ドイツの音楽

ドイツには世界で最も有名な作曲家、歌手、プロデューサー、パフォーマーが数多くいます。ドイツはヨーロッパ最大の音楽市場であり、世界でも3番目に大きい市場です。^[1]

ドイツのクラシック音楽は、世界で最も演奏される音楽のひとつです。ドイツの作曲家には、歴史上最も優れた人気を誇る作曲家がいます。その中には、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル、ヨハン・セバスチャン・バッハ、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、カール・マリア・フォン・ウェーバー、フェリックス・メンデルスゾーン、ロベルト・シューマン、リヒャルト・ワーグナー、ヨハネス・ブラームス、リヒャルト・シュトラウスなどがあり、彼らの多くはドイツオペラという分野を創始した作曲家たちです。存命のドイツ人作曲家の中で最も人気のあるのは、おそらく映画音楽の作曲家ハンス・ジマーでしょう。

20 世紀と 21 世紀のドイツのポピュラー音楽には、ノイエ・ドイチェ・ヴェレ(ネーナ、フーバート・カー、アルファヴィル)、ディスコ(ボニー M.、モダン・トーキング、ジンギス・カーン、ミリ・ヴァニリ、バッド・ボーイズ・ブルー)、メタル/ロック(ラムシュタイン)の動きが含まれます。 、スコーピオンズ、アクセプト、ハロウィン）、パンク（ディ・アルツテ、ベーセ・オンケルツ、ニーナ・ハーゲン、ディ・トーテン・ホーゼン）、ポップ・ロック（サンドラ、エニグマ、マイケル・クレトゥ、ヘルベルト・グルーネマイヤー）、インディーズ（トコトロニック）。有名な女性歌手はマレーネ・ディートリッヒとヒルデガルト・クネフです。ドイツの電子音楽は世界的な影響力を持ち、クラフトワークとタンジェリン ドリームはこのジャンルの先駆者グループです。^{[2] [3]}エレクトロとテクノのシーンは、ポール・ヴァン・ダイク、スクーター、カスケーダなどのDJのおかげで国際的に人気があります。

ドイツでは、多くの大規模なロックミュージック フェスティバルが開催されます。ロック アム リングとロック イム パークフェスティバルは、世界最大級のフェスティバルです。1990 年頃から、ドイツの新旧の首都ベルリンでは、多様な音楽とエンターテイメント産業が発展してきました。

現在ドイツ音楽と考えられているものの始まりは、様々な賛美歌やその他の種類のキリスト教音楽を書いた神秘主義の修道院長ヒルデガルト・フォン・ビンゲンの12世紀の作品にまで遡ることができます。

ラテン語の宗教音楽が何世紀にもわたって主流だった後、12世紀から14世紀にかけて、ドイツ語で歌うミンネジンガー（恋愛詩人）がドイツ全土に広まった。ミンネジンガーは宮廷から宮廷へと旅する貴族で、音楽家となった人たちで、彼らの作品は膨大な文学作品『ミンネリート』として残されている。その後の2世紀で、ミンネジンガーは中流階級のマイスタージンガーに取って代わられた。マイスタージンガーは本業の職人の達人であることが多く、彼らの音楽はミンネジンガーの音楽よりもはるかに形式化され、規則に基づいたものだった。ミンネジンガーとマイスタージンガーは、フランスのトルバドゥールとトルヴェールに類似したものと考えることができる。

ミンネジンガーの中でも、ザルツブルク出身の修道士ヘルマンは特筆に値します。彼はアルプス地方の民族音楽のスタイルを作品に取り入れました。また、ポリフォニーにも原始的な試みをしました。この時代を代表するミンネジンガーとしては、おそらくヴァルター・フォン・デア・フォーゲルヴァイデとラインマル・フォン・ハーゲナウが挙げられます。

ドイツ人はクラシック音楽の発展において主導的な役割を果たしてきました。バッハ、ヘンデル、ベートーヴェン、シューマン、ブラームス、ワーグナー、マーラー、シェーンベルク（イーゴリ・ストラヴィンスキーによって「ドイツ系」と名付けられた系譜）など、最高のクラシック音楽家の多くはドイツ人でした。15世紀初頭、ドイツのクラシック音楽は、フランスやイタリアなどの国に滞在しながらヨーロッパ中を旅してクラシック音楽の伝統を学んだオズワルド・フォン・ヴォルケンシュタインによって革命を起こしました。彼はいくつかの技術とスタイルを祖国に持ち帰り、100年以内にドイツは大陸全土で有名な作曲家を輩出するようになりました。これらの作曲家の最初の一人は、オルガン奏者のコンラート・パウマンでした。ドイツで最大のクラシック音楽の夏のフェスティバルは、シュレースヴィヒ＝ホルシュタイン音楽祭です。

16世紀初頭、ポリフォニー、つまり複数のメロディーが絡み合う音楽がドイツに伝わった。プロテスタントのコラールが主流で、カトリック音楽とは対照的に、コラールは活気がありエネルギッシュだった。作曲家にはディートリヒ・ブクステフーデ、ハインリヒ・シュッツ、宗教改革の指導者マルティン・ルターなどがいた。ルターはたまたまリュートで賛美歌を伴奏していたが、これが後にワルツツィターとして再現され、20世紀にはドイツの国民的楽器となった。^[4]

ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトの『魔笛』 （1791年）は、一般的にドイツオペラの始まりと言われています。しかし、ドイツオペラのより古い始まりは、 1627年のハインリヒ・シュッツの『ダフネ』である可能性があります。シュッツは、ヨハン・セバスチャン・バッハ以前の最初の偉大なドイツ人作曲家と言われており、17世紀音楽の主要人物でした。

19世紀のドイツオペラでは、カール・マリア・フォン・ウェーバーとリヒャルト・ワーグナーという二人の人物が卓越した存在でした。ワーグナーは、重要な登場人物や考えを表現するために繰り返される音楽テーマであるライトモティーフなどの手法を導入しました。ワーグナー（とウェーバー）はドイツの歴史と民間伝承を基にオペラを作曲しましたが、最も重要なものとしては『ニーベルングの指環』（1874年）が挙げられます。20世紀に入ると、オペラ作曲家にはリヒャルト・シュトラウス（『ばらの騎士』）やエンゲルベルト・フンパーディンクがおり、彼らは若い聴衆向けのオペラを書きました。国境を越えたオーストリアでは、アルノルド・シェーンベルクが伝統的なメロディーとハーモニーの代わりにリズムと不協和音を使用する十二音音楽という形式を発明し、クルト・ヴァイルとベルトルト・ブレヒトは『マハゴニー市の興亡』や『三文オペラ』など、ドイツ演劇の偉大な作品のいくつかで共同作業を行いました。

戦後、カールハインツ・シュトックハウゼンやハンス・ヴェルナー・ヘンツェなどのドイツの作曲家がクラシック音楽に 電子音を取り入れる実験を始めました。

ドイツは、ゼンパーオーパー、ミュンヘン国立劇場、バイロイト祝祭劇場など、補助金を受けているオペラハウスが数多くあることでも非常によく知られています。

現代的な意味で調性を用いた最初の音楽であるバロック音楽は、装飾と対位法の芸術的使用でも知られています。16世紀末に北イタリアで生まれ、そのスタイルはすぐにドイツに伝わりました。ドイツは初期バロック音楽の最も活発な中心地のひとつでした。初期ドイツのバロック作曲家には、ハインリヒ・シュッツ、ミヒャエル・プレトリウス、ヨハン・ヘルマン・シャイン、ザムエル・シャイトなどがいます。バロック時代の頂点は、間違いなく18世紀前半のヨハン・セバスチャン・バッハとゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの作品でした。バッハは対位法、和声とモチーフの構成の技術によってドイツのスタイルを確立し、イタリアとフランスのリズム、形式、テクスチャを採用しました。バッハは、前奏曲、カンタータ、フーガ、チェンバロとヴァイオリンと管楽器のための協奏曲、管弦楽組曲、ブランデンブルク協奏曲、マタイ受難曲、ヨハネ受難曲、クリスマス・オラトリオなど、数多くの作品を書いています。ヘンデルは、当時のほぼすべてのジャンルの音楽を書いた国際的な作曲家でした。彼の最も有名な作品には、管弦楽組曲『水上の音楽』、『王宮の花火の音楽』、オラトリオ『メサイア』などがあります。もうひとりの重要な作曲家は、歴史上最も多作な音楽家のひとり、 ゲオルク・フィリップ・テレマンです。

18世紀半ばまでに、ウィーン、ドレスデン、ベルリン、マンハイムの各都市は管弦楽の中心地となっていた。例えば、ウィーンのエステルハージィ公子たちは、弦楽四重奏、交響曲、ソナタという古典的な形式を考案したオーストリア人ヨーゼフ・ハイドンのパトロンであった。その世紀後半には、ドイツとイタリアの伝統を独自のスタイルに融合させた、ウィーン出身のヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが登場した。モーツァルトは多作で影響力のある作曲家で、600を超える作品を作曲し、その多くは交響曲、協奏曲、室内楽、オペラ、合唱の最高傑作として認められている。モーツァルトは最も人気のあるクラシック音楽の作曲家の一人であり、その後の西洋芸術音楽に与えた影響は大きく、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンはモーツァルトの影に隠れて自身の初期の作品を作曲した。

次の世紀には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンとフランツ・シューベルトという二人のドイツの作曲家が早くから名声を博した。ウィーンでハイドンに師事したベートーヴェンは、異例の大胆なハーモニーとリズムを使い、ピアノ、ヴァイオリン、交響曲、室内楽、弦楽四重奏、オペラのための数多くの作品を作曲した。シューベルトは、芸術的でロマンチックな詩と音楽の分野を創始し、その歌曲集には『美しき水車小屋の娘』や『冬の旅』などがある。^[5]

フランツ・シューベルトは、生涯を通じて非常に多作でした。彼の作品は、600 曲を超える世俗的な声楽作品 (主に歌曲)、7 つの交響曲全集、宗教音楽、オペラ、付随音楽、そして大量の室内楽とピアノ曲で構成されています。彼は、後期古典派と初期ロマン派の最も偉大な作曲家の一人に数えられています。

19 世紀初頭、リヒャルト・ワーグナーという名の作曲家が生まれました。彼は「未来の音楽家」であり、厳格な伝統主義の音楽スタイルを嫌っていました。彼は、オペラに見られる単純な繰り返しテーマであるライトモティーフを開発したと言われています。

カール・マリア・フォン・ウェーバーは作曲家、指揮者、ピアニスト、ギタリスト^[6]、評論家で、ロマン派の初期の重要な作曲家の一人でした。彼のオペラ 『魔弾の射手』 、『オイリアンテ』、 『オーベロン』は、ドイツにおけるロマン派オペラの発展に大きな影響を与えました。フェリックス・メンデルスゾーンは初期ロマン派の作曲家、ピアニスト、オルガン奏者、指揮者でした。彼は作曲家、指揮者、ソリストとして特にイギリスで高く評価されました。彼は交響曲、協奏曲、オラトリオ、ピアノ曲、室内楽を作曲しました。ロベルト・シューマンは作曲家で影響力のある音楽評論家でもありました。彼はロマン派時代の最も偉大な作曲家の一人として広く認められています。シューマンの出版された作品は1840年までピアノ専用でしたが、後にピアノとオーケストラのための作品、多くの歌曲(声楽とピアノのための歌曲)、4つの交響曲、オペラその他の管弦楽曲、合唱曲、室内楽曲。ヨハネス・ブラームスは、モーツァルトとベートーヴェンが開拓した音楽を尊重し、自らの音楽をロマン派の表現形式へと進化させ、その過程でハーモニーとメロディーに対する大胆な新しいアプローチを生み出しました。

19世紀後半、ウィーンはヨーロッパのクラシック音楽で高い地位を維持し、ウィンナワルツの人気が爆発しました。これらはヨハン・シュトラウス1世のような人々によって作曲されました。リヒャルト・シュトラウスは後期ロマン派と初期近代を代表する作曲家でした。彼は『ばらの騎士』や『サロメ』を含むオペラ、特に『4つの最後の歌』などの歌曲、そして交響詩で知られています。シュトラウスはグスタフ・マーラーとともに、リヒャルト・ワーグナー後のドイツロマン主義の晩期開花を代表する人物であり、そこでは先駆的なオーケストレーションの繊細さと高度な和声スタイルが組み合わされています。

20世紀前半には、ドイツ音楽とオーストリア音楽の分裂が見られました。ウィーンでは、アルノルド・シェーンベルクと彼の弟子であるアルバーン・ベルク、アントン・ウェーベルンがますます前衛的な道を歩み、 1909年に無調音楽、 1923年に十二音音楽の先駆者となりました。一方、ベルリンの作曲家たちは、クルト・ヴァイルのキャバレー風の社会主義オペラからパウル・ヒンデミットの劇音楽まで、より大衆的な道を歩みました。ミュンヘンには、フランス印象派の作曲家クロード・ドビュッシーの影響を受けたカール・オルフもいました。彼は、オーケストレーションにおいて、色彩豊かで珍しい楽器の組み合わせを使い始めました。彼の最も人気のある作品はカルミナ・ブラーナです。

ナチ党が政権を握ると、シェーンベルク、ヒンデミット、エーリヒ・コルンゴルトなど多くの作曲家が米国に移住した。この時期、ナチ党はいわゆる退廃芸術をドイツから排除する運動に乗り出した。退廃芸術とは、ユダヤ人、共産主義者、ジャズなど、危険だと考えられるあらゆるものと関係のある音楽を含む包括的な言葉となった。カール・アマデウス・ハルトマンなど、ナチス支配の時代もドイツに反抗的に留まり、自分たちの作品が当局にどう解釈されるかを常に警戒していた人物もいた。

ナチスドイツの敗北後、音楽家たちも連合国の非ナチス化政策の対象となった。しかし、ここでは音楽の非政治的性質が、ヴィルヘルム・フルトヴェングラーやヘルベルト・フォン・カラヤン（実際には1933年にナチ党に入党）を含む多くの人々を免罪した。彼らは2人とも主に音楽に集中し、政治を無視したと主張したが、同時に「反抗のジェスチャー」を意図した方法で作品を指揮したとも主張した。^[7]

20世紀後半の西ドイツでは、ドイツとオーストリアの音楽は主に前衛音楽が主流だった。60年代から70年代にかけて、ダルムシュタットの新音楽夏期学校はヨーロッパのモダニズムの中心地となり、カールハインツ・シュトックハウゼンやハンス・ヴェルナー・ヘンツェなどのドイツ人作曲家や、ピエール・ブーレーズやルチアーノ・ベリオなどの外国人作曲家がここで学んだ。対照的に、東ドイツの作曲家は前衛音楽を避け、社会主義リアリズムの教義に沿った音楽を作曲するよう指導された。^[8]この様式で書かれた音楽は、政党政治を推進するとともに、すべての人に親しみやすいものとされた。^[9] ハンス・アイスラーとエルンスト・ヘルマン・マイヤーは、東ドイツの第一世代の作曲家の中で最も有名な人たちだった。

最近では、ヘルムート・ラッヘンマンやオルガ・ノイヴィルトなどの作曲家が、拡張技法の可能性を幅広く探求しています。ハンス・ヴェルナー・ヘンツェは、より叙情的なアプローチを好み、ダルムシュタット楽派から大きく距離を置き、おそらくドイツで最も称賛されている現代作曲家です。1950年代から2012年に亡くなるまで国外で暮らしていましたが、ドイツの音楽の伝統に影響を受けていました。

ドイツには、独自の民族音楽やダンスの伝統を持つユニークな地域が数多くあります。20 世紀の大部分は、ドイツ文化が支配勢力 (同時に「外国の」音楽と戦っていた) に流用された時期でした。

東ドイツと西ドイツの両方で、「フォルクスリーダー」と呼ばれる民謡が子供たちに教えられました。これらはポピュラーで、明るく楽観的で、本物のドイツの民謡の伝統とはほとんど関係がありませんでした。アメリカとイギリスのルーツ リバイバルに触発され、ドイツは西ドイツの 1968 年の学生革命に続いて同様の変化の多くを経験し、政治的活動と現実的な喜び、悲しみ、情熱を特徴とする新しい歌が、成長中の民謡界で書かれ、演奏されました。東ドイツでは、同じプロセスが 70 年代半ばまで始まりませんでした。その頃、一部の民謡ミュージシャンが革命的なアイデアをコード化された歌に取り入れ始めました。

人気のあった民謡には、19世紀の移民歌、労働歌、徒弟制度下の歌、さらには1950年代にヴォルフガング・シュタイニッツが収集した民主主義志向の民謡などがあった。1970年以降、政治歌に焦点を当てた東ドイツのフェスティバルである政治歌祭が毎年開催され、FDJ（東ドイツ青年協会）が主催した（1980年まで）。最大30か国からミュージシャンが参加し、多くの東ドイツ人にとって外国音楽に触れる唯一の機会だった。フェスティバルに参加した外国人ミュージシャンの中には、インティ・イリマニ（チリ）、ビリー・ブラッグ（イギリス）、ディック・ゴーガン（スコットランド）、メルセデス・ソーサ（アルゼンチン） 、ピート・シーガー（アメリカ）など高名なミュージシャンがいた一方、ドイツ人演奏者からは東西両国からオクトーバークラブ、ヴァックホルダー、ハンネス・ヴァーダーがいた。

ウンパはブラスバンドによって演奏される一種の音楽であり、ビアホールに関連付けられています。

バイエルン民族音楽は、おそらくドイツ国外でもっともよく知られている。ヨーデルやシュープラトラーの踊り子は、ドイツの民族生活の典型的なイメージのひとつだが、これらは今日では最南端の地域でしか見られない。バイエルン民族音楽はアルプスのニューウェーブで役割を果たし、伝統的なバイエルンの音と外国のスタイルを融合させた先駆的なワールドミュージックグループをいくつも生み出した。

20 世紀初頭、ヨーロッパ全土、特にバイエルンでは、文化的伝統の喪失を懸念する人が多くいました。この考えは、地域のアイデンティティと境界を守ろうとした「Heimatschutz (祖国保護)」運動と関連していました。現代ドイツでバイエルンの民族音楽と見なされているものは、20 世紀初頭のバイエルンの民族音楽とは異なります。あらゆる種類の民族音楽やポピュラー音楽と同様に、スタイルと伝統は時間とともに進化し、新しい形式の音楽を生み出してきました。

バイエルンにおけるフォルクスゼンガー（国民歌手）の人気は1880 年代に始まり、1920 年代まで本格的に続きました。デュエット、アンサンブル ソング、ユーモア、パロディで構成されるショーが人気でしたが、第一次世界大戦後にその形式は大きく変わり始めました。 「シュナイツロイトの美の女王」バリー プレルは、この変化の象徴でした。彼女は、リート、シャンソン、オペラ、オペレッタを歌う魅力的なテノール歌手でした。

シュヴァーベンの民族音楽は、サイテン・フェルやフィルレファンツ、シンガーソングライター（ハーディガーディとギターの演奏者でもある）のトーマス・フェルダーなどのアーティストによって最もよく代表されています。

英語でよく知られているクリスマスキャロルには、ドイツのクリスマスソング（ヴァイナハツリー）の翻訳であるものがあります。牧歌的なヴァイナハツリーは、ヒルテンリーダー（羊飼いの歌）と呼ばれることもあります。よく知られている例としては、エルンスト・アンシュッツが編曲したドイツ民謡の「おお、クリスマスツリーよ」、オーストリアのフランツ・クサーヴァー・グルーバーとヨーゼフ・モールが編曲した「きよしこの夜」（静かな夜、聖なる夜）、そして同じくザルツブルク地方のオーストリア民謡で、ズュスが1819年に作曲したメロディーに基づき、G.ゲッチュが時と場所によって歌詞を少し変えた「それでも、それでも、それでも」の3つがあります。 ^[10]

第一次世界大戦と第二次世界大戦の間に、ドイツの音楽は分岐し、より自由で独立した新しいスタイルを形成しました。

ドイツのポップミュージックの最初の形態はキャバレーであると言われており、 1920年代のワイマール共和国時代に深夜のクラブの官能的な音楽として生まれました。マレーネ・ディートリッヒとマルゴ・リオンは、その時代で最も有名なパフォーマーであり、ユーモラスな風刺とリベラルな思想の両方と結び付けられました。

ナチスドイツではヒトラーユーゲントを通じて若者文化が厳しく統制され、その結果、いくつかの地下抗議運動が生まれ、それを通じて若者はより自立心を発揮できるようになりました。

その一つは主に上流中産階級の若者で構成され、彼らの抗議は自分たちの音楽的嗜好に基づいており、党がアメリカのジャズ形式、特にスウィングの代わりに広めた民族音楽を拒否していた。音楽的嗜好は若者の反抗の特徴となることが多いが、ロックンロールの歴史が示すように、ジャズ、特にスウィングはナチスの階層構造にとって特に不快なものだった。それらは性の自由を促進しただけでなく、アメリカの敵、さらには彼らが劣っているとみなしたアフリカ人種と関連付けられていたからである。一方、ヨーゼフ・ゲッベルスは、ドイツや征服国から今や職を失ったミュージシャンの何人かを集めて、チャーリーと彼のオーケストラと呼ばれるビッグバンドを結成した。

第二次世界大戦後、ドイツのポップミュージックはアメリカとイギリスの音楽に大きく影響を受けました。シュラーガーとリートマッハーは別として、異なる方向に発展した西ドイツのポップミュージックと東ドイツのポップミュージックを区別する必要があります。西ドイツのポップミュージックは東ドイツでよく聞かれ、多様性に富み、今日でも存在していますが、東ドイツの音楽はあまり影響を与えていません。

西ドイツでは、英語のポップミュージックがますます重要になり、今日ではラジオで流れる曲のほとんどが英語です。しかし、ドイツ語のポップミュージックには多様性があります。ドイツ発のオリジナルの英語のポップミュージックもあり、その中には国際的な成功を収めたもの（たとえば、スコーピオンズやジェイムス・ラスト）もありますが、ドイツ国内で長く広く成功しているものはほとんどありません。東ドイツ発の英語のポップミュージックはほとんどありませんでした。

ドイツでは、戦後から英語圏のポップシーンも盛んになり、ヨーロッパやアメリカのアーティストがチャートのトップに躍り出た。しかし、ドイツ人やドイツ志向のミュージシャンも成功を収めている。1990年代から21世紀の最初の10年間は​​、ヨーロッパのポップアーティストが人気を博したほか、サラ・コナー、ノー・エンジェルス、モンローズなど、英語でさまざまな主流ポップスを演奏したアーティストも人気を博した。これらのアーティストの多くは、ヨーロッパやアジア各地で成功を収めている。

シュラーガーは、ドイツ語で歌われる感傷的なバラードの形式をとることが多い、ボーカルポップミュージックの一種で、 1960年代にギッテ・ヘニングやレックス・ギルドなどの歌手によって普及しましたが、スタイルには幅広い範囲があります（モダンシュラーガー、シュラーガーゴールド、フォルクスムジーク、それぞれ「民族音楽シュラーガー」^[要説明]）。シュラーガー/フォルクスムジーク^{[要説明]は、国際的なポップミュージックとは厳密に区別されており、特別な形式のラジオ局でのみ再生されます（国際的な}オールディーズと混ざることもあります）。

シュラーガーの重要な部分は、伝統的なドイツの民俗音楽のシュラーガー風の解釈である volkstümliche Musikであり、ドイツ語圏の国々、特に年配の世代の間で非常に人気があります。

シュラーガーにはさまざまな種類があり、他にも 多くのスタイルのアーティストがいます。たとえば、ヘイノ、カチャ・エプシュタイン、ヴォルフガング・ペトリー、ギルド・ホルン、ローランド・カイザー、ヘレーネ・フィッシャーなどです。

リーダーマッハー(ソングライター) は、洗練された歌詞を持ち、最小限の楽器、たとえばアコースティック ギターのみで歌われます。一部の曲は非常に政治的な性質を持っています。これは、アメリカのフォーク/アメリカーナやフランスのシャンソンスタイルに関連しています。

西ドイツの有名な歌曲家としては、ラインハルト・マイ、クラウス・ホフマン、ハンネス・ヴァーダー、コンスタンティン・ヴェッカーなどが挙げられます。東ドイツの有名な歌曲家はヴォルフ・ビアマンでした。オランダのヘルマン・ファン・フェーンはドイツでも人気がありました。リーダーマッハーのアーティストの中には、子供向けの特別なアルバムを録音している人もいます。

アメリカの軍用ラジオ局、アメリカン・フォース・ネットワーク（AFN）は、1945年7月のAFNミュンヘン放送を皮切りに、ドイツの戦後文化に大きな影響を与え、ドイツのロックやジャズ文化のさらなる発展の基盤を築きました。1953年にAFNフランクフルトの主任プロデューサーを務めたオハイオ州出身のビル・ラムゼイは、後にドイツでジャズやシュラーガーの歌手として有名になりました（米国ではほとんど無名のままでした）。

しかし、1960年代後半以前は、ドイツにおけるロック音楽は、ピーター・クラウスやテッド・ヘロルドなどの演奏家がカバーするシュラーガーというジャンルのごく一部に過ぎず、彼らはリトル・リチャードやビル・ヘイリーのロックンロールのスタンダードをドイツ語に翻訳して演奏することもあった。

本物のジャーマンロックが初めて登場したのは1968年頃で、ちょうど米国と英国でヒッピーの カウンターカルチャーが爆発的に増加した頃でした。当時、ドイツの前衛音楽は10年以上にわたって電子音楽の実験を続けており、最初のドイツロックバンドは海外のサイケデリックロックと電子音を融合させていました。その後の数年間で、クラウトロックまたはコスミッシェ・ムジークとして知られるようになったバンドグループが結成されました。これらのバンドには、後にワールドミュージックの先駆者となるディシデンテン、タンジェリン・ドリーム、ポポル・ヴー、カン、ノイ！、ファウストなどが含まれていました。

ノイエ・ドイチェ・ヴェレ（NDW）は、1970年代半ばから後半にかけて登場したイギリスのパンクロックとニューウェーブの派生です。おそらく、ドイツ独自のポップミュージックとして初めて成功したものですが、その様式的な工夫（面白い歌詞とシュールな構成と制作）には限界がありました。1980年代にはドイツ国内で大成功を収めましたが、過度な商業化が主な理由で長続きしませんでした。ネーナ、トリオ、ファルコ（オーストリア出身）、ヨアヒム・ヴィットなどのアーティストが国際的に有名になりました。

1980 年代と 1990 年代には、ドイツ語のポピュラー音楽のほとんどは男性のソロ アーティストによって歌われていました。非常に人気のある歌手は、ウド・ユルゲンス、ウド・リンデンベルグ、ヘルベルト・グレーネマイヤー、マリウス・ミュラー＝ウェスタンハーゲン、ピーター・マファイ、BAPなどです。

ウド・ユルゲンスは 60 年代後半から多くのファンを維持しており、2012 年のコンサートではサッカースタジアムのチケットが完売しました。グローネマイヤーも今日まで成功を維持しています。マファイはシュラーガーからロックへと発展し、ファン層は大きいものの限られており、ラジオで流れることはめったにありません。故郷ケルンの方言であるケルシュ語で歌う BAP は、全国的に成功しています。

ハンブルク・シューレ(ハンブルク学院) は、1980 年代後半に始まり、1990 年代半ば頃まで活動していたアンダーグラウンド音楽運動です。ノイエ・ドイチェ・ヴェレと同様の伝統を持ち、そのすべてをパンク、グランジ、実験的なポップミュージックと融合させています。ハンブルク・シューレには、ポストモダン理論と社会批評を伴う知的な歌詞が含まれています。重要なアーティストは、 Blumfeld、Die Sterne、Die Goldenen Zitronen、Tocotronicです。

1970年代初頭までに、実験的な西ドイツのロックスタイルが国境を越えて東ドイツに伝わり、オストロックと呼ばれる東ドイツのロックムーブメントの創出に影響を与えた。鉄のカーテンの反対側では、これらのバンドは西側よりもスタイル的に保守的になり、エンジニアリングも控えめになり、より古典的で伝統的な構造（ 1920年代のベルリン劇場の歌でクルト・ヴァイルとベルトルト・ブレヒトが発展させたものなど）を取り入れることが多かった。これらのグループは、間接的な二重の意味と現状に対する深い哲学的な挑戦を込めた詩的な歌詞を特徴とすることが多かった。そのため、彼らはクラウトロックのスタイルであった。これらのバンドで最もよく知られたバンドは、ザ・プーディス、カラット、シティ、シュテルン・コンボ・マイセン、シリーである。

東ドイツ以外で広く人気を博したのは、シティの「Am Fenster」やカラットの「Über sieben Brücken mußt Du geh'n」などの少数の曲だけです。アンダーグラウンドのバンドも多種多様でした。このシーンから後に国際的に成功したバンド、ラムシュタインが誕生しました(下記のNeue Deutsche Härteを参照)。

1990年代には、ドイツ語圏のグループの人気は限られており、ラジオで流れるアーティストは、ネーナ、ヘルベルト・グローネマイヤー、マリウス・ミュラー＝ヴェスターンハーゲン、ディ・アルツテ、ラムシュタイン、ローゼンシュトルツ、ディ・プリンツェンなど、ほんの一握りでした。

2000年代半ば、ドイツのバンド「Wir sind Helden」が新しいスタイルのドイツ語ポップロックで成功を収めました。この成功に続いて、次のような他のバンドやアーティストが登場し、ドイツ語音楽の新たなブームが巻き起こり、既存のドイツ語アーティストがより広く受け入れられるようになりました。

• スポーツ愛好家
• ジュリ
• シルバーモンド
• クラフトクラブ
• クレー
• 行方不明。
• ポラークライス 18
• 2ベッドルーム
• リボルバーヘルド
• アネット・ルイザン
• ティム・ベンツコ
• アンドレアス・ブーラニ
• マーク・フォースター
• フィリップ・ポワゼル

国内外で成功を収めたドイツの人気英語圏オルタナティブロックやクロスオーバーバンドには、Beatsteaks、Donots、Blackmail、Reamonn、Saline Grace、H-Blockx、Itchy Poopzkid、Guano Apes、Die Happyなどがある。インディーズロックバンドのThe Notwist は、アルバムNeon Goldenで批評的にも商業的にも大成功を収めた。

• ボニーM。
• 肌寒い
• チンギス・ハーン
• マイク・マリーン
• ファンシー
• サイレントサークル
• グンベイダンスバンド
• ロンドンボーイズ
• リアン・ロス
• アラベスク
• シルバーコンベンション
• ペニー・マクリーン
• パティ・ライアン

1980 年代後半 (再統一前) から 1990 年代にかけて、シンセポップとユーロダンスがドイツ全土で人気を博しました。幅広い観客を引き付けるために、さまざまなスタイルがミックスされることがよくありました。これらのスタイルを代表する成功したアーティストは次のとおりです。

人気のバンドやパフォーマーには、Culcha Candela、Dr. Ring-Ding、Gentleman、Hans Söllner、Jan Delay、Mamadee、Milky Chance、Oceana、Patrice、Peter Fox、Seeedなどがいます。

著名なR&B、ソウル、ファンクアーティストには、Ayọ、Cassandra Steen、Denyo、Miss Platnum、Nadja Benaissa、Nneka、Söhne Mannheims、Xavier Naidooが含まれます。

ドイツにおけるヒップホップは1980年代初頭に到来し、社会主義の東ドイツでもグラフィティやブレイクダンスが急速に有名になった。^[11]ドイツのヒップホップは「国境を越えた若者のサブカルチャーとして始まった」。^{[12] [13]}商業的な成功は、1992年にシュトゥットガルトのDie Fantastischen Vierのヒット曲「Die Da」から始まった。Rödelheim Hartreim Projektは「ギャングスタ」ラップを確立しようとした。初期の影響力のあるグループは、Torchを含むAdvanced Chemistryだった。彼らは移民のために声を上げることに興味をかき立て、ラップを自分たちを守る手段として使った。^{[14] [15]ハンブルクの}Fettes Brotは、結成当初から成功を収めている。彼らは不倫や女性との腕前を自慢するなど、面白いテーマを歌っている。ヒップホップが21世紀の最初の10年間の初めに成功のピークを迎えたのに対し、ギャングスタラップは2004年のAggro Berlinでようやくドイツの音楽と若者文化の物議を醸す部分となった。ドイツのヒップホップアーティストには次のような人がいる。Cro、Kool Savas、Sido、Samy Deluxe、Bushido、Marteria、Eko Fresh、Bonez MC、Gzuz、Samra、Capital Bra、Trettmann、Afrob。Gzuzは、彼のミュージックビデオ2本がWorldstar Hip HopによってYouTubeに投稿されたことで世界的に認知されるようになりました。

ドイツのパンク音楽には長く多様な歴史がある。セックス・ピストルズやクラッシュなどのバンドが西ドイツで人気を博したとき、数多くのパンクバンドが結成され、ドイツのパンクシーンが生まれた。第一波のバンドには、1976年に結成されたデュッセルドルフのマレ、西ベルリンのPVC 、ハンブルクのビッグ・ボールズ・アンド・ザ・グレート・ホワイト・イディオットなどがある。初期のドイツのパンクグループはイギリスのバンドの影響を強く受けており、歌詞を英語で書くことが多かった。主な違いは、ドイツのパンクバンドはまだ政治的になっていなかったことだ。

1970年代後半から1980年代前半にかけて、ドイツのパンク界ではハンブルクのZickZack Recordsなどのレーベルが主導する新しいムーブメントが生まれた。この時期に、アルフレッド・ヒルスバーグによって「ノイエ・ドイチェ・ヴェレ（新ドイツ・ウェイヴ）」という言葉が初めて作られた。これらのバンドの多くは、シンセサイザーやコンピュータを使った実験的なポストパンクを演奏していた。その中には、ハンブルクのニーナ・ハーゲン・バンド、フェルファルベン、アブヴェルツなどがある。両バンドとも、何度かスタイルを変えているものの、現在も活動を続けている。他のバンドは、トン・シュタイン・シェルベン^[16]などの初期の政治的ロックバンドの影響を受けて、明らかに左翼的な政治的方向性を示した、より攻撃的なスタイルのパンクロックを演奏していた。スライム^[17]、 トキソプラズマ、またはヴォルクリーグスユーゲント^{[18] [19]}など のバンド は、今でもドイツのパンク界で存在感がある。より大規模で人気のあるグループ（「コマーツパンク」と呼ばれることが多い）から離れた、地元でしか知られていないインディーズバンドが数多く存在するシーンが今も存在している。^[20]

パンクロックは東ドイツでは非合法だった。シュレイム・ケイムやラ・アテンタットのようなバンドはシュタージに監視され迫害され、公の場で演奏することができなかった。^[21]音楽は地下で制作され、テープで交換された。「シュレイムケイム」と「ツヴィッチャーマシーン」のスプリット・ビニールをリリースする試みは、後者が政府機関によって妨害されたため失敗した。^[22]

スキンヘッドも聴く非政治的なパンクロックは、Oi!と呼ばれています。テーマ的には、Oi! の曲はアルコール、人間関係、暴力などに関するものが多いです。「Loikaemie」のような Oi! のバンドの中には反ファシストの曲を作った人もいますが、ネオナチに傾倒しているケースも多く、Oi! シーン内では右翼過激派ロックミュージック (「Rechtsrock」) との境界が流動的です。^[23]

ドイツ語圏のバンドで、これほど長期間成功を収めたバンドは少ない。最も有名なのはパンクバンドのDie ÄrzteとDie Toten Hosenである。どちらも1980年代初頭に結成されたが、パンクに対するアプローチは大きく異なっている。売上数やアルバム1位獲得数ではこの2つのバンドと同じくらい成功したが、一般大衆にはあまり受け入れられず、右翼政治とのつながりのためドイツのメディアではあまり取り上げられなかったが、巨大なファンコミュニティを持つバンドがOi!-Böhse Onkelzである。^[24]

デジタル・ハードコア・バンドのAtari Teenage Riotは、ドイツの自治主義者の間では特によく知られているが、イギリスや日本でも特によく知られている。

ドイツはヘビーメタルに関して長く強力な歴史を持っています。多くの人から、ヨーロッパのシーンに最も大きく貢献している国の一つであるとみなされています^{。[要出典}]^{このジャンルは国内}で非常に人気があり、主流となっています。初期のハードロック/ヘビーメタルは、スコーピオンズとアクセプトの成功によりドイツの地にもたらされました。ドイツは現在、ヴァッケン・オープン・エアやサマー^・ブリーズ・オープン・エアなどの大規模なメタルフェスティバルで知られています。

ドイツにはスピードメタルとパワーメタルの強い伝統があります。初期のスピードメタルバンドには、Running Wild、Grave Digger、Rage、そしてある程度はWarlockとStormwitchが含まれます。ドイツで開発されたヨーロッパスタイルのパワーメタルは、Blind Guardian、Helloween、Gamma Ray、Freedom Call、Iron Savior、Avantasia、Edguyなどのドイツのバンドによって普及し、Primal Fearは国際的に認知されました。多くの場合、これらのバンドは最初はスピードメタルを演奏していましたが、後にパワーメタルに切り替えました。最近では、 Masterplan、Orden Ogan、Kissin' Dynamite、Powerwolfなどのパワーメタルの影響を受けた新世代のバンドがドイツ国内外でますます人気を集めています。

ランニング・ワイルドは、1987年にリリースしたアルバム『アンダー・ジョリー・ロジャー』により、海賊メタルのジャンルの先駆者ともみなされている。このアルバムは、海賊をテーマにした最初のヘビーメタルアルバムの1つである。

ドイツには、メタルのサブジャンルの 3 つの地方的変種が存在します。チュートン スラッシュ メタルシーンは、 Kreator、Sodom、Destruction、Tankard、Exumerなどのグループによって代表されます。メディーバル メタルは、ドイツの伝統音楽とインダストリアル メタルを融合したものです。 有名なバンドには、Subway to Sally、In Extremo、Corvus Corax、Saltatio Mortis、Schandmaul (ドイツでは最後の Schandmaul はフォーク ロックと見なされています) などがあります。インダストリアル メタルの一形態である別の変種であるNeue Deutsche Härte については、以下で詳しく説明します。

デスメタル、デスコア、メタルコア、ドゥームメタル、ブラックメタル、フォークメタルのジャンルのバンドは次のとおりです：Absurd、Agathodaimon、Annisokay、Any Given Day、Atrocity、Bethlehem、Caliban、Crematory、Dark Fortress、Deadlock、Debauchery、Desaster、Die Apokalyptischen Reiter、Disbelief、Endstille、Electric Callboy、Equilibrium、Falkenbach、Finsterforst、Fleshcrawl、Golem、Heaven Shall Burn、His Statue Falls、Katharsis、Leaves' Eyes、Midnattsol、Morgoth、Mystic Circle、Nagelfar、Nargaroth、Neaera、Necrophagist、Nocte Obducta、Obscura、The Ocean、Ourミラージュ、パワーウルフ、ベヴェラストの遺跡、月の秘密、サルタティオ・モーティス、スイダクラ、ヴァン・カント、VENUES、娼婦の口からの戦争、パンにバターを塗る、ウルフチャント。

ノイエ・ドイチェ・ハーテ（英語で「新ドイツのハードネス」）は、非常に人気のあるインダストリアル・メタルのドイツ版を指す用語である。メタルの一般的なサウンドにゴシックやインダストリアル・ミュージックの要素、電子サンプルを組み合わせ、主にドイツ語で歌われている。陰鬱で挑発的な歌詞のテーマと、火、花火、スタント、その他の特殊効果を駆使した派手なステージショーで知られている。メタルとゴス両方のシーンから観客を集めている。特にラムシュタインやウンプ！などのバンドは主流の成功を収め、歌詞のほとんどがドイツ語であるにもかかわらず、ドイツ語圏以外の国でも成功を収めている。他の有名なアーティストには、シュタールハマー（オーストリア出身）、メガヘルツ、ウンハイリヒ、アイスブレッヒャー、タンツヴート、ヨアヒム・ヴィットがいる。

メディーバルメタルまたはメディーバルロックは、ハードロックまたはヘビーメタル音楽と中世のフォーク音楽を融合させたフォークメタルのサブジャンルです。メディーバルメタルは主にドイツに限定されており、そこではミッテルアルターメタルまたはミッテルアルターロックとして知られています。このジャンルは、サブウェイ、サリー、インエクストレモ、シャントマウル、ウォルゲムートなどの貢献により、1990年代半ばに登場しました。このスタイルは、さまざまな伝統的なフォーク楽器と中世の楽器を顕著に使用することが特徴です。

ドイツは活気あるゴスシーンの本拠地であり、ゴスミュージシャンとして知られるスペクトラムのミュージシャンの大規模なシーンがあります。最も有名なアーティストは、Lacrimosa、Lacrimas Profundere、Xmal Deutschland、Das Ich、Deine Lakaien、Illuminate、Untoten、Erben der Schöpfung（リヒテンシュタイン出身）、No More、Girls Under Glass、Project Pitchforkです。ライプツィヒは、 Wave-Gotik-Treffenと呼ばれるこのサブカルチャーの世界最大のイベントの本拠地であり、定期的に25,000人の参加者を迎えます。WGTに続いて、ヒルデスハイムで毎年開催されるM'era Lunaフェスティバルがあります。

Neue Deutsche Todeskunst (英語で「新ドイツ死の芸術」) は、ドイツの死に執着するダーク ウェイヴスタイルの音楽で、デス ロック、ジャーマン ロック、ゴシック ロック、ネオクラシカルミュージックをドイツの哲学的テキストや演劇的なステージ ショーと融合させています。このスタイルはドイツに限定されており、1990 年代初頭にDas Ich、Lacrimosa、Relatives Menschsein、Goethes Erbenなどのバンドから生まれました。多くの NDT アーティストは、クラシック ラテン語の使用で知られています。

ドイツは世界最大のエレクトロニックミュージックシーンを誇り^[要出典]、エレクトロニックミュージックのほぼすべてのジャンルにおいて長い伝統と影響力を持っています。クラフトヴェルクは、電子機器のみで音楽を制作した世界初のバンドの1つであり、タンジェリンドリームは、後にトランスミュージックに影響を与えることになるエレクトロニックミュージックの「ベルリン派」の創始者であり主要な影響を与えたバンドの1つとしてよく知られています。リエゾン・デンジャレウズ、ティスケ・ラッダー、ドイチュ・アメリカン・フロイントシャフト、ディ・クルップスなどの他のバンドは、後にエレクトロニック・ボディ・ミュージックと呼ばれるスタイルを生み出しました。最近では、モニカ・クルーゼ、マルーシャ、ブリュムヒェン、MIAなど、数人のエレクトロニカアーティストが主流で成功しています。ドイツ語テクノの最先端を行くアーティストには、クレーなどがいます。アインシュテュルツェンデ・ノイバウテン（文字通り訳すと、新しい建物が崩壊する）とKMFDM（文字通り訳すと、多数派に同情なし）は、多くのインダストリアルおよびエレクトロニック音楽ファンから、そのジャンルのゴッドファーザーと見なされています。彼らのサウンドは、NIN、マリリン・マンソン、ラムシュタイン、ニュー・オーダーなどのグループの現代的なスタイルを発展させました。アインシュテュルツェンデ・ノイバウテンは、プリンス風のロゴで知られています。このロゴは、いくつかの主流のアメリカ映画に潜在的に融合されています（ウィリアム・フリードキン監督、ハリー・コニック・ジュニア主演の映画「バグ」のタトゥーなど）。KMFDMは、多くの曲を英語でリリースしており、アメリカおよび世界中の膨大な聴衆にとってより聴きやすいものになっています。

1990年代、ドイツはユーロダンスのジャンルにおいて最も成功した貢献者の一つであり、ドイツを拠点とする著名なアーティストには、リアル・マッコイ、スナップ！、カルチャー・ビート、ラ・ブーシュ、キャプテン・ジャック、キャプテン・ハリウッド・プロジェクト、ファン・ファクトリー、マスターボーイ、ハダウェイなどが含まれていました。

2006年以来、プロデューサー兼DJのポール・カルクブレンナーはドイツで人気を博しています。彼は現在、エレクトロニックミュージックの最も有名なパフォーマーの一人です。

トランス ミュージックは、ドイツ統一後の 1980 年代後半から 1990 年代前半にかけてドイツで生まれた電子音楽のスタイルです。ドイツでのトランス ミュージックの発展に続いて、多くのトランス ジャンルが元のトランス ミュージックから派生し、ほとんどのトランス ジャンルはドイツで発展しました。最も有名なのは、「アンセム トランス」または「アップリフティング」または「エピック」トランス、プログレッシブ トランス、および「アンビエント トランス」とも呼ばれるトランスです。

このシーンを象徴する最も注目すべきイベントの一つは、世界中から150万人もの参加者を集めた ラブパレードフェスティバルでした。

スクーターは、国​​内および国際的に大きな成功を収めた、これまでのところ最も成功したドイツのダンスグループです。

近年、ポール・カルクブレンナー、カスケーダ、フェリックス・イェーン、ロビン・シュルツなど、ドイツのDJが人気のEDMジャンルで世界的に成功を収めています。

その他の人気があり影響力のあるドイツの DJ やダンス プロジェクトには、Paul van Dyk、WestBam、DJ Quicksilver、ATB、Ian Pooley、Jam & Spoon、Lexy & K-Paul、Blank & Jones、Sven Väth、 Dune 、ItaloBrothers、Groove Coverage、Novaspace、International Pony、Anthony Rotherなどがあります。

クレズマーは、主に器楽曲で構成されるユダヤ音楽のジャンルです。ドイツでは、1980年代半ばのベルリンの壁崩壊後にクレズマーが大幅に拡大しました。^[25]クレズマーが拡大するにつれて、イディッシュのフォーク運動も拡大し、2つのジャンルはある程度絡み合うようになりました。 1980年代、クレズマーが驚異的な成長を遂げた一方で、東ヨーロッパの多くのユダヤ人は、共産主義の背景を理解し、ホロコーストを体験した人々に記憶を示す手段として、クレズマーに目を向けました。 1980年代にクレズマーグループがヨーロッパ外でツアーを開始すると、アメリカ人はすぐにこの音楽ジャンルに興味を持ちました。ヘンリー・サポズニックは、ヨーロッパ中をツアーしたカペリエとして知られる最初のアメリカ人クレズマーバンドを結成しました。^[25]クレズマーを演奏するアメリカ人の広がりは、このジャンルに新しい調子をもたらし、多くの聴衆を魅了しました。クレズマーを演奏するアメリカのグループのほとんどは、演奏にアメリカン ロックの要素を少し加えていましたが、これは東ヨーロッパの伝統的なクレズマーの音とは異なっていました。多くのアメリカのクレズマー バンドにとって、ドイツで演奏するのは当初は居心地が悪かったようです。ドイツで起こったトラウマのせいで。ドイツの背景にもかかわらず、アメリカのクレズマー バンドは、クレズマーがドイツで人気があるため、ドイツで演奏しなければならない場所だとわかっていました。時間が経つにつれて、クレズマーの聴衆はドイツで増え、アメリカのクレズマー バンドは適応することができました。

ジオラ・フェイドマンは、おそらく最も影響力のあるクレズマー音楽家の一人である。^[要出典]フェイドマンはクレズマーに新たな視点をもたらし、この音楽ジャンルの見方や評価方法に関する新たなイデオロギーを共有した。フェイドマンは、彼自身と彼のスタイルをホロコーストと関連付けたミュージカル劇『ゲットー』の作品で大きな人気を得た。 ^[25]彼はクレズマー音楽に、ホロコーストの記憶とホロコーストによって引き起こされたトラウマを「癒す」方法に焦点を当てた新しいテーマをもたらした。フェイドマンはクレズマーを個人的な表現形式に変え、クレズマーを通じてすべての人々（特にユダヤ人とドイツ人）とすべてのものを結びつけようとした。^[25]彼はクレズマーのイデオロギーを完全に転換し、クレズマーがあらゆるものの中に存在し、宗教に触れ、神とコミュニケーションする方法でさえあることを説明した。^[25]しかし、フェイドマンは自身の思想を行き過ぎて、クレズマーを本来の意図とは異なるものに変えてしまったと考える人もいる。^[要出典]

1980年代にクレズマーは大きな変化を遂げ、1990年代中盤から後半にかけては新たな変化の波が訪れました。クレズマーは、その発祥の地から遠く離れたさまざまなトレンドの代名詞となりました。クレズマーは政治的な声明、癒しの方法、アマチュアミュージシャンが集まって音楽を演奏する方法、失われた伝統と再びつながる方法として知られていました。^[25]

キューバ生まれのシンガーソングライター、アディス・メルセデスの国際的なキャリアのスタート地点はドイツでした。

• ペインター、カレン（2007年）。交響的志向：1900年から1945年のドイツの音楽と政治。ハーバード大学出版局。ISBN 978-0-674-02661-2。
• ケイター、マイケル（2007年）。『歪んだミューズ：第三帝国の音楽家とその音楽』オックスフォード大学出版局。ISBN 978-0-19-509620-0。
• ラックス、カール編。 （1960年）。ドイツ民主共和国の音楽音楽祭、1945 ～ 1959 年。 VEB ライプツィヒ音楽のためのドイツ版。

• ヘルムズ、ジークムント編。 （1972年）。ドイツのシュラーガー: Beiträge zur Analyze der Popularmusik und des Musikmarktes。ブライトコフ＆ヘルテル。注意: 参考文献が含まれています。ドイツ音楽家辞典、177 ～ 235 ページ。 ISBNなし。
• シュッテ、ウーヴェ編（2017年）。ドイツのポップミュージック。コンパニオン。ベルリン、ボストン：デ・グルイテル。ISBN 978-3-11-042571-0。 

• ドイツの音楽 フォークミュージックからクラシック作曲家、現代のロック、ポップ、ヒップホップまで、ドイツの音楽の簡単な伝記、サウンドサンプル、CD。
• ドイツのオーディオ音楽サンプル、ドイツの音楽オーディオサウンドサンプル、フォークミュージックからクラシック、ロック、ポップ、ヒップホップまでの CD、ドイツの音楽オーディオのダウンロード。
• ドイツの音楽に関するウェブポータル、ゲーテ・インスティトゥート