日本画

日本画（かいが、画道とも）は、日本の視覚芸術の中でも最も古く、最も洗練された芸術の一つで、幅広いジャンルとスタイルを包含している。日本美術全般の歴史と同様に、日本絵画の長い歴史は、日本固有の美学と、主に中国絵画からの輸入思想の適応との間の統合と競争を示しており、中国絵画は特に多くの点で影響力があった。西洋の影響が顕著になったのは、19世紀以降であり、日本美術が西洋美術に影響を与え始めたのと同時期である。

中国の影響が繰り返し顕著であった主題の領域には、仏教の宗教画、中国の文人画の伝統における水墨画の風景画、書道の漢詩^{[1] 、そして特に}鳥や花の動物や植物の絵画などがある。しかし、これらすべての分野では、日本独自の伝統が発達してきた。日本画、そして後の版画の最も特徴的であると広くみなされている主題は、日常生活の場面や物語の場面を描写したものであり、多くの場合、人物や細部が詰め込まれている。この伝統は、最も一般的な言葉を除いて追跡することが不可能な中国の影響を受けて中世初期に始まったことは間違いないが、現存する最古の作品の時代から、近代まで続く日本特有の伝統へと発展した。

日本の国宝（絵画）の公式リストには、8世紀から19世紀にかけての最高傑作、または初期の非常に珍しい現存作品である162点の作品または作品群が含まれています。

日本の絵画の起源は、日本の先史時代にまで遡ります。単純な人物表現、植物、建築、幾何学模様は、縄文時代の土器や弥生時代（紀元前1000年～紀元後300年）の銅鐸に見られます。幾何学模様と人物模様の両方を備えた壁画は、古墳時代と飛鳥時代（紀元後300～700年）の数多くの古墳から発見されています。

飛鳥時代には、漢字や中国の行政制度、仏教が伝来し、中国から多くの美術品が日本に輸入され、同様の様式の模造品が作られるようになりました。

6 世紀と 7 世紀の日本では仏教がさらに定着し、宗教画が盛んになり、貴族が建てた数多くの寺院の装飾に使用されました。しかし、奈良時代の日本は絵画よりも彫刻芸術における重要な貢献で知られています。

この時代に現存する最古の絵画には、奈良県斑鳩町の法隆寺金堂の内壁に描かれた壁画がある。これらの壁画や重要な玉虫神社の絵画には、釈迦牟尼の生涯を描いたジャータカなどの物語や、仏、菩薩、さまざまな下級の神々の象徴的な像が含まれている。そのスタイルは、隋代または十六国時代後期の中国絵画を彷彿とさせる。しかし、奈良時代中期までには、唐代のスタイルの絵画が非常に人気を博した。これらには、西暦700年頃の高松塚古墳の壁画も含まれる。このスタイルは唐絵のジャンルに発展し、平安時代初期まで人気が続いた。

奈良時代の絵画のほとんどは宗教的な性質のものであるため、大部分は無名の画家によるものである。奈良時代の日本美術と中国唐代の美術の大規模なコレクション^{[2]は、かつて}東大寺が所有し、現在は宮内庁が管理する8世紀の収蔵庫である正倉院に保存されている。

真言密教と天台密教の発展により、 8世紀と9世紀の絵画は宗教的なイメージ、最も有名なのは描かれた曼荼羅（マンダラ）によって特徴づけられる。最も有名なのは京都の東寺にある金剛界曼荼羅と胎蔵界曼荼羅で、多数のマンダラが掛け軸として、また寺院の壁画として制作された。著名な初期の例としては、京都南部の寺院である醍醐寺の五重塔がある。

巨勢派は、平安時代初期の9世紀後半に金岡巨勢によって創設された宮廷絵師の一族である。この流派は他の流派のように単一の画風を代表するのではなく、金岡巨勢とその子孫や弟子によって生み出されたさまざまな画風を代表する。この流派は、中国風の題材を描いた中国画を日本風に変え、大和絵の画風形成に大きな役割を果たした。^{[3] [4]}

10世紀に日本仏教の浄土宗の重要性が高まると、これらの宗派の信仰心を満たすために新しいタイプの画像が開発されました。これには、阿弥陀仏が従者の観音菩薩と勢至菩薩とともに、亡くなった信者の魂を阿弥陀の西方極楽浄土に迎えるために到着する様子を描いた来迎図が含まれます。 1053年にさかのぼる有名な初期の例は、京都宇治市にある平等院鳳凰堂の内部に描かれています。これは、西日本の実際の風景をある程度反映していると思われるなだらかな丘などの風景要素が含まれているという点で、いわゆる大和絵（「日本風の絵画」）の初期の例とも考えられています。

平安時代中期は、当初は主に襖や屏風に使われていた大和絵の黄金時代とされています。しかし、平安時代末期には、絵巻物（長い絵入りの手巻き物）など、新しい絵画形式も登場しました。絵巻物には、源氏物語などの絵入り小説、伴大納言絵詞などの歴史書、宗教作品など、さまざまな種類があります。絵巻師は、古代から仏教美術で使用されていた絵画的な物語の慣習を採用することもあれば、根底にある物語の感情的な内容を視覚的に伝えると考えられている新しい物語形式を考案することもありました。源氏物語は個別のエピソードで構成されていますが、より生き生きとした伴大納言絵詞は、物語の前進を強調するために連続的な物語形式を使用しています。これら 2 つの絵巻はスタイルも異なり、伴大納言の素早い筆遣いと淡い色使いは、源氏絵巻の抽象的な形と鮮やかな岩絵具とは際立った対照をなしています。三条御所攻防記もこのタイプの絵画の有名な例です。

絵巻は、女絵と男絵という絵画様式の最も古くて素晴らしい例でもあります。この 2 つの様式には、細かい違いがたくさんあります。これらの用語は、それぞれの性別の美的嗜好を示唆しているように見えますが、日本美術史家はこれらの用語の実際の意味について長い間議論しており、いまだに不明瞭です。おそらく最も簡単にわかるのは、主題の違いです。源氏物語の手巻に代表される女絵は、典型的には宮廷生活や宮廷の恋愛を扱っていますが、男絵は歴史的または半伝説的な出来事、特に戦いを扱っていることが多いです。

これらのジャンルは、鎌倉時代の日本を通じて継続されました。この芸術様式は、鮮やかな色彩、細部に富み、小説『平治物語』の素晴らしい視覚化である『三条御所夜襲』と題された絵画によく例証されています。さまざまな種類の絵巻が制作され続けましたが、鎌倉時代は絵画よりも彫刻の芸術によってはるかに強く特徴付けられました。「鎌倉時代は12世紀末から14世紀にかけて続きました。絵画などの芸術作品の時代でしたが、主に当時の生活とその側面をよりリアルに視覚化した彫刻でした。これらの彫像のそれぞれには、制作に多くの生きているような特徴が取り入れられました。多くの彫刻には、芸術における彫刻の地位にとって新しい、鼻、目、個々の指などの細部が含まれていました。」

平安時代と鎌倉時代の絵画は宗教的なものがほとんどであるため、そのほとんどは無名の画家によるものです。鎌倉時代の新しい芸術様式を極めた画家として知られるのが運慶で、彼はこの彫刻芸術を習得し、慶流と呼ばれる独自の流派を開きました。この時代が進むにつれて、「さらに古い古典様式の復興、大陸からの新しい様式の輸入、そして時代後半には鎌倉時代を中心とした東日本独自の様式の発展がありました。」

14世紀、鎌倉と京都の偉大な禅寺の発展は視覚芸術に大きな影響を与えました。明代の中国から導入された水墨画は、宋代と元の水墨画、特に牧谿などの簡素なモノクロームのスタイルで、日本の初期の禅美術の多色刷りの巻物絵画に大きく取って代わりました。宅磨栄賀など、何世紀も前の仏教の図像規範に付随する多色刷りの巻物絵画です。東山文化によって生み出された新しい中国文化の波にもかかわらず、禅僧の沈層画の形で、多色刷りの肖像画がいくつか残りました。^[5]

僧侶画家の如拙による「瓢箪鯰捕図」 （京都妙心寺退蔵院所蔵室町絵画の転換点となった作品である。前景には、小川の岸辺で小さな瓢箪を持ち、大きくて滑るような鯰を眺める男性が描かれている。中景には霧が立ち込め、背景の山々は遠くに見える。1413年頃に制作されたこの絵画の「新様式」は、画面内のより中国的な空間の奥深さを表現していると一般に考えられている。

14 世紀末までに、単色の山水画(山水画) は足利家の保護を受け、禅画家の間で好まれるジャンルとなり、徐々に中国風から日本風へと進化しました。山水画のさらなる発展は詩画軸として知られる詩画絵巻でした。

室町時代の最も優れた芸術家は、僧侶画家の周文と雪舟です。京都の相国寺の僧侶である周文は、竹林読書図（1446年）で、空間に深く沈み込んだ写実的な風景画を描きました。雪舟は、当時のほとんどの芸術家と異なり、中国に渡り、中国絵画の源流を学ぶことができました。四季を通じて連続する風景を描いた「山水頂観」（1486年頃）は、雪舟の最も完成度の高い作品の1つです。

室町時代後期には、狩野派や阿弥派の画家たちが水墨画のスタイルやテーマを取り入れ、より造形的で装飾的な効果をもたらし、それが現代まで続くようになり、禅宗から芸術界へと広く浸透していきました。

室町時代の日本の重要な芸術家には次のような人々がいます。

• 木瓜（1250年頃）
• 木庵霊園（1345年没）
• カオニンガ（14世紀頃）
• 明朝体（1352–1431）
• 如拙（1405–1423）
• 天正周文（1460年没）
• 雪舟等容（1420–1506）
• 狩野正信（1434–1530）
• 狩野元信（1476–1559）

安土桃山時代は、その前の室町時代とは対照的に、豪華な多色彩のスタイル、絵画、衣服、建築などに多用される金箔や銀箔^{[6] 、そして非常に大規模な作品によって特徴づけられました。 [6]多くの人が知っていた贅沢なスタイルとは対照的に、軍のエリートたちは素朴な簡素さ、特に[7]}茶道の形で、同様の設定で風化した不完全な道具を使うことを支持しました。 この時代は、中央政府の下で「戦国」指導者が統一され始めた時代です。 この時代の最初の年代は、信長が京都に入った 1568 年、または最後の足利将軍が京都から退去した 1573 年であると考えられています。 織田信長、豊臣秀吉、徳川家康、および彼らの追随者たちによって後援された狩野派は、規模と名声を飛躍的に高めました。狩野永徳は、部屋を囲む襖に壮大な風景画を描くための方式を開発した。これらの巨大な衝立や壁画は、軍事貴族の城や宮殿を飾るために発注された。最も顕著なのは、信長が1576年から1579年の間に建設させた巨大な城であり、これは狩野永徳にとって最大の芸術的挑戦の一つであった。彼の後継者である豊臣秀吉も、この時期にいくつかの城を建設した。これらの城は、この時期の実験的な芸術作品として最も重要なものの一つであった。これらの城は、新しい時代の指導者や武士の力と自信を表している。^[8]この地位はその後の江戸時代まで続き、徳川幕府は、将軍、大名、朝廷のための公式公認の芸術として狩野派の作品を宣伝し続けた。

しかし、安土桃山時代には狩野派以外の画家や流派も存在し、発展し、中国の題材を日本の素材や美学に取り入れていました。重要なグループの一つは土佐派で、主に大和絵の伝統から発展し、主に本や絵巻の形式で文学の古典を題材にした小規模な作品や挿絵で知られていました。

安土桃山時代の重要な芸術家には次のような人々がいます。

• 狩野永徳（1543–1590）
• 長谷川等伯（1539-1610）
• 海北友松（1533–1615）

江戸時代は平和な社会の到来とともに経済発展を遂げ、多種多様な美術が生み出され、それまで正統派であった狩野派や土佐派とは異なる作風の絵画が多く制作された。1970年に辻惟雄が『奇想の系譜』を出版し、岩佐又兵衛、狩野山雪、伊藤若冲、曽我蕭白、長沢芦雪、歌川国芳といった伝統を打ち破った「奇想の系譜」の絵師たちに焦点を当てた。この作品は日本美術史の見方を一変させ、江戸絵画は日本美術の中でも最も人気のある分野の一つとなった。近年、学者や美術展では、辻が挙げた6人の画家に白隠慧鶴と鈴木其一を加え、「奇人の系譜」の画家と呼ぶことが多い。^{[9] [10] [11]}

江戸時代初期に興った非常に重要な流派の一つに琳派があります。琳派は古典的な題材を用いながらも、大胆かつ贅沢に装飾的な形式で表現しました。特に宗達は、金箔の背景に鮮やかな色彩の人物や自然界のモチーフを用いて古典文学の題材を再現することで、装飾的なスタイルを発展させました。1世紀後、光琳は宗達のスタイルを改良し、独自の視覚的に華やかな作品を制作しました。

安土桃山時代に始まり、江戸時代初期に完全に発展したもう一つの重要なジャンルは南蛮美術であり、異国の外国人の描写と絵画における異国のスタイルの使用の両方において顕著であった。このジャンルは長崎港を中心に展開した。長崎港は徳川幕府の鎖国政策開始後、外国貿易に開放された唯一の日本の港であり、中国とヨーロッパの芸術的影響が日本にもたらされる経路でもあった。このジャンルの絵画には、長崎派の絵画や、西洋の影響と伝統的な日本の要素を組み合わせた 円山・四条派の絵画がある。

江戸時代の三つ目の重要な潮流は、南画派としても知られる文人画の台頭である。このジャンルは、 18世紀半ばに作品と技法が日本に伝わった元の時代の中国の学者画家の作品を模倣したことから始まった。桑山玉舟師は、文人画スタイルの創出を最も強く支持した人物で、多色の風景画は中国の文人による単色の絵画と同レベルであるべきだと理論づけた。^[12] その後の文人画家たちは、このジャンルの技法と主題の両方を大幅に改変し、日本と中国のスタイルを融合させた作品を生み出した。このスタイルの代表例としては、池大雅、浦上玉堂、与謝蕪村、田能村竹伝、谷文晁、山本梅逸などがあげられる。

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  尾形光琳作「紅白梅図屛風」 。国宝。琳派の代表作。
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  狩野内膳作の南蛮美術、1600年頃。重要文化財。
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  長沢芦雪筆「虎図」。重要文化財。

徳川幕府の財政・社会緊縮政策により、これらのジャンルや様式の贅沢な様式は主に社会の上層階級に限られ、下層階級には禁じられていたどころか、入手不可能だった。庶民は風俗画という別の種類の芸術を発達させ、特に庶民の生活、歌舞伎、遊女、風景など、日常生活の場面を描いた絵画が人気を博した。16世紀のこれらの絵画から、浮世絵の絵画や木版画が生まれた。

江戸時代の重要な芸術家には次のような人々がいます。

戦前の時代は、芸術が競合するヨーロッパのスタイルと伝統的な土着のスタイルに分かれた時代でした。

明治時代、日本は明治政府による欧化と近代化政策の過程で大きな政治的、社会的変化を経験した。西洋画は政府によって公式に推進され、政府は有望な若い芸術家を海外に留学させ、また日本の学校で美術のカリキュラムを確立するために外国人芸術家を日本に雇った。黒田清輝は、ヨガ運動の指導者であり、日本の西洋画の父であると考えられている。 ^[13]

しかし、西洋美術への熱狂が高まった当初は一転、美術評論家の 岡倉天心や教育者のアーネスト・フェノロサらの先導により、日本の伝統的な様式（日本画）を鑑賞するムーブメントが起こりました。1880年代には、西洋美術は公式の展覧会から禁止され、批評家から厳しい批判を受けました。この復興運動の実践的側面の創始者が、狩野派の画家であった橋本雅邦です。彼は、単に伝統的な技法で日本画を描くのではなく、洋画の写実的な表現を取り入れることで伝統的な日本画に革命を起こし、その後の日本画運動の方向性を定めました。東京美術学校（現・東京藝術大学）の初代教授として、横山大観、下村観山、菱田春草、川合玉堂など、後に日本画の巨匠と呼ばれる多くの画家を育てた。^{[14] [15]}

• 
  橋本雅邦筆「龍虎図屛風」右翼。近代絵画として初めて重要文化財に指定される。
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  川合玉堂筆「別れの春」左翼。重要文化財。

ヨガ派の画家たちは、独自の展覧会を開催し、西洋美術への新たな関心を高めるために、明治美術会 を結成しました。

1907年、文部省の傘下で文展が設立され、競合していた両団体は相互承認と共存を実現し、相互統合に向けたプロセスを開始しました。

大正時代は、日本画よりも洋画が優勢だった時代だった。ヨーロッパに長く滞在した後、多くの芸術家（有島生馬を含む）が義仁の治世中に日本に戻り、印象派や初期のポスト印象派の技法を持ち込んだ。カミーユ・ピサロ、ポール・セザンヌ、ピエール＝オーギュスト・ルノワールの作品は、大正初期の絵画に影響を与えた。しかし、大正時代の洋画家たちは折衷主義の傾向もあり、反体制的な芸術運動も盛んだった。これには、ポスト印象派、特にフォーヴィスムのスタイルを強調した芙山会が含まれる。1914年には、政府が主催する文展に反対する二科会が結成された 。

大正時代の日本の絵画は、新古典主義や後期ポスト印象派 など、他の同時代のヨーロッパの運動からわずかに影響を受けただけです。

しかし、 1920年代半ばにかけて、ポスト印象派の傾向を取り入れた日本画が復活しました。日本画家の第二世代は、政府が後援する文展に対抗するために日本美術院を設立しました。大和絵の伝統は強く残りましたが、西洋の遠近法や空間と光の概念の使用が増えたため、日本画と洋画の区別が曖昧になり始めました。

昭和戦前の日本画は、安井曾太郎と梅原龍三郎が主流であった。彼らは日本画の伝統に純粋芸術と抽象絵画の概念を導入し、より解釈的な日本画のジャンルを生み出した。この傾向は、レオナルド・フジタと二科会によってさらに発展し、シュルレアリスムを包含するようになった。これらの傾向を促進するために、1931年に独立美術協会が設立された。

第二次世界大戦中、政府の統制と検閲により、愛国的なテーマしか表現できませんでした。多くの芸術家が政府のプロパガンダ活動に駆り出され、彼らの作品に対する批判的で感情に左右されない批評はまだ始まったばかりです。

戦前の重要な芸術家には次のような人々がいます。

戦後、 1947年に日本芸術院が設立され、日本画部門と洋画部門が設けられました。政府による美術展の支援は終了しましたが、それよりも大規模な日展などの私設展に取って代わられました。日展は当初日本芸術院の展覧会でしたが、1958年以降は別の私設法人によって運営されています。日展への参加は日本芸術院への推薦を受けるためのほぼ必須条件となっており、それ自体が文化勲章の推薦を受けるためのほぼ非公式の必須条件となっています。

江戸時代と戦前（1603-1945）の美術は、商人や都市の民衆によって支えられた。江戸時代と戦前とは対照的に、戦後の美術は人気を博した。第二次世界大戦後、画家、書家、版画家が特に東京などの大都市で活躍し、明滅する光、ネオンカラー、そして抽象表現の熱狂的なペースに反映された都市生活の仕組みに夢中になった。ニューヨークやパリの美術界のあらゆる「主義」が熱烈に受け入れられた。1960年代の抽象表現主義の後、1970年代には、1980年代の篠原有司男の爆発的な作品に体現された「オプアート」や「ポップアート」の色合いが強いリアリズムへの回帰が見られた。そのような優れた前衛芸術家の多くが日本と海外で活動し、国際的な賞を受賞した。これらの芸術家たちは、自分たちの作品には「日本的なものは何もない」と感じており、実際彼らはインターナショナルスクールに属していた。1970年代後半までに、日本的な特質と国民的スタイルの探求により、多くの芸術家が芸術的イデオロギーを再評価し、一部の人々が西洋の空虚な定式だと感じていたものから離れることになった。岡本太郎は縄文時代の土器に触発され、日本の公共スペースに多くの前衛的な絵画や彫刻を制作した。芸術家および芸術理論家として、彼は日本の美術史における縄文時代の評価を大いに高めた。^[16]現代の絵画は、近代的な表現様式の中で、日本の伝統的な芸術形式、装置、およびイデオロギーを意識的に利用し始めた。多くのもの派の芸術家は、空間配置、色彩の調和、および叙情性における伝統的なニュアンスを再現するために絵画に目を向けた。

日本画は戦前の様式を継承し、伝統的な表現を現代風にアレンジしながらも、その本質的な特徴を保っています。この様式の画家の中には、今でも伝統的な色と墨を使って絹や紙に絵を描く画家もいますが、アクリル絵の具などの新しい画材を使う画家もいます。

古い芸術の流派、特に江戸時代や戦前の流派の多くは、依然として実践されていました。たとえば、鮮やかで純粋な色彩とにじみのある水彩画を特徴とする琳派の装飾的な自然主義は、1980年代の彦坂尚嘉の芸術に代表される戦後の多くの芸術家の作品に反映されていました。円山応挙の流派の写実主義と、紳士学者の書道的で自発的な日本画スタイルは、どちらも1980年代に広く実践されていました。これらの流派のすべて、および狩野派の墨の伝統などの古い流派は、日本風および現代的な表現方法で現代の芸術家によって描かれることもありました。1970年代から日本風の芸術に対する大衆の需要が再び高まった結果、多くの日本画家が賞や栄誉を受けました。1980年代には、西洋のスタイルから離れるにつれて、国際的な現代画家もますます日本流派を参考にするようになりました。東洋と西洋を融合させる傾向がありました。優れた画家である篠田桃紅のように、すでに両者のギャップを飛び越えた芸術家もいました。彼女の大胆な墨の抽象画は、伝統的な書道に触発されながらも、現代的な抽象表現として実現されました。

日本には、アニメのサブカルチャーや大衆文化、若者文化に大きく影響を受けた作品を制作している現代画家も数多くいます。村上隆は、カイカイキキスタジオの他のアーティストとともに、おそらく最も有名で人気のある画家の一人です。彼の作品は、一見無害に見える形式を通して、戦後日本社会の問題や懸念を表現することに重点を置いています。彼はアニメや関連するスタイルから多くの影響を受けていますが、伝統的に美術と関連付けられている媒体で絵画や彫刻を制作し、商業美術、大衆美術、美術の境界線を意図的に曖昧にしています。

戦後の重要な芸術家には次のような人々がいます。

• 小倉遊亀（1895–2000）
• 植村松篁（1902–2001）
• 小磯良平（1903–1988）
• 東山魁夷(1908–1999)
• 岡本太郎（1911–1996）

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• 日本美術コレクション一覧
• 中国絵画
• 韓国絵画
• アジア美術の歴史

• キーン、ドナルド。『西への夜明け』コロンビア大学出版局（1998年）。ISBN 0-231-11435-4 
• メイソン、ペネロペ。日本美術史。プレンティス・ホール（2005年）。ISBN 0-13-117602-1 
• ペイン、ロバート・トリート、ペイン、RT およびソパー A、「日本の美術と建築」、ペリカン美術史、第 3 版 1981 年、ペンギン (現在はイェール美術史)、ISBN 0140561080 
• 貞雄恒子『日本の芸術を探る：歴史的概観』講談社インターナショナル（2003年）。ISBN 4-7700-2939 -X 
• シャープ、ロバート『動物と描く日本画 1700-1950』、ベルゲイク、日本美術協会、布袋出版、2007年。ISBN 978-90-70216-07-8 
• シャールシュミット リヒテ。1910 年からの日本の近代美術の絵画。シュテンムル版。ISBN 3-908161-85-1 
• ワトソン、ウィリアム、大日本博覧会：江戸時代の美術 1600-1868、1981年、ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ/ワイデンフェルド＆ニコルソン
• 桃山、華麗なる時代の日本美術。ニューヨーク：メトロポリタン美術館。1975年。ISBN 9780870991257。
• 村瀬美恵子（2000年）『夢の架け橋：メアリー・グリッグス・バーク日本美術コレクション』ニューヨーク：メトロポリタン美術館。ISBN 0870999419。