映画産業

映画産業 は、映画製作会社、映画スタジオ、撮影技術、アニメーション、映画製作、脚本、プリプロダクション、ポストプロダクション、映画祭、配給、俳優など、映画製作の技術的および商業的な機関で構成されています。映画製作にかかる費用のため、映画製作はすぐに常設の製作会社の管理下に集中しましたが、手頃な価格の映画製作機器の進歩と、映画業界自体の外部から投資資本を獲得する機会の拡大により、独立した映画製作が進化しました。

2019年、世界の興行収入は422億ドルでした。^[1]興行収入とホームエンターテインメント収入を含めると、世界の映画産業は2018年に1,360億ドルの価値がありました。 ^[2] ハリウッドは世界最古の国営映画産業であり、興行収入総額では最大です。インド映画は製作映画数で最大の国営映画産業であり、2019年時点で年間2,446本の長編映画が製作されています^{[アップデート]}。^[3]

2019年の世界の劇場市場の興行収入は422億ドルでした。興行収入上位3大陸/地域は、アジア太平洋地域が178億ドル、米国とカナダが114億ドル、欧州、中東、北アフリカが103億ドルでした。2019年時点で^{[アップデート]}、興行収入による最大市場は、降順で米国、中国、日本、韓国、英国、フランス、インドの順でした。^[1] 2019年時点で^{[アップデート]}、映画製作本数が最も多い国はインドと米国でした。^[4]欧州では、フランス、ドイツ、スペイン、イタリア、英国が映画製作の重要な中心地です。^[5]

中国映画は、香港映画、台湾映画とともに、中国語 映画の3つの異なる歴史的流れの1つである。中国で映画が紹介されたのは1896年で、最初の中国映画『定君山』は1905年に制作され、最初の数十年間は映画産業は上海に集中していた。中国には世界最大級の映画スタジオの一つである横店世界撮影所があり、2010年には年間製作映画数で第3位の映画産業を誇った。次の10年間、製作会社は主に外資系であり、国内映画産業は極東最大の都市で繁栄する貿易港である上海に集中していた。1913年、最初の中国独立脚本『難夫婦』が鄭正秋と張世川によって上海で撮影された。^[6]

第六世代^[要説明]が国際的に知られるようになると、その後の多くの映画は国際的な支援者との合弁事業やプロジェクトとなったが、あくまでも控えめで低予算のままであった^[要出典]。賈萊の『プラットフォーム』 （2000年）は北野武の制作会社が資金を一部提供し^{[7] 、『}静物』はHDビデオで撮影された。『静物』はサプライズで追加され、2006年のヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を受賞した。 『静物』は三峡地方の地方労働者を題材としており、当時『一刀両断』（2004年）や『約束』 （2005年）を制作していたチャン・イーモウやチェン・カイコーのような第五世代中国監督の作品とは著作が著しく対照的である。国際的に有名なスターは出演しておらず、ほとんどが素人の俳優が演じた。2012年、中国は興行収入で世界第2位の市場となった。 2014年の中国の興行収入は296億円（48.2億米ドル）で、そのうち国産映画が55％を占めた。^[8]中国はハリウッドスタジオにとっても主要なビジネス拠点となっている。^{[9] [10]}

2018年の中国の興行収入総額は89億ドルでした^[11] 2013年の中国の興行収入総額は218億円（36億ドル）で、興行収入で世界第2位の映画市場でした^[12] 2014年には映画業界の興行収入総額が48億ドルに増加しました^[13] COVID-19パンデミックにより、2020年に中国は北米を抜いて世界最大の興行収入を記録し、この地位を達成した最初の国となりました^[14]中国は2021年もこの地位を維持しました。しかし、2022年には北米が再び中国を抜いて世界最大の興行収入市場となりました^[15]

アメリカ合衆国の映画は、一般的にハリウッドと呼ばれ、20世紀初頭以来、世界中の映画に大きな影響を与えてきました。アメリカ合衆国の映画（ハリウッド）は、世界で最も古い映画産業であり、収益の点でも最大の映画産業です。ハリウッドは米国映画産業の主要な中心地であり、アメリカ映画協会、ロサンゼルス映画学校、ニューヨーク映画協会などの確立された映画研究施設がこのエリアに設立されています。[ ^{16 ]しかし}、6つの主要な映画スタジオのうち4つは東海岸の会社によって所有されています。メトロ・ゴールドウィン・メイヤー、20世紀フォックス、パラマウント映画などのハリウッドの主要な映画スタジオは、サウンド・オブ・ミュージック（1965年）やスター・ウォーズ（1977年）

今日、アメリカの映画スタジオは、毎年合計で数百本の映画を制作しており、アメリカは世界で最も多作な映画製作国の一つとなっている。^{[ 19]}また、ソニー・ピクチャーズ・エンタテインメントはカリフォルニア州カルバーシティに本社を置いているが^、その親会社であるソニー株式会社は日本の東京に本社を置いている。^{現在、ほとんどの撮影は}カリフォルニア、ニューヨーク、ルイジアナ、ジョージア、ノースカロライナで行われている。ニューメキシコ州、特にアルバカーキとサンタフェ周辺は、撮影場所としてますます人気のある州となっていた。テレビ番組「ブレイキング・バッド」はそこで舞台にされ、「ノーカントリー」や「ラスト」などの映画はそこで撮影された。^[要出典] 2009年から2015年の間、ハリウッドは一貫して年間100億ドル（またはそれ以上）の収益を上げていた。^[20]ハリウッドの授賞式であるアカデミー賞は、正式にはオスカーと呼ばれ、毎年映画芸術科学アカデミー（AMPAS）によって開催されており、2019年現在、3,000以上のオスカーが授与されています。^[21]

1911 年 10 月 27 日、ネスター フィルム カンパニーはハリウッド初の常設映画スタジオを設立しました。カリフォルニアの気候のおかげで、年間を通じて映画撮影を行うことができました。1912 年、ネスターとインディペンデント ムービング ピクチャーズ(IMP)を含む他のいくつかの映画会社が合併して、ユニバーサル スタジオが設立されました。

インドは世界最大の映画製作国であり、映画産業は世界で2番目に古い。^[22]インドには世界の映画産業で最も重要な都市がいくつかある。ムンバイ（旧ボンベイ）、ハイデラバード、チェンナイ（マドラス）などである。2009年、インドは合計2,961本の映画を製作し、この数字には1,288本の長編映画が含まれている。^[23]世界最大の映画製作国であることに加え、インドは入場者数も最多である。^[24]インドの映画産業は多言語であり、チケット販売では世界最大だが、収益では第3位であり、これは主にチケット価格が世界でも最も安いためである。^[25]映画産業は主に膨大な数の映画ファンのインド国民によって視聴されている。^{[要出典]インド映画産業は、}南アジアの近隣諸国においても映画と娯楽の主要な供給源となっている。インドの三大映画産業は、ヒンディー語映画、テルグ語映画、タミル語映画です。ヒンディー語映画産業は主にムンバイ（ボンベイ）に集中しており、ボンベイとハリウッドを組み合わせた造語で、一般的にボリウッドと呼ばれています。テルグ語映画は主にハイデラバードに集中しており、一般的にトリーウッドと呼ばれています。タミル語映画産業、すなわちコリウッドは主にチェンナイに集中しています。

インドでは、主流の商業映画のほかに、パラレル シネマという異なる映画アプローチも提供しています。パラレル シネマ運動は、1950 年代頃に西ベンガルで始まりました。この運動は当初、ベンガル映画によって主導されました。その後、インドの他の映画産業でも目立つようになりました。パラレル シネマとは、一般的な主流映画の慣習から外れた特定のタイプの映画を指す包括的な用語です。パラレル シネマは、長年にわたってさまざまな形をとってきました。パラレル シネマに関連する映画製作者には、サタジット レイ、ムリナル セン、リトウィック ガタックなどがいます。パラレル映画は、歌や戦闘シーンなどの一般的な形式を拒否し、田舎を舞台にしており、メソッド アクターを使用し、色調を抑えたパレットを特徴としています。パラレル シネマの最も優れた例は、レイの最も有名な映画である「Pather Panchali」（1955 年）、「Aparajito」（1956 年）、「The World of Apu 」（1959 年）で、これら 3 つは「Apu 三部作」を構成しています。こうした映画の例としては他に、『レインコート』、『ドービー・ガート』、 『ミティヤ』などがある。インド映画は国内市場だけでなく国際市場でも人気を集めており、『ダンガル』は海外での総収入が2億6000万ドル、『シークレット・スーパースター』と『バジュランギ・バイジャン』は総収入が8040万ドル、『バーフバリ 伝説の復活』と『バーフバリ2』 (テルグ語映画の大ヒット2部作)は世界で3億7000万ドル以上の収益を上げている。^[26]インドには400を超える制作会社と32の企業があり、600万人以上の生活を支えている。^[27]

その他の最大の映画産業は、マラヤーラム語映画、カンナダ語映画、ベンガル語映画（西ベンガルの映画）、マラーティー語映画で、それぞれ主にコーチ、バンガロール、コルカタ、ムンバイにあります。残りの大部分は、インド北部、東部、西部、南部に広がっています（グジャラート語、パンジャブ語、オリヤー語、ボジュプリー語、アッサム語の映画）。ただし、地域言語でのインド映画産業の小規模な中心地はいくつかあり、その言語が話されている州を中心としています。インド映画には、インド古典音楽、全国のさまざまな地域の民俗音楽、インド古典舞踊、民俗舞踊など、さまざまな芸術形式が含まれています。ボリウッド、コリウッド、トリーウッドはインド映画産業の最大の部分を占め、インド亜大陸全体で視聴されており、ますます^{[いつ? ]}は、オーストラリア、イギリス、アメリカ、ニュージーランド、東南アジア、アフリカ、湾岸諸国、ヨーロッパ諸国、東アジア、中国で人気があります。世界最大の映画スタジオ複合施設は、インドのハイデラバードにあるラモジ・フィルム・シティで、1996年にオープンし、674ヘクタール（1,666エーカー）の広さを誇ります。47のサウンドステージで構成され、鉄道駅から寺院まで常設のセットがあります。^[28]

1986年までに、インドの年間映画製作本数は741本から833本に増加し、インドは世界最大の映画製作国となった。^[29] 2014年現在^{[アップデート]}、ボリウッドはインドの純興行収入の45％を占め、タミル語とテルグ語の映画を合わせると36％、その他の地域の映画産業はインド映画の21％を占めている。^[30] 2021年までに、テルグ語映画（トリーウッド）はヒンディー語映画（ボリウッド）とタミル語映画（コリウッド）を追い抜き、興行収入でインド最大の映画産業となった。2023年には、ボリウッドが再びインド最大の映画産業となった。 ^{[31] [32]}

ロシア映画は一般にモリーウッドとして知られ、ロシア語で映画を製作するロシアの映画産業を指します。モリーウッドという一般的な用語は、「モスクワ」と「ハリウッド」を組み合わせた造語です。ロシア帝国で始まり、ソビエト連邦で広く発展し、その崩壊後の数年間にまで続きました。ロシアの映画産業は国際的に認知され続けています。21世紀には、ロシア映画はハードコア・ヘンリー（2015年）やリヴァイアサン（2014年）やナイト・ウォッチ（2004年）やブラザー（1997年）などの映画で国際的に知られるようになりました。モスクワ国際映画祭は1935年にモスクワで始まりました。ニカ賞はロシアで毎年開催される主要な国内映画賞です。

ロシア帝国で最初に映画が上映されたのはリュミエール兄弟で、1896年5月にモスクワとサンクトペテルブルクで上映された。同月、リュミエールのカメラマン、カミーユ・セルフがロシアで最初の映画を制作し、クレムリンで行われたニコライ2世の戴冠式を記録した。^[33]アレクサンドル・ドランコフは、民謡で語られる出来事に基づき、ウラジーミル・ロマシコフが監督したロシア初の劇映画『ステンカ・ラージン』（1908年）を制作した。この時代を代表するロシアの映画監督には、 1912年に『セヴァストポリ防衛』を制作したアレクサンドル・ハンジョンコフとイワン・モジュヒンがいる。ヤコフ・プロタザノフは、レフ・トルストイの伝記映画『偉大な老人の旅立ち』（1912年）を制作した。

アニメーションの先駆者であるラディスラス・スタレヴィチは、 1910年にロシア初のアニメーション映画（そして物語のある初のストップモーション人形映画）『 Lucanus Cervus 』を制作しました。彼がアレクサンドル・ハンジョンコフのために制作した他のストップモーション短編『美しいロイカニダ』（1912年）と『カメラマンの復讐』 （1912年）も、初期のアニメーション映画の1つです。その後数年間、スタレヴィチは『キリギリスとアリ』 （1913年）などの寓話に基づく短編や、第一次世界大戦のプロパガンダ映画を制作しました。^{[出典が必要]}。

イギリスは1世紀以上にわたって重要な映画産業を営んできた。映画製作は1936年に史上最高を記録したが^[35] 、イギリス映​​画の「黄金時代」は1940年代と一般的に考えられており、この時期にデヴィッド・リーン^[36] 、マイケル・パウエル（エメリック・プレスバーガーと共演）^[37]、キャロル・リード^[38]といった監督らが最も高く評価された作品を製作した。マギー・スミス、ロジャー・ムーア、マイケル・ケイン^[39] 、ショーン・コネリー^[40] 、ダニエル・デイ＝ルイス、ゲイリー・オールドマン、ケイト・ウィンスレット^[41]など、多くのイギリス人俳優が世界的な名声と批評的成功を収めた。興行収入史上最高の映画のいくつかはイギリスで製作されており、その中には興行収入第3位と第4位の映画シリーズ（ハリー・ポッターとジェームズ・ボンド）も含まれる。^[42]

最初の動画は1888年にルイ・ル・プランスによってリーズで撮影され、 ^{[43] [44] 、}セルロイドフィルムで現像された最初の動画は1889年にロンドンのハイドパークでイギリスの発明家ウィリアム・フリーズ・グリーンによって作られ、^[45]グリーンは1890年にそのプロセスの特許を取得しました。

^{史上最も興行}収入の高い映画トップ8のうち2本は、^イギリスの歴史的、文化的、または創造的な側面を持っています。それは、^{タイタニック}（ 1997年）、ハリー・ポッターと死の秘宝PART2（2011年）、ロード・オブ・ザ・リング/王の帰還（2003年）、パイレーツ・オブ・カリビアン/デッドマンズ・チェスト（2005年）です。さらにハリー・ポッター映画4本とロード・オブ・ザ・リング映画1本、そしてティム・バートン版のアリス・イン・ワンダーランド^{（2010年）を加えると、最も興行的に成功した}映画トップ20の半分以上には、^かなりのイギリス的側面がありました。^{[46] [独自の研究? ]}

イギリスの影響は、ディズニーのアニメ映画の「イングリッシュ・サイクル」にも見受けられる。これには『不思議の国のアリス』 （1951年）、『ピーター・パン』（1953年）、『101匹わんちゃん』（1961年）、『石に刺さった剣』（1963年）、『ジャングル・ブック』（1967年）などがある。^[47]ディズニーが実写映画に興味を持ったのは、為替管理のため英国に送金できなかった英国で蓄積された資金を活用するためであり、スコットランドと英国の素材をもとに2本の映画を制作した。その2本は『宝島』（1950年）と『ロビン・フッドと愉快な仲間たち』（1952年）で、どちらも興行的に成功した。 1967年にウォルト・ディズニーが死去した後も、ディズニー・スタジオはアニメ映画にイギリスの原作を利用し続け、長編アニメ映画『ロビン・フッド』（1973年）、『くまのプーさんの大冒険』と『プーさんの救助犬』 （ともに1977年）は、ディズニーがAA・ミルンのキャラクター を題材にした数多くの作品のうちの1つである。

1970年代から1980年代にかけて、イギリスのスタジオはスーパーマン（1978年）やエイリアン（1979年）やバットマン（1989年）などの映画で優れた特殊効果を生み出すことで評判を確立した^{[要出典] 。この評判の一部は}、2001年宇宙の旅（1968年）の撮影のために集められた才能の中心人物によって築かれたものであり、彼らはその後、ジェリー・アンダーソンのシリーズや長編映画で一緒に仕事をした。ブリストルを拠点とするアードマン・アニメーションズは、ストップモーション・アニメーションで知られている。

1998 年後半、チャンネル 4 は、映画を放映するために特別に設計されたチャンネルである無料映画チャンネルFilm4を開設しました。このチャンネルは英国標準時午前 11 時から放送され、有料テレビ映画ネットワークSky Cinemaと競合しています。

ロンドンを拠点とする視覚効果会社フレームストアは、ティム・ウェバーを視覚効果スーパーバイザーとして迎え、映画『ダークナイト』（2008年）や『ゼロ・グラビティ』 （2013年）の制作に携わった。『ゼロ・グラビティ』では新しい技術が使用され、完成までに3年を要した。^[48]

フランスは映画発祥の地であり、映画という芸術形式と映画製作プロセスそのものに多大な貢献をしてきました。^[49]ヌーヴェルヴァーグを含むいくつかの重要な映画運動はフランスで始まりました。フランスは、フランス政府による保護もあって、特に強力な映画産業を持つことで知られています。^[49]

フランス映画は、外国の映画と絡み合うことがある。ポーランド（ロマン・ポランスキー、クシシュトフ・キェシロフスキ、アンジェイ・ジュラウスキ）、アルゼンチン（ガスパール・ノエ、エドガルド・コザリンスキー）、ロシア（アレクサンドル・アレクセイエフ、アナトーリ・リトヴァク）、オーストリア（ミヒャエル・ハネケ）、ジョージア（ジェラ・バブルアニ、オタール・イオセリアーニ）などの国の監督は、フランス映画界で著名な存在である。逆に、リュック・ベッソン、ジャック・ターヌール、アメリカのフランシス・ヴェーベルなど、フランス人監督の中には他国でキャリアを積んだ者もいる。

この事実を裏付けるもう一つの要素は、パリが人口一人当たりの映画館数で測ると世界で最も映画館密度が高いことであり^[50]、ほとんどの「パリ市内」の映画館では、他の場所であれば「アートハウス」の映画館でしか上映されない外国映画が「主流」の作品と並んで上映されている。フィリップ・ビナンは2000年2月2日、テキサス・インスツルメンツが開発したDLP CINEMA技術を使用して、ヨーロッパ初のデジタルシネマ上映をパリで実現した^[51] 。パリにはまた、市の北部にある主要なスタジオであるシテ・デュ・シネマや、ディズニーランドとアステリックス・パークに次ぐ、映画専用のテーマパークで市近郊で3番目のテーマパークであるディズニー・スタジオがある^{[52] 。}

2015年、フランスでは記録的な300本の長編映画が製作された。^[53] 2014年、米国と英国の映画は総入場者数の44.9%に過ぎなかった。これは主に国内作品の商業的強さによるもので、2014年の入場者数の44.5%（2015年は35.5%、2016年は35.3%）を占めた。^[54] 2000年代半ば、フランス映画産業は「ヨーロッパの他のどの国よりも完全に自給自足に近い状態にあり、予算の約80～90%を国内市場からの収益で回収している」と評された。^[55] 2018年、フランス映画の国際興行収入は2億3700万ユーロで、観客動員数は4000万人（2017年より52%減）で、海外市場としてはイタリアが最大だった。^[56]

イラン映画（ペルシア語：سینمای ایران ）またはペルシャ映画は、毎年様々な商業映画を制作するイランの映画および映画産業を指します。イランの芸術映画は国際的な名声を獲得し、現在では世界中で支持されています。^[57]

イランは、中国とともに、1990年代の最も優れた映画輸出国の一つとして称賛されてきた。^[58]一部の批評家は、現在^{[いつ? ]}、芸術的にイランを世界で最も重要な国民映画と位置付けており、その重要性は、過去数十年間のイタリアのネオレアリズムや同様の運動と比較されるほどである。^[57]ドイツの映画監督ヴェルナー・ヘルツォークは、イランの映画を世界で最も重要な芸術的映画の一つとして称賛している。^[59] 注目すべきことに、イランはアカデミー賞を2回受賞し、3回ノミネートされており、世界映画ランキングで11位、アジアでは日本に次いで2位、中東では1位となっている^[60]。

トルコの映画市場は、汎ヨーロッパの観点では、自国映画が米国映画を定期的に上回る唯一の市場として際立っている。^[61] 2013年には、入場者数は120万人で、長編映画は87本公開された。^[62] 2004年から2014年の間に、自国以外のヨーロッパ市場で生み出された推定1290万人の入場者は、ヨーロッパ（トルコを含む）でのトルコ映画の総入場者のわずか7％を占めた。これは、そのようなデータが利用可能な30のヨーロッパ市場の中で3番目に低い割合であり、トルコ映画が国内市場に強く依存していることを明確に示しており、これはポーランド映画とロシア映画に共通する特徴である。^[63]

2014年、Kış Uykusu ( Winter's Sleep )がカンヌ国際映画祭最優秀作品賞を受賞した。^[64] 2013年、トルコの興行収入は2億ユーロ強で、オランダに次ぐヨーロッパ第8位の市場となったが、スウェーデンとスイスを上回り、上位6市場とは明確な差をつけられた。上位6市場の興行収入は、スペインの5億400万ユーロから、フランス、イギリス、ドイツ、ロシア連邦の10億ユーロ超までであった。^[65]トルコでは映画館の入場料が比較的安い。2013年、トルコの映画チケットの平均価格は4.0ユーロで、これはユーロ建てでヨーロッパで最も安い平均チケット価格と推定され、クロアチア、ルーマニア、リトアニア、ブルガリアなどの中央および東ヨーロッパのいくつかの市場よりもわずかに安かった（為替レートによる）。^[66]

日本は世界でも最も古く、最大の映画産業の一つであり、2010年時点では長編映画の製作本数で世界第4位である。^[67]日本での映画製作は、1897年に初めて外国人カメラマンが来日して以来行われている。^[要出典]

Sight & Sound誌によるアジアで制作された最高の映画のリストでは、日本の作品がトップ12のうち8本を占め、東京物語（1953）が1位にランクされました。^[要出典] 東京物語はまた、2012年にSight & Sound誌の監督による史上最高の映画トップ50の投票で市民ケーンを押しのけて1位になりました。^{[68] [69]}一方、黒澤明の七人の侍（1954）は、 BBCが43カ国の209人の批評家を対象に行った2018年の投票で、史上最高の外国語映画に選ばれました。 ^{[70]日本は}アカデミー賞外国語映画賞を4回（羅生門、地獄門、SAMURAI I: 宮本武蔵、おくりびと）受賞しており、これは他のどのアジアの国よりも多いです。^{[いつ？ ]}。

エジプトでは1896年以降、限られた数の無声映画が製作された。1927年の『ライラ』は初の長編映画として有名である。カイロの映画産業は、音声映画の登場とともに地域の勢力となった。1930年から1936年の間に、様々な小規模スタジオが少なくとも44本の長編映画を製作した。1936年、実業家のタラート・ハーブが資金を提供したスタジオ・ミスルが、ハリウッドの大手スタジオに匹敵するエジプトの有力スタジオとして登場し、同社は30年間その地位を維持した。^{[71] 1908年以降、} MENA地域で製作された4,000本以上の短編・長編映画のうち、4分の3以上がエジプト映画である。エジプト映画は通常、エジプトのアラビア語方言で話されている。^{[72] [73]}

1976年以来、カイロでは国際映画製作者連盟の公認を受けたカイロ国際映画祭（CIFF）が毎年開催されている。1996年にはカイロ南部の10月6日市にエジプトメディア制作都市（EMPC）が開設されたが、2001年までに計画されていた29のスタジオのうち稼働していたのは1つだけだった。^{[74]かつては表現の自由の障害となっていた検閲は、エジプト映画が性的な問題[75]}から 政府への厳しい批判^[76]までさまざまな問題に大胆に取り組むようになった2012年までに著しく減少した。

1940 年代、1950 年代、1960 年代は、エジプト映画の黄金時代と一般に考えられている。西洋と同様、エジプト映画は大衆の想像力に応え、ほとんどが予測可能なジャンル(ハッピーエンドが標準) に陥り、多くの俳優が型にはまった役柄を演じてキャリアを築いた。ある評論家は「大衆向けのエジプト映画にこれらの前提条件が 1 つでも欠けていたら、観客との暗黙の契約を裏切ることになり、その結果は興行収入に表れることになる」と述べている。^[77] 1990 年代以降、エジプト映画は別々の方向に進んできた。小規模な芸術映画は国際的な注目を集めるが、国内での観客はまばらである。大衆映画、多くの場合What A Lie!のような大げさなコメディや、コメディアンのMohamed Saadの非常に収益性の高い作品は、西洋映画に惹かれる観客、または映画の不道徳性に対する警戒心を強める観客を引き留めようと奮闘している。^[78]

韓国映画（または韓国映画）という用語は、北朝鮮と韓国の映画産業を包含する。過去1世紀の韓国生活のあらゆる側面と同様に、映画産業は、朝鮮王朝後期から朝鮮戦争、国内政府の干渉に至るまで、政治的出来事に翻弄されることが多かった。現在、両国の映画産業は比較的堅調であるが^{（いつから？） 、韓国映画だけ}が国際的に広く評価されている。北朝鮮の映画は、共産主義や革命のテーマを描く傾向がある ^。

韓国映画は1950年代後半から1960年代にかけて「黄金時代」を謳歌した。2005年までに韓国は、映画館で上映される映画が輸入映画より国内映画の方が多い数少ない国の一つとなった^[79]。これは主に、映画館1館あたり年間上映できる外国映画の数を制限する法律によるものである^[80] 。映画館では、2006年以降、韓国映画は年間73日間上映されなければならない。ケーブルテレビでは、韓国映画の割合が25%から、韓米FTA締結後に20%に削減される。^[81]韓国の映画館は、 2015年に国内で興行収入が8840億ウォン、入場者数が1億1300万人で、総入場者数の52%を占めた^{[要出典] 。}

ポーランド映画の歴史は、映画撮影の歴史とほぼ同じくらい長く、ポーランド映画は他のヨーロッパ諸国の映画に比べて商業的に入手しにくい傾向にあるにもかかわらず、世界的に認められた業績を誇っています。

第二次世界大戦後、共産主義政府は作家主義に基づく国民映画を創設し、何百人もの新人監督を育成し、彼らに映画製作の権限を与えた。ロマン・ポランスキー、クシシュトフ・キェシロフスキ、アグニェシュカ・ホランド、アンジェイ・ワイダ、アンジェイ・ジュラウスキ、アンジェイ・ムンク、イェジー・スコリモフスキといった映画製作者たちが、ポーランドの映画製作の発展に影響を与えた。近年では、映画製作は資金が鍵となるプロデューサー主導の産業となっており、あらゆるジャンルの独立系映画製作者が多く、ポーランドの作品はアメリカ映画に影響を受けやすい傾向にある。

ポーランド映画学校はイタリアのネオレアリストの影響を強く受けていた。1956年のポーランド十月革命後のポーランドの自由主義的変化を利用して、第二次世界大戦とドイツ占領下のポーランドの歴史の複雑さを描いた。最も重要なテーマの中には、元国内軍兵士の世代と彼らの戦後ポーランドでの役割、ドイツの強制収容所やワルシャワ蜂起などの国家的悲劇があった。政治的変化により、グループはポーランドの近代史についてよりオープンに語ることができるようになった。しかし、 1945年以降の歴史に関しては検閲のルールが依然として厳しく、現代の出来事を扱った映画は非常に少なかった。これがポーランド映画学校のメンバーとイタリアのネオレアリストとの大きな違いであった。

ポーランド映画学校は、ポーランド人の国民性を強調した最初の団体であり、中央ヨーロッパで社会主義リアリズムの公式ガイドラインに公然と反対した最初の芸術運動の1つです。この運動のメンバーは、集団ではなく個人の役割を強調する傾向があります。この運動には2つの傾向がありました。アンジェイ・ワイダなどの若い監督は一般的に英雄主義の概念を研究しましたが、別のグループ（最も有名なのはアンジェイ・ムンク）は皮肉、ユーモア、国民的神話の分析を通じてポーランド人の性格を分析しました。

フィリピン映画は、1897年8月31日、マニラのサロン・デ・ペルティエラで、国内初の映画が紹介されたことに始まる。翌年、スペイン人のアントニオ・ラモスがリュミエール・シネマトグラフを使用して、初めて現地のシーンをフィルムで撮影した。^[82]国内の初期の映画製作者やプロデューサーのほとんどは裕福で進取的な外国人や外国人駐在員であったが、1919年9月12日、フィリピンの映画製作者ホセ・ネポムセノが、人気のミュージカル劇を基にした映画『Dalagang Bukid（田舎娘） 』を製作し、上映した。^[83]「フィリピン映画の父」と呼ばれる彼の作品は、フィリピンにおける芸術形式としての映画の始まりを象徴するものである。^[84]

バングラデシュの映画は、バングラデシュのダッカに拠点を置くベンガル語の映画産業です。この産業は、1970年代初頭から重要な映画産業となっています。「Dhollywood」という言葉は、ダッカとハリウッドという言葉を組み合わせた造語です。バングラデシュ映画の主流のスタイルはメロドラマ映画で、1947年から1990年にかけて発展し、今日に至るまでほとんどの映画を特徴づけています。バングラデシュでの映画は、1898年にブラッドフォード・バイオスコープ社によって導入され、バングラデシュで最初の映画公開を手配したと言われています。1913年から1914年にかけて、ピクチャーハウスという最初の制作会社が設立されました。 1928年にこの地域で製作された最初の映画は、短編無声映画「スクマリ（善良な少女）」だった。最初の長編映画「最後の接吻」は1931年に公開された。1971年にバングラデシュがパキスタンから分離して以来、ダッカはバングラデシュ映画産業の中心地であり、収益、制作費、観客の大部分を生み出してきた。1960年代、1970年代、1980年代、そして1990年代前半は、バングラデシュ映画にとって黄金時代であり、この産業は多くのヒット映画を製作した。最初のベンガル語の長編映画「顔と仮面」^{は1956年に製作された。 [85] [86]}タレク・マスード監督の2002年の映画「マティール・モイナ」は、カンヌ映画祭で栄誉を受けた最初のバングラデシュ映画となった。

東南アジア最大の映画スタジオが、インドネシアのバタム島ノンサの10ヘクタールの土地に2011年11月5日にソフトオープンした。インフィニット・フレームワークス（IFW）はシンガポール（バタム島の近く）に拠点を置く企業で、インドネシアの実業家で映画プロデューサーのマイク・ウィルアンが90パーセントを保有するコンソーシアムが所有している。^[87] 2010年から2011年にかけて、外国映画に適用される付加価値税が大幅に引き上げられたため、映画館はオスカー受賞作品を含む多くの外国映画を上映できなくなった。外国映画には、西側の主要な興行収入の映画や世界の他の主要な映画製作会社の映画が含まれる。これは国の経済に多大な波及効果をもたらした。これにより、無許可のDVDの購入が増加したと推測される。しかし、著作権を侵害したDVDでさえ入手に時間がかかった。これにはシンガポールまでの航空券も含まれており、100ドル相当となる。^[88]

パキスタン映画（パキスタンしんがく、ウルドゥー語: پاکستانی سنیما）は、パキスタンの映画産業を指す。パキスタンで撮影された長編映画のほとんどは国語であるウルドゥー語で制作されているが、公用語である英語や、パンジャブ語、パシュトー語、バローチ語、シンド語などの地方言語で制作された映画も含まれる。ラホールはパキスタン映画の中心地と言われており、ラホールとハリウッドを合わせた造語「ロリウッド」という言葉が生まれた。

バングラデシュが分離独立する前、パキスタンにはラホール、カラチ、ダッカという3つの主要な映画製作センターがあった。ムハンマド・ジアウルハク政権、ビデオデッキ、映画の著作権侵害、娯楽税の導入、超保守的な法体系に基づく厳格な法律が、映画の発展の障害となっていた。^[89]かつては繁栄していたパキスタンの映画産業は1980年代に突然崩壊し、2000年代には「かつては年間平均80本の映画を製作していた映画産業が、今では数本の映画製作にも苦労していた」。しかし、カラチのテレビ産業が活況を呈し、より大規模な民間メディア会社が台頭したことで、2010年代初頭にはパキスタン映画産業が復活した。現在パキスタン映画産業最大の製作センターとなっているカラチでは、ウルドゥー語、英語、シンド語のパキスタン映画を製作している。ラホールは現在、2番目に大きな映画製作地であり（主にパンジャブ語の映画）、それにペシャワールが続き、主にパシュトー語の映画が製作されています。また、イスラマバード（ウルドゥー語と英語の映画）とクエッタ（バローチ語の映画）でも、ごく小規模に映画が製作されています。パキスタン映画は、国内市場だけでなく、湾岸諸国、英国ヨーロッパ、米国北米、極東などの国際市場でも市場を獲得しています。多くのパキスタン映画がアカデミー賞の外国語映画部門に進出しており、例えば、「The Day Shall Dawn」（1959年）、「The Veil (Ghoonghat)」（1963年）、「Zinda Bhaag」（2013年）、「Dukhtar」（2014年）、「Moor」（2015年）、「Mah-e-Mir」（2016年）、「Saawan」（2017年）、「Cake」（2018年）、「Lal Kabootar」（2019年）などがあります。パキスタンのドキュメンタリー映画2本がアカデミー賞の最優秀ドキュメンタリー映画賞を受賞しました。それは、「Saving Face」（2012年）と「A Girl in the River」（2016年）です。パキスタン映画、特にウルドゥー語の映画は、家族ドラマ、ロマンス、ラブストーリー、コメディ、スリラー、社会問題、政治問題を中心に展開しています。現代では、いくつかのパキスタン映画が国際的に高い評価を得ており、その中には、「Khuda Kay Liye（神の名において）」、「Bol」、「Verna」、「Zinda Bhaag」、「Load-Wedding」、「Wrong No.」、「Cake」、「Teefa in Trouble」、「Lal Kabootar」、「Mah-e-Meer」、「Moor」、「The Legend of Maula Jatt」などがあります。

パンジャブ語の映画は主にロマンス、家族ドラマ、アクションをテーマにしていますが、パシュトゥー語の映画はアクションと部族間の争いを中心に展開しています。

主な映画賞には、Lux Style Awards、ARY Film Awards、Nigar Awards、National Film Awards などがあります。

マレーシアの映画は、マレーシアで制作され、英語、タミル語、マレー語、北京語、広東語で撮影された長編映画で構成されています。

マレーシアでは、各テレビ局による自主制作のほか、年間約60本の長編映画、300～400本のテレビドラマや連続ドラマが制作されている。また、マレーシア映画祭として知られる独自の全国レベルの映画賞も毎年開催されている。マレーシアには約150の映画館やシネプレックスがあり、国内映画だけでなく外国映画も上映されている。

イスラエルでは1948年の独立以前から映画が製作されてきた。^[90]映画産業は経済的には比較的小規模だが、イスラエル映画は中東諸国の中で最多のアカデミー外国語映画賞ノミネート数を誇る。政府は製作費の補助金を出すことで外国企業をイスラエルに誘致しようとしている。^[91]

香港は、中国語圏（世界中の移民を含む）と東アジア全般の映画製作の中心地である。何十年もの間、香港は（インドと米国に次ぐ）世界第3位の映画産業であり、映画輸出量では第2位であった。^[92] 1990年代半ばに始まった映画産業の危機と、1997年7月の香港の中国への返還にもかかわらず、香港映画はその独特のアイデンティティを多く保持し、世界の映画界で重要な役割を果たし続けている。多くの映画産業とは異なり、香港は補助金や輸入割当を通じて、政府からの直接的な支援をほとんど、あるいは全く受けていない。香港は常に完全に商業的な映画であり、コメディやアクションなど、観客を喜ばせるジャンルに集中し、定型、続編、リメイクに大きく依存してきた。商業映画によくあるように、その中心にあるのは高度に発達したスターシステムであり、この場合、ポップミュージック業界とかなり重複している。

トリニダード・トバゴ映画会社は、映画産業の発展を促進するために 2006 年に設立された国立機関です。トリニダード・トバゴでは、さまざまな委員会や組織が主催する映画祭が数多く開催されています。その中には、トリニダード・トバゴ映画会社が主催する中等学校短編映画祭やスマートフォン映画祭などがあります。また、毎年9 月後半に 2 週間開催される トリニダード・トバゴ映画祭もあります。

トリニダード・トバゴの映画部門は1950年代後半から1960年代前半にかけて台頭し始め、1970年代後半までには、長編映画とテレビ番組の両方で、少数の地元制作が行われました。^[93]トリニダード・トバゴで制作された最初の長編映画は、インド人の監督/脚本家/プロデューサー、ハーバンス・クマールによる「The Right and the Wrong」 （1970年）です。脚本は、トリニダードの劇作家、フレディ・キッスーンが書きました。^[94] 20世紀の残りの期間には、この国でさらに数本の長編映画が制作され、ブルース・パディントンによって「トリニダード・トバゴで制作された最も重要な映画の1つであり、カリブ映画の古典の1つ」と選ばれた「Bim」（1974年）が^{ありました。 [95]}これは、ほぼ完全にトリニダード人のキャストとクルーが出演した最初の映画の1つでした。^[96] 2000年代にはトリニダード映画製作が増加した。『イヴァン雷帝』（2004年）、『SistaGod』（2006年）、『I'm Santana: The Movie』（2012年）、『God Loves the Fighter』（2013年）などの映画が国内外で公開された。『SistaGod』は2006年のトロント国際映画祭で世界初公開された。^[97]

ネパール映画の歴史はそれほど長くないが、ネパール映画産業は国の文化遺産として定着している。ネパール映画は「ネパール・チャルチトラ」（英語では「ネパール映画」）と呼ばれることが多い。また、「カトマンズ」と「ハリウッド」を組み合わせた造語として、コリウッドやカリウッドという用語も使われる。ただし、「コリウッド」はタミル映画を指す場合により頻繁に使われる。^[要出典] チャッカ・パンジャはネパール映画産業史上最高の興行収入を記録した映画とされ、コヒノールは2番目に高い興行収入を記録した。ネパール映画「ブラック・ヘン」（2015年）と「カグベニ」（2006年）は国際的に高い評価を受けた。^[要出典]ネパールの長編映画「ホワイト・サン」 （Seto Surya）は2016年の第27回シンガポール国際映画祭（SGIFF）で最優秀作品賞を受賞した。

リュミエール兄弟は1895年12月28日、パリでシネマトグラフによる初の上映を行った。19世紀後半から20世紀初頭にかけて、フランスの映画産業は世界で最も重要であった。オーギュストとルイ・リュミエールはシネマトグラフを発明し、1895年にパリで彼らが制作した『ラ・シオタ駅列車到着』は、多くの歴史家によって映画の正式な誕生とみなされている。最初に製作された長編映画は、1906年のオーストラリアの無声映画『ケリー・ギャング物語』である。これは、メルボルン出身のダン・バリーおよびチャールズ・テイトが監督およびプロデュースした、ネッド・ケリー率いる悪名高いギャング団の物語である。この映画は80分間連続上映された。^[98]

1910 年代初頭、DW グリフィスの『国民の創生』によって映画産業が本格的に勃興しました。また、1900 年代初頭には、ニューヨークやニュージャージーの映画製作会社が、気候が良く日照時間が長いカリフォルニアに移転し始めました。当時は電灯もありま​​したが、フィルムに十分な露光ができるほど強力なものはなく、映画製作に最適な照明は自然光でした。穏やかで乾燥した気候に加え、広々とした空間と多種多様な自然の景色も、製作会社をカリフォルニアに惹きつけました。

1900年、シャルル・パテはパテ・フレールのブランドで映画製作を開始し、フェルディナンド・ゼッカを雇って映画製作を行なった。1905年までにパテは世界最大の映画会社となり、第一次世界大戦までその地位を維持した。レオン・ゴーモンは1896年にアリス・ギイの監督のもと映画製作を開始した。^[99]

アメリカン・ミュートスコープ以外にも、アメリカには数多くの小規模な製作会社があり、そのうちのいくつかは新世紀に長期にわたって存続した。こうした小規模な製作会社の一つであるアメリカン・ヴィタグラフは、ブルックリンにスタジオを建設し、1905年に事業を拡大した。

映画のみを上映する常設映画館として最初に成功したのは、1905年にピッツバーグにオープンした「ニコロデオン」だった。 ^[100]その頃には、少なくとも30分間の上映プログラムを埋めるのに十分な数分間の映画が用意されており、地元の観客が飽きたら毎週変更することができた。米国の他の映画館もすぐに追随し、2年以内に米国全土で8,000のニコロデオンが運営されていた。米国の経験により、1906年以降、映画の製作と上映が世界中でブームとなった。

映画館は、キャバレーや他の劇場と同様に、20世紀初頭に人気の娯楽施設および社交の中心地となった。 ^[101]

1907 年までに、映画専用の映画館がアメリカ、イギリス、フランス全土でオープンしました。映画はピアニストによる音楽の伴奏付きで上映されることが多かったのですが、ミュージシャンがもっといることもありました。大都市の中には、比較的大きな映画館がほとんどないところもありました。当初、上映される映画の大半はパテの映画でしたが、アメリカの映画会社が製作を急ぐにつれて、急速に変化しました。上映される映画は数本の映画で構成され、上映時間は約 30 分でした。この時期、通常は 1 本の映画を収めた最長 1,000 フィート (300 m) のフィルム リールが、映画製作と上映の標準単位となりました。上映プログラムは週に 2 回以上変更されていましたが、数年後には週に 5 回に変更されるようになりました。一般的に、映画館は都市の既存の歓楽街に設置されました。1907 年、パテは映画を販売するのではなく、フィルム交換を通じて映画館に映画を貸し出すようになりました。^[102]

アメリカの大手映画製作会社の間で特許をめぐる訴訟が続いていたが、1908年末、各社は特許をプールしてトラストを設立し、それを使ってアメリカの映画産業をコントロールすることにした。関係する会社は、パテ、エジソン、バイオグラフ、ヴィタグラフ、ルービン、セリグ、エッサネイ、カレム、そしてヨーロッパのフィルムの大手輸入業者であるクライネ・オプティカル・カンパニーだった。アメリカで唯一のフィルム製造会社であるジョージ・イーストマン社もこの連合に参加しており、モーション・ピクチャー・パテント・カンパニー（MPPC）と呼ばれていた。イーストマン・コダックは、メンバーにのみフィルムを供給することに同意した。映画の配給と上映のライセンス料は、すべての配給会社と興行会社から徴収された。トラストに参加していた製作会社には、ライセンスを受けた興行会社のプログラムを埋めるのに十分な製作割り当て（最大のものは1週間に2リール、小さなものは1リール）が割り当てられた。しかし、市場はそれよりも大きかった。6,000 の興行会社が MPPC と契約したが、約 2,000 は契約しなかった。少数の取引所 (つまり配給会社) は MPPC の外部にとどまり、1909 年にこれらの独立取引所は直ちに新しい映画製作会社に資金を提供し始めた。1911 年までに独立系映画および外国映画は独立系興行会社のすべてのショーをプログラムするのに十分な数になり、1912 年には独立系映画が市場のほぼ半分を占めた。MPPC は米国市場全体をコントロールするという計画で事実上敗北し、MPPC に対して今になって始まった政府の反トラスト訴訟は、MPPC を倒すために必要ではなかった。^[102]

20世紀初頭、ハリウッド以前、米国の映画産業は主にニューヨーク市からハドソン川を渡ったニュージャージー州フォートリーに拠点を置いていた。 ^{[103] [104] [105]}冬の拠点を必要としていた映画製作者たちは、温暖な気候、エキゾチックなロケーション、優れた鉄道アクセス、そしてより安い労働力のためにフロリダ州ジャクソンビルに引き寄せられ、この都市は「世界の冬の映画の首都」という称号を得た。^[106]ニューヨークに拠点を置くカレム・スタジオは、 1908年にジャクソンビルに常設スタジオを開設した最初の会社であった。^{[107]次の10年間で、}メトロ・ピクチャーズ（後のMGM）、エジソン・スタジオ、マジェスティック・フィルムズ、キングビー・フィルム・カンパニー、ヴィム・コメディー・カンパニー、ノーマン・スタジオ、ゴーモント・スタジオ、ルービン・マニュファクチャリング・カンパニーなど、30を超える無声映画会社が町にスタジオを設立した。^[要出典]テクニカラーで制作された最初の映画であり、米国で制作された最初の長編カラー映画である『The Gulf Between』も、1917 年にジャクソンビルで撮影されました。

ジャクソンビルはアフリカ系アメリカ人の映画産業にとって特に重要だった。この点で注目すべき人物の1人はヨーロッパ系アメリカ人のプロデューサー、リチャード・ノーマンで、オスカー・ミショーやリンカーン・モーション・ピクチャー・カンパニーの流れを汲む黒人俳優主演の映画を次々と制作した。^{[106] 『}バース・オブ・ネイション』などの一部の白人映画で提供される屈辱的な役とは対照的に、ノーマンと彼の同時代人は、彼が「見事に異なる役割を担う」と表現したアフリカ系アメリカ人を主役にした前向きな物語を作ろうとした。^{[108] [109]}

しかし、ジャクソンビルの住民のほとんどは保守派で、路上でのカーチェイス、模擬銀行強盗、公共の場での火災警報、さらには時折起こる暴動など、初期の映画産業の特徴に反対した。1917年、保守派民主党員のジョン・W・マーティンが、市の映画産業を抑制するという公約を掲げて市長に選出された。^[106]その頃までに、南カリフォルニアは、ウィリアム・セリグやD・W・グリフィスなどの映画の先駆者がこの地域に移ったおかげで、主要な映画製作の中心地として浮上しつつあった。これらの要因により、ジャクソンビルはすぐに主要な映画の目的地としての地位を失っていった。^[要出典]

映画産業が西へ移ったもう一つの要因は、1913年までアメリカの映画製作のほとんどがニューヨーク周辺で行われていたが、トーマス・A・エジソン社の映画特許の独占と、特許を守ろうとする訴訟行為により、多くの映画製作者が1909年のセリグを皮切りに南カリフォルニアへ移ったことである。 ^{[110] [111]太陽の光と風景は西部劇の製作には重要であり、} GM・アンダーソン（「ブロンコ・ビリー」）とトム・ミックスが最初のカウボーイスターとなり、西部劇はアメリカ映画の主要ジャンルとなった。セリグは動物園の（か​​なり）野生動物を一連のエキゾチックな冒険に使う先駆者となり、俳優たちは動物に脅かされたり助けられたりした。カレム社はアメリカ国内や海外に撮影クルーを派遣し、物語が実際に起こったとされる場所で撮影した。^{[112]カレムはまた、1912年から}ルース・ローランドを西部劇の主役として起用し、女性アクションヒロインの先駆者となった。 ^{[113] [より良い情報源が必要]}

フランスでは、パテが支配的な地位を維持し、ゴーモンがそれに続き、その後、映画ブームに応えようとした他の新興映画会社が登場した。異なるアプローチをとった映画会社がフィルム・ダールである。フィルム・ダールは、真摯な芸術的性質の映画を製作するために 1908 年の初めに設立された。彼らの宣言した計画は、最高の劇作家、芸術家、俳優のみを使用して映画を製作することだった。^[114]その最初の作品は、アンリ 3 世の宮廷を舞台にした歴史的な題材である『ギーズ公暗殺』である。この映画では、コメディー・フランセーズの一流俳優が使用され、カミーユ・サン＝サーンスが作曲した特別な音楽が使用された。他のフランスの大手映画会社もこれに追随し、この波が、洗練された観客を対象とした芸術的志向の映画を「芸術映画」と表現する英語を生み出した。 1910年までに、フランスの映画会社は2リール、さらには3リールの映画を製作し始めましたが、ほとんどはまだ1リールでした。この傾向はイタリア、デンマーク、スウェーデンでも続きました。^[115]

イギリスでは、1909年の映画法が映画産業を具体的に規制する最初の主要な法律でした。映画の上映はしばしば臨時の会場で行われ、フィルムに非常に可燃性の硝酸セルロースを使用し、ライムライト照明と組み合わせると、重大な火災の危険が生じました。この法律は厳格な建築基準を規定し、とりわけ映写機を耐火性の囲いの中に収めることを義務付けました。^[116]

ドイツのベルリン近郊にあるバーベルスベルクスタジオは、1912年に設立された世界初の大規模な映画スタジオであり、 20世紀初頭にいくつかの大規模スタジオが設立されたハリウッドの先駆けとなりました。

ハリウッド地区初の映画スタジオであるネスター・スタジオは、1911年にアル・クリスティがデビッド・ホースリーのために設立しました。東海岸の他のスタジオはすでに制作拠点をロサンゼルスに移していました。時が経つにつれ、ハリウッドは映画産業と非常に強く結びつくようになり、「ハリウッド」という言葉は今ではアメリカの映画産業全体を指す口語として使われています。

1913年、セシル・B・デミルはジェシー・ラスキーと共同でハリウッドにスタジオ設備のある納屋を借り、そこで『スコーマン』 （1914年）が制作された。現在、その納屋はハリウッド・ヘリテージ・ミュージアムの所在地となっている。

チャーリーチャップリンスタジオは 1917 年に建設されました。この場所は、スーパーマンTV シリーズの撮影に使用されたクリング スタジオ、CBS TV のバラエティ番組の撮影に使用されたレッド スケルトン、TV シリーズペリー メイソンの撮影に使用された CBS にも使用されました。また、ハーブ アルパートのA&M レコードとティファナ ブラス エンタープライズも所有していました。現在は、マペットの拠点であるジム ヘンソンカンパニーが所有しています。1969 年、ロサンゼルス文化遺産委員会は、このスタジオを歴史的文化遺産に指定しました。

有名なハリウッド サインには、もともと「Hollywoodland」と書かれていました。これは、ハリウッドの丘陵地帯に新しい住宅開発を宣伝するために 1923 年に建てられました。1949 年にハリウッド商工会議所が介入し、最後の 4 文字を削除し、他の文字を修復しました。これは登録商標であり、ハリウッド商工会議所の許可なしに使用することはできません。

最初のアカデミー賞授賞式は1929年5月16日に開催されました。

1927 年 (サイレント時代の実質的な終焉) から 1948 年までの期間は、「ハリウッド スタジオ システム」の時代、またはハリウッドの黄金時代と見なされています。1948年の画期的な判決で、最高裁判所は、映画スタジオが劇場を所有して、スタジオと映画スターの映画のみを上映することはできないという判決を下しました。こうして、ハリウッドの歴史の 1 つの時代が終わりました。

ボリウッドは、インドのマハラシュトラ州ムンバイ（旧称ボンベイ）を拠点とするヒンディー語映画産業である。この用語はしばしばインド映画全体を指すものとして誤って使用されるが、それは複数の言語で映画を製作する他の制作センターを含むインド映画産業全体の一部にすぎない。 ^[117]ボリウッドはインド最大の映画製作会社であり、世界でも最大の映画製作センターの1つである。^{[118] [119] [120]}

ボリウッドは正式にはヒンディー映画と呼ばれています。^{[121]言語的には、ボリウッド映画は}ヒンディー語とウルドゥー語の両方を話すと自認する人々が相互に理解できるヒンドゥスターニー語を使用する傾向があり、^{[122] [123] [124] 、現代のボリウッド映画では}ヒングリッシュの要素もますます取り入れられています。^[122]

ハリシュチャンドラ・サカラム・バタウデカール（HSバタウデカール）が監督・製作した『レスラー』（1899年）と『男と猿』 （1899年）は、インド人映画監督による最初の2本の短編映画であり、どちらも短編映画であった。彼はまた、インド人映画監督として初めて、ドキュメンタリーとニュース関連の映画『サー・MM・ボーングリーの上陸』を監督・製作した人物でもある。

1930年代と1940年代は激動の時代だった。インドは大恐慌、第二次世界大戦、インド独立運動、インド分割の暴力に見舞われた。ボリウッド映画のほとんどはあからさまに現実逃避的なものだったが、多くの映画製作者は厳しい社会問題に取り組んだり、インド独立闘争をストーリーの背景として利用したりした。^[125]

1937年、『アラム・アラ』で有名なアルデシル・イラニが、ヒンディー語での最初のカラー映画『キサン・カニャ』を制作しました。翌年、彼は『マザー・インディア』のバージョンである別のカラー映画を制作しました。

インドの独立後、1940年代後半から1960年代初頭までの期間は、映画史家によってヒンディー語映画の「黄金時代」とみなされています。^{[126] [127] [128]}この時期を代表する重要人物には、ラージ・カプール、グル・ダット、^[129] メーブー・カーン、^{[130] [131] [132]}ディリップ・クマールなどがいます。^{[133] [134]}

1970年代は「ボリウッド」という名前が作られた時期であり、^{[135] [136]}商業的なボリウッド映画の典型的な慣習が確立された時期でもありました。^[137]その鍵となったのは、複数のジャンル（アクション、コメディ、ロマンス、ドラマ、メロドラマ、ミュージカル）の要素を組み合わせたマサラ映画というジャンルの出現でした。マサラ映画は、1970年代初頭に映画監督のナシル・フセインと脚本家デュオのサリム・ジャヴェド^によって開拓され、ボリウッドの大ヒット映画のフォーマットを開拓しました。^[137]

トリーウッドはインドのベンガル語映画産業です。1898年にヒララル・セン、マティラル・セン、デボキ・ラル・セン、ボラナス・グプタらがロイヤル・バイオスコープ・カンパニーで始めたものです。俳優の生の演劇パフォーマンスを組み合わせたベンガル映画産業は、バイオスコープ形式でドラマの重要な部分に音を使ったことで有名で、その映画言語は西洋の無声映画とはまったく異なっていました。これに続いて、エルフィンストーン・バイオスコープ・カンパニーのジャムシェドジ・フラムジ・マダンがマダン・シアター・カンパニーも経営しました。JJ・マダンは1923年に父親が亡くなった後、マダン・シアターのマネージング・ディレクターに就任し、マダン・シアターは1920年代後半に127の劇場を所有し、国の興行収入の半分を支配してピークを迎えました。マダン劇場は、1937年まで、いくつかの人気映画や画期的な映画を製作した。これは、1918年にベンガル人所有の最初の製作会社であるインド・ブリティッシュ映画社を設立したディレンドラ・ナート・ガングリーのような、1920年代のベンガル人スターの作品と並行している。映画産業の隆盛は、多様な映画が製作された1930年代から1940年代に続いた。多くのプリントが火災で焼失した。1937年から1947年の映画のプリントと記録は大部分が焼失したが、この時期のベンガルは、インド独立運動に極めて大きな影響を与えた政治映画の時代であった。1947年以降、映画産業は、アグラドゥートという名前で映画を製作するクリエイティブスタジオシステムの協力者による新時代を迎えた。この時期に商業映画やミュージカルが復活し、ウッタム・クマールやスチトラ・センなどのスターが、スクリーン上での魅惑的な存在感と控えめな演技で観客を魅了しました。リトウィック・ガタック、サタジット・レイ、タパン・シンハ、ムリナル・セン、リトゥパルノ・ゴーシュなどの監督も有名で、彼らの作品は世界の映画に比類のない影響を与えました。この業界の名前はトリーガンジという場所にちなんでつけられたもので、ハリウッドへのさりげない賛辞でもありました。

エジプト映画は、カイロを拠点とする繁栄した映画産業を指し、 MENA地域のハリウッドとして知られています。^[139] 1896年、エジプトでは1896年から 限られた数の無声映画が作られ、1927年の『ライラ』は最初の長編映画として注目されました。カイロの映画産業は、音声の登場により地域の勢力となりました。1930年から1936年の間に、さまざまな小さなスタジオが少なくとも44本の長編映画を製作しました。1936年、実業家のタラート・ハーブが資金を提供したスタジオ・ミスルがハリウッドの大手スタジオに匹敵するエジプトの有力なスタジオとして登場し、同社は30年間その役割を維持しました。^[140]

エジプトにおける映画の始まりについては、歴史家の間で意見が分かれている。エジプトで最初の映画が上映されたのは1896年だという人もいれば、1907年6月20日に、アレクサンドリアのムルシ・アブル・アッバス研究所を総督アッバス・ヒルミ2世が訪問した際の短いドキュメンタリー映画が始まったとする人もいる。1917年、監督のモハメッド・カリムがアレクサンドリアに製作会社を設立した。この会社は『Dead Flowers』と『Honor the Bedouin』の2本の映画を製作し、1918年初頭にアレクサンドリア市で上映された。

1976年以来、この首都では国際映画製作者連盟の公認を受けたカイロ国際映画祭が毎年開催されている。^{[141]他に12の映画祭もある。1908年以来}MENA地域で製作された4,000本以上の短編・長編映画のうち、4分の3以上がエジプト映画である。^{[72] [142] [143]}エジプト映画は通常、エジプトのアラビア語方言で話されている。それ以来、4,000本以上の映画がエジプトで製作され、これはアラブ映画全体の4分の3にあたる。歴史家サミール・カシルは(2004年) 、特にミスル・スタジオは「浮き沈みはあったものの、カイロをハリウッドとボンベイに次ぐ、イタリアのチネチッタを上回る世界第3の映画産業の中心地にした」と述べている。^[144]エジプトは中東で映画制作の分野で最も生産性の高い国であり、最も発達したメディアシステムを持つ国です。^[145]

ノリウッドはもともとナイジェリアの映画産業を指した愛称である。^[146]この用語の起源は2000年代初頭に遡り、ニューヨークタイムズの記事に遡る。^{[147] [148]}意味と文脈が進化してきた歴史のため、この用語には明確で合意された定義がなく、いくつかの論争の対象となっている。 「ノリウッド」という用語の起源は不明である。ジョナサン・ヘインズは、この言葉の最古の使用は2002年にマット・スタイングラスがニューヨークタイムズに書いた記事であり、そこではナイジェリア映画を説明するために使われていたとしている。^{[147] [148]チャールズ・イグウェは、}大西憲光も2002年9月にニューヨークタイムズに寄稿した記事でこの名前を使ったと指摘している。^{[149] [150]}この用語はナイジェリアの映画産業を指すためにメディアで使用され続けていますが、その定義は後に「ナイジェリア」とアメリカの主要映画の中心地である「ハリウッド」という言葉を組み合わせた造語であると考えられています。^{[151] [152] [153] [154]}

どの映画がノリウッドと見なされるかという定義は常に議論の的となっている。アレックス・アイエンゴはノリウッドを「英語、ヨルバ語、ハウサ語、イボ語、イツェキリ語、エド語、エフィク語、イジャウ語、ウルホボ語、または300を超えるナイジェリアの言語で行われているナイジェリア映画産業の活動全体」と定義した。彼はさらに「ノリウッドの歴史的軌跡は、チーフ・ヒューバート・オグンデ、チーフ・アマタ、ババ・サラ、アデ・ラブ、エディ・ウグボマなどの演劇（舞台）と映画（映画）の取り組みとともに、ナイジェリアの独立前後から始まった」と述べた。^{[152]非公式に}ノリウッド と呼ばれることが多いナイジェリア映画産業の影響は、すべてのアフリカ諸国に影響を及ぼしている。

2013年末までに、映画産業は記録的な収益1兆7,200億ナイラ（41億米ドル）を達成したと報じられている。2014年時点で、映画産業の価値は8,539億ナイラ（51億米ドル）で、米国とインドに次いで世界で3番目に価値の高い映画産業となっている。^{[155]映画産業はナイジェリアの}GDPの約1.4％を占めており、これは質の高い映画の製作数の増加とより正式な配給方法の増加によるものと考えられている。^[156]

映画スタジオの収益性は、適切な映画プロジェクトを選び、適切な経営陣とクリエイティブ チーム (キャスト、監督、ビジュアル デザイン、音楽、写真、衣装、セット デザイン、編集、その他多くの専門分野) を関与させることに大きく依存しますが、映画のプロモーションに対する適切な規模とアプローチの選択、デジタル著作権管理(DRM)などのテクノロジによる収入の管理、高度な会計慣行、および付随的な収入源の管理にも大きく依存します。極端な例では、映画を中心とした大手メディア フランチャイズの場合、映画自体はフランチャイズ全体の収入に大きく貢献する多くの要素のうちの 1 つにすぎない可能性があります。

映画産業は、激しく変動する「非線形プロセス」によって駆動される、非常に競争の激しい勝者総取り市場である。^[157] 興行収入は、ごく少数の非常に成功した映画に集中しており、映画産業の市場シェアも、そのような映画を製作できる幸運な映画スタジオに集中している。^[157] しかし、市場は「極めて不安定」であり、ある瞬間に誰が市場の勝者になるか、または「その支配がどのくらい続くか」を事前に予測することは不可能である。^[157]支配的な映画と映画スタジオは、「劇的に、そして頻繁に入れ替わる」。^[157]

以下は、特に断りのない限り、ユネスコ統計研究所によると、長編映画（アニメーション、ドキュメンタリー、フィクション）の製作本数上位13カ国のリストです。 ^[3]

MPA（映画協会）のTHEMEレポート2022によると、興行収入総額で最大の興行市場は以下の国々である。 ^[171]

2019年に販売されたチケット数で最大の興行市場は以下の国々です。^[174]

経済的検閲は、企業、業界、または国が収益性を確保するために、通常は経済的影響力を持つグループを喜ばせるためにコンテンツを自主検閲することによって措置を講じるときに発生します。そのグループは、個人のボイコットや政府による特定の製品の禁止または課税など、政治的なグループである可能性があります。この手段は、純粋な政治的検閲よりも政府の境界を越えて広く影響する傾向があります。例としては、ハリウッドがドイツの観客へのアクセスを維持し、国内の反ユダヤ主義者を怒らせないようにするために、1930年代のほとんどの間、ナチスの否定的な描写を自主検閲したことや、大手スタジオが中国の観客へのアクセスを維持するために、1997年以降、中国またはその与党の否定的な描写を自主検閲したことが挙げられます。^[186]

ネイティブ広告は、古典的なプロパガンダよりも巧妙な方法で説得するように設計された情報です。米国で一般的な現代の例はコパガンダで、テレビ番組が警察を非現実的に美化した描写で表示するもので、ロケ地での撮影を容易にするために機材を借りたり、道路を封鎖するのを手伝ってもらったりする目的もあります。^[187]エンターテインメント業界では、マフィアのゴッドファーザーのイメージを美化するなど、評判洗浄の告発が他にも行われています。 ^[188]

タバコ業界が映画の中で喫煙を推奨するなど、商品の配置も批判の対象となっている。^[189]疾病予防管理センターは、喫煙シーンのある映画に自動的に「R」指定が与えられれば、10代の喫煙者の51%が喫煙を始めないとし、100万人の命が救われるとしている。^[190]

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• アレン・J・スコット（2005）『ハリウッドについて：産業の場所』プリンストン大学出版局
• ロバートソン、パトリック (1988) 『ギネスブック 映画豆知識と偉業』ロンドン: ギネス出版
• アルナブ・ジャン・デカ (1996 年 10 月 27 日)インド映画の父バタウデカールとトーニー、ダイニク・アサム
• Sanjit Narwekar (1995)マラーティー語映画 : 回顧、マハーラーシュトラ映画、ステージ & カルチュラル デベロップメント コーポレーション リミテッド
• フィローズ・ラングーンワラ（1979）インド映画の絵画史、ハムリン出版グループ
• バーキン、ジョーダン。2021年4月25日。「オスカーの夜を楽しめば、アメリカは勝利する」。USAトゥデイ。

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