンス、エイドリアン、マーシャル、フランシス、ウィンチ、ダイナ、モリス、デイビッド (2005)。『クリエイティブ・テンション：1900-1950年のイギリス美術』ポール・ホルバートン。ISBN 978-1-903470-28-2。
• 「メロン」：ワーナー、マルコム、アレクサンダー、ジュリア・マルシアリ、『This Other Eden』、イェール大学ポール・メロン・コレクション所蔵の英国絵画、イェール大学英国美術センター／オーストラリア美術展、1998年
• パーキンソン、ロナルド、ヴィクトリア＆アルバート博物館、英国油絵カタログ、1820-1860、1990年、HMSO、ISBN 0-11-290463-7 
• ペヴスナー、ニコラウス. 『英国美術の英国性』ペンギン社、1964年版。
• パイパー、デイヴィッド、『イングランドの絵画、1500-1880』、ペンギン、1965年版。
• ライトリンガー、ジェラルド『嗜好の経済学 第1巻：絵画価格の上昇と下落 1760-1960』、バリー・アンド・ロックリフ、ロンドン、1961年
• ローゼンタール、マイケル、イギリスの風景画、1982年、ファイドン・プレス、ロンドン
• スノディン、マイケル（編）『ロココ：ホガースのイギリスにおける芸術とデザイン』、1984年、トレフォイル・ブックス/ヴィクトリア＆アルバート博物館、ISBN 0-86294-046-X 
• 「ストロング（1978）」：ストロング、ロイ：最後にお父さんに会ったのはいつですか？ビクトリア朝の画家と英国の歴史、1978年、テムズ・アンド・ハドソン、ISBN 0-500-27132-1（米国では過去を再現...、 2004年版では過去を描く...） 
• 「ストロング（1999）」：ストロング、ロイ：ザ・スピリット・オブ・ブリテン、1999年、ハチソン、ロンドン、ISBN 1-85681-534-X 
• ウォーターハウス、エリス、『英国の絵画 1530-1790』、第 4 版、1978 年、ペンギン ブックス (現在はイェール大学美術史シリーズ)、ISBN 0-300-05319-3 
• ウィルソン、サイモン;テートギャラリー、イラスト入りコンパニオン、1990年、テートギャラリー、ISBN 9781854370587 
• アンドリュー・ウィルトン＆アン・ライルズ『英国水彩画の黄金時代 1750-1880』1993年、プレステル、ISBN 3-7913-1254-5 

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• phryne.com ビクトリア朝絵画ガイド (アーカイブ版)