ミュージカル映画

ミュージカル映画は、登場人物の歌が物語に織り込まれ、時にはダンスが伴う映画のジャンルです。歌は通常、プロットを進めたり、映画の登場人物を発展させたりしますが、場合によっては、単にストーリーラインの切れ目として、手の込んだ「プロダクションナンバー」として機能していることもあります。

ミュージカル映画は、サウンド映画技術の出現後、舞台ミュージカルから自然に発展したものです。一般的に、映画と舞台ミュージカルの最大の違いは、劇場では実現不可能な豪華な背景や場所の使用です。ミュージカル映画には、劇場を彷彿とさせる要素が含まれているのが特徴で、パフォーマーはしばしば、観客がライブで観ているかのように歌やダンスを披露します。パフォーマーがカメラを直接見つめてカメラに向かって演技するため、ある意味では、視聴者は物語の観客になります。

1920年代後半に音声が導入されると、ミュージカルは大衆の間で人気を博し、複数のショーガールを登場させる独特で手の込んだ舞台装置で知られる振付師バスビー・バークリーの映画がその代表例である。これらの豪華な演出は、 『42丁目の恋人たち』 、『黄金探偵』、『フットライト・パレード』（すべて1933年）での彼の振付作品に代表される。1930年代には、フレッド・アステアとジンジャー・ロジャースのミュージカル映画がアメリカ国民の目に巨大な文化的固定資産となった。これらの映画には、『トップ・ハット』（1935年）、『艦隊を追って』、 『スイング・タイム』（ともに1936年）、『踊ろう』（1937年）などがある。ビクター・フレミングの『オズの魔法使い』 （1939年）は、テクニカラーなどの新技術を試

1940年代から1950年代にかけて、MGMミュージカルのミュージカル映画が定期的に初公開されました。これらの作品には、 『セントルイスの恋』（1944年）、『イースター・パレード』（1948年）、 『オン・ザ・タウン』（1949年）、『巴里のアメリカ人』（1951年）、『雨に唄えば』（1952年）、『バンド・ワゴン』（1953年）、『上流社会』（1956年）、『ジジ』（1958年）などがあります。この時期、MGMのアーサー・フリード部門以外で制作された映画には、 『ホリデイ・イン』（1942年）、『ホワイト・クリスマス』（1954年）、『ファニー・フェイス』（1957年）のほか、『オクラホマ!』（1955年）、『王様と私』（1956年）、『回転木馬』、『南太平洋』（1958年）などがあります。当時のこれらの映画は、フレッド・アステア、ジーン・ケリー、ビング・クロスビー、フランク・シナトラ、ジュディ・ガーランド、アン・ミラー、キャスリン・グレイソン、ハワード・キールといった映画スターのスターパワーに頼っていたのが典型的だった。また、スタンリー・ドーネンやヴィンセント・ミネリといった映画監督、そしてコムデンやグリーン、ロジャース＆ハマースタイン、アーヴィング・バーリン、コール・ポーター、ガーシュイン兄弟といった作詞家も頼りにしていた。

1960年代、舞台ミュージカルを基にした映画は批評的にも興行的にも成功を収め続けた。これらの映画には、『ウエスト・サイド物語』（1961年）、『ジプシー』 （ 1962年）、『ミュージックマン』（1962年）、『バイ・バイ・バーディー』（1963年）、『マイ・フェア・レディ』、『メリー・ポピンズ』（ともに1964年）、『サウンド・オブ・ミュージック』（1965年）、『フォーラムへ行く途中で奇妙なことが起こった』 （1966年） 、『努力せずに成功する方法』 （1967年） 、『モダン・ミリー』（すべて1967年）、『オリバー！』、『ファニー・ガール』（ともに1968年）などがある。1970年代には、映画文化と映画ファンの人口構成の変化により、粗野なリアリズムがより重視されるようになり、古典的な時代のハリウッドミュージカルの純粋な娯楽性と演劇性は時代遅れと見なされるようになった。それにもかかわらず、『スクルージ』 （1970年） 、 『チョコレート工場』（1971年）、 『屋根の上のバイオリン弾き』（1971年）、『キャバレー』（1972年）、『1776』（1972年）、ディズニーの『ベッドかざりとほうき』（1971年）、 『ピートとドラゴン』（1977年）、そして『グリース』と『ウィズ』（ともに1978年）は、舞台ショーから厳密に翻案されたより伝統的なミュージカルであり、批評家と観客の間で大成功を収めた。1980年代から1990年代を通じて、ミュージカルは主に当時のディズニーの アニメ映画から、作曲家兼作詞家のハワード・アッシュマン、アラン・メンケン、スティーブン・シュワルツによって作られる傾向にあった。ディズニー・ルネッサンスは1989 年の『リトル・マーメイド』から始まり、その後『美女と野獣』（1991 年）、『アラジン』（1992 年）、『ライオン・キング』（1994 年）、『ポカホンタス』（1995 年）、『ノートルダムの鐘』（1996 年）、『ヘラクレス』（1997 年）、『ムーラン』（1998 年）と続きました。

21 世紀には、ミュージカルのジャンルがよりダークなミュージカル、ミュージカル伝記映画、ミュージカルのリメイク、壮大なドラマミュージカル、コメディドラマミュージカルなどで活性化しました。例としては、『ムーラン ルージュ!』(2001 年)、 『シカゴ』 (2002 年)、『オペラ座の怪人』 (2004 年)、『RENT』 (2005 年)、『ドリームガールズ』 (2006 年)、 『アクロスザ ユニバース』、『魔法にかけられて』、『ヘアスプレー』、『スウィーニー トッド フリート街の悪魔の理髪師』 (すべて 2007 年)、『マンマ ミーア!』 (2008 年)、『ナイン』 (2009 年)、 『マペット』(2011 年)、 『レ ミゼラブル』 ( 2012 年) 、 『イントゥ ザ ウッズ』 (2014 年)、『ラ ラ ランド』 (2016 年) 、 『美女と野獣』 、『グレイテストショーマン』(、アリー/ スター誕生、メリー・ポピンズ リターンズ、ボヘミアン・ラプソディ（すべて2018年）、アラジン、ロケットマン、ライオン・キング（すべて2019年）、イン・ザ・ハイツ、リスペクト、ディア・エヴァン・ハンセン、シラノ、みんなジェイミーの話、ティック、ティック…ブーム！、ウエスト・サイド物語（すべて2021年）、エルビス、千と千尋の神隠し、魔法が解けて、マチルダ ミュージカル（すべて2022年）、リトル・マーメイド、ウォンカ、カラーパープル（すべて2023年）、ミーン・ガールズ、ウィキッド、ライオン・キング ムファサ、ジョーカー2、ア・コンプリート・アンノウン（すべて2024年）。

1930年代から1950年代初頭はミュージカル映画の黄金時代と考えられており、この時代は西洋世界でミュージカル映画の人気が最高潮に達していた。ディズニーの『白雪姫と七人の小人』は、ディズニーの最も初期の長編アニメ映画であり、第11回アカデミー賞でウォルト・ディズニーに名誉アカデミー賞をもたらしたミュージカルである。

ミュージカル短編映画は、1923年から1924年にかけてリー・ド・フォレストによって制作された。1926年以降、何千本ものヴァイタフォン短編映画が制作され、その多くはバンド、ボーカリスト、ダンサーをフィーチャーしていた。同期音声を備えた最初期の長編映画には、俳優がキャラクターを演じている間に流れるサウンドトラックの音楽と時折の効果音のみがあり、サイレント映画とまったく同じように、つまり音声によるセリフはなかった。^[1] ワーナー・ブラザーズが1927年に公開した『ジャズ・シンガー』は、非ディジェティック音楽とディジェティック音楽を含むオーディオトラックを初めて収録した映画だったが、短いセリフのシーケンスのみが含まれていた。この長編映画もミュージカルで、アル・ジョルスンが「Dirty Hands, Dirty Face」、「Toot, Toot, Tootsie」、「Blue Skies」、「My Mammy」を歌っている。歴史家のスコット・アイマンは、「映画が終わり、劇場の照明とともに拍手が大きくなると、サム・ゴールドウィンの妻フランシスは群衆の中にいる有名人を見回した。彼女は、まるで彼らが『何年も続けてきたゲームがついに終わった』と知っているかのようだったと『全員の顔に恐怖の表情』を見た」と書いている。^[2]それでも、生のサウンドが使われたのはほんの一部のシーンだけで、映画の大部分は同期した音楽スコアのみだった。^[1] 1928年、ワーナー・ブラザースはこれに続いてジョルソンの別のパートトーキー『歌うフール』を製作し、大ヒットとなった。^[1]映画館は新しい音響機器の設置に奔走し、ブロードウェイの作曲家を雇ってミュージカルをスクリーンに書かせた。^[3]最初の全編トーキー映画『ニューヨークの灯』には、ナイトクラブでのミュージカルシーンが含まれていた。観客の熱狂は非常に大きく、1年も経たないうちにすべての大手スタジオがサウンド付き映画を独占的に製作するようになった。ブロードウェイ・メロディ（1929年）は、魅力的な歌と踊りの男性をめぐって争う2人の姉妹というショービジネスのストーリーである。MGM社が「しゃべりまくって、歌って、踊って」初の長編映画として宣伝したこの映画はヒットし、 1929年のアカデミー賞最優秀作品賞を受賞した。スタジオは、ブロードウェイのヒット作を豪華に映画化するために舞台から才能ある人材を急いで雇った。パラマウントの「ラブ・パレード」（1929年）は、モーリス・シュヴァリエと新人のジャネット・マクドナルドが主演し、ブロードウェイのベテラン、ガイ・ボルトンが脚本を書いた。^[3]

ワーナー・ブラザーズは、1929年に初の映画オペレッタ『砂漠の歌』を製作しました。彼らは費用を惜しまず、映画の大部分をテクニカラーで撮影しました。その後、初の全編カラー、全編トーキーのミュージカル映画『オン・ウィズ・ザ・ショー』（1929年）が製作されました。1929年で最も人気を博した映画は、2作目の全編カラー、全編トーキーの映画『ブロードウェイの黄金採掘者』（1929年）でした。この映画は興行成績の記録を塗り替え、1939年まで史上最高の興行収入を記録しました。突然、市場はミュージカル、レビュー、オペレッタで溢れかえるようになりました。 1929年と1930年だけでも、以下の全色ミュージカルが製作された：『ハリウッド・レビュー・オブ・1929』（1929年）、『ショー・オブ・ショー』（1929年）、『サリー』（1929年）、『バガボンド・キング』（1930年）、『フォロー・スルー』 （1930年）、 『ブライト・ライツ』 （1930年） 、 『ゴールデン・ドーン』（1930年）、『ホールド・エヴリシング』（1930年）、『ローグ・ソング』（1930年） 、 『ソング・オブ・ザ・フレイム』（1930年）、『ソング・オブ・ザ・ウェスト』（1930年）、『スウィート・キティ・ベラーズ』（1930年）、 『アンダー・ア・テキサス・ムーン』（1930年）、 『ブライド・オブ・ザ・レジメント』（1930年）、『ウーピー！』（1930年）、『キング・オブ・ジャズ』（1930年）、『ウィーンの夜』（1930年）、『キス・ミー・アゲイン』（1930年）。さらに、カラーシーケンスで公開されたミュージカル映画が多数あった。

ハリウッドでは1930年に100本以上のミュージカル映画が公開されたが、1931年にはわずか14本だった。 ^[4] 1930年後半までには、観客はミュージカルに飽き飽きしており、スタジオは当時公開されていた映画から音楽をカットせざるを得なくなった。例えば、『ライフ・オブ・ザ・パーティ』（1930年）は、もともと全編カラーで全編トーキーのミュージカル・コメディとして製作された。しかし、公開前に歌がカットされた。同じことが、『五千万のフランス人』（1931年）と『マンハッタン・パレード』 （1932年）にも起こった。どちらも全編テクニカラーで撮影されていた。マレーネ・ディートリッヒは映画の中で歌をうまく歌い、ロジャースとハートは数本の好評の映画を書いたが、1932年までにはそれらの人気も衰えていた。 ^[4]大衆はすぐにカラー映画とミュージカルを結びつけるようになり、ミュージカル人気の低下はカラー作品の衰退にもつながった。

ミュージカルへの嗜好が再び復活したのは1933年、監督のバスビー・バークレーが、第一次世界大戦中に兵士として経験した訓練の正確さから得たアイデアを伝統的なダンスナンバーに取り入れ始めたときだった。『 42番街』や『黄金の探鉱者』 （1933年）などの映画で、バークレーは独自のスタイルで多くの映画の振付を手がけた。バークレーのナンバーは通常、舞台で始まるが、徐々に劇場空間の限界を超えていく。人間の体が万華鏡のように模様を形成する独創的なルーチンは実際の舞台には決して収まらず、意図された視点は真上から見たものだった。^[5]

フレッド・アステアやジンジャー・ロジャースなどのミュージカルスターは、古典時代のハリウッドで最も人気があり、尊敬されていた人物の一人です。フレッドとジンジャーのペアは特に成功し、トップ・ハット（1935年）やスイング・タイム（1936年）やシャル・ウィ・ダンス（1937年）など、数多くの名作映画を生み出しました。多くのドラマ俳優は、型にはまった役柄から抜け出す方法として、喜んでミュージカルに参加しました。たとえば、多才なジェームズ・キャグニーは、もともと舞台歌手やダンサーとして名声を博していましたが、「タフガイ」役やギャング映画に何度も出演したため、その才能を発揮する機会はほとんどありませんでした。キャグニーは、ヤンキー・ドゥードゥル・ダンディ（1942年）でオスカー賞を受賞し、歌とダンスを披露しました。キャグニーは、それが人生最高の瞬間の1つだと考えています。

多くのコメディ (およびいくつかのドラマ) には、独自のミュージカル ナンバーが含まれています。マルクス兄弟の映画では、ほぼすべての映画にミュージカル ナンバーが含まれており、兄弟は音楽の才能をアピールすることができました。最後の映画である「ラブ ハッピー」 (1949 年) には、半世紀にわたって同僚やプロの間で最高のダンサーとみなされていたヴェラ エレンが出演しています。

同様に、ヴォードヴィリアンのコメディアンであるWCフィールズは、パラマウント映画のミュージカルアンソロジー「The Big Broadcast of 1938」で、喜劇女優のマーサ・レイと若手コメディアンのボブ・ホープと共演した。この映画では、キルステン・フラグスタッド（ノルウェーのオペラソプラノ）、ウィルフレッド・ペルティエ（メトロポリタン歌劇場管弦楽団のカナダ人指揮者）、ティト・グイザール（メキシコのテノール）、リップリング・リズム・ジャズ・オーケストラを指揮するシェップ・フィールズ、ジョン・セリー・シニア（イタリア系アメリカ人コンサートアコーディオン奏者）など、国際的に認められた^{ミュージシャンの才能も披露された。[6]}この映画は、アカデミー賞最優秀主題歌賞（1938年）に加え、ボブ・ホープの代表曲「 Thanks for the Memory 」でASCAP映画テレビ賞（1989年）も受賞した。^[7]

1940年代後半から1950年代前半にかけて、アーサー・フリード率いるメトロ・ゴールドウィン・メイヤーの製作部門は、決まりきった形式となっていた旧式のミュージカル映画から新しいものへと転換を図った。(しかし、彼らは1930年代に撮影された『ショウボート』などのミュージカルのテクニカラーリメイクも製作した。) 1939年、フリードは映画『ベイブス・イン・アームズ』の共同製作者として雇われた。1944年の『セントルイスで会いましょう』を皮切りに、フリード部門は独自のスタジオからある程度独立して、このジャンルで最も人気がありよく知られた作品のいくつかを製作した。この部門の作品には、『イースター・パレード』 (1948年)、『オン・ザ・タウン』 (1949年)、『巴里のアメリカ人』 (1951年)、『雨に唄えば』 (1952年)、『バンド・ワゴン』 (1953年)、『ジジ』 (1958年)などがある。このスタジオが制作したフリード作品以外のミュージカルには、1954年の『七人の花嫁 七人兄弟』や1956年の『上流社会』があり、 1955年にはサミュエル・ゴールドウィンの『ガイズ・アンド・ドールズ』を配給した。

この時代は、ジュディ・ガーランド、ジーン・ケリー、アン・ミラー、ドナルド・オコナー、シド・チャリシー、ミッキー・ルーニー、ヴェラ・エレン、ジェーン・パウエル、ハワード・キール、キャサリン・グレイソンなど、ミュージカルスターが有名になった時代です。フレッド・アステアもイースター・パレードのために引退から呼び戻され、完全復帰を果たしました。

他のハリウッドスタジオも、この時期、特に 1950 年代に、このジャンルへの取り組みにおいて同様に熟練していることを証明しました。ロジャース & ハマースタインのショーの映画化作品 4 本 (『オクラホマ!』、『王様と私』、『回転木馬』、『南太平洋』 ) はすべて成功し、パラマウント映画は『ホワイト・クリスマス』と『ファニー・フェイス』を公開しました。これらの 2 つの映画では、それぞれアーヴィング・バーリンとガーシュイン兄弟が以前に書いた音楽が使用されています。ワーナー・ブラザースは『カラミティ・ジェーン』と『アリー/ スター誕生』を制作しました。前者はドリス・デイの主演映画であり、後者は 1950 年以来脚光を浴びていなかったジュディ・ガーランドのスクリーン復帰作でした。一方、「メッセージ映画」でよく知られる監督のオットー・プレミンジャーは『カルメン・ジョーンズ』と『ポーギーとベス』を制作しました。著名な監督ハワード・ホークスも『紳士は金髪がお好き』でこのジャンルに進出した。

1960 年代、1970 年代、そして今日に至るまで、ミュージカル映画は、確実にヒットするジャンルとして期待できるものではなくなっていきました。ミュージカル映画が主流ではなくなり、より専門的になったため、ミュージカル映画の観客は減り、製作本数も減少しました。

1960年代には、『ウエスト・サイド物語』、 『ジプシー』 、 『ミュージックマン』、『バイ・バイ・バーディー』、『マイ・フェア・レディ』、『メリー・ポピンズ』、『サウンド・オブ・ミュージック』 、『フォーラムへ行く途中に不思議なことが起こった』、『ジャングル・ブック』、『モダン・ミリー』、『オリバー！』、 『ファニー・ガール』などの映画が批評的にも興行的にも成功し、伝統的なミュージカルが健全な状態にあることを示唆した。一方、フランスの映画監督ジャック・ドゥミのジャズ・ミュージカル、『シェルブールの雨傘』や『ロシュフォールの恋人たち』は国際的な批評家に人気があった。しかし、大衆音楽の嗜好はロックンロールとそれに伴う自由と若さに大きく影響され、実際エルヴィス・プレスリーは形式の点で昔のミュージカルと同等とされる映画を数本作った。ビートルズ主演の『ハード・デイズ・ナイト』や『ヘルプ！』は大胆だった。 『オクラホマ!』や『サウンド・オブ・ミュージック』など、1950 年代と 1960 年代のミュージカル映画のほとんどは、成功した舞台作品をそのまま翻案または再演したものです。映画用に特別に制作された 1960 年代の最も成功したミュージカルは、『メリー・ポピンズ』と『ジャングル・ブック』で、これらはディズニー史上最大のヒット作の 2 つです。

『サウンド・オブ・ミュージック』の驚異的な興行成績により、ハリウッドの大手スタジオは長編の大規模予算ミュージカルを製作する自信を深めた。これらの映画のいくつかが大成功を収めたにもかかわらず、ハリウッドは1960年代後半から1970年代前半にかけて、大衆の嗜好を大きく見誤ったと思われるミュージカルの失敗作も多数製作した。商業的および/または批評的に失敗した映画には、『キャメロット』 、『フィニアンの虹』、『ハロー・ドリー!』、『スイート・チャリティ』、『ドクター・ドリトル』、 『ハーフ・ア・シックスペンス』、『ハッピー・ミリオネア』 、『スター!』、『ダーリン・リリ』、 『グッバイ、ミスター・チップス』、『ペイント・ユア・ワゴン』、『ノルウェーの歌』、『晴れた日には永遠が見える』、『1776』、『ラ・マンチャの男』、『失われた地平線』 、および『メイム』がある。これらの失敗は全体としても個別にも、いくつかの大手スタジオの財政的存続に影響を及ぼした。

1970年代、映画文化と映画ファンの人口構成の変化により、リアルな描写がより重視されるようになり、古典時代のハリウッドミュージカルの純粋な娯楽性と演劇性は時代遅れとみなされるようになった。それにもかかわらず、『屋根の上のバイオリン弾き』と『キャバレー』は舞台ショーを忠実に翻案したより伝統的なミュージカルであり、批評家と観客の間で大成功を収めた。文化的慣習の変化と1968年のヘイズコードの廃止も、映画観客の嗜好の変化に貢献した。1973年のアンドリュー・ロイド・ウェバーとティム・ライスの映画『ジーザス・クライスト・スーパースター』は、宗教団体から批判を受けたが、好評を博した。1970年代半ばまでに、映画製作者はこのジャンルを避け、代わりに人気のロックバンドやポップバンドの音楽をBGMとして使用するようになった。これは、サウンドトラックアルバムをファンに販売することを期待していたこともあった。『ロッキー・ホラー・ショー』は1975年に公開され、批評家からは大失敗に終わったが、 1980年代に深夜上映が開始され、カルト的な人気を獲得した。同年にはR&Bバンド、ブラッドストーンの映画『トレイン・ライド・トゥ・ハリウッド』も初公開されたが、配給の問題でかろうじて劇場公開されただけだった。^[8] 1976年には、低予算のコメディミュージカル『ファースト・ヌーディー・ミュージカル』がパラマウントから公開された。1978年の映画版『グリース』は大ヒットとなり、その楽曲は1950年代のポップスタイルでオリジナル作曲された。しかし、続編の『グリース2』 （1982年公開）は興行的に大失敗だった。『レディ・シングス・ザ・ブルース』『オール・ザット・ジャズ』 『ニューヨーク、ニューヨーク』など、ストーリーの一部として織り交ぜた骨太なドラマとミュージカルナンバーを組み込んだパフォーマー映画が製作された。イギリスで制作されたいくつかのミュージカルでは、リチャード・アッテンボローの『ああ、なんて素敵な戦争』（1969年公開）、アラン・パーカーの『バグジー・マローン』、ケン・ラッセルの『トミーとリストマニア』など、この形式を実験的に採用した。

ミュージカルの全盛期に比べると興行的にも批評的にも成功しなかったミュージカル映画は数多く製作され続けた。それらには、『1776』、『ウィズ』、『アット・ロング・ラスト・ラブ』 、『メイム』 、『マン・オブ・ラ・マンチャ』、『ロスト・ホライズン』 、 『ゴッドスペル』 、『ファントム・オブ・パラダイス』 、『ファニー・レディ』（バーブラ・ストライサンドの『ファニー・ガール』の続編）、 『リトル・ナイト・ミュージック』 、『ヘアー』などがある。特に『アット・ロング・ラスト・ラブ』に対する批評家の怒りは強く、家庭用ビデオでは発売されなかった。ファンタジー・ミュージカル映画『スクルージ』、『青い鳥』、 『星の王子さま』 、『チョコレート工場とウィリー・ウォンカ』、『ピートとドラゴン』、ディズニーの『ベッドかざりとほうき』も1970年代に公開され、後者はアカデミー視覚効果賞を受賞した。

1980年代までには、ブロードウェイやロンドンのウエストエンドでのミュージカルの比較的好調さに支えられ、投資家たちはミュージカルというジャンルにますます自信を深めていった。1980年代と1990年代に制作された作品には、『アップル』、 『ザナドゥ』、『ブルース・ブラザーズ』、『アニー』、『モンティ・パイソンの人生』、『テキサスの売春宿』、『ビクター/ビクトリア』、『フットルース』 、『ファスト・フォワード』 、『コーラスライン』、『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、『禁断のゾーン』、 『アブソリュート・ビギナーズ』、『ラビリンス/魔王の迷宮』 、『ニュージーズ』、『エビータ』、『みんな大好き』などがある。しかし、ヴィレッジ・ピープル主演の『キャント・ストップ・ザ・ミュージック』は、古いスタイルのミュージカルを復活させようとする悲惨な試みであり、1980年に公開されたが観客の無関心に終わった。『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』は、1960年のロジャー・コーマン映画をオフブロードウェイでミュージカル化した作品に基づいており、これは『プロデューサーズ』を含む、後の映画から舞台、そして映画への翻案の先駆けとなった。

この時期の多くのアニメ映画（主にディズニー作品）には、伝統的なミュージカルナンバーが含まれていた。ハワード・アッシュマン、アラン・メンケン、スティーブン・シュワルツはミュージカル劇場での経験があり、この時期にアニメ映画の曲を書き、ディズニーの主力作品であるシャーマン兄弟に取って代わった。1989年の『リトル・マーメイド』に始まるディズニー・ルネッサンスは、ミュージカル映画に新たな命を吹き込んだ。他の成功したアニメミュージカルには、ディズニー本家の『アラジン』、『ノートルダムの鐘』、 『ポカホンタス』、ディズニー部門のタッチストーン・ピクチャーズの『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』、ドリームワークスの『プリンス・オブ・エジプト』、フォックスとドン・ブルースの『アナスタシア』、コロンビアの『エイト・クレイジー・ナイツ』、パラマウントの『サウスパーク：ビガー、ロンガー＆アンカット』などがある。 『美女と野獣』、『ライオン・キング』などは、大ヒット後に舞台化

21世紀には、ミュージカル映画は、よりダークなミュージカル、ミュージカル伝記映画、壮大なドラマミュージカル、コメディドラマミュージカルに生まれ変わりました。例えば、『オー・ブラザー、どこへ行くの?』、『ムーラン・ルージュ!』、 『シカゴ』、『ウォーク・ザ・ライン/君につづく道』 ​​、『ドリームガールズ』、『スウィーニー・トッド フリート街の悪魔の理髪師』、『レ・ミゼラブル』、 『ラ・ラ・ランド』、『ウエスト・サイド物語』などです。これらはすべて、それぞれの年にゴールデングローブ賞のミュージカル・コメディ部門で最優秀作品賞を受賞しましたが、一方で、 『オペラ座の怪人』、『ヘアスプレー』、『マンマ・ミーア!』、『ナイン/永遠の007』 、 『イントゥ・ザ・ウッズ』 、 『グレイテスト・ショーマン』、『メリー・ポピンズ リターンズ』、『ロケットマン』 、『シラノ』、『ティック、ティック...ブーム!』、『エルビス』、『カラーパープル』などの映画はノミネートされただけです。シカゴは、 『オリバー!』以来、アカデミー賞で最優秀作品賞を受賞した 最初のミュージカルでもあります。

ジョシュア・オッペンハイマーのアカデミー賞ノミネートドキュメンタリー『アクト・オブ・キリング』はノンフィクションミュージカルと言えるかもしれない。^[9]

具体的な音楽のトレンドとして、さまざまなポップ/ロック アーティストの音楽をベースにしたジュークボックス ミュージカルが映画館で上映される回数が増えたことが挙げられます。その中にはブロードウェイのショーをベースにした作品もあります。ブロードウェイをベースにしたジュークボックス ミュージカル映画の例としては、「マンマ ミーア!」 ( ABBA )、「ロック オブ エイジズ」 、「サンシャイン オン リース」 ( The Proclaimers ) などがあります。オリジナルの作品としては、「アクロス ザ ユニバース」 ( The Beatles )、「ムーラン ルージュ」 (さまざまなポップ ヒット曲)、「アイドルワイルド」 ( Outkast )、「イエスタデイ」 ( The Beatles ) などがあります。

ディズニーはまた、『魔法にかけられて』、『プリンセスと魔法のキス』、『塔の上のラプンツェル』、 『くまのプーさん』 、『マペット』、『アナと雪の女王』 、『マペットの大冒険』、『イントゥ・ザ・ウッズ』、『モアナと伝説の海』、『アナと雪の女王2 』、 『エンカント』、 『魔法が解けて』 、『ウィッシュ』、 『モアナと伝説の海』、そして『ライオン・キングムファサ』でミュージカルにも復帰した。ディズニーは、自社のアニメ作品の実写ファンタジー化で一連の成功を収めた後、 『美女と野獣』の実写版を制作した。これは実写ファンタジー化パックの完全ミュージカルとしては初のもので、ガストンのナンバーとタイトル曲のリプライズの両方に新曲と新歌詞が加えられている。 『ドリームガールズ』の監督ビル・コンドンが『美女と野獣』の監督を務めた。この実写ファンタジー化パックの完全ミュージカルとしては2作目の映画は『アラジン』で、新曲が使用されている。この実写ファンタジー映画化パックの3作目は、完全ミュージカルとなった『ライオン・キング』で、新曲がフィーチャーされている。この実写ファンタジー映画化パックの4作目は、完全ミュージカルとなった『リトル・マーメイド』で、アッシュマンに代わってリン＝マニュエル・ミランダが作詞した新曲がフィーチャーされている。ピクサーはまた、同社初のコンピュータアニメーションミュージカル映画『リメンバー・ミー』を制作した。その他のアニメーションミュージカル映画には、 『リオ』、『ロラックスおじさんの秘密の部屋』 、『リオ2』 、『ブック・オブ・ライフ』、『トロールズ』、『シング』、『マイリトルポニー：ザ・ムービー』、 『スモールフット』、 『アグリードールズ』、『トロールズ・ワールドツアー』、『オーバー・ザ・ムーン』、『Vivo』、『シング2』、『ボブズ・バーガーズ ザ・ムービー』、 『アンダー・ザ・ボードウォーク』 、『トロールズ・バンド・トゥゲザー』 、『レオ』、『テルマ』、『魔法の呪文で心が弾む』などがある。

音楽アーティストや芸能人の伝記映画も 21 世紀には人気がありました。例としては、「8 Mile 」 （エミネム）、「Ray」（レイ・チャールズ）、 「ウォーク・ザ・ライン」 （ジョニー・キャッシュとジューン・カーター）、「La Vie en Rose」（エディット・ピアフ）、「Notorious」（ビギー・スモールズ）、「Jersey Boys」（フォー・シーズンズ） 、 「Love & Mercy」（ブライアン・ウィルソン）、「CrazySexyCool: The TLC Story」（TLC）、「Aaliyah: The Princess of R&B」（アリーヤ）、「Get on Up」（ジェームス・ブラウン）、「Whitney and I Wanna Dance With Somebody」（ホイットニー・ヒューストン）、「Straight Outta Compton」（NWA）、「The Greatest Showman」（P.T.バーナム）、「Bohemian Rhapsody」（フレディ・マーキュリー）、「The Dirt」（モトリー・クルー） 、「 Judy」（ジュディ・ガーランド）、「Rocketman」（エルトン・ジョン）、「Respect」（アレサ・フランクリン）、 「 Elvis」（エルビス・プレスリー）などが挙げられます。興行収入9億ドルを超える『ボヘミアン・ラプソディ』は、最も商業的に成功したミュージカル伝記映画である。^[10]

デイミアン・チャゼル監督は、ライアン・ゴズリングとエマ・ストーン主演で『ラ・ラ・ランド』というミュージカル映画を制作した。ハリウッド黄金時代とジャック・ドゥミのフランスミュージカルから影響を受けた伝統的なジャズスタイルの歌曲を再導入しつつ、現代風にアレンジしたストーリーとキャラクターを、ファンタジーと現実のバランスの取れた楽曲で表現した作品である。第89回アカデミー賞では14部門にノミネートされ、 『イヴの総て』（1950年）や『タイタニック』 （1997年）と並んで最多ノミネート記録となり、監督賞、主演女優賞、撮影賞、作曲賞、主題歌賞、美術賞を受賞した。

2013年、NBCはライブエンターテイメントイベントの拡大の一環としてサウンド・オブ・ミュージック・ライブ！を制作しました。これは、舞台ミュージカルを翻案し、特にライブテレビイベントとして制作するという毎年の伝統となりました。次の年にはピーターパン・ライブ！、ウィズ・ライブ！、ヘアスプレー・ライブ！ 、ジーザス・クライスト・スーパースター・ライブ！、ドクター・スースのグリンチ・ミュージカル・ライブ！、アニー・ライブ！が放送されました。ABCとFoxも、グリース・ライブ！、クリスマス・ストーリー・ライブ！、レント：ライブ、リトル・マーメイド・ライブ！など、同様のイベントを制作しました。^[11]

ミュージカル映画の衰退の例外はインド映画、特にムンバイ（旧ボンベイ）を拠点とするボリウッド映画産業であり、そこではほとんどの映画がミュージカルであり、現在もそうである。チェンナイ（旧マドラス）を拠点とするタミル映画産業、バンガロールを拠点とするサンダルウッド映画産業、ハイデラバードを拠点とするテルグ映画産業、マラヤーラム映画産業で製作される映画の大半もミュージカルである。

ほぼすべてのインド映画がミュージカルであり、インドが世界で最も多くの映画を製作している（1913年に設立）という例外にもかかわらず、完全なミュージカルである最初のボリウッド映画は2009年の『 Dev D』 （アヌラーグ・カシヤップ監督）でした。それに続く2番目のミュージカル映画は2017年の『 Jagga Jasoos』 （アヌラーグ・バスー監督）でした。

ボリウッドミュージカルは、インドの伝統的なミュージカル劇場、例えばインド古典ミュージカル、サンスクリット演劇、パールシー演劇などにそのルーツを持っています。初期のボンベイ映画製作者は、これらのインドのミュージカル劇場の伝統と、初期のハリウッドトーキー映画から生まれたミュージカル映画の形式を融合させました。^[12]ボンベイ映画製作者に初期に影響を与えたものには、ウルドゥー文学やアラビアンナイトなどがあります。^[13]

インド初のトーキー映画であるアルデシール・イラニ監督の『アラム・アラ』（1931年）は、商業的に大成功を収めた。^[14]トーキーやミュージカルの市場は明らかに巨大であり、ボリウッドや地域の映画産業はすぐにトーキー撮影に切り替えた。

1937年、アラム・アラで有名なアルデシル・イラニは、ヒンディー語で最初のカラー映画「キサン・カニャ」を制作しました。翌年、彼は「マザー・インディア」のカラー版を制作しました。しかし、カラー映画が人気を博したのは1950年代後半になってからでした。当時、映画館では豪華でロマンチックなミュージカルやメロドラマが主流でした。

インドの独立後、1940年代後半から1960年代前半までの期間は、映画史家によってヒンディー語映画の「黄金時代」とみなされています。^{[15] [16] [17]}ヒンディー語映画史上最も批評家から高い評価を受けた作品のいくつかは、この時期に制作されました。例としては、グル・ダット監督、アブラー・アルヴィ脚本の『Pyaasa』（1957年）と『Kaagaz Ke Phool』 （1959年） 、ラージ・カプール監督、クワジャ・アフマド・アッバス脚本の『 Awaara』（1951年）と『Shree 420』 （1955年）、メーブー・カーン監督、ディリップ・クマール主演の『 Aan』（1952年）などがあります。これらの映画は、主にインドの労働者階級の生活、特に前2作では都市生活に関する社会的テーマを表現していました。アワアラは都市を悪夢と夢の両方として表現し、一方、ピアサは都市生活の非現実性を批判した。^[18]

メーブーブ・カーンの『マザー・インディア』（1957年）は、彼の以前の作品『オーラット』（1940年）のリメイクであり、アカデミー外国語映画賞にノミネートされた最初のインド映画であったが、わずか1票差で敗れた。^[19] 『マザー・インディア』は、数十年にわたってヒンディー語映画の慣習を定義した重要な映画でもあった。^{[20] [21] [22]}

1960年代から1970年代初頭にかけて、映画業界は「ロマンチックなヒーロー」を主役にしたミュージカル・ロマンス映画が主流で、最も人気があったのはラージェシュ・カーンナだった。^[23]この時期の他の俳優には、シャーミ・カプール、ジーテンドラ、サンジーヴ・クマール、シャシ・カプール、女優にはシャーミラ・タゴール、ムムターズ、サイラ・バーヌ、ヘレン、アーシャ・パレクなどがいた。

1970年代初頭までに、ヒンディー語映画はテーマの停滞を経験しており、^{[24]ミュージカル}ロマンス映画が主流でした。^[23]サリム・カーンとジャヴェド・アクタルからなる脚本家デュオ、サリム・ジャヴェドの登場はパラダイムシフトを示し、業界を活性化させました。^{[24]彼らは1970年代初頭に、}ザンジール（1973年）やディーワール（1975年）などの映画で、粗野で暴力的なボンベイの裏社会の犯罪映画のジャンルを開始しました。^{[25] [26]}

1970年代は、「ボリウッド」という名前が作られた時期でもあり、^{[27] [28]}、商業的なボリウッド映画の典型的な慣習が確立された時期でもありました。[ ^29]その鍵となったのは、複数のジャンル（アクション、コメディ、ロマンス、ドラマ、メロドラマ、ミュージカル）の要素を組み合わせたマサラ映画というジャンルの出現でした。マサラ映画は、1970年代初頭に映画監督のナシル・フセイン^[30]と脚本家デュオのサリム・ジャヴェド^[29]によって開拓され、ボリウッドの大ヒット映画のフォーマットを開拓しました。^{[29]フセインが監督し、サリム・ジャヴェドが脚本を書いた}「Yaadon Ki Baarat」（1973年）は、最初のマサラ映画であり、「最初の」典型的な「ボリウッド」映画であるとされています。^{[31] [29]}サリム・ジャヴェドは1970年代と1980年代にさらに成功したマサラ映画の脚本を書き続けた。^[29]マサラ映画はアミターブ・バッチャンを1970年代と1980年代の最大のボリウッド映画スターに押し上げた。マサラ映画のジャンルのランドマークはマンモハン・デサイ監督、カデル・カーン脚本の『アマル・アクバル・アンソニー』（1977年）^{[32] [31] で}ある。マンモハン・デサイは1970年代と1980年代にこのジャンルを成功裏に開拓した。

バッチャンのほかに、この時代の他の人気俳優には、フェロス・カーン、ミトゥーン・チャクラボルティ、ナシールディン・シャー、ジャッキー・シュロフ、サンジェイ・ダット、アニル^・ カプール、サニー・ディオルなどがいた。この時代の女優には、ヘマ マリーニ、ジャヤ バッチャン、ラーキー、シャバナアズミ、ジーナート アマン、パルヴィーン バビ、レカ、ディンプル カパディア、スミタパティル、ジャヤプラダ、パドミニ コルハピュアなどが含まれます。^[34]

1980年代後半、ヒンディー語映画は再び停滞期を迎え、暴力シーンの増加、音楽の旋律の質の低下、ビデオの著作権侵害の増加により興行収入が減少し、中流階級の家族連れの観客が映画館から離れるようになった。転機となったのは、マンスール・カーンが監督し、父親のナシル・フセインが脚本とプロデュースを手掛け、従兄弟のアーミル・カーンとジュヒ・チャウラーが主演した『 Qayamat Se Qayamat Tak』 （1988年）だった。若々しさ、健全な娯楽性、感情の豊かさ、力強いメロディーが融合したこの映画は、家族連れの観客を再び映画館へと引き戻した。^{[35] [36]}この映画は、1990年代のヒンディー語映画を特徴づけるボリウッドのミュージカル・ロマンス映画の新たなテンプレートとなった。^[36]

1990年代以降のヒンディー語映画の時代は「ニュー・ボリウッド」映画と呼ばれ、1990年代初頭のインドの経済自由化と関連している^[37] 。 1990年代初頭までに振り子は家族中心のロマンチックなミュージカルへと戻った^{[38] 。} Qayamat Se Qayamat Tak の後には、Maine Pyar Kiya (1989)、Chandni (1989)、Hum Aapke Hain Kaun (1994)、Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995)、Raja Hindustani (1996)、 Dil To Pagal Hai (1997) などの大ヒット作が続きました。 ）、ピアー・トゥ・ホナ・ヒ・ター（1998）そしてクッチ・クッチ・ホタ・ハイ（1998）。アーミル・カーン、アディティヤ・パンチョリ、アジャイ・デヴガン、アクシャイ・クマール、サルマン・カーン（サリム・カーンの息子）、シャールク・カーンなどの新世代の人気俳優や、マドゥリ・ディクシット、シュリデヴィ、ジュヒ・チャウラ、ミーナクシ・セシャドリ、マニシャなどの女優が台頭した。コイララ、カジョール、カリスマ・カプール。^[34]

1990年代以降、ボリウッド映画界の三大スターは「スリー・カーン」と呼ばれている。アーミル・カーン、シャー・ルク・カーン、サルマン・カーンの3人である。^{[39] [40]彼らは合わせて、}ボリウッド映画興行収入トップ10のほとんどに出演している。3人のカーンは1980年代後半から成功を収めており、^{[39] 1990}年代以降は30年にわたってインドの興行収入を独占してきた。^[42]

バズ・ラーマンは、彼のヒットミュージカル映画『ムーラン・ルージュ!』（2001年）はボリウッドミュージカルから直接インスピレーションを受けたと述べた。^[43]この映画はインドに敬意を表しており、インドをテーマにした演劇とボリウッドスタイルのダンスシーケンスを映画『チャイナ・ゲート』の曲に合わせて取り入れている。 『ムーラン・ルージュ!』が批評的にも興行的にも成功したことで、当時衰退しつつあった西部劇のライブアクションミュージカルのジャンルへの関心が再燃し、その後『シカゴ』、『プロデューサーズ』、『レント』、『ドリームガールズ』、『ヘアスプレー』などの映画が製作され、このジャンルのルネッサンスを牽引した。^[44]

『ザ・グル』と『40歳の童貞男』にもインド風の歌と踊りのシーンが盛り込まれている。ボリウッドミュージカル『ラガーン』（2001年）はアカデミー外国語映画賞にノミネートされた。他の2本のボリウッド映画『デーヴダス』（2002年）と『ラン・デ・バサンティ』 （2006年）は英国アカデミー賞英語圏以外の映画賞にノミネートされた。ダニー・ボイル監督のアカデミー賞受賞作『スラムドッグ・ミリオネア』（2008年）でも映画のエンドクレジットにボリウッド風の歌と踊りのナンバーが盛り込まれている。『タリカ』（2022年）はマハラジャが作曲した音楽のジャンルが最も多かった最初の映画であり、音楽の世界記録保持者として登録されている。 ^[45]

スペインには、ハリウッドの影響とは無関係に作られたミュージカル映画の歴史と伝統がある。最初の映画は、 1930年代のスペイン第二共和政とトーキー映画の出現の時期に生まれた。無声映画の時代には、サルスエラ（スペインのオペレッタ）がいくつか脚本化されたこともあった。スペインのミュージカルの始まりは、アンダルシア地方の村や風景、ジプシー、「バンドレロ」、コプラ、その他の人気の民謡がストーリー展開に組み込まれるなど、ロマンチックなスペインの原型に焦点を当てていた。これらの映画は、スペインでのハリウッド初公開よりも興行的に成功した。最初のスペイン映画スターは、ミュージカルのジャンルから生まれた。インペリオ・アルヘンティーナ、エストレリータ・カストロ、フロリアン・レイ（監督）、後にローラ・フローレス、サラ・モンティエル、カルメン・セビリア。スペインのミュージカルは拡大し、成長し始めた。若いスターが登場し、興行収入のトップに立つようになった。マリソル、ホセリート、ピリ＆ミリ、ロシオ・ドゥルカルは、1960年代から1970年代にかけてのミュージカル映画の主要人物でした。スペインの民主主義への移行と「モビーダ文化」の台頭により、ミュージカルのジャンルは制作と興行収入で衰退しましたが、カルロス・サウラと彼のフラメンコミュージカル映画によってのみ救われました。

ハリウッドやボリウッドのミュージカル映画は現実逃避として一般に認識されていたが、ソ連のミュージカルは何よりもまずプロパガンダの一形態だった。ウラジーミル・レーニンは映画は「芸術の中で最も重要なもの」だと述べた。その後継者であるヨシフ・スターリンも、共産党の教義を効果的に広める上での映画の力を認識していた。1920年代には映画は広く普及していたが、ソ連の映画鑑賞市場を支配していたのは外国映画だった。ドイツや米国の映画は、ソ連の監督セルゲイ・エイゼンシュテインの時代劇よりも面白かった。^[46] 1930年代までには、ソ連映画が西側諸国の映画と競争するためには、観客が求めているもの、つまりハリウッドから得られる魅力と幻想を提供しなければならないことは明らかだった。^[47]当時登場したミュージカル映画は、娯楽と公式イデオロギーの理想的な組み合わせを体現していた。

笑いそのものと、明確なイデオロギー的メッセージを伴う娯楽との間の葛藤が、1930年代から1940年代のソビエトミュージカルの黄金時代を特徴づけることになった。当時の映画産業の責任者ボリス・シュミャツキーは、ハリウッドのベルトコンベア方式の製作を模倣しようとし、ソビエト版ハリウッドの設立を示唆するほどだった。^[48]

1930年、ソ連の高名な映画監督セルゲイ・エイゼンシュテインは、同僚の監督グリゴリー・アレクサンドロフとともにハリウッドの映画製作工程を学ぶために米国へ渡った。アメリカ映画、特にミュージカルはアレクサンドロフに大きな影響を与えた。^[49]彼は1932年に帰国し、1934年にソ連初のミュージカル『陽気な仲間たち』を監督した。この映画はストーリーが薄く、コメディとミュージカルナンバーに重点が置かれていた。党幹部は当初この映画に非常に敵意を持って接した。アレクサンドロフは笑いのための笑いという考えを主張して自分の作品を擁護した。^[50]最終的に、アレクサンドロフがこの映画をスターリンに見せると、指導者はミュージカルがプロパガンダを広める効果的な手段であると判断した。集団労働の重要性や貧困から富裕層になる物語などのメッセージは、ほとんどのソ連ミュージカルのストーリーとなった。

『陽気な仲間たち』の成功により、ソ連映画界でミュージカルという形式が定着したが、シュミャツキーはすぐに映画が共産主義的価値観を推進するよう厳しいガイドラインを設定した。シュミャツキーの布告「百万人のための映画」は、社会主義リアリズム（産業と労働者階級の賛美）を映画でうまく描くために、従来の筋書き、登場人物、モンタージュを要求した。^[51]

社会的メッセージと娯楽を融合させた最初の成功作は、アレクサンドロフのサーカス（1936年）である。この作品では、アレクサンドロフの妻、リュボフ・オルロワ（オペラ歌手で、映画「陽気な仲間たち」にも出演）が、黒人男性との間にもうけた混血児のために米国からソ連に移住しなくてはならないアメリカ人サーカス芸人として主演している。豪華なミュージカルを背景に、彼女は最終的にソ連で愛と受容を見つけ、人種的寛容はソ連でのみ見出されるというメッセージを伝えている。

アレクサンドロフの演出におけるバスビー・バークレーの振付の影響は、クライマックスにつながるミュージカルナンバーに見ることができる。ハリウッドへのもう一つのより明白な言及は、映画全体を通して喜劇的なリリーフを提供するチャーリー・チャップリンの物まね俳優である。公開後最初の1か月で、モスクワとレニングラードでは400万人が『サーカス』を観に行った。^[52]

アレクサンドロフのもう一つの人気の映画は『光り輝く道』 （1940年）である。これは、当時のソ連を舞台にした童話シンデレラのリメイクである。この物語のシンデレラは、この時ソ連で最も人気のあるスターであったオルロワであった。 ^[53]これはファンタジー物語であったが、物語の教訓は、より良い生活は懸命に働くことによって得られるというものである。『サーカス』では、ミュージカルナンバーにダンスとスペクタクルが含まれていたのに対し、『光り輝く道』の唯一の振り付けは工場の機械の動きである。音楽はオルロワの歌だけに限られていた。ここでは、労働がスペクタクルを提供したのである。

ミュージカル映画の監督は他にイワン・ピリエフがいた。アレクサンドロフと違い、ピリエフの映画は集団農場での生活に焦点を当てていた。彼の映画『トラクター運転手』（1939年）、『豚飼いと羊飼い』（1941年）、そして最も有名な『クバンのコサック』（1949年）には、妻のマリーナ・ラディニナが主演していた。アレクサンドロフの『明るい道』と同様に、振り付けは映画の中で登場人物が行っている仕事だけだった。歌でさえも働く喜びについてのものだった。

ピリエフは、どの映画にも特定のメッセージを持たせるのではなく、スターリンのスローガン「生活はより良くなり、生活はより楽しくなった」を宣伝した。^[54]このメッセージは、当時の現実とはまったく対照的だった。『クバンのコサック』の撮影中、ソ連は戦後の飢餓に見舞われていた。実際には、繁栄の時代について歌っていた俳優たちは飢えと栄養失調に陥っていた。^[55]しかし、映画は観客に現実逃避と楽観主義を提供した。

スターリン主義ミュージカルの短い時代に最も人気があった映画は、アレクサンドロフの1938年の映画『ヴォルガ・ヴォルガ』である。ここでも主演はリュボーフィ・オルロワで、映画では仕事とはまったく関係なく、歌とダンスがフィーチャーされている。これはこの種の映画の中で最も異例である。物語は、音楽を演奏したい2人の個人のラブストーリーを中心に展開する。彼らは仕事よりも音楽に重点を置いている点で、ソビエトの価値観を代表するものではない。ギャグは地方自治体と官僚機構を茶化している。小さな田舎の村で起こるため、産業の賛美はない。物語は、村人のグループが休暇を利用してヴォルガ・モスクワ運河を遡り、モスクワで演奏する旅に出るという内容であるため、仕事も賛美されていない。この映画は、運河がグラーグの囚人によって建設されたというヒントを一切与えずに、モスクワ運河を賛美していると見ることができる。

ヴォルガ・ヴォルガはイデオロギーの教義よりも社会主義リアリズムの美的原理に従っていた。スターリンのお気に入りの映画となり、第二次世界大戦中にルーズベルト大統領に贈られた。人生はより良いものであると主張する映画のもう一つの例である。スターリンの粛清の真っ只中に公開され、大衆に現実逃避と心地よい幻想を与えた。^[56]

• 年代順のミュージカル映画のリストについては、「年別ミュージカル映画のリスト」を参照してください。
• ボリウッド ミュージカル映画の一覧については、「ボリウッド映画の一覧」を参照してください。
• 演劇作品を基にしたミュージカル映画の一覧については、「舞台劇またはミュージカルを基にした映画の一覧」を参照してください。
• 最も興行収入の高いミュージカル映画については、「最も興行収入の高いミュージカル映画のリスト」を参照してください。

• AFI の最高の映画ミュージカル
• 革命的なオペラ
• ミュージカルのリスト

• ヒルシュホーン、クライヴ (1991)。『ハリウッドミュージカル』（第2版）。ニューヨーク：ポートランドハウス。ISBN 978-0517060353。
• マギー、マーク・トーマス。『1950年代のロックンロール映画百科事典』ジェファーソン、ノースカロライナ州：マクファーランド＆カンパニー、1990年。0-89950-500-7。
• Padva, Gilad. Were the World Mine、 The Big Gay Musical、Zero Patienceにおける同性愛/嫌悪神話のミュージカル政治化におけるノスタルジアの使用。Padva , Gilad、Queer Nostalgia in Cinema and Pop Culture、pp. 139–172。Basingstock、UKおよびニューヨーク：Palgrave Macmillan、2014年。ISBN 978-1-137-26633-0。 
• セネット、テッド（1981年）。ハリウッドミュージカル。ニューヨーク：HNエイブラムス。ISBN 978-0810910751。
• スターン、アラン（1981年7月21日）。「歌とダンス：なぜ昔のようにミュージカルが作られなくなったのか」。ボストン・フェニックス。2024年4月9日閲覧。