琵琶

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琵琶は、伝統的に物語の語りに使われる日本の短い首の木製リュートです。琵琶は撥弦楽器で、最初は中国で人気を博し、その後東アジア全体に広がり、最終的には奈良時代（710～794年）に日本に伝わりました。

通常、長さは60センチメートル（24インチ）から106センチメートル（42インチ）で、水滴型のボディと短いネックで構成され、通常は4本（5本の場合もあります）の弦が張られています。

日本では、一般的に琵琶は指ではなく撥で演奏され、雅楽の演奏によく使われます。琵琶の最も有名な用途の 1 つは、鎌倉時代(1185-1333)の琵琶姫の童話である『 平家物語』を朗読することです。

数世紀前、主な琵琶演奏者は盲目の僧侶（琵琶法師）で、彼らは経文を読む際の伴奏として 琵琶を使用していました。

琵琶の前身は中国から伝わったもので、日本には2つの形態で伝わった。^[要説明]日本に伝わってから、琵琶の種類は4倍になった。琵琶奏者、特に琵琶法師を支援するギルドは、何百年にもわたって琵琶の音楽的発展を促した。琵琶法師の演奏は、平曲(平家物語)より何年も前から他の琵琶奏者の演奏と重なっており、^[要説明]今日まで続いている。この重なりによって、琵琶とその使用法は急速に進化し、日本で最も人気のある楽器の1つとなった。

人気があったにもかかわらず、応仁の乱とそれに続く戦国時代により、琵琶の指導は中断され、熟練した演奏者の数は減少しました。明治時代に藤堂が廃止されると、琵琶奏者は後援を失いました。

1940 年代後半までに、完全に日本の伝統である琵琶は、西洋楽器にとってほぼ完全に放棄されました。しかし、日本の音楽家たちの協力のおかげで、琵琶への関心は復活しつつあります。日本人と外国人の音楽家は同様に、日本の伝統楽器、特に琵琶を作品に取り入れ始めています。

盲目の琵琶奏者が琵琶を独占することはもうありませんが、多くの演奏家が伝統的かつ現代的な方法でこの楽器を使い続けています。

琵琶は7世紀に中国の曲項琵琶（ quxiang pipa ）から進化して日本に伝わりました。^[1]一方、琵琶自体は西アジアの同様の楽器から派生したものです。このタイプの琵琶は楽琵琶と呼ばれ、後に雅楽のアンサンブルで使用され、最も一般的なタイプになりました。しかし、別の種類の琵琶である望窓琵琶または荒神琵琶も日本に伝わり、最初は九州地方で登場しました。起源は明らかではありませんが、このより細いタイプの琵琶は儀式や宗教的な儀式で使用されました。

琵琶は日本の朝廷でよく演奏される楽器として知られるようになり、朝廷では琵琶法師と呼ばれる琵琶奏者が雇用され、後援されていました。しかし、律令国家の崩壊後、朝廷に雇われていた琵琶法師は朝廷の再建に直面し、仏教寺院に避難しました。そこで彼らは僧侶の役割を引き受け、盲僧琵琶に出会いました。僧侶たちは、その比較的便利で持ち運びやすい特徴を見て、大きく重い楽琵琶とこれらの特徴を組み合わせて平家琵琶を作りました。その名前が示すように、平家物語の朗読に主に使用されました。

その後数世紀にわたり、両音楽の演奏者は頻繁に交わり、新しい音楽スタイルや楽器を生み出していった。鎌倉時代（1185-1333）には、楽琵琶と盲僧琵琶の中間のような平家琵琶がより人気の高い楽器として登場した。平家琵琶は楽琵琶の丸い形を保ち、盲僧琵琶のように大きなバチで演奏される。盲僧琵琶よりも小さい平家琵琶は、同様の目的で使用された。

現在の薩摩琵琶や筑前琵琶はともに盲僧琵琶から派生したものであるが、薩摩琵琶は戦国時代に薩摩藩士の修行や精神修養に、後には一般の演奏にも用いられた。筑前琵琶は、法要のため僧侶が民家に出向き法要を行う際に、仏事のみならず物語や知らせを語る際にも用いられた。

かつては人気があったにもかかわらず、 16世紀から19世紀半ば頃までの琵琶の演奏と実践についてはほとんど書かれていません。わかっているのは、この時期に3つの主要な琵琶の実践の流れが生まれたということです。座頭（国家管理下の盲人琵琶奏者のギルドの最下層）、師夫（武士スタイル）、調夫（都市スタイル）です。これらのスタイルは、琵琶の伴奏による発声である琵琶歌（びわうた）を重視し、新内や小太などの江戸歌（江戸歌）の演奏スタイルの基礎を形成しました。^[2]

これらのスタイルから、薩摩琵琶と筑前琵琶という、琵琶の伝統の2つの主要な生き残りも生まれました。^[3]明治時代（1868-1912）から太平洋戦争まで、薩摩琵琶と筑前琵琶は日本中で人気があり、昭和時代（1925-1989）の初めには錦琵琶が作られ人気を博しました。戦後に残った琵琶の伝統のうち、肥後琵琶だけが、ほぼ盲人によって演奏されるスタイルとして残っています。肥後琵琶は平家琵琶と密接な関係があり、同様に戦争や伝説に焦点を当てた口承の伝統に依存しています。

明治中期になると、楽器の改良も進み、わかりやすい曲も多く作られるようになった。大正初期には、薩摩琵琶から錦琵琶が生まれ、当時の女性奏者の間で人気が高まった。これを機に琵琶は流行期を迎え、 『平家物語』 だけでなく日清・日露戦争を題材にした曲も増え、『広瀬​​武雄』 『常陸丸』『二百三高地』などが人気を博した。

しかし、西洋音楽や楽器の導入に伴い、明治時代には琵琶の演奏はほぼ絶滅したが、鶴田錦糸などの演奏家が現代的な演奏スタイルと西洋の作曲家とのコラボレーションでこのジャンルを復活させた。^[要出典]

琵琶には、弦の数、出せる音、撥の種類、用途などによって7種類以上あります。琵琶は平均律で演奏されないため、音程は最も近い音に近似されます。

雅楽琵琶は、 4本の弦と4つのフレットを持つ大きくて重い琵琶で、雅楽専用に使用されます。独特の一越調と平調を奏でます。撥は小さく薄く、丸みを帯びていることが多く、ツゲや象牙などの硬い素材で作られています。歌の伴奏には使用されません。平家琵琶と同様に、 ギターのように横に持ち、足を組んで演奏します。雅楽では、楽琵琶として知られています。

唐代の琵琶の一種である五絃琵琶は、宮廷楽団 の絵画に描かれており、雅楽の文脈で使用されていましたが、10世紀後半に宮廷楽団に行われた改革と標準化により姿を消しました。演奏の伝統は10世紀または11世紀までに消滅したと推定されています（ウィリアム・P・マルム）。この楽器は中国の宮廷楽団からも姿を消しました。近年、この楽器は金剛琴と同様に、歴史的に情報に基づいた演奏や歴史的再現のために復活しました。筑前琵琶などの現代の五弦琵琶の変種と混同しないように注意してください。

盲僧琵琶は4本の弦を持つ琵琶で、仏教の真言や歌を演奏するのに用いられます。形は筑前琵琶に似ていますが、胴がずっと細くなっています。撥は大きさも材質も様々です。4フレットタイプはE、B、E、Aに調律され、5フレットタイプはB、e、f ♯、f ♯に調律されます。6フレットタイプはB ♭、E ♭、B ♭、b ♭に調律されます。

平家琵琶は、 4本の弦と5つのフレットを持つ琵琶で、『平家物語』の演奏 に使われます。その撥は雅楽琵琶のそれよりもわずかに大きいですが、楽器自体はずっと小さく、筑前琵琶と同程度の大きさです。もともとは旅回りの琵琶法師が使用していたもので、小型であるため室内で演奏でき、持ち運びも容易でした。調律はA、c、e、aまたはA、cシャープ、e、aです。

薩摩琵琶は、 4本の弦と4つのフレットを持つ琵琶で、江戸時代に薩摩国（現在の鹿児島県）で島津忠義によって普及した。現代の作曲に用いられる現代の琵琶は、5つ以上のフレットを持つものが多く、4弦が2本あるものもあります。薩摩琵琶のフレットは棹から4センチメートル（1.6インチ）高くなっており、これにより音を数段階高くベンドすることができ、そのたびに楽器特有のサワリ、つまりブンブンというドローン音が出ます。ツゲ材の撥は他のものよりかなり幅が広く、25センチメートル（9.8インチ）以上のものも珍しくありません。その大きさと構造は楽器の音に影響を与え、演奏中に撥で湾曲した本体を叩くことが多いためです。

薩摩琵琶は伝統的に桑で作られていますが、ケヤキなどの他の堅い木が使用されることもあります。桑は成長が遅いため、製作を始める前に少なくとも樹齢 120 年の木から木材を採取し、10 年間乾燥させる必要があります。

弦は絹糸で巻かれています。伝統的な琵琶ではA、E、A、B、現代曲ではG、G、c、g、G、G、d、gなどの調律がありますが、これらはあくまでも一例で、演奏者の声のキーに合わせて調律されます。1弦と2弦は通常同じ音に調律され、4弦（または2弦）は1オクターブ高く調律されます。

20世紀の最も著名な薩摩琵琶奏者は鶴田錦糸で、彼女は独自のバージョンの楽器を開発し、それを鶴田琵琶と呼びました。この琵琶には 5 つの弦があり (ただし、5 弦は常に一緒に演奏される 2 倍の 4 弦であるため、本質的には 4 弦楽器です)、5 つ以上のフレットがあり、チューニング ヘッドとフレットの構造はわずかに異なります。鶴田の弟子である上田順子と田中幸雄は、現代薩摩琵琶の伝統を引き継いでいます。カルロ・フォルリヴェージの作品「ボエティウス」と「琵のための新曲」は、いずれも鶴田と田中が設計した薩摩琵琶で演奏するために書かれたものです。

これらの作品は、このような楽器に通常用いられる作曲言語からの根本的な逸脱を示している。また、この特定のレパートリーではこれまで試みられたことのないレベルの技巧に頼る可能性のおかげで、作曲家は琵琶の音響的、美的プロフィールの刷新を模索し、アタックと共鳴、テンポ（時間測定だけでなく意図的に感情移入する意味でも考えられている）、和音、バランスと対話（「琵琶のための新音楽」では時折2つの琵琶が使用される）、強弱と色彩など、音素材の大きな可能性を引き出している。^[4]

筑前琵琶は4弦4フレット、または5弦5フレットの琵琶で、明治時代に橘郷貞によって普及されました。現代の演奏者のほとんどは5弦バージョンを使用しています。そのバチは薩摩琵琶のそれよりはるかに小さく、通常幅約13cm（5.1インチ）ですが、サイズ、形状、重量は演奏者の性別によって異なります。バチは通常、紫檀で作られ、弦をはじくためのツゲまたは象牙の先端が付いています。楽器自体のサイズも演奏者によって異なります。男性演奏者は一般的に、女性や子供が使用するものよりもわずかに幅が広く、長い琵琶を演奏します。演奏中に楽器の本体をバチで叩くことはなく、5弦楽器は垂直に演奏し、4弦は横に持って演奏します。楽器は歌手のキーに合わせて調律されます。 4弦バージョンのチューニングの例は、B、e、f ♯、bで、5弦楽器はC、G、C、d、gにチューニングできます。5弦バージョンでは、1弦と3弦は同じ音にチューニングされ、2弦は3音下げ、5弦は2弦より1オクターブ高く、4弦は5弦より1音下げます。したがって、前述のチューニングは、B ♭、F、B ♭ 、c、dに下げることができます。朝日会と橘会は、筑前琵琶の2大流派です。上原真理などの女性琵琶奏者に人気があります。

錦琵琶は、5本の弦と5つのフレットを持つ現代の琵琶で、20世紀の琵琶奏者で作曲家の水藤錦穣（ 1911年- 1973年）によって普及されました。その撥は薩摩琵琶に使用されるものと同じです。その調律は、C、G、c、g、gです。

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  楽琵琶、筑前琵琶、平家琵琶、孟宗琵琶、薩摩琵琶とその撥

日本の代表的な伝統楽器の一つである琵琶は、その長い歴史を通じて他の伝統楽器や楽曲に影響を与え、また影響を受けてきました。そのため、琵琶で演奏されるさまざまな音楽スタイルが存在します。

• 邦楽（日本の伝統音楽）：邦楽では、楽器は通常、声楽の伴奏として使用され、歌唱が音楽スタイルの中心を占め、邦楽の楽曲の圧倒的多数は声楽である。 ^[5]
• 雅楽（日本の宮廷音楽）：雅楽は、通常、朝廷や神社や寺院によって保護されていました。雅楽のアンサンブルは、弦楽器、管楽器、打楽器で構成され、弦楽器と管楽器がより尊重され、打楽器は劣った楽器と見なされていました。弦楽器の中では、琵琶がオーケストラの雅楽演奏で最も重要な楽器であったようです。 ^[6]
• 声明（仏教の詠唱）：声明では琵琶は使われていないが、琵琶の歌唱スタイルは声明、特に盲僧琵琶や平家琵琶の歌唱スタイルと。^[7]声明と盲僧琵琶はどちらも仏教の儀式と伝統に根ざしている。声明は日本に伝わる前はインド仏教で使われていた。盲僧琵琶もインド仏教に根ざしており、盲僧琵琶の前身である平家琵琶は、盲僧琵琶の先駆者として、盲目の仏教僧である琵琶法師の主な楽器であった

一般的に琵琶の弦は4本ですが、現代の薩摩琵琶や筑前琵琶は5本弦のものもあります。琵琶の弦の太さは様々で、第1弦が最も太く、第4弦が最も細いです。筑前琵琶では第2弦が最も太く、第4弦と第5弦は筑前琵琶と薩摩琵琶で同じ太さです。^{[8]弦の太さが異なるため、異なる方向から弾いたときに異なる}音色を生み出します。

琵琶では、調律は固定されていない。一般的な音色と音程は、全音または微分音単位で上下に変動することがある。^[9]合唱では、琵琶法師はしばしば出だしをずらし、非同期の異声伴奏で歌うことが多い。^[10]ソロ演奏では、琵琶法師は単旋律で歌い、演奏全体を通してメリスマ的な強調を行う。これらの単旋律は決まったハーモニーには従わない。代わりに、琵琶法師はソプラノ、アルト、テナー、またはベースの役割を区別せずに柔軟なピッチで歌う傾向がある。この歌唱スタイルは、琵琶奏者が演奏全体を通して短いグリッサンドを生み出すために使用する琵琶によって補完される。 ^[11]琵琶の伴奏の歌唱スタイルは、特に母音、子音、および「が」や「ぎ」などの「 g」で始まる音節を歌うときに鼻声になる傾向がある。琵琶の演奏者も、かろうじて聞こえる程度から非常に大きな声まで、声量を変化させます。琵琶の曲は一般的に小グループで演奏されるため、西洋音楽の伝統におけるオペラ歌手のように、歌手は声を大きく出す必要はありませんでした。

琵琶の音楽は五音音階（五音音階または五音音階とも呼ばれる）に基づいており、各オクターブには 5 つの音符が含まれています。この音階には補助音が含まれることもありますが、中心となる部分は五音音階のままです。琵琶の演奏のリズムは、脈拍の幅広い柔軟性を許容します。歌は必ずしも拍子が付けられているわけではありませんが、最近のコラボレーションでは拍子が付けられています。琵琶で演奏される音符は通常、ゆっくりと細く始まり、徐々に加速していき、演奏中はテンポが増減します。琵琶の歌声の質感は、しばしば「まばら」と表現されます。

撥も琵琶の音色の質感に寄与している。撥の大きさによって質感も異なる。例えば、望窓琵琶の撥は楽琵琶の撥よりもはるかに大きく、より荒々しく力強い音色を生み出す。^[12]撥は薩摩琵琶で特に使われるサワリ音を出すのにも非常に重要である。^[13]撥の素材によっても質感は変わり、象牙やプラスチックの撥は木製撥のきらびやかな音色に、より弾力のある質感を与える。^[14]

平安時代以降、日本における琵琶の使用は大きく減少した。外部からの影響、内部からの圧力、社会的・政治的混乱により、琵琶の保護とイメージが再定義された。例えば、室町時代（1338-1573）の応仁の乱とそれに続く戦国時代（15-17世紀）は、平曲^{[要出典] [a]の}演奏者に対する後援サイクルを混乱させた。その結果、若い音楽家は他の楽器に目を向け、琵琶音楽への関心は低下した。琵琶法師でさえ、三味線（3弦のリュート）などの他の楽器に移行した^{。 [15]}

徳川家康が日本を統一し、徳川幕府を開いた江戸時代（1600～1868年）に、琵琶への関心が再び高まりました。家康は琵琶音楽を好み、主要なパトロンとなり、資金援助や特権を与えることで、琵琶の組合（藤堂と呼ばれる）の強化に貢献しました。三味線奏者や他の音楽家は、琵琶に切り替えることが経済的に有利であることに気づき、新しいスタイルの琵琶音楽をもたらしました。江戸時代は、日本の長い歴史の中で、 最も多作で芸術的に創造的な琵琶の時代の一つとなりました。

1868年、徳川幕府が崩壊し、明治時代と明治維新が到来した。この時代に武士階級は廃止され、藤堂は後援を失った。琵琶法師はもはや特権を享受できず、自活せざるを得なくなった。明治時代の初めには、東京には少なくとも100人の伝統的な宮廷楽師がいたと推定されていたが、1930年代までにこの数は東京でわずか46人にまで減少し、これらの楽師の4分の1が後に第二次世界大戦で亡くなった。戦後の日本の生活は困難で、多くの楽師がより持続可能な生計を立てるために音楽を断念した。^[16]

1900年代初頭には多くのスタイルの琵琶が栄えたが（ 1900年から1930年代の近代琵琶など）、この継承のサイクルは再び戦争によって断ち切られた。今日では、多くの琵琶の伝統において、琵琶を直接学ぶ手段はない。^{[17] 20世紀初頭には非常に人気があった}肥後琵琶の演奏者でさえ、伝統の継承者が亡くなったり演奏できなくなったりしたため、口承作曲を直接学ぶ手段はもうないかもしれない。近代琵琶には今でもかなりの数のプロおよびアマチュアの演奏者がいるが、座頭、平家、盲僧琵琶のスタイルはほぼ消滅している。^[18]

太平洋戦争後の日本で琵琶音楽が衰退するにつれ、多くの日本の作曲家や音楽家が琵琶への関心を再び高める方法を見つけた。彼らは、日本の音楽理論と作曲の研究がほぼ完全に西洋の理論と指導に基づいていることを認識していた。1960年代後半から、これらの音楽家や作曲家は日本の音楽と日本の楽器を作品に取り入れ始めた。例えば、作曲家の一人である武満徹は、西洋の作曲家や作品とコラボレーションして、明らかにアジア的な琵琶を取り入れた。琵琶の平曲と西洋のオーケストラ演奏を組み合わせた彼の評判の高い作品「November Steps」は、琵琶への関心を再び高め、 Jポップや演歌から新邦楽や現代音楽まで、さまざまなジャンルの他の音楽家による一連のコラボレーションのきっかけとなった。^[19]

他の音楽家、例えばほとんどの民族音楽学者から最後の琵琶法師とみなされている山鹿善之は、ほぼ永遠に失われていた多数の曲を保存した。明治後期に生まれた山鹿は、 1996年に亡くなるまで琵琶法師の伝統を継承した。1960年代後半から1980年代後半にかけて、世界中の作曲家や歴史家が山鹿を訪れ、彼の曲を多数録音した。それ以前は、琵琶法師の伝統は完全に口承によるものだった。1996年に山鹿が亡くなったとき、琵琶法師の指導の時代は彼とともに終わったが、その時代の音楽と才能は彼の録音のおかげで続いている。^[20]

• Silenziosa Luna –沈黙の月/ ALM Records ALCD-76 (2008).

• リュートの歴史と進化
• ビパ

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• 平曲の紹介
• 1900年頃の琵琶法師の写真