日本の芸術

日本美術は、古代の陶器、彫刻、絹や紙に描かれた水墨画や書道、浮世絵や木版画、陶芸、折り紙、盆栽、そして最近では漫画やアニメなど、幅広い芸術スタイルと媒体で構成さ れています。日本美術は、紀元前10千年紀のいつかの日本における人類の居住の始まりから現在に至るまで、長い歴史を持っています。

日本は、新しい思想に触れる時期と、長い間外界との接触がほとんどなかった時期を交互に繰り返してきた。時間の経過とともに、この国は既存の美的嗜好を補完する外国文化の要素を吸収し、模倣し、最終的に同化していった。日本で最も古い複合芸術は、仏教に関連して7世紀と8世紀に生み出された。9世紀には、日本人が中国から離れて独自の表現形式を開発し始めると、世俗芸術がますます重要になり、15世紀後半まで、宗教芸術と世俗芸術の両方が繁栄した。応仁の乱（1467-1477）の後、日本は1世紀以上続く政治的、社会的、経済的混乱の時代に入った。徳川幕府のリーダーシップの下で出現した国家では、組織化された宗教は人々の生活の中でそれほど重要な役割を果たさず、生き残った芸術は主に世俗的なものであった。明治時代（1868-1912）には西洋のスタイルが突然流入し、それが今でも重要な意味を持ち続けています。

絵画は、アマチュアもプロも同様に、日本で好まれる芸術表現です。近代まで、日本人はペンではなく毛筆で文字を書き、毛筆技法に親しんでいたため、絵画の価値や美学に特に敏感でした。江戸時代の大衆文化の台頭とともに、木版画の一種である浮世絵が主要な形式となり、その技法は大量生産される色鮮やかな絵画を作成するために微調整されました。絵画が伝統的に重視されていたにもかかわらず、これらの版画は、19世紀の西洋世界と日本の芸術との対話において重要な役割を果たしました。この時期の日本人は、彫刻を芸術表現の媒体としてあまり好意的に受け止めていませんでした。日本の大型彫刻のほとんどは宗教と関連付けられており、伝統的な仏教の重要性が低下するにつれて、彫刻の使用は減少しました。

日本の陶器は世界でも最高級品の一つで、日本最古の工芸品として知られる。日本の輸出用磁器は様々な時期に主要産業であった。日本の漆器も世界有数の芸術工芸品の一つで、蒔絵で豪華に装飾された作品はヨーロッパや中国に輸出され、19世紀まで重要な輸出品であった。^{[1] [2]}建築においては、日本人の自然素材への好みや内部と外部の空間の相互作用が明確に表現されている。

日本に最初に定住したのは縄文人（紀元前 10,500年頃 ～紀元前 300年頃）^[3]で、土器の表面を飾る紐模様からその名が付けられた遊牧狩猟採集民で、後に組織的な農業を営み、数百人、場合によっては数千人の人口を抱える都市を築きました。彼らは、土からの暖かさを得るために浅い土穴に木と茅葺きで作った簡素な家を建てました。彼らは、豪華に装飾された陶器の貯蔵容器、土偶と呼ばれる土偶、水晶の宝飾品を製作しました。

縄文時代前期（紀元前5000-2500年）^[3]には、集落が発見され始め、水を沸かすための土器などの日常品が発見されました。この時期に発見された土器は、底が平らで、竹などの材料で作られた精巧なデザインでした。縄文時代の初期の人形の中には、胸や広い腰から、豊穣の道具として使われていたものもあると考えられています。^[3]

縄文中期（紀元前2500-1500年）^[3]は、多くの点で前期縄文時代とは異なっています。この時代の人々は遊牧民ではなくなり、村落に定住し始めました。彼らは、自分たちが集めたり狩猟したりした食物を加工するための便利な道具を作り出し、生活を楽にしました。この時代に発見された数多くの美しい陶器から、彼らが安定した経済とより多くの余暇を持っていたことがわかります。さらに、中期縄文時代の人々は、貯蔵用の壺など、特定の機能を持つ容器を開発している点で先祖とは異なっていました。^[3]これらの容器の装飾は、前期縄文陶器のものよりも写実的でした。^[3]

縄文時代後期・晩期（紀元前1500-300年）^[3]には、気候が寒冷化し、定住者は山から離れた。主な食料源は魚であったため、漁具や漁法が発達した。また、容器の数が増えたことから、各家庭が独自の備蓄を持っていたことが示唆されている。縄文時代後期・晩期に発見された容器の中には、損傷が見られるものがあり、祭祀に使われていた可能性を示唆している。さらに、肉質の体とゴーグルのような目が特徴的な小像も発見されている。^[3]

土偶

土偶は、縄文時代末期に作られた小さな人型や動物の像である。^[4]土偶は沖縄を除く日本各地で作られた。^[4]一部の学者によると、土偶は人間の像であり、共感魔術に使われた可能性があるという 。^[5]土偶は小さな土偶で、通常高さは10～30センチメートル（4～12インチ）である。^[6]ほとんどが女性で、目が大きく、腰が細く、ヒップが広い。^{[4]多くは腹が大きく、}母なる女神であったことを示唆している。^[6]

次の移民の波は、東京で最初に居住地の遺跡が発見された地区にちなんで名付けられた弥生人でした。彼らは紀元前300年頃に日本に到着し、 ^[7]湿地稲作、銅製の武器や銅鐸（銅鐸）の製造、ろくろ成形や窯焼きの陶芸に関する知識をもたらしました。

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  弥生時代の銅鐸、紀元3世紀
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  京都府山城市椿井大塚山古墳出土の神獣鏡銅鏡
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  弥生時代の陶器の壺
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  吉野ヶ里遺跡出土の弥生式祭祀用土器各種
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  紀元前500年から紀元後200年頃の弥生時代の貯蔵壺

日本の先史時代の第3段階である古墳時代（紀元後300年頃～710年）^{[3]は、内部の発展または外部の力に起因する}弥生文化の改変を表しています。この時代は、その墓文化と、これらの墓の外に建てられた青銅鏡や埴輪と呼ばれる粘土の彫刻などの他の遺物で最も有名です。古墳時代を通じて、これらの墓の特徴は、丘の上や尾根に建てられた小さな墓から、平地に建てられたはるかに大きな墓へと進化しました^{[8] 。日本最大の古墳である}仁徳天皇陵には46基の墓があり、鍵穴のような形をしています^[9]。これは、後の古墳に見られる独特の特徴です。^[8]

飛鳥・奈良時代は、542年から645年まで飛鳥谷に日本の政権が置かれ^{[3] 、784年まで}奈良市に置かれていたことからこの名が付けられたが、この時代に初めて大陸アジア文化が日本に流入した。

仏教の伝来は、中国と日本の接触のきっかけとなった。日本人は、中国文化のさまざまな側面を自国文化に取り入れることで利益が得られることを認識していた。それは、思想や音声を文字に変換するシステム、歴史学、効率的な官僚制度などの複雑な政治理論、そして芸術にとって最も重要な、新しい技術、新しい建築技術、より高度な青銅鋳造法、そして新しい絵画技術と媒体である。

しかし、7世紀から8世紀にかけて、日本とアジア大陸との接触における主な焦点は、仏教の発展でした。仏教が日本に正式に伝来した552年から、日本の首都が奈良から遷都された784年までの重要な日付と、さまざまな期間に当てはめる適切な名称については、すべての学者が同意しているわけではありません。最も一般的な名称は、推古時代（552～645年）、白鳳時代（645～710年）、および天平時代（710～784年）です。

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  法隆寺の塔と金堂、8世紀
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  東大寺 法華堂8世紀

日本の最も古い仏像彫刻は、6世紀から7世紀のものとされる。^[10]それらは、最終的には、流れるような衣服の模様と写実的な表現を特徴とする、西暦1世紀から3世紀のガンダーラのギリシャ仏教美術に由来し、 ^[11]そこに中国の芸術的特徴が重ね合わされた。中国の北魏仏教美術が朝鮮半島に浸透した後、様々な移民グループによって仏教の象徴が日本にもたらされた。^[12]特に、半座位の弥勒菩薩像や中宮寺のシッダールタ像に見られるように、日本に伝わった高度に発達した古代ギリシャの芸術様式に取り入れられた。^[13]多くの歴史家は、韓国を単なる仏教の伝達者として描いている。^[14] 三国、特に百済は、538年または552年に日本に仏教の伝統を導入し、形成する上で重要な役割を果たしました。 ^[15] これらは、紀元後数世紀にわたるシルクロード芸術の伝播の終着点を示しています。その他の例としては、日本の風神^[16]、仁王像^[17]、寺院の装飾における古典的花柄の発展などが挙げられます。^[18]

日本で現存する最古の仏教建築物であり、極東最古の木造建築物は、奈良の南西にある法隆寺にある。7世紀初頭に聖徳太子の私寺として最初に建てられ、 41の独立した建物から構成されている。最も重要な金堂と五重塔は、屋根付きの回廊に囲まれたオープンエリアの中央に建っている。金堂は中国の礼拝堂のスタイルで、柱と梁の構造の2階建てで、陶器の入母屋屋根、つまり寄棟屋根が載っている。

金堂内の大きな長方形の基壇には、その時代で最も重要な彫刻がいくつかある。中央の像は釈迦三尊像（623年）で、両脇に菩薩が立つ歴史的な仏像で、亡くなったばかりの聖徳太子に敬意を表して、彫刻家東利仏師（7世紀初頭に活躍）が鋳造した青銅像である。基壇の四隅には、650年頃に木彫りされた四方の守護王がいる。法隆寺にはまた、金堂の木造レプリカである玉虫社が安置されており、高い木台の上に設置され、漆を混ぜた鉱物顔料で描かれた人物画で飾られている。

8世紀の寺院建設は、奈良の東大寺を中心に行われました。各地方の寺院ネットワークの本部として建設された東大寺は、日本の仏教信仰の初期の数世紀に建てられた最も野心的な宗教施設です。本堂である大仏殿に祀られている高さ16.2メートルの仏像（752年完成）は、東大寺が天皇が後援する仏教とその日本全国への普及の中心地であったように、仏陀の真髄を表す盧舎那仏です。オリジナルの像はわずかな断片のみが残っており、現在の大仏殿と中央の仏像は江戸時代の再建品です。

なだらかな丘の中腹にある大仏殿の周りには、いくつかの副堂が集まっている。乾漆（布を漆に浸し、木製の骨組みの上に形を整えたもの）で作られた本尊の不空羂索観音（最も人気のある菩薩）を安置する法華堂、粘土で作られた四天王の壮大な像がある戒壇院、そして正倉院と呼ばれる倉庫である。この最後の建物は、752年の寺院の献納式、盧舎那仏の開眼の儀式で使用された器具、および政府の文書や皇室が所有していた多くの世俗的な品々が保管されているため、美術史の宝庫として非常に重要である。

彫金（ちょうきん）は、金属を彫刻する芸術で、奈良時代に始まったと考えられています。^{[19] [20]}

794年、日本の首都は正式に平安京（現在の京都）に移され、1868年までそこにありました。平安時代という用語は、源平合戦の終わりに鎌倉幕府が設立された794年から1185年までの期間を指します。この時代はさらに平安前期と平安後期（藤原時代）に分けられ、決定的な年は894年で、この年に中国への皇帝の使節団が正式に廃止されました。

平安初期美術:奈良の組織化された仏教の富と権力が増大したことに反応して、僧侶の空海(死後の戒名である弘法大師で最もよく知られている、774-835) は中国に渡り、密教の一形態である真言宗を学び、 806年に日本に伝えました。真言宗の信仰の中心にあるのは、精神世界を図式化した曼荼羅で、これが寺院の設計に影響を与え始めました。日本の仏教建築も、もともとインドの建築様式であった仏塔を中国風の仏塔に取り入れました。

この新しい宗派のために建てられた寺院は、朝廷や都の在家から遠く離れた山中に建てられました。これらの場所の不規則な地形により、日本の建築家は寺院建設の問題を再考せざるを得なくなり、その際に、より土着的なデザイン要素を選択するようになりました。陶器の瓦の代わりにヒノキの樹皮の屋根が使用され、土の床の代わりに木の板が使用され、本堂の前に在家者のための独立した礼拝エリアが追加されました。

初期の平安真言宗寺院の精神を最もよく反映している寺院は、奈良南東の山の奥深くのヒノキ林の中に建つ室生寺（9世紀初頭）である。室生寺の別棟に安置されている「歴史的な」仏像である木造釈迦牟尼像（これも9世紀初頭）は、本波式（うねる波）様式で彫られた厚い布のひだで覆われた重々しい体と、厳粛で内向的な表情を持ち、初期の平安彫刻の典型である。

藤原芸術：藤原時代には、阿弥陀仏（西方極楽浄土の仏）を信じることによって容易に救済されるという浄土宗が広まりました。この時代は、当時国内で最も権力を握っていた藤原家にちなんで名付けられました。藤原家は天皇の摂政として統治し、事実上、独裁者となりました。同時に、京都の貴族は優雅な美的追求に専念する社会を築きました。彼らの世界は非常に安全で美しいため、天国がそれほど異なるとは考えられませんでした。彼らは、世俗と宗教を融合し、貴族の邸宅に似た構造の中に1体以上の仏像を安置する、阿弥陀堂という新しい形式の仏堂を創りました。

京都の南東に位置する宇治市にある平等院鳳凰堂（1053年完成）は、藤原阿弥陀堂の代表作である。大きな人工池の端に建てられた、長方形の主棟と、その両側にL字型の両翼廊と尾廊がある。内部には、高い基壇の上に金色の阿弥陀像（1053年頃 ）が安置されている。阿弥陀像は定朝の作で、新しい比率の規範と、複数の木片を貝殻のように彫り、内側から接合する新しい技法（寄木）が用いられている。堂の壁には天人の小さな浮き彫りが施されている。天人は、阿弥陀が西方極楽浄土から降りてきて、死の瞬間に信者の魂を集め、蓮の花に乗せて極楽浄土に運ぶ際に同行したと信じられている。鳳凰堂の木製扉に描かれた阿弥陀降臨を描いた来迎図は、大和絵（日本画）の初期の例であり、京都周辺の風景が描かれています。

絵巻: 平安時代最後の世紀に、絵巻として知られる横長の物語の挿絵入りの手巻が注目を集めました。1130 年頃に作られた有名な源氏物語絵巻は、現存する最古の大和絵手巻であり、日本絵画の最高傑作の 1 つです。1000 年頃に、皇后彰子の女官であった紫式部によって書かれたこの小説は、源氏の生涯と恋愛、そして彼の死後の平安宮廷の世界を扱っています。12 世紀の絵巻版の画家たちは、各場面の感情的な内容を視覚的に伝える絵画的慣習のシステムを考案しました。19 世紀後半には、より生き生きとした別のスタイルの連続した物語の挿絵が人気を博しました。宮廷の陰謀を扱った巻物である『伴大納言絵詞』（12世紀後半）では、素早い筆遣いと薄いが鮮やかな色彩で描かれた活発な動きの人物が強調されている。

絵巻は、男絵と女絵という絵画様式の最も初期かつ最も優れた例でもあります。この 2 つの様式には、男女の美的嗜好に訴える多くの細かい違いがあります。しかし、おそらく最も簡単にわかるのは主題の違いです。源氏物語の巻物に代表される女絵は、典型的には宮廷生活、特に女官、そしてロマンチックなテーマを扱っています。一方、男絵は、歴史的な出来事、特に戦いを記録することが多かったです。平治物語の巻物の「三条御所夜襲」の部分に描かれている三条御所の包囲(1160) は、この様式の有名な例です。

1180年、最も強力な2つの武家である平氏と源氏の間で戦争が勃発しました。5年後、源氏が勝利し、海辺の村鎌倉に事実上の政権を確立し、1333年までそこにとどまりました。権力が貴族から武士階級に移行したため、芸術は新しい観客を満足させる必要がありました。戦争の技術に専念する人々、読み書きのできない庶民に仏教を広めることに専念する僧侶、そして朝廷の権力の衰退を残念に思う保守派、貴族、僧侶の一部です。このように、写実主義、大衆化の傾向、古典の復興が鎌倉時代の芸術の特徴です。鎌倉時代、京都と奈良は芸術作品の制作と高度な文化の中心地であり続けました。

彫刻：慶派の彫刻家、特に運慶は、より写実的な新しいスタイルの彫刻を生み出しました。奈良の東大寺南大門にある二体の仁王像（1203年）は、運慶のダイナミックで超写実的なスタイルをよく表しています。高さ約8メートル（約26フィート）のこの像は、約3か月かけて複数の木から彫られており、これは、名匠の指導の下で職人が作業するアトリエシステムが発達していたことを示しています。法相宗の伝説的な開祖であるインドの賢人、無量寿と世親を描いた運慶の多色木彫（1208年、奈良、興福寺）は、この時代で最も完成度の高い写実的な作品の1つであり、運慶の作品として、非常に個性的で信憑性のある像となっています。この時代を代表する作品の一つに、運慶の後継者 である快慶が作らせた小野浄土寺の阿弥陀三尊像（1195年完成）がある。

書画：華厳宗の創立の歴史を絵で描いた『華厳縁起絵巻』は、鎌倉絵画の大衆化の傾向を示す好例である。奈良時代の最も重要な宗派の一つである華厳宗は、浄土宗の台頭により苦境に立たされた。源平の争い（1180～1185年）の後、高山寺の明恵上人は宗派の再興と、戦争で未亡人となった女性たちの避難所の提供を求めた。武士の妻たちは、音や考えを書き写すための音節文字（仮名を参照）以上のものを学ぶことを奨励されておらず、ほとんどの女性は中国の表意文字（漢字）が用いられた文章を読むことができなかった。

このように、華厳縁起絵巻は、読みやすい音節を最大限に使って書かれた文章と、登場人物の会話が話者の横に書かれたイラストを組み合わせたもので、現代の漫画に匹敵する技法である。華厳宗を創始した二人の韓国僧侶の生涯を描いたこの絵巻の筋書きは、テンポが速く、海王宮への旅や心を打つ母親の物語など、素晴らしい偉業に満ちている。^{[説明が必要]}

より保守的な作品としては、紫式部の日記の絵入り版がある。彼女の小説の絵巻版はその後も制作され続けたが、リアリズムへの新たな関心に敏感でありながらも富と権力の時代を懐かしむ貴族たちは、作者の時代の華やかさを再現するために日記を復活させ、絵入りにした。最も美しい一節の一つは、紫式部が2人の若い廷臣に部屋に閉じ込められ、そのすぐ外では御所の庭園の苔むした小川の岸辺に月明かりが輝くというエピソードを描いている。

室町時代（1338～1573年）は足利時代とも呼ばれ、日本文化に大きな変化が起こりました。足利氏は幕府を掌握し、その本拠地を京都の室町地区に戻しました。政権が首都に戻ったことで、鎌倉時代の民衆化の傾向は終わり、文化表現はより貴族的でエリート主義的な性格を帯びるようになりました。伝統的に6世紀に中国で創始されたと考えられている禅宗が、再び日本に伝わり、定着しました。

絵画:禅寺が組織した世俗的な事業や中国への貿易使節団のおかげで、多くの中国の絵画や美術品が日本に輸入され、禅寺や幕府に仕える日本の芸術家に大きな影響を与えました。これらの輸入は絵画の主題を変えただけでなく、色彩の使用も変えました。大和絵の明るい色彩は、一般的に白黒または単色の異なる色調のみで描かれた中国風のモノクローム絵画に取って代わられました。

初期の室町絵画の典型は、僧侶で絵師の高翁（15世紀初頭に活動）による、伝説の僧侶である顕子（中国語では仙子）が悟りを開いた瞬間の描写である。このタイプの絵画は、素早い筆遣いと最小限の詳細で描かれている。僧侶で絵師の如拙（ 1400年頃活動）による「瓢箪で鯰を捕る図」（15世紀初頭、京都妙心寺退蔵院）は、室町絵画の転換点を示す作品である。もともとは低い衝立用に描かれたこの作品は、同時代の人物による銘文が添えられた掛け軸として再表装されており、そのうちの1人は、この絵が「新様式」であると述べている。前景には、小川の岸辺で小さな瓢箪を持ち、大きくて滑るような鯰を眺めている男性が描かれている。中景には霧が立ち込め、背景の山々ははるか遠くに見える。 1413 年頃に制作されたこの絵画の「新様式」は、絵画の平面内に深い空間を描き出すという中国的な感覚を表現していると一般に考えられています。

室町時代の最も優れた画家は、僧侶画家の周文と雪舟です。京都の相国寺の僧侶である周文は、竹林読書図（1446年）で、空間に深く沈み込んだ写実的な風景画を描きました。雪舟は、当時のほとんどの画家と異なり、中国に渡り、中国絵画の源流を学ぶことができました。四季を通じて連続する風景を描いた「山水頂観」（1486年頃）は 、雪舟の最も完成度の高い作品の1つです。

安土桃山時代（1573年～ 1603年）、織田信長、豊臣秀吉、徳川家康といった歴代の軍事指導者が、ほぼ100年続いた戦乱の時代に終止符を打ち、日本に平和と政治的安定をもたらそうとした。小領主であった織田は、 1568年に事実上の政権を掌握するほどの権力を獲得し、5年後には最後の将軍足利将軍を追放した。織田の死後、秀吉が指揮を執ったが、世襲制を確立しようとする彼の計画は、1603年に徳川幕府を開いた家康によって阻止された。

絵画:桃山時代の最も重要な絵画流派は狩野派であり、この時代最大の革新は狩野永徳が開発した、部屋を囲む襖に記念碑的な風景を描く方式であった。大徳寺(京都の禅寺) の塔頭である聚光院の庭に面した主室の装飾は、おそらく永徳の作品の現存する最良の例である。巨大な梅の木と一対の松が、対角の角にある一対の襖に描かれており、その幹は隅の柱の垂直線を繰り返し、枝は左右に伸びて隣接するパネルを統一している。同じく京都にある永徳の「唐獅子図屛風」は、武士が好んだ大胆で明るい色彩の絵画スタイルを示している。

永徳と同時代の長谷川等伯は、大画面の衝立絵画に、やや異なる、より装飾的なスタイルを生み出した。京都の智積院に所蔵されている「楓図」では、木の幹を中央に置き、枝を構図の端近くまで伸ばし、永徳の作品よりも平らで建築的要素は少ないが、視覚的に華やかな絵画を生み出している。六曲一双の「松林図」は、霧に包まれた木立を モノクロームの墨で見事に表現した傑作である。

徳川幕府は、1603 年に平和と経済的・政治的安定を国にもたらすという決意のもと、政府の完全な統制権を獲得し、おおむね成功を収めました。幕府は 1867 年まで存続しましたが、西洋諸国からの開国圧力に対処できずに降伏を余儀なくされました。江戸時代の主要なテーマの 1 つは、幕府の抑圧的な政策と、こうした制約から逃れようとする芸術家の試みでした。その最たるものは、外国人とその文化の装身具に対して国を閉鎖し、衣服、結婚相手、従うべき活動など、生活のあらゆる側面に影響を及ぼす厳格な行動規範を課すことでした。

しかし、江戸時代初期には徳川の政策の影響はまだ完全には感じられず、京都の桂離宮や琳派の先駆者である俵屋宗達の絵画など、日本の建築と絵画における最も優れた表現のいくつかが生み出されました。

木版印刷:木版印刷はもともと、8 世紀の日本で仏典を翻訳するために使用されていました。木版印刷は、木片に画像や絵を彫り、それを紙に押し付けるものです。8 世紀には、木版は印刷されたテキストを複製するための便利な方法と考えられていましたが、さらなる革新により、紙に色を翻訳できるようになり、錦絵印刷として知られるようになりました。木版印刷は、11 世紀から 19 世紀にかけて一般的な印刷方法でした。錦絵印刷は、江戸時代に裕福な社会のメンバーによく販売されていたカレンダーなどの商品を制作しました。江戸時代には、これらの版画には著名な俳優の出来事や場面が描かれていました。その後、江戸時代初期には、浮世は木版印刷に関連付けられました。これらの浮世絵画は、社会の著名なメンバーの日常生活を描いています。浮世は最初、普通の庶民の生活を描いた手彫りの巻物として始まりました。

建築： 源氏の御所を模して建てられた桂離宮には、日本の古典建築の要素と斬新なアレンジを加えた書院造りの建物が並び、敷地全体が散策路のある美しい庭園に囲まれています。多くの有力大名が領国に 回遊式の日本庭園を造り、美しさを競いました。

絵画：宗達は、金箔の背景に鮮やかな色彩の人物や自然界のモチーフを用いて古典文学のテーマを再現することで、優れた装飾スタイルを生み出しました。彼の最高傑作の一つは、ワシントン DC のフリーア美術館にある「松島図屛風」です。1 世紀後、光琳は宗達のスタイルを再構築し、独自の視覚的に華やかな作品を制作しました。おそらく彼の最高傑作は「紅白梅図屛風」でしょう。

彫刻：円空僧侶が荒々しく個性的な作風で12万体の仏像を彫りました。

浮世絵と南画（文人画）

西洋で最もよく知られている芸術流派は、浮世絵や木版画で、歌舞伎の世界や遊郭を題材にしています。浮世絵は17世紀後半に制作が始まり、1765年に春信が最初の多色刷りの版画を制作しました。鳥居清長や歌麿など、次の世代の版画家たちは、優雅で、時には洞察力に富んだ遊女の描写を生み出しました。

19世紀には葛飾北斎と広重が支配的な人物で、後者はロマンチックでいくぶん感傷的な風景画の作者であった。広重が風景を眺める際に用いた奇妙な角度や形、そして平面と強い直線の輪郭を強調した清長や歌麿の作品は、エドガー・ドガやフィンセント・ファン・ゴッホといった西洋の芸術家に大きな影響を与えた。西洋の美術館に所蔵されている作品を通じて、これらの版画家たちは後に、エズラ・パウンド、リチャード・オールディントン、HD ^[21]といった初期モダニズムの詩人たちが用いたイメージや美的アプローチに強い影響を与えることになる。

浮世絵と同時代の絵画の流派に南画、あるいは文人画があり、中国の学者画家が描いた絵を基にしたスタイルである。浮世絵師が徳川幕府の規制の外の生活を描いたのと同様に、文人画家は中国文化に目を向けた。このスタイルの代表例としては、池大雅、与謝蕪村、田能村竹伝、山本梅逸などがあげられる。

陶芸

伝統的な、主に石器のスタイルは日本の多くの地域で継続されましたが、日本の陶磁器は、1590年代の朝鮮侵略の過程で捕らえられたか移住を説得された朝鮮の陶工の大規模な流入により、江戸時代の初め頃に変化しました。これらの多くは南の島である九州に定住し、より正確な高温制御を可能にする、日本で登り窯と呼ばれる中国式の室式登り窯のバージョンの経験をもたらしました。1620年頃までに彼らはカオリナイトの鉱床を発見し、日本で初めて磁器を作り始めました。初期の陶器（「初期伊万里」と呼ばれる）は比較的小さく、日本がしばらく輸入していた中国の釉下青白磁を模倣していました。 ^[22]

1650年代後半、内戦による中国の産業の崩壊により、中国の貿易業者やオランダ東インド会社からの大量の注文が入り、磁器産業は大きく拡大した。当時、貿易業者は日本でのみ取引を許可されていた。日本の磁器輸出の第1期は1740年代頃まで続き、日本の磁器の大部分は輸出用に作られ、主にヨーロッパ向けであったが、日本西部と南部のイスラム世界にも輸出された。^[23]日本の陶器は世界でも最高級品の一つである。^{[24] [25]}

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  古九谷五彩色絵花鳥文酒瓶 、江戸時代、17世紀
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  古伊万里皿、1700～1740年

漆器：

経済や文化の発展とともに、漆器の芸術性も向上した。本阿弥光悦や尾形光琳は琳派の図案を漆器に取り入れた。江戸中期からは薬入れ用の印籠に蒔絵や螺鈿細工を施した華やかな装飾が施されるようになり、武家や町人階級の豪商の間で人気を博し、幕末には実用品から美術コレクションへと変化した。^{[26] [27]}漆器の輸出は安土桃山時代以降も続いた。この時代の漆器のコレクターとしてはマリー・アントワネットやマリア・テレジアが知られている。^[2]

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  尾形光琳作「八橋燕子花図漆塗箱」国宝

1868年に天皇が統治権を取り戻すと、日本は再び新しい異質な文化に侵略されました。戦前の時代、西洋の文化的価値観の導入により、日本の芸術だけでなく、文化のほぼすべての側面において、伝統的な価値観と、さまざまな衝突する新しいアイデアを複製して同化しようとする試みとの間で二分化が起こりました。この分裂は20世紀後半まで顕著でしたが、その頃にはすでに多くの統合が起こり、国際的な文化的雰囲気が生まれ、現代の日本の芸術はこれまで以上に革新的な形式へと刺激されました。

政府は美術品輸出市場に積極的な関心を示し、1873年のウィーン万国博覧会を皮切りに、次々と世界博覧会で日本美術を宣伝した。^{[28] [29]} 政府は博覧会に多額の資金を提供するだけでなく、日本文化を世界に紹介する取り組みにも積極的に関わった。政府は美術品の輸出を促進し商業化するために半官半民^{の会社である第一工業製造会社を設立し[30]}、品質基準を維持するために博覧会事務局を設立した。^{[29] 1876年にフィラデルフィアで開催された}百年祭万国博覧会では、日本政府は百年祭事務局を設置し、展示される3万点の品々のための場所を確保するため特使を派遣した。^[31]皇室も美術工芸品に積極的な関心を示し、外国の要人への贈り物として作品（「献上品」）を発注した。^[32] 1890年に、優れた芸術家を表彰する帝室技芸員制度が創設され、1890年から1944年までに70人が任命されました。 ^[33]これらの中には、画家で漆芸家の柴田是真、陶芸家の真葛香山、画家の橋本雅邦、七宝作家の並河靖之などがいました。^[33]

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  屏風 龍虎図左側 明治28年（1895年）橋本雅邦作
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  龍虎図 屛風右面 1895年 橋本雅邦作

西洋からの輸入品が人気を博すにつれ、日本国内では日本美術の需要が減少した。^[34]ヨーロッパやアメリカでは、日本美術が新たに入手可能になったことで日本文化への関心が高まり、ヨーロッパではジャポニスムとして知られる流行となった。^[35]皇室の支援、政府の後援、新しい観客への宣伝、そして西洋の技術が組み合わさって、日本の芸術革新の時代が生まれた。装飾芸術において、日本の芸術家たちは技術的な洗練度の新たなレベルに到達した。^[30]

現在、村田正之氏は1万点を超える明治美術作品を所有しており、最も熱心なコレクターの一人である。当時から明治美術の優れた作品の多くは海外のコレクターに買われ、日本国内に残るのはごくわずかであったが、彼が海外から多くの作品を買い戻し、清水三年坂美術館を開設したことで^[36]、21世紀以降、日本において明治美術の研究と再評価が急速に進んだ。^[37] ナセル・ハリーリ氏も世界で最も熱心な明治美術コレクターの一人で、彼のコレクションは多くのジャンルの明治美術を網羅している。日本の皇室も明治美術の優れた作品を所有しており、その一部は国に寄贈され、現在は皇室コレクション美術館に収蔵されている。

20 世紀初頭までに、ヨーロッパの芸術形式が広く導入され、その融合により、現在も残る東京駅や国会議事堂などの著名な建物が生まれました。東京駅は、レンガ造りで擬似ヨーロッパ風の擬似建築です。このスタイルの建物は都市部に建てられました。

小川治兵衛によって多くの芸術的な新しい日本庭園が造られました。

日本人が西洋の芸術形式に対して最初にとった反応は、心のこもった受容であり、1876年に工部美術学校が開校し、イタリア人教師を雇って西洋の手法を教えた。2番目の反応は、岡倉天心とアメリカ人アーネスト・フェノロサが先頭に立って、反対方向への振り子運動であった。彼らは、日本の芸術家に対し、伝統的なテーマと技法を保持しながらも、より現代の嗜好に合った作品を作るよう奨励した。この戦略は、第一次世界大戦に至るまでの数年間、カルカッタ、ロンドン、ボストンにまで日本美術の影響を広げることにつながった。 [ 38 ^]ヨーロッパと東アジアに由来するこれら2つの芸術理論の極から、洋画と日本画というカテゴリーが生まれ、これらは現在も通用している。

明治時代、日本の七宝焼は技術的に最高潮に達し、それまでに存在したどの七宝焼よりも進んだ作品が作られるようになった。 ^[39] 1890年から1910年は日本の七宝焼の「黄金時代」と呼ばれた。^{[40]芸術家たちは、}七宝（金属片を包む）の必要性を減らし、より大きな七宝の塊を作るために、ペーストや焼成工程を実験した。 ^[39]こうして七宝焼は、伝統的な絵画に似た、あるいはそれを模倣したデザインを持つ、より絵画的な媒体となった。^[41]花、鳥、昆虫を題材にした日本独自のデザインの七宝焼が人気を博した。特に、並河靖之と並河宗介の作品は万国博覧会に出品され、多くの賞を受賞した。^{[42] [43] [44] [45]}二人の並河とともに、安藤七宝焼は多くの高品質の七宝焼を生産してきた。日本のエナメルは、デザインと色彩における新たな成果により、比類のないものとみなされました。^[46]

明治時代になると、芸術家たちが新しいデザインを開発し、新しい質感や仕上げを実験するにつれて、漆への関心が再び高まりました。 ^[47] 蒔絵（漆に金や銀の粉を塗って装飾すること）は、この時代の高品質の漆器の最も一般的な技法でした。^[48] 柴田是真は、幕末から明治時代にかけて作品で高い評価を得た漆工です。江戸時代に作られた柴山漆器や相馬田漆器と呼ばれる漆器は、金、銀、貝、象牙、色とりどりの金属やガラスを象嵌した派手なスタイルで人気を博し、この時代に最盛期を迎えました。^[49]日本の工房で作られた漆は、世界のどこで生産されるものよりも技術的に優れていると認識されていました。^[50]

明治時代の初めには、それまで輸出されていた漆器や磁器とは異なり、日本の金属細工は国外ではほとんど知られていなかった。^[51]金属細工は、例えば梵鐘や香炉に青銅が使われるなど仏教の実践と結びついていたため、仏教が国教から転落すると、金属細工師が活躍する機会は減っていった。^[51]国際博覧会は、日本の鋳造青銅を新たな海外の観客に紹介し、高い評価を得た。^[51]武士の武器の歴史は、日本の金属細工師に幅広い色の金属仕上げを生み出す能力を与えた。銅、銀、金をさまざまな割合で組み合わせて仕上げることで、赤銅や四分一などの特殊な合金を作り出した。この多様な合金と仕上げにより、芸術家はフルカラーの装飾のような印象を与えることができた。^[52]

明治時代になると、和服が洋装化され始め、着物を着る人が減ったため、象牙や木で根付やキセルを作る職人は需要がなくなった。そこで彼らは室内装飾用の象牙彫刻という新たな分野の開拓を試み、精巧な作品が海外に輸出されたり皇室に買われたりした。特に、石川光明や旭玉山の作品は国内で高い評価を得た。^[53]

明治時代の技術革新と芸術革新により、磁器は国際的に最も成功した日本の装飾芸術の一つとなった。^[54] 薩摩焼はもともと薩摩地方の陶器に付けられた名前で、金箔とエナメルで精巧に装飾されていた。これらの陶器は西洋で高く評価された。西洋では明らかに日本的と見られていたこのスタイルは、実際には輸入顔料と西洋の影響を大きく受けており、輸出を念頭に置いて作られたものだった。^[55]多くの都市の工房は、ヨーロッパやアメリカからの需要を満たすためにこのスタイルの生産に競い合い、多くの場合、迅速かつ安価に生産した。そのため、「薩摩焼」という用語は、原産地ではなく、純粋に輸出用に作られた低品質の陶器と結び付けられるようになった。^{[56]それにもかかわらず、}藪鳴山や真葛香山などの芸術家は、最高の芸術的基準を維持しながら、輸出にも成功した。^[57] 1876年から1913年にかけて、香山は万国博覧会や内国勧業博覧会など51の博覧会で賞を受賞した。^[58]

1902年版のブリタニカ百科事典には、「日本の装飾の天才が応用芸術のどの分野よりも魅力的な成果をあげているのは織物分野であり、近年これほど目覚ましい進歩を遂げた分野はない」と記されている。 [ ^{59]京都では非常に大きくて色鮮やかな絵画作品が制作されていた。刺繍は、}キアロスクーロや空気遠近法などのさまざまな絵画技法を取り入れ、独自の芸術形式となっていた。^[59]

1945年の第二次世界大戦での日本の敗戦直後、多くの日本の芸術家が日本共産党の影響下に入り、あるいは参加した。共産党は、戦前および戦時中の日本の警察による長年の弾圧の後、米国主導の日本軍占領によって合法化されたばかりだった。 ^[60]これは、戦後初期に共産党が日本で戦時軍国主義に抵抗した唯一のグループであるという考えを広めることに成功したことと関係がある。^{[61]さらに、「共産主義革命の先鋒」という意味の「}前衛」という日本語は、芸術的前衛における「アバンギャルド」という意味で使われるのと同じ語である。^[62]日本共産党はすぐに日本の主要な美術協会や展覧会を支配するようになり、そのため終戦直後の美術の主流は、すべての芸術は革命の大義を推進する目的に奉仕すべきであるという共産党の教義に沿って、貧困層の苦しみと労働者階級の高貴さを描いた社会主義リアリズムであった。 ^[61] 1952年、共産党は桂川博や新しく結成された前衛美術会（前衛美術会）の他の会員などの芸術家に、日本で暴力的な革命を扇動しようとしていた「山岳ゲリラ隊」を支援するために山岳地帯に出て社会主義リアリズムの芸術を制作するよう命じた。^[63]

1950年代を通じて、多くの日本の芸術家は共産党が強制した厳格で限定的な「芸術」の定義にますます幻滅していった。^[64]しかし、芸術協会や展覧会の審査員の上級職に共産党員や支持者が引き続き優位に立っていたため、芸術家たちは党のガイドラインに従わない限り、作品を展示することさえ極めて困難であると感じた。^{[65]正式な公開展覧会を避ける芸術家もいた。他の芸術家は、1954年に設立されたコンセプチュアルアーティストの}グループである具体美術協会のように、海外で認知され、資金援助を受け、作品を展示する機会を求めた。さらに他の芸術家は、読売新聞が主催した誰でも参加できる読売アンデパンダン展など、日本で数少ない審査のない「インディペンデント」展覧会を利用した。 [ ^66]

決定的な一撃となったのは、 1960年に日米安全保障条約（日本語では「安保」として知られる）に反対する大規模な抗議運動だった。これは、いわゆる「先駆者」共産党が極めて消極的な役割を果たしたためである。抗議運動が条約を阻止できなかったとき、非難の応酬が続き、共産党と社会主義リアリズム芸術に対するさらなる幻滅が起こり、さらに多くの芸術家が党の影響から離脱することになった。^[67]

社会主義リアリズムの支配が薄れていく中で、1960年代には日本において新たな芸術形態が爆発的に増加し、芸術は「ポストモダン」と呼ぶべき新たな方向に拡大していった。^[68]ネオダダ・オルガナイザーズ、ゼロ次元、ハイレッド・センターなどの芸術家集団は、「非芸術」や「反芸術」といった概念を探求し、芸術と日常生活の境界を侵食することを目的とした大胆な「イベント」や「ハプニング」、その他のパフォーマンスアートの形態を数多く実施した。もの派も同様に、芸術、空間、風景、環境を分ける境界を押し広げた。グラフィックデザイナーの横尾忠則などの他の芸術家は、1960年代のカウンターカルチャーや、成人向け漫画コミックの新しい形態の爆発的な増加からインスピレーションを得た。舞台芸術では、土方巽が舞踏と呼ばれるポストモダンダンスの新しい形式を開拓し、唐十郎や佐藤信などの劇作家はアングラスタイルの過激な「アンダーグラウンド」演劇を生み出した。^{[69]そして写真では、}森山大道などの写真家が、慎重に演出された構図よりも自発性を重視し、「アレ、ブレ、ボケ」（文字通り「粗い、ぼやけた、焦点が合っていない」）の特徴を称賛した、非常に影響力のある戦後の写真の新しい流派を開拓した。^{[70] [71]}

新しいタイプのアートの急増は、1960年代の日本経済の驚異的な成長によって支えられ、これは「日本の奇跡」として記憶されています。1960年代を通じて、日本経済は年間10％以上成長しました。富の増加により、アートにお金を使い、さまざまなタイプのアートやアーティストを支援する余裕のある新しい消費者層が生まれました。日本の近代史で初めて、かなりの数のアーティストが純粋にアートの販売によって生計を立てることが可能になりました。1960年代の日本の建設ブームは、古い木と紙の伝統的な日本建築を壊し、ガラスと鋼鉄のきらめく巨大都市に置き換えましたが、これは、従来のモデルから大胆に脱却し、世界中で影響力を発揮した丹下健三によるメタボリズム（建築）運動などのまったく新しい日本建築の流派を刺激するのに役立ちました。

しかし同時に、芸術界は特定の（通常は男性の）芸術家の作品を他の芸術家よりも推進する派閥によって支配され続けました。1960年代に日本人が海外に渡航することがはるかに容易になったため、草間彌生やオノ・ヨーコなどの女性芸術家は海外でよりよい評価を受け、多くの男性芸術家と同様にロンドン、パリ、ニューヨークなどの芸術の中心地へと移りました。

日本の新たな芸術形態の勝利は1970年の大阪万博で確固たるものとなり、この万博では数十人の前衛芸術家やコンセプチュアルアーティストがパビリオンや来場者のための芸術体験の設計に雇われた。^[72]日本の前衛芸術は世界に広まり、保守的な政府でさえ世界に誇れるものとなった。

1970年代と1980年代には、日本の芸術は1950年代と1960年代に始まった多くの方向性を継続しましたが、日本経済が急速に拡大し続け、最終的には歴史上最大の経済バブルに成長したため、多くの場合、はるかに大きな予算とより高価な材料が使用されました。 1985年のプラザ合意をきっかけに日本の通貨が信じられないほど強くなり、日本の個人や団体が国際アート市場の主要プレーヤーになりました。非常に裕福な日本の大企業は、独自の私設美術館を建設し、近現代アートのコレクションを取得し始め、日本のアーティストもこれらの支出から大きな利益を得ました。

特に、芸術作品は伝統的な絵画や彫刻から離れ、グラフィックデザイン、ポップアート、ウェアラブルアート、パフォーマンスアート、コンセプチュアルアート、インスタレーションアートへと傾向を強め、さまざまなタイプの「ハイブリッド」アートがますます流行しました。技術が進歩するにつれ、アーティストはますますエレクトロニクス、ビデオ、コンピューター、合成音楽やサウンド、ビデオゲームをアートに取り入れるようになりました。多くの若いアーティストが浸かって育ったマンガやアニメの美学は、時には非常に微妙ではあるものの、ますます大きな影響力を発揮しました。とりわけ、アーティストは「ハイアート」や「ファインアート」を連想させるものを避け、個人的なもの、折衷的なもの、幻想的なもの、遊び心のあるものを好みました。その過程で、吉澤美香などの女性アーティストが日本のアート界でますます受け入れられ、支持されるようになりました。

日本の現代美術は、世界の現代美術全般と同じくらい多くの形態をとり、多くの異なるアイデアを表現しています。それは、すでに述べたように広告、アニメ、ビデオゲーム、建築から、彫刻、絵画、ドローイングなど、あらゆる形態に及びます。日本のアーティストは、建築、ビデオゲーム、グラフィックデザイン、ファッション、そしておそらく何よりもアニメーションの分野で、世界の現代美術に特に顕著な貢献をしてきました。アニメは当初、主に漫画の物語から派生していましたが、^{[出典が必要]}現在では多様なアニメが溢れており、多くのアーティストやスタジオがアーティストとして大きな名声を獲得しています。宮崎駿やスタジオジブリのアーティストやアニメーターは、一般的にアニメ界最高のアーティストの一人と見なされています。

同時に、多くの日本の芸術家は、和紙や陶磁器の伝統的な形式、紙や絹の上に黒や色のインクで描いた絵画など、前近代から受け継がれた日本の伝統的な芸術技法や材料を使い続けています。これらの作品の中には、伝統的な主題を伝統的なスタイルで描いたものもあれば、伝統的な媒体や材料を使用しながら、新しい異なるモチーフやスタイルを探求したり、伝統的な芸術形式と現代的な芸術形式のハイブリッドを作ったりするものもあります。また、日本の媒体やスタイルを避け、西洋の油絵の具やその他のさまざまな形式を採用する人もいます。

彫刻でも同じことが言えます。伝統的な様式にこだわるアーティストもいれば、現代的な感覚で表現するアーティストもいます。また、西洋やまったく新しい様式、スタイル、媒体を選ぶアーティストもいます。秋山陽は、多くの現代日本の彫刻家の 1 人です。彼は主に粘土や陶器を制作し、非常にシンプルで率直で、まるで土から生まれたかのような作品を制作しています。別の彫刻家は、鉄などの現代的な素材を使用して、イスラエルの港湾都市ハイファに「花火」と呼ばれる大きな現代美術彫刻を制作しました。小島菜穂子は、立体的に吊るす切り絵の技法を開拓した現代の切り絵アーティストです。

村上隆は、西洋世界で最もよく知られている日本の現代アーティストの 1 人と言えるでしょう。村上と彼のスタジオの他のアーティストは、アニメにインスピレーションを受けたスタイルで作品を制作しており、彼はこれを「スーパーフラット」と呼んでいます。彼の作品は、絵画から彫刻までさまざまな形をしており、中には非常に巨大なものもあります。しかし、すべてではないにしても、ほとんどの作品に、明るい色彩と簡素化されたディテールが使われており、このアニメの影響が非常にはっきりと表れています。

草間彌生、奈良美智、杉本博司、塩田千春、森山大道、森万里子、タカノ綾、束芋は、日本の現代美術の分野で重要なアーティストと考えられています。^{[73]アーティスト集団である} 1965年グループには、現代美術家の会田誠がメンバーとして含まれています。^[74]

日本の伝統的な音楽、舞踊、演劇の多くは現代世界でも生き残っており、日本の文化的価値観と再同一視されることにより一定の人気を博している。仏教、神道、民俗など古代の宗教的使用に起源を持つ伝統的な音楽と舞踊は、能、歌舞伎、文楽などの演劇の中に保存されてきた。大陸から派生した古代の宮廷音楽と舞踊は、皇室の楽士や寺社の一座を通じて保存されてきた。世界最古の楽器のいくつかは、縄文時代から日本で継続的に使用されており、 2弦から4弦の石と土の横笛と琴が発見されていることからもそれがわかる。これに弥生時代の金属製の鐘と銅鑼が加えられ、初期の音楽アンサンブルが作られた。初期有史時代（6世紀から7世紀）までに、様々な大小の太鼓、銅鑼、チャイム、フルート、弦楽器が存在し、輸入されたマンドリンのような琵琶や、13弦の琴へと進化した平たい6弦の琴などがありました。これらの楽器は、7世紀の大陸由来の儀式用の宮廷音楽（雅楽）のオーケストラを形成しました。雅楽は、伴奏の舞楽（一種の宮廷舞踊）とともに、宮廷や古代の寺院、神社で今も演奏されている最も古い形式の音楽です。仏教は、現在でも使用されている詩吟の基礎となるリズミカルな詠唱をもたらし、それが土着のアイデアと結びついて、能などの声楽の発展の基礎となりました。

日本美術は独特の両極性を特徴としている。例えば、先史時代の陶磁器では、華やかさの後に規律正しく洗練された芸術性が続いた。もう一つの例は、正反対の16世紀の2つの建造物である。桂離宮は、自然素材、粗野で手入れされていない素材、偶然の美への親和性を重視したシンプルさを追求したものであり、日光東照宮は、目に見えるすべての表面を覆う鮮やかな色のレリーフ彫刻で満たされた厳密な対称性の建造物である。日本美術は、そのシンプルさだけでなく、色彩豊かさでも評価されており、19世紀の西洋絵画や20世紀の西洋建築に大きな影響を与えた。

多様な文化的伝統に由来する日本の美的概念は、独特の芸術形態の創出に影響を与えてきました。何世紀にもわたって、幅広い芸術的モチーフが開発され、洗練され、象徴的な意味を帯びるようになりました。真珠のように、それらは多くの意味の層と高い光沢を獲得しました。日本の美的感覚は、西洋の伝統から生まれたものとは明らかに異なる芸術作品を理解するための鍵を提供します。

東アジアの芸術的伝統において、中国は認められた師であり、日本は熱心な弟子である。しかし、日本の芸術の中には、中国のさまざまな芸術とは区別できる独自のスタイルを発展させたものもある。中国の芸術形態の記念碑的で対称的にバランスが取れた合理的なアプローチは、日本人の手によって小型化され、不規則で、微妙に示唆的なものとなった。選りすぐりの少数の植物で庭園を表現するミニチュアの石庭、小さな植物（盆栽）、生け花（フラワーアレンジメント）は、千年にわたって洗練された貴族のお気に入りの趣味であり、現代の文化生活の一部であり続けている。

対角線は、固定された三角形ではなく、自然な流れを反映しており、絵画、建築や庭園のデザイン、ダンスのステップ、楽譜など、あらゆる場面で好まれる構造的デバイスとなった。中国のマスターパターンの規則性では、偶数が奇数に置き換えられ、一方に引っ張ることで、モチーフが三次元オブジェクトの角を曲がることができるため、静的な正面のデザインに欠けている連続性と動きが生まれる。日本の画家は、12世紀までに、カットオフ、クローズアップ、フェードアウトのデバイスをやまと絵、つまり日本式の巻物絵画で使用していたが、これはおそらく、近代映画製作が日本で非常に自然で成功した芸術形式である理由の1つである。直接的な陳述よりも暗示が使用され、婉曲的な詩的なヒントや、暗示的で結論の出ないメロディーや考えは、文学、音楽、絵画、さらには日常言語の意味を理解しようとする西洋人にとってはフラストレーションのたまるものであることがわかった。

日本人は、少なくとも 10 世紀か 11 世紀までには、こうした美的概念を多くの刺激的なフレーズで定義し始めていた。平安貴族時代の宮廷風の洗練は、渋いと呼ばれる控えめな芸術における上品さの真髄とされる上品な簡素さへと発展した。禅仏教の瞑想の実践に由来する 2 つの用語は、静けさの度合いを表している。1 つは、つつましい憂鬱 (わび)の中に見出される安らぎ、もう 1 つは、控えめな美の享受に伴う静けさ (さび) である。禅の思想は、悟りという目標に向かって意識を揺さぶるために、予想外のものや驚くべきものを組み合わせる傾向にも寄与した。芸術では、このアプローチは、鉛を漆に象嵌するなど、ありそうもない素材の組み合わせや、詩的なイメージの衝突で表現された。意外にユーモラスで、時にはグロテスクなイメージやモチーフも、禅の公案に由来している。江戸時代以降、芸術は主に世俗的なものとなってきましたが、一般的に宗教に由来する伝統的な美学や訓練方法は、今でも芸術作品の根底に残っています。

日本の現代美術は、しばしば日本独特のテクノロジーとの関係に大きく影響され、伝統的な形式や概念を新しい美学やテクノロジーの現状に対する不安と融合させ、また第二次世界大戦後の日本の多様な経済史に大きく影響されています。日本の現代美術は、孤立と非人格化、デジタル技術の増大する力と影響力、そしてますますグローバル化され相互接続される世界が日本文化に与えた影響の度合いといったテーマに深く関わっています。

日本はインターネットに大規模に接続された最初の国の一つであり、携帯電話の普及を最初に導入した国の一つであったため、日本の芸術は、ユビキタスな接続性が社会に与えた劇的な社会的影響を批判的に評価した最初の芸術形態の一つでした。逆に、インターネット上で配信された日本の芸術の量は、マンガやアニメなどの大衆文化芸術を含む日本の芸術と美学が、1990年代から2000年代を通じてインターネット文化に多大な影響を与えたことを意味しており、その影響は今日でも感じられるだけでなく、日本のアーティストがオンライン生活の本質を批判的に探求し続けるよう促しました。

日本の芸術は、日本の大衆文化が世界のポップカルチャーで果たす役割の増大にも影響を受けている。マンガ、アニメ、ビデオゲーム、大衆向け映画、および関連する文化製品は、1970年代以降、日本の芸術の世界で規模と影響力を増し続けており、これらの作品で表現されるテーマは、しばしば日本の現在の不安を反映している。これらのメディアの美的言語と慣習は、海外でも日本の芸術と文化の全体を表すようになってきている。たとえば、 「かわいい」の美学は、もともと15世紀に遡る日本芸術の伝統的な概念から派生したものだが、^[75]戦後の日本で人気のマンガやアニメシリーズの中で探求され、今日では現代の日本文化の中心とみなされている。^[76]

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  マンガでよく見られる描画スタイル。ここ数十年で、マンガは世界的に人気が高まっただけでなく、今では日本の重要な美的感覚を定義するものにもなっています。時が経つにつれ、マンガでよく見られるアートスタイルは、芸術の進化に応じて変化してきました。
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  東京で発見されたカワイイファッション。2000年代初頭に若者のサブカルチャーの間で人気を博したカワイイファッションは、ロリータファッションを含む多くの美的サブカルチャーに急速に分化しました。
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  ジャパンエキスポ2014の「大阪カワイイ」展示。日本はクールジャパンなどの取り組みを通じて、日本の芸術の人気を利用して国のソフトパワーを強化しようと試みてきた。
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  2000 年代に典型的な日本の折りたたみ式携帯電話と携帯ストラップ。これらの携帯電話とストラップは、平成初期の若者文化の象徴であり、スマートフォンの登場により折りたたみ式携帯電話が他の国で廃れた後も、日本で長く普及し続けました。
• 初音ミクのホログラムがコンサートで演奏します。もともと音声合成装置として開発されたミクは、かわいい文化、人工性への疑問、草の根音楽制作の成長、アーティストの変化する性質の象徴となりました。
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  キズナアイは、モーショントラッキングソフトウェアを使用して俳優がリアルタイムで演じる、アニメ風の仮想キャラクターである、初の大規模VTuber です。VTuber は、2010 年代半ばに日本で人気を博し、その後世界中で急速に人気が高まりました。

伝統的な日本の美学は、最古の世紀に由来する日本文化の美の形態です。少なくとも 200 年以上前のものです。これらの初期の美学の一部は、仏教美術の融合、侘び寂び、雅、渋い、序破急など、日本の美学全体を構成しています。

日本文化におけるこの美学は、不完全なものも含め、あらゆるものの中に美しさがあるなど、多くのことで知られています。慎み深く型破りなものが、わびさびの美学と見なされています。わびとさびは、不完全さの中にある美の美学を一緒に作り上げています。分けて考えると、どちらも異なる用語として機能します。わびは、新鮮でシンプルな作品を表し、すべての複雑さを意味し、関連するすべてのものに非常に素朴な感触を持っています。自然から作られ、人間自身から作られています。偶然に作られた場合、作品に特定のユニークさをもたらします。さびは、美しさであり、それがどのように年月を経て生まれるかです。人生のサイクルはさびにおいて大きな役割を果たしており、時間の経過とともに老化による修復損傷を受ける作品の美しさの感覚を美学に加えています。わびとさびを組み合わせると、開発されたすべてのシンプルな作品に複雑なデザインは必要ないという美学が生まれます。美しさを見つけるために絶対的な完全性も必要ではなく、年月とともにより繊細な美しさが生まれます。

わびさびは、日本文化において常に茶道と関連付けられてきました。これらの儀式は、わびさびの奥深い行事であると言われています。わびさびは、建築、ファッション、哲学などの活動にも関連しています。わびさびのこれらすべての部分は、不完全な仕事などのすべての不完全さが否定できない美しさを持っているという同じテーマを共有しています。ただし、もちろん、誰もがわびさびの背後にある考えを好むわけではありません。これは事実ですが、他の人が信じていることに関わらず、その信念を生かし続けたいと望む人もたくさんいます。全体として、わびさびは日常生活に対する非常にマインドフルなアプローチのようです。物事を冷静に見る方法、そして批判的にならずに生きる方法です。わびさびを理解するとき、美学に強く関連する用語もあります。

風琴星（ふきんせい）：非対称、不規則。

Kanso: シンプルさ。

ココ：ベーシック、風化。

自然：気取らず、自然。

幽玄：目立たない、微妙に深い恩寵。

脱族：慣習にとらわれず、自由。

静寂：静けさ、沈黙。

これらの用語は、わびさびの理解全体を分解するために使用されています。それはむしろ、全体的な美学の哲学的側面と、周囲の環境をどのように見るかということに関連しています。これらは、人間の考え、人生の特定の側面の背後にあるテーマ、または自然そのものなど、いくつかのことを暗示しています。各用語は、わびさびが不完全または不完全な小さなものを評価する美学であるという点に戻ります。^{[引用が必要]}

日本の現在進行中の歴史において、雅は多くのことを表すことができます。しかし、それは優雅さ、美しさ、洗練、礼儀正しさの概念を中心にしているようです。このため、それは文化におけるほとんどの日本の美学の中で古い美学の1つです。それが、雅と比較してより新しいかもしれない他のものほど人気が​​ない理由を説明します。それは貴族文化を表現するためにも使用される用語です。雅は文化からあらゆる形の無礼と粗野さを排除します。これは貴族文化の適切なイメージと形をもたらします。雅はこれらの変化をもたらします。雅は、愛、文学、感情、芸術の洗練が日本文化の中で称賛されることを保証します。洗練は歓迎されます。

渋いとは、物や芸術作品をありのままに理解することです。特定のデザインを設計または検討する際の目標は、特定のものの中にシンプルで繊細な美しさを見つけることです。多くの点で、渋いはわびさびに非常に似ていますが、わびさびではありません。渋いは、アイテムや物がただ存在していることをありがたく思います。渋いに関しては、複雑さや非合理的な考えはありません。日本文化の特定の美学と同様に、渋いに関連する用語がいくつかあります。渋みは渋いの味であり、渋さは渋いの状態です。

これらの用語はどちらも、控えめで控えめな美しさに関連しています。芸術やファッションだけでなく、渋い美学の一部と見なすことができるアイテムやオブジェクトがいくつかあります。また、人、動物、歌、映画など、さまざまな種類のメディアが渋いと見なされることがあります。たとえば、靴、カメラ、モペットバイク、日常生活で使用されるさまざまな芸術作品やオブジェクトが渋いと見なされます。直接的でシンプルであることが渋い方法です。大げさなものや派手なものは何もありません。

これは能楽から生まれた美学で、14世紀に登場しました。今日でも日本のさまざまな芸術で使用されています。これは、さまざまな芸術に応用されている動きで、定義を構成する個々のものを表す「序」、「破」、「休」があります。「序」、「破」、「休」は、「始まり」、「破」、「休」、「急速」、「終わり」です。

本質的に、この美学が意味するのは、動きを扱う作品に関しては、物事はゆっくりと始まり、適切な盛り上がりを見せるべきであるということです。物語の語り方に似ています。そしてクライマックスに達すると、スピードが上がります。終わりに達すると、物事は急速にスピードアップし始め、突然終わりに達します。

伝統的に、芸術家は表現の手段であり、社会的地位の低い職人や芸能人の役割にふさわしく、個人的には控えめでした。書家は儒教の文人階級、または日本の武士階級の一員であり、より高い地位にあり、一方、鎌倉時代には、優れた才能を持つ芸術家は、封建領主から名前を与えられ、社会的に昇進することで、しばしば認められました。しかし、舞台芸術は一般にそれほど評価されておらず、初期の歌舞伎の女優の不道徳さの疑いから、徳川幕府は女性の舞台出演を禁じました。その後、歌舞伎と能の女性役は男性が演じるようになりました。

第二次世界大戦後、芸術家は典型的には芸術協会に集まり、その中には長い歴史を持つ専門団体もあれば、最新の芸術運動を反映した団体もあった。例えば、日本美術家連盟は、権威ある毎年恒例の日展を含む、最も多くの主要な展覧会を主催した。国際作家組織の支部である日本ペンクラブ（PEN は散文、随筆、物語の略）は、約 30 の主要な作家協会の中で最大の団体であった。俳優、ダンサー、ミュージシャン、その他の舞台芸術家は、近代の革新によって危険にさらされていると考えられていたこの芸術の伝統的な高い水準を維持するために 1987 年に組織された歌舞伎協会など、独自の協会を誇っていた。しかし、1980 年代までには、前衛的な画家や彫刻家はすべてのグループを避け、「無所属」の芸術家となった。

日本には国立大学を筆頭に、芸術を専門とする大学が数多くある。最も重要なのは東京藝術大学で、国立大学の中でも入学が最も難しい大学の一つである。もう一つの重要な中心地は多摩美術大学で、20世紀後半の日本の革新的な若手芸術家を多く輩出した。中国の伝統的な方法に由来する伝統的な芸術教育は今も残っており、専門家は自宅や学校長を通じて師弟関係のもとで教える。弟子は最高レベルの教育を達成するか、芸術学校を卒業するか、学校長になるまでは、個人的なスタイルを試すことはない。多くの若い芸術家は、このシステムが創造性と個性を抑圧するものだと批判してきた。新世代の前衛芸術家たちはこの伝統を破り、西洋で教育を受けることも多い。しかし、伝統芸術においては、師弟制度によって過去の秘密と技術が守られている。師弟関係の中には鎌倉時代まで遡る系譜もあり、偉大な師匠のスタイルやテーマを今も引き継いでいます。日本の芸術家は、技術の巧みさを職業の絶対条件と考えており、この事実は日本芸術の特徴の 1 つとして世界的に認められています。

国は、 1968年に文部省の特別機関として設置された文化庁を通じて、積極的に芸術を支援してきた。1989年度の文化庁予算は、5年間の予算削減を経て378億円に増加したが、それでも一般予算の1％を大きく下回る額であった。文化庁の文化部は、国内外で芸術に関する情報を発信し、文化財保護部（現在の文化財部）は国の文化遺産を保護した。文化部は、芸術文化の振興、芸術著作権、国語の改善などの分野に携わっている。また、全国および地方の芸術文化祭を支援し、音楽、演劇、舞踊、美術展、映画製作などの巡回文化イベントに資金を提供している。若手芸術家や著名な芸術家を奨励するために特別賞が設けられ、海外での研修を可能にするために毎年いくらかの助成金が支給されている。同庁は、日本と海外の展覧会を開催する京都と東京の国立近代美術館、東京の国立西洋美術館に資金を提供しています。また、同庁は、芸術と文学の著名人を表彰し、会員に任命して350万円の賞金を提供する日本芸術院も支援しています。表彰は天皇陛下の御前で行われ、天皇から直接、最高の栄誉である文化勲章が授与されます。 東京藝術大学も、過去数年にわたり、いくつかの芸術イベントで積極的な役割を果たしてきました。同大学の他のキャンパスでも、さまざまなコースが開講されています。

政府による芸術の後援と振興は、文化庁の厳しい予算を超えて資金を提供するための日本企業との新たな協力体制を含むように拡大されました。特に急成長している芸術賞授与の分野では、他の多くの公的機関や私的機関が参加しています。ますます多くの大企業が、主要な新聞社と協力して展覧会や公演を後援し、毎年賞を授与しています。授与される多くの文学賞の中で最も重要なのは、由緒ある直木賞と芥川賞で、後者は米国の ピューリッツァー賞に相当します。

1989年、異文化交流を促進する取り組みの一環として、日本美術協会により芸術界の「ノーベル賞」とも言える「プレミエール・アンペリアル賞」が設立されました。賞金10万ドルのこの賞は、主にマスメディア複合企業フジサンケイグループが資金を提供し、世界各国からの選考に基づいて授与されました。

1980年代には、海外、特に内アジアのシルクロード沿いや中国の敦煌の史跡を保存するために設立された文化財財団など、芸術を促進する財団が数多く設立された。1988年には、アジアの遺物のハイテク研究の協力的交換のため、米国スミソニアン協会との間で別の国際協定が結ばれた。政府は、国際交流基金に資金を提供することで大きな役割を果たしており、国際交流基金は、機関および個人への助成金の提供、学術交流の実施、年間賞の授与、出版および展覧会の支援、および日本の伝統芸術団体の海外公演への派遣を行っている。毎年秋に2か月間開催されるすべての舞台芸術のための芸術祭は、文化庁が後援している。大都市もまた、芸術に対して多大な支援を行っている。1980年代には、舞台芸術のための大規模なセンターを建設する都市が増え、政府の資金援助に刺激されて、松江市が始めたラフカディオ・ハーン賞などの賞を提供する都市が増えた。また、1980年代には、多くの新しい市立美術館が、以前の3分の1ほど多くの施設を提供していました。1980年代後半には、東急グループが建設した大規模なBunkamuraや、再建されたシェークスピア・グローブ座など、 20を超える新しい文化ホールが東京にできました。これらの取り組みはすべて、芸術に対する国民の熱意の高まりを反映しています。1980年代後半には、日本の美術品購入者が西洋の美術市場を席巻し、印象派の絵画に記録的な高値を、青の時代のピカソの絵画1点に5,170万ドルを支払いました。

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• この記事はもともとWebMuseum Paris - Famous Artworks展[1]の資料に基づいています。
• 日本 -この記事には、パブリック ドメインであるこのソースからのテキストが組み込まれています。国別研究。連邦研究部。
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• メトロポリタン美術館の「日本美術の五千年」展、オンライン版
• ジョン・グールド・フレッチャーによる日本の版画
• e-Museum Archived 2017-04-22 at the Wayback Machine日本の国立博物館4館が所蔵する国宝・重要文化財の高精細画像
• 「世界の美術史」における浮世絵
• 日本文化プロフィール - Visiting Arts/国際交流基金が作成した日本のための全国文化ポータル
• ルース・アンド・シャーマン・リー日本美術研究所コレクション、カリフォルニア大学マーセド校オンラインアーカイブの画像オンラインコレクション
• ピーボディ・エセックス博物館のフィリップス図書館のハーバート・オッフェン研究コレクション
• 盆栽の芸術プロジェクトは、2019年4月23日にWayback Machineにアーカイブされました。
• 伊藤真乗のビジョンと芸術：仏法の偉大なる師（大阿闍梨）の彫刻、書、写真
• 岡倉覚三による東京美術学校での「日本美術史」講義（英訳）
• 明治時代の日本美術（1868年～1912年） ハリーリ・コレクション