古代エジプトの芸術

古代エジプト美術とは、紀元前6千年紀から紀元後4世紀まで、先史時代のエジプトからローマ帝国のエジプトがキリスト教化されるまでの古代エジプトで制作された美術を指します。絵画、彫刻、パピルス紙に描かれた絵、ファイアンス焼き、宝石、象牙、建築物、その他の美術媒体が含まれます。それは保守的な伝統であり、そのスタイルは時を経てもほとんど変化しませんでした。現存する作品の多くは墓や記念碑から出土しており、古代エジプト人の来世信仰についての洞察を与えてくれます。

古代エジプト語には「芸術」を表す言葉がなかった。芸術作品は、宗教やイデオロギーと結びついた、本質的に機能的な目的を果たしていた。主題を芸術で表現することは、その主題に永続性を与えることだった。したがって、古代エジプトの芸術は、理想化された非現実的な世界観を描いていた。芸術は秩序を維持するというより広範で宇宙的な目的を果たしていたため (マアト)、個人の芸術的表現という重要な伝統はなかった。

先王朝時代エジプトは、エジプト先史時代の新石器時代に相当し、紀元前6000年頃から紀元前 3100年頃 の初期王朝時代の始まりまで続きました。

砂漠の継続的な拡大により、エジプト人の初期の祖先はナイル川周辺に定住し、新石器時代にはより定住的な生活様式を採用せざるを得なくなった。紀元前9000年から6000年までの期間については考古学的証拠がほとんど残っていないが、紀元前6000年頃には新石器時代の集落がエジプト全土に出現し始めた。^[1]形態学的、^[2] 遺伝学的、^[3]および考古学的データ^[4]に基づく研究によると、これらの集落は新石器革命の間に肥沃な三日月地帯から戻ってきた移住者が農業をこの地域にもたらしたものとされている。 ^[5]

紀元前5000年から紀元前4200年頃、西ナイル川デルタの端にある大規模な集落跡でのみ知られるメリムデ文化が下エジプトで栄えた。この文化はファイユームA文化やレバントと強いつながりがある。人々は小さな小屋に住み、装飾のないシンプルな陶器を作り、石器を持っていた。牛、羊、山羊、豚を飼育し、小麦、モロコシ、大麦を栽培した。メリムデの人々は死者を集落内に埋葬し、粘土製の人形を作った。^[6]粘土で作られたエジプト初の等身大の頭部はメリムデで発見されている。^[7]

バダリア文化は紀元前4400年から4000年頃まで続き、^[8]デール・タサ近くのバダリ遺跡にちなんで名付けられました。この文化はタシア文化(紀元前4500年頃) の後に続きましたが、非常に類似していたため、多くの人がこれらを1つの連続した時代であると考えています。バダリア文化は、ブラックトップウェア陶器の生産を継続し (品質は大幅に向上しましたが)、シーケンス年代測定(SD) 番号 21～29 が割り当てられました。^[9]学者が2つの時代を統合することを妨げている主な違いは、バダリア遺跡が石に加えて銅を使用していたため銅石器時代の集落であるのに対し、新石器時代のタシア遺跡は依然として石器時代であるということです。^[9]

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  バダリア人の埋葬。紀元前 4500 ～ 3850 年
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  女性の埋葬用小像。紀元前4400～4000年。ワニの骨製。高さ8.7cm。ルーブル美術館
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  ビーズの連なり。紀元前4400～3800年。ビーズは骨、蛇紋岩、貝殻でできている。長さ15cm。メトロポリタン美術館
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  カバの形をした花瓶。先王朝初期、バダリア時代。紀元前 5 千年紀

ナカダ文化は、エジプト 先王朝時代（紀元前4400～3000年頃）の考古学的文化であり、ケナ県のナカダの町にちなんで名付けられました。ナカダI、II、IIIの3つのサブ期間に分けられます。

アムラティア文化（ナカダ1世）は紀元前4000年から3500年頃まで続いた。^[8]黒塗りの陶器はその後も出現しているが、白十字線陶器（交差する平行な白線で装飾された陶器の一種）もこの時期に発見されている。アムラティア時代は西暦30年から39年の間である。^[10]

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  卵形のナカダ I (アムラティア) 黒蓋テラコッタ花瓶 (紀元前 3800 年 - 3500 年頃)
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  アイベックスの冠; 紀元前3800～3500年; カバの象牙; 6.5 × 3.8 × 0.2 cm;ルーブル美術館
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  ひげを生やした男性の置物。紀元前 3800 ～ 3500 年。角礫岩;上エジプト出身。コンフリュアンス美術館(リヨン、フランス)
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  4 本の脚が付いた白い十字模様のボウル。紀元前 3700 ～ 3500 年。彩色陶器。高さ 15.6 cm、直径 19.7 cm。メトロポリタン美術館

紀元前3500年から3200年頃のゲルゼア文化（ナカダII）[8]は、ゲルゼの^遺跡にちなんで名付けられました。これはエジプトの文化的発展における次の段階であり、この時期にエジプト王朝の基礎が築かれました。ゲルゼア文化は、ナイル川デルタで始まり、上エジプトを南下しましたが、ヌビアでアムラティア文化を追い出すことはできなかった、アムラティア文化の連続した発展です。 ^[13]ゲルゼア陶器には40から62のSD値が割り当てられており、アムラティアの白い十字模様の陶器や黒塗りの陶器とは明らかに異なります。^[10]主に暗赤色で、動物、人、船の絵や、動物に由来すると思われる幾何学的なシンボルが描かれています。^[13]この時期以前には珍しかった（SD35年には時折発見されていたが）波型の取っ手は、次第に一般的になり、精巧になって、ほぼ完全に装飾的なものとなった。^[10]

この時期に、明らかに異質な物品や芸術形態がエジプトに入ってきた。これは、アジアのいくつかの地域、特にメソポタミアとの接触を示している。明らかにメソポタミアのレリーフ彫刻が施されたゲベル・エル・アラク・ナイフの柄などの物品がエジプトで発見されており、^{[14]この時期に出現した銀は}小アジアからしか入手できなかった。^[13]さらに、明らかにメソポタミアの形を模倣したエジプトの物品が作られた。^[15]円筒印章や凹型パネル建築がエジプトで出現した。エジプトの化粧パレットのレリーフは、同時代のメソポタミアのウルク文化と同じスタイルで作られ、後期ゲルゼアンおよび初期セマイネの儀式用のメイスヘッドは、エジプト固有のスタイルではなく、メソポタミアの「洋ナシ型」スタイルで作られた。^[16]

この交易のルートを特定することは難しいが、カナンとの接触は初期王朝以前には行われていないため、通常は水路によるものと考えられている。^[17]王朝人種説が普及していた時代には、ウルクの船乗りがアラビアを周航したと理論づけられていたが、エジプトにビブロス経由の仲買人による地中海ルートの方が可能性が高い。その証拠として、ビブロスの遺物もエジプトにある。^[17]

ゲルゼアン遺跡の多くが紅海に続くワディの河口にあるという事実は、紅海を経由した貿易がいくらかあったことを示しているのかもしれない（ビブリアンの貿易はシナイ半島を越えて紅海に運ばれた可能性もあるが）。^[18]また、凹型パネル建築のような複雑なものが代理でエジプトに侵入した可能性は低く、少なくとも少数の移民集団がいたのではないかと疑われている。^[17]

こうした外国の影響の証拠があるにもかかわらず、エジプト学者は、ゲルゼアン文化は主にエジプト固有のものであると一般的に同意しています。

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  船と木々を描いた装飾陶器の壺。紀元前 3650～3500 年。彩色陶器。高さ 16.2 cm、直径 12.9 cm。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  女性像、紀元前3600年頃、テラコッタ、29.2 × 14 × 5.7 cm、ママリヤ（エジプト）出土、ブルックリン美術館（ニューヨーク市）
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  象の頭の形をしたお守り。紀元前 3500～3300 年。蛇紋石(緑色の部分) と骨 (目)。3.5 × 3.6 × 2.1 cm。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  ゲベル・エル・アラクのナイフ；紀元前3300～3200年；象牙（柄）とフリント（刃）；長さ：25.5cm；おそらくアビドス（エジプト）産；ルーブル美術館
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  取っ手付き壺、紀元前3500～3050年頃、閃緑岩、高さ13cm、ロサンゼルス郡立美術館（米国）

紀元前3200年から3000年頃のナカダ3世時代^[8]は、エジプトが統一された 原王朝時代と同一であると一般に考えられています。

ナカダIIIは、ヒエログリフが初めて使用された時代（ただし、これには異論がある）、セレクが初めて定期的に使用された時代、最初の灌漑、および王家の墓地が初めて登場した時代として有名である。 ^[19]ナカダIII時代の芸術は非常に洗練されており、化粧用パレットがその例である。これらは、先王朝時代のエジプトで、顔や体の化粧品の材料をすりつぶして塗布するために使用された。原王朝時代までには、装飾用パレットはこの機能を失ったようで、代わりに記念品、装飾品、およびおそらく儀式用になった。パレットは、ワディ・ハママットの採石場から産出されたシルト岩からほぼ独占的に作られた。パレットの多くは、先王朝時代の上エジプトの権力の中心地であったヒエラコンポリスで発見された。国の統一後、パレットは墓の集合体に含まれることはなくなった。

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  突起付き取っ手付きずんぐりとした花瓶。紀元前 3050～2920 年。斑岩製。11 × 20 cm。ロサンゼルス郡立美術館(米国)
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  デイビスの櫛; 紀元前3200～3100年; 象牙; 5.5 × 3.9 × 0.5 cm; メトロポリタン美術館
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  戦場のパレット、紀元前 3100 年、泥岩、幅 28.7 cm、深さ 1 cm、アビドス(エジプト) 出土、大英博物館(ロンドン)
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  台座にファラオ・ナルメルの名が刻まれたヒヒ像。紀元前3100年頃。方解石製。高さ52cm。ベルリン・エジプト博物館（ドイツ）
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  ブルパレットの両面；紀元前3200～3000年頃；灰色岩または片岩；25 cm；ルーブル美術館

エジプト初期王朝時代は、紀元前3100年頃の上エジプトと下エジプトの統一直後に始まる。一般的には、ナカダ3世考古学時代の終わりから紀元前2686年頃、つまり古王国時代の始まりまで続いた第1王朝と第2王朝を含むとされる。^[8]

この時期には、化粧パレットは新たなレベルの洗練度に達し、エジプトの文字体系もさらなる発展を遂げた。当初、エジプトの文字は主に、さまざまな物質の量を表すいくつかの記号で構成されていた。化粧パレットでは、記号は絵による説明とともに使用されていた。第3王朝の終わりまでに、これは表音文字と表意文字の両方を含む200以上の記号を含むように拡張された。^[20]

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  ナルメル パレットの両面、紀元前 3100 年頃、グレーワッケ、高さ 63 cm、ヒエラコンポリス(エジプト) 出土、エジプト博物館(カイロ)
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  デン王を描いたタグ；紀元前3000年頃；象牙製；4.5×5.3cm；アビドス（エジプト）出土；大英博物館（ロンドン）^[21]
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  ラネブの石碑; 紀元前 2880 年頃; 花崗岩; 高さ: 1 m、幅: 41 cm;メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  ブレスレット、紀元前2650年頃、金製、直径6cm、メトロポリタン美術館

エジプト古王国は紀元前2686年から2181年頃の時代である。この時代は第4王朝の偉大なピラミッド建設者たちの統治を含むことから、「ピラミッドの時代」あるいは「ピラミッド建設者たちの時代」としても知られている。スネフェル王はピラミッド建設の技術を完成させ、ギザのピラミッドはクフ王、カフラー王、メンカウラー王の治世中に建設された。^[22] エジプトは文明の最初の持続的な頂点に達し、ナイル川下流域の文明の頂点を特徴づける3つのいわゆる「王国」時代（中王国と新王国が続く）の最初の時代となった。

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  サッカラのジェセル王のピラミッド、紀元前2667-2648年、イムホテプ作。エジプトで最も有名な階段ピラミッド。
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  メンカウラー王とハトホルとキノポリスの像；紀元前2551-2523年；片岩；高さ95.5cm；エジプト博物館（カイロ）。古王国時代の特徴と比率を備えた群像像を示している。^[23]
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  ラホテプ王子とノフレト王子の像。紀元前2613-2494年頃。カイロのエジプト博物館
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  書記カーペルの木像。紀元前 2450 年頃。木、銅、水晶。高さ 1.1 m。サッカラ出土。エジプト博物館 (カイロ)
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  ルーブル美術館の「座る書記」
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  書記官兼行政官であったデルセニジの座像。紀元前 2400 年頃。バラ色の花崗岩。高さ 68 cm。ギザ発。ベルリン エジプト博物館
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  デルセニジとその妻ノフレトカの座像、紀元前 2400 年頃、バラ色の花崗岩、ベルリン エジプト博物館

エジプト中王国時代（別名「再統一の時代」）は、第一中間期として知られる政治的分裂によって特徴づけられる。中王国時代は紀元前2050年頃から紀元前1710年頃まで続き、第11王朝のメンチュホテプ2世の統治下でのエジプト再統一から第12王朝の終わりまで続いた。第11王朝はテーベから、第12王朝はエル・リシュトから統治した。中王国時代には、オシリスが民間宗教で最も重要な神となった。^{[24]中王国}の後にはエジプト第二中間期が続き、西アジアのヒクソスによる国外侵略を含むもう一つの分裂期であった。

中王国時代のエジプト再統一後、第11王朝と第12王朝の王たちは芸術に再び焦点を当てることができました。第11王朝では、王の記念碑は第5王朝と第6王朝初期のメンフィス様式に影響を受けた様式で作られ、統一前のテーベのレリーフ様式はほとんど姿を消しました。これらの変化には思想的な目的があり、第11王朝の王たちは中央集権国家を樹立し、古王国時代の政治的理想に戻りつつありました。^[25]第12王朝初期には、王室工房の影響により芸術作品の様式が統一されていました。この時点で、社会のエリート層の芸術作品の質は、他の時代に匹敵するものはあったものの、それを上回ることはなかったほどの高みに達しました。^[26]第12王朝後期のエジプトの繁栄は、王室や個人の記念碑に使用された材料の質に反映されていました。

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  中王国時代の最初のファラオ、メンチュホテプ 2 世のオシリーデ像。紀元前 2061 年～ 2010 年。彩色砂岩。138 × 47 cm。エジプト博物館 (カイロ)
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  テーベのエジプト人の肖像画、紀元前 2000 年頃、花崗岩、ベルリン エジプト博物館(ドイツ)
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  スカラベ、紀元前1980年頃、金製、全長1.1cm、クリーブランド美術館（米国オハイオ州クリーブランド）
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  センビの棺、紀元前1918～1859年、下地塗りと彩色を施した杉材、全体：70 x 55 cm、クリーブランド美術館
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  シタソリュネットの宝石箱。紀元前 1887～1813 年。黒檀、象牙、金、カーネリアン、青ファイアンス、銀。高さ 36.7 cm。メトロポリタン美術館
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  パピルス型の持ち手が付いた鏡。紀元前1810～1700年。非合金銅、金、黒檀。22.3 × 11.3 × 2.5 cm。メトロポリタン美術館
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  当時の王、おそらくアメンエムハト1世かセンウセレト1世の顔の特徴を反映した守護像で、イミウトの神聖な守護者として機能した。杉材と石膏で作られた。紀元前1919年～1885年頃^[27]
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  セヘテピブレ軍監督官の礼拝堂のレリーフ。紀元前1802年～1640年。彩色された石灰岩。30.5×42.5cm。メトロポリタン美術館

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  アメンエムハト1世のまぐさ石と神々、紀元前1981年～1952年、彩色石灰岩、36.8×172cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  紀元前1900年頃、エジプトに入城した西アジア民族（おそらくカナン人とヒクソスの先駆者）のグループが描かれている。第12王朝の役人クヌムホテプ2世の墓から出土。^{[28] [29] [30] [31]}

レヴァント地方に起源を持つ王朝ヒクソス王朝は、宮廷芸術を一切生み出さなかったようである。^[33]代わりに、以前の王朝の記念碑に自分たちの名前を刻んで流用した。これらの多くには、カヤン王の名前が刻まれている。^[34]アヴァリスでは、エジプト様式ではなくレヴァント様式で建てられた大きな宮殿が発見されており、おそらくカヤン王によるものと思われる。^[35]アペピ王は、エジプトの書記文化を後援し、リンド数学パピルスの写本を委託したことで知られている。^[36]ウェストカー・パピルスに保存されている物語も、彼の治世のものである可能性がある。^[37]

いわゆる「ヒクソスフィンクス」または「タニテスフィンクス」は、第12王朝のファラオ、アメンエムハト3世を描いた王家のスフィンクスのグループで、従来の彫像と比べて、突出した頬骨や、伝統的なネメスの頭巾の代わりに厚いライオンのたてがみなど、いくつかの珍しい特徴があります。「ヒクソスフィンクス」という名前は、後にヒクソス王の何人かによって再刻まれたという事実に由来しており、当初はヒクソス王自身を表していると考えられていました。19世紀の学者は、彫像の特徴を利用してヒクソスの人種的起源を特定しようとしました。^{[38]これらのスフィンクスは、ヒクソスによって}中王国の都市から押収され、その後首都アヴァリスに運ばれ、新しい所有者の名前が再刻まれ、宮殿を飾った。^[32]そのうち7体のスフィンクスが知られており、すべてタニスから出土したもので、現在そのほとんどがカイロ博物館に所蔵されている。^{[32] [39]} アメンハト3世の他の像もタニスで発見され、同様にヒクソスと関連付けられている。

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  「キノコ頭」の髪型をした役人。ベニ・ハサンにあるクヌムホテプ2世の墓など、西アジア人外国人を描いた同時代の絵画にも見られる。ヒクソスの首都アヴァリスで発掘。エジプト美術国立コレクション。^{[40] [41] [42] [43]}
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  バグダッドで発見された、ヒクソスの統治者Khyanの名が刻まれたライオン。バビロンとの関係を示唆している。Khyanの名詞と形容詞が胸に刻まれている。大英博物館、EA 987。^{[44] [45]}
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  ヒクソス王アペピの兵士のエレクトラム短剣の柄。短弓と剣で狩りをする兵士が描かれている。碑文：「完璧な神、二つの土地の主、ネブケペシュレ・アペピ」と「彼の主ネヘメンの従者」がサッカラの埋葬地で発見された。^{[46]現在は}ルクソール博物館に所蔵されている。^{[47] [48]}
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  レバントの影響を受けたエジプトのテル・エル・ヤフディヤ陶器の例。

新王国時代は「エジプト帝国」とも呼ばれ、紀元前16世紀から11世紀までの、エジプトの第18、19、20王朝にあたる時代である。新王国時代は第2中間期に続き、第3中間期に引き継がれた。この時代はエジプトが最も繁栄し、権力の頂点に達した時代であった。^{[49]この莫大な富は、官僚権力の集中化と、貿易ルートを開いた多くの軍事作戦の成功によるものである。エジプト帝国の拡大に伴い、王たちはレバノン杉などの重要な商品や、}ラピスラズリやトルコ石 などの高級素材を入手できるようになりました。

新王国時代に制作された芸術作品は、プレアマルナ時代、アマルナ時代、ラムセス時代という 3 つの大まかな時期に分けられます。権力の移行や宗教的理想の変化により様式は変化しましたが、新王国時代を通じて彫像やレリーフ作品には、正面性と軸性、スケールの階層、複合的な構成といったエジプト美術の主要原則が引き続き体現されていました。

新王国時代の第18王朝の始まりであるプレアマルナ時代は、エジプトが広大な帝国として勢力を拡大した時期であった。芸術作品は、中王国時代の技法や主題と、新たに入手した外国の素材や様式との組み合わせを反映している。^[50]  プレアマルナ時代の芸術と建築の大部分は、紀元前1473年から1458年までの統治期間中にあらゆる神々への広範な建築キャンペーンを率いたハトシェプシュト女王によって制作された。女王はカルナック神殿に大幅な増築を行い、デイル・エル・バハリに大規模な葬祭殿を建設し、堅い石で彫像やレリーフを大量に制作した。これらの建築プロジェクトの規模は、テーベへの権力の集中化と、新王国時代の前統治者アフメス1世による貿易ルートの再開によって可能になった。^[51]

デイル・エル・バハリにある女王の精巧な葬祭殿には、プレアマルナ時代に制作された芸術作品の保存状態の良い例が数多く残されている。巨大な3階建ての列柱のある神殿はテーベの断崖に建てられ、広範囲に及ぶ彩色レリーフで飾られている。これらのレリーフの主題は、伝統的な葬祭の像やハトシェプスト女王がエジプトの神聖な統治者であるという正当化から、異国の地での戦闘や遠征の場面まで多岐にわたる。神殿には女王や神々、特にアメン・ラーの像も数多く安置されており、そのいくつかは巨大なものであった。ハトシェプスト女王の治世の芸術作品は、エジプト再統一の結果として北方文化と様式が再統合されたことを特徴としている。女王の前任者であるトトメス3世もまた、膨大な量の大規模な芸術作品を発注し、彼の死の頃にはエジプトは世界で最も強力な帝国となっていた。^[51]

新王国時代、特に第18王朝の時代、王がエジプトの主要な神々を祀る大規模で精巧な神殿を建てることはよくあった。これらの建造物は石灰岩や砂岩（以前の神殿に使われていた日干しレンガよりも耐久性のある材料）で造られ、希少な材料や鮮やかな壁画で満たされており、新王国時代のエジプト帝国が享受していた富と資源の豊富さを象徴している。アメン・ラーに捧げられたカルナック神殿は、この種の国家支援による建築物としては最大かつ最も優れた現存例の一つである。^[50]

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  目; 紀元前1550～1069年;棺から出土したアラバスター製の目; 長さ: 50.8 mm;オークランド戦争記念博物館(オークランド、ニュージーランド)
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  アメンホテプ2世のウシャブティ; 紀元前1427-1400年;蛇紋石; 29 × 9 × 0.65 cm、1.4 kg;大英博物館（ロンドン）
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  トトメス4世の儀式用の椅子の腕飾り、紀元前1400年～1390年、木製（イチジク？）、高さ25.1cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  アメンホテプ3世の銘が刻まれたゲーム盤。別個の引き出し付き。紀元前1390～1353年。釉薬をかけたファイアンス焼き。5.5×7.7×21cm。ブルックリン美術館（ニューヨーク市）
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  アメンホテプ3世の頭部; 紀元前1390-1352年;珪岩; 24 × 20 cm、9.8 kg; 大英博物館
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  ヒヒの置物; 紀元前1390-1352年; 珪岩; 68.5 × 38.5 × 45 cm、180 kg（推定）; 大英博物館
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  ティイエの女神像、紀元前1390年～1349年、木、カーネリアン、金、ガラス、エジプシャンブルー、塗料、高さ24cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  アブ・シンベル、ラムセス2世神殿

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  紀元前1450年頃、レクミラの墓にいるトトメス3世に贈り物を届けるシリア人。彼らには「レチェヌの首長」というラベルが貼られている。^{[52] [53]}

アマルナ美術は、第18王朝後期にファラオ・アケナテンが首都を移したテル・エル・アマルナの広大な遺跡にちなんで名付けられました。この時代とそれに至る数年間は、新太陽神学の台頭と、アケナテンの下でのアテン神学への最終的な転換の結果として、古王国、中王国、新王国におけるエジプト美術のスタイルにおける最も劇的な中断を構成します。 ^[54]アマルナ美術は、動きの感覚と、世界に現れた現実の「主観的かつ感覚的な知覚」によって特徴付けられます。シーンには、群衆の感覚を生み出す重なり合う人物が含まれることが多く、これは以前の時代にはあまり一般的ではありませんでした。

アケナテンの統治下で制作された芸術作品は、アケナテンの統治下で起こった文化、スタイル、宗教の劇的な変化を反映していました。この新しい宗教は、新太陽神学と呼ばれることもあり、太陽、アテンを崇拝する一神教でした。アケナテンは、アテンとともに「共同統治者」として、またアテン自身の代弁者として、自らを重視しました。この新しい神学では、太陽の円盤が究極の生命を与える力として崇拝されていたため、太陽の光が触れたものはすべてこの力によって祝福されました。その結果、犠牲や崇拝はおそらく屋外の中庭で行われ、屋外の彫刻に最適な沈み彫りのレリーフ技法は屋内の作品にも使用されました。

アケナテンの治世下では、人体の描写は劇的に変化した。例えば、アケナテンの身体の描写の多くは、大きな腰、突き出た胸、大きな腹部と太ももなど、明らかに女性的な特徴を与えている。砂岩のアケナテン像などのアケナテンの顔の表現では、細長い顎、厚い唇、こけた頬が描かれている。これらの様式上の特徴は、アケナテンの表現を超えて広がり、メリタテンの肖像や王妃の顔の断片に見られるように、王族のあらゆる人物の描写にさらに取り入れられた。これは、男性像の理想的な若さと男らしさを強調した初期のエジプト美術からの逸脱である。

アケナテンの治世における注目すべき革新は、アケナテンの妻ネフェルティティとその3人の娘を含む王族の宗教的地位の向上であった。 ^[55]エジプト美術の初期段階では、王が人類と神々を結ぶ主要な架け橋として描かれていたが、アマルナ時代になると、この権力は王族にも及ぶようになった。^[55]王族のレリーフやさまざまなタラタットのブロックに描かれているように、王族の各人物はアテンの光線に触れている。特にネフェルティティは、この時代に重要な宗教的役割を果たしていたと考えられている。^[56]

この時代の建物は、タラタットと呼ばれる標準サイズのブロックで建てられており、取り外しや再利用が非常に簡単だったこともあり、あまり残っていません。アマルナの神殿は流行に従って、伝統的なエジプトの慣習に従わず、天井がなく、閉じる扉のない開放的なものでした。アクエンアテンの死後の世代では、芸術家たちは以前の時代のエジプトの伝統的なスタイルに戻りました。後の芸術にはこの時代のスタイルの痕跡がまだ残っていましたが、ほとんどの点で、エジプトの芸術は、エジプトの宗教と同様に、その時代がなかったかのように通常の特徴を再開しました。アマルナ自体は放棄され、その治世の記念碑を汚すためにかなりの努力が払われました。これには、建物を解体し、最近、後代の建物で発見されたように、装飾を内側に向けたブロックを再利用することが含まれていました。^[57] 第18王朝の最後の王、ホルエムヘブは、アマルナの芸術と文化の影響を排除し、アメン崇拝の強力な伝統を復活させようとしました。^[58]

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  王家のレリーフ：アケナテン、ネフェルティティと3人の娘。紀元前1352～1336年。彩色された石灰岩。25×20 cm。ベルリン・エジプト博物館（ドイツ）
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  メリタテンの肖像画；紀元前1351-1332年；彩色石灰岩；高さ15.4 cm；ルーブル美術館
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  アケナテン像、紀元前1350年頃、彩色砂岩、1.3 × 0.8 × 0.6 m、ルーブル美術館
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  祈りを捧げるネフェルティティを描いたレリーフが施されたタラタットのブロック。紀元前 1350 年頃。彩色砂岩。高さ 23.4 cm。カルナック神殿出土。ベルリン エジプト博物館
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  タラタットのブロック。右側に立つアケナトンが両手を上げて太陽神アテンの光に祈りを捧げている。紀元前 1350 年頃。彩色砂岩。カルナック神殿出土。ベルリン エジプト博物館
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  アケナテンのシャブティ、紀元前1353～1336年、ファイアンス焼き、高さ11cm、幅7.6cm、奥行き5.2cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  女王の顔の断片。紀元前 1353～1336 年。黄色いジャスパー。高さ 13 cm、幅 12.5 cm、奥行き 12.5 cm。メトロポリタン美術館
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  縛られたアヒルの形をした化粧皿。紀元前 1353-1327 年。カバの象牙 (着色)。アヒル (左)、長さ: 9.5 cm、幅: 4.6 cm。蓋 (右)、長さ: 7.3 cm、幅: 4 cm。メトロポリタン美術館

第18王朝最後の王ホルエムヘブがアマルナ美術とその影響をすべて根絶しようと全力を尽くしたことにより、帝国の美術と建築のスタイルは、新王国時代の残りの期間（第19王朝と第20王朝）にわたってラムセス朝時代へと移行した。^[51]  アマルナ時代の宗教的・芸術的革命に応えて、国が発注した作品は、明らかに伝統的な形式への回帰とアメン・ラーへの新たな献身を示している。しかし、アマルナの体型の一部の要素は存続しており、腰は中王国時代の低い高さに戻っておらず、人間の手足はやや細長いままである。第19王朝と第20王朝の王たちは、多少の修正を加えつつ、先代の王たちのスタイルで、テーベにあるアメン・ラーに捧げられた葬祭殿の建設を続けた。ラムセス王たちも、ハトシェプスト女王が発注したもののような巨大な彫像の建設を続けた。^[50]

ラムセス朝時代には、カルナック神殿に王たちがさらなる貢献をした。セティ1世（第19王朝）が建設を委託した大列柱室は、高さ20メートルの天井を支える134本の砂岩の柱で構成され、1エーカーの土地を覆っていた。セティ1世はほとんどの表面を複雑な浅浮彫で装飾し、その後継者のラムセス2世は大広間の南側の壁と柱に沈み彫りの浮彫を施した。内部の彫刻は、権力の正当化の伝統的な場面、行列、儀式など、王と神の交流を示している。大列柱室の外壁は、軍事作戦の広大な描写で覆われている。征服した土地に散らばる混沌とした無秩序な敵と、最も目立つ人物としての勝利した王を描いた戦闘シーンは、ラムセス朝時代の特徴である。^[50]

新王国時代の最後の時期には、伝統的なエジプトの形態とスタイルへの回帰が見られるが、文化は単に過去への回帰というわけではない。ラムセス朝時代の芸術は、エジプトの正典化された形態と現代の革新や素材の融合を示している。墓のすべての表面を絵画やレリーフで飾ったり、埋葬室に新しい葬祭文を追加したりするなどの進歩は、この時代の非静的な性質を示している。^[50]

第三中間期は衰退と政情不安の時代であり、近東と東地中海における後期青銅器時代の文明の崩壊（ギリシャの暗黒時代を含む）と重なる。この時代の大部分は国家の分裂と外国人による征服と支配が特徴であった。^[59]初期の分裂期の後、国は紀元前945年（または紀元前943年）に古代リビア出身のメシュウェシュ移民の子孫であるショシェンク1世によって建国され、しっかりと再統一された。第24王朝の次の時代は、南のヌビア王国の影響力の増大が、この分裂とその後の政情不安を最大限に利用した時期であった。その後、紀元前732年頃、ピエは北に進軍し、ペフチャウバスト、タニスのオソルコン4世、レオントポリスのユプト2世、サイスのテフナクトといったエジプトの先住民支配者の連合軍を打ち破った。彼はヌビアを起源とする「黒いファラオ」の 第25王朝を樹立した。

第3中間期には、一般的に古代エジプト様式への回帰が見られ、特に古王国時代と中王国時代の美術が注目された。^{[60]この時代美術は、基本的に伝統的なエジプト様式で構成されており、理由は不明だが}ショーシェンク5世やオソルコン3世の時代に再導入されたが、^[61]第25王朝のヌビア人支配者の彫像の独特の図像など、外国の特徴が取り入れられることもあった。^{[60]第25王朝は古代エジプトをわずか73年間しか支配していなかったが、伝統的なエジプトの価値観、文化、美術、建築を復興し、}カルナックのタハルカの記念碑的な柱など独自の創作も生み出したため、エジプト史において重要な位置を占めている。^{[62] [63]}第25王朝時代、エジプトは現在のスーダンにあるヌビアのナパタから統治され、王朝はエジプトの建築様式を下エジプトとヌビアに拡大することを許可した。^[60]

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  上エジプトを征服し支配下に置いたヌビア王ピエのピラミッド。エル・クル（スーダン）にある。
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  カルナックにある「黒いファラオ」タハルカとその妹シェペヌペト2世の礼拝堂
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  カルナックの「黒いファラオ」タハルカによって建てられた記念碑的な柱^[63]
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  タハルカがハヤブサの神ヘメンにワイン壺を捧げているところ[ ^63]紀元前690-664年、青銅、灰銅、金、木、長さ26cm、高さ19.7cm、幅10.3cm、ルーブル美術館

紀元前525年、エジプトの政治体制はペルシャ人に乗っ取られた。エジプト末期王朝に入ってほぼ150年が経っていた頃だった。紀元前404年までにペルシャ人はエジプトから追放され、短期間の独立が始まった。この60年間のエジプト支配は、簒奪者の多発と短い統治によって特徴づけられた。その後エジプトはアケメネス朝に再占領され、紀元前332年にアレクサンダー大王が到着した。史料によると、アレクサンダーが首都に入ったときエジプト人は歓声をあげた。非常に嫌われていたペルシャ人を追い出したからである。末期王朝はアレクサンダー大王の死とプトレマイオス朝の始まりで特徴づけられる。^[66]この時期はエジプトにとって政治的混乱と大きな変化の時期であったが、芸術と文化は引き続き栄えた。

これは、エジプト後期第5王朝である第30王朝からプトレマイオス朝時代まで続くエジプトの寺院に見ることができます。 ^{[要出典]これらの寺院はデルタから}フィラエ島まで広がっていました。^{[66]エジプトは貿易や外国による征服を通じて外部からの影響を受けましたが、これらの寺院は}ヘレニズムの影響をほとんど受けず、伝統的なエジプト様式を保っていました。^[要出典]

第30王朝に由来するもう一つのレリーフは、体と手足の丸みを帯びた造形であり、^[66]より肉付きがよく、重厚な印象を与える。例えば、女性の胸は膨らんで上腕に重なるように描かれる。より写実的な描写では、男性は太っていたり、しわが寄っていたりする。

この時期にますます普及した別のタイプの芸術は、ホルスの石碑である。^[66]これらは新王国時代後期から中期にかけてのものであるが、4世紀からプトレマイオス朝時代にますます普及した。これらの彫像は、若いホルスが蛇をつかみ、何らかの危険な獣の上に立っている様子を描いていることが多い。ホルスの描写は、若いホルスがサソリに噛まれて救われ、その結果、すべての危険な動物を支配する力を得たというエジプト神話に由来している。これらの彫像は、「有害な生き物からの攻撃を防ぎ、蛇に噛まれたりサソリに刺されたりした傷を治すために」使用された。^[66]

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  ペルシャの衣装を着たエジプト人男性、紀元前 343年～332年頃、収蔵番号71.139、ブルックリン美術館。^[67]
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  複合パピルス柱頭、紀元前 380～343 年、彩色砂岩、高さ 126 cm、メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  ホルスの魔法の石碑またはキッポス; 紀元前 332～280 年; 緑泥石片岩; 高さ: 20.5 cm; メトロポリタン美術館
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  ヒビス神殿（エジプト、カルガオアシス）にある、ダレイオス1世がアメン神にレタスを捧げているレリーフ

19世紀末以降、アレクサンドリアの古代エジプトの都市ヘラクレイオン（現在は水没）周辺で発見されたものの中には、紀元前4世紀の、異例なほど官能的で、詳細かつフェミニズム的な（神格化されたものではなく）イシスの描写があり、紀元前332年から331年のアレクサンダー大王によるエジプト征服の頃から始まったエジプトとヘレニズム様式の融合を示している。しかし、これはプトレマイオス朝の彫刻としては異例であり、プトレマイオス朝の宮廷芸術で使用されたヘレニズム様式とエジプト様式を混ぜることは一般的に避けられており、^[68]一方で、国の他の地域の寺院では伝統的なエジプト様式の後期版が引き続き使用されていた。^[69]学者たちはヘレニズム彫刻に「アレクサンドリア様式」を提案しているが、実際にはアレクサンドリアとそれを結びつけるものはほとんどない。^[70]

大理石は宮廷美術に広く使われていたが、すべて輸入する必要があり、いくつかの部分をスタッコで貼り付けるなど、さまざまな大理石節約技術が使用されていた。頭部は、あごひげ、後頭部、髪の毛が別々の部分になっていることもあった。^[71]他のヘレニズム王国の美術とは対照的に、プトレマイオス朝の王族の肖像画は一般化され理想化されており、個別の肖像を実現することにはほとんど関心がなかったが、硬貨から肖像彫刻のいくつかはプトレマイオス15王の1人であると特定されている。^[72]後代の肖像画の多くでは、明らかに顔が作り直され、後の王を表している。^[73]エジプトの特徴の1つは、アレクサンダーの後継王朝の他の王朝よりも女王をはるかに目立たせ、王族のカップルがペアで描かれることが多かったことである。これは、一連の女王が実権を握っていた2世紀より前のことである。^[74]

2世紀には、エジプトの寺院の彫刻は、顔に宮廷のモデルを再利用し始め、司祭の彫刻は、個々に特徴的な肖像の頭部を実現するために、ヘレニズム様式を使用することが多かった。^[75]多くの小さな小像が制作され、最も一般的なタイプは、アレクサンダー、一般化された「プトレマイオス王」、裸のアフロディーテであった。陶器の像には、グロテスクなものや、タナグラ像様式の流行の女性が含まれていた。 ^[69]エロティックなグループには、途方もなく大きな男根が特徴的であった。木製の内装の一部には、非常に繊細な模様のファイアンス焼きの多色のハヤブサが含まれている。

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  紀元前 54 年、エジプト、デンデラのハトホル神殿でエジプトの神々に供物を捧げるプトレマイオス 12 世
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  両面奉納レリーフ、紀元前305年頃、石灰岩、8.3 × 6.5 × 1.4 cm、クリーブランド美術館（米国オハイオ州クリーブランド）
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  女神ラエット・タウィの像;紀元前 332 ～ 30 年。石灰岩。 46×13.7×23.7cmルーバー
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  トキの棺; 紀元前 305～30 年; 木、銀、金、水晶; 38.2 × 20.2 × 55.8 cm;ブルックリン美術館(ニューヨーク市)
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  プトレマイオス朝の王の像。紀元前 1 世紀。玄武岩。高さ 82 cm、幅 39.5 cm。ルーブル美術館

ファイユームのミイラ肖像画は、おそらくローマ時代のエジプト美術の最も有名な例です。ローマ時代のエジプトの上流階級のミイラに取り付けられた木の板に描かれた自然主義的な肖像画の一種です。これらは、古典世界で最も高く評価されている芸術形態の 1 つである板絵の伝統に属しています。ファイユームの肖像画は、その伝統から生き残った唯一の大規模な芸術作品です。

ミイラの肖像画はエジプト全土で発見されているが、ファイユーム盆地、特にハワラ（通称の由来）とハドリアヌス 朝ローマ都市アンティノポリスで最も多く見つかっている。「ファイユームの肖像画」は、一般的には地理的な説明ではなく、様式的な説明として使用されている。彩色されたカルトナージュのミイラのケースはファラオの時代に遡るが、ファイユームのミイラの肖像画はローマ帝国がエジプトを占領していた時代にまで遡る革新であった。^[78]

これら肖像画は、紀元前 1 世紀後半または紀元後 1 世紀初頭以降のローマ帝国時代のものである。制作がいつ終了したかは明らかではないが、最近の研究では 3 世紀中頃とされている。これらは、古典世界の板絵の伝統を生き延びた数少ない作品の中でも、最大規模のグループである。この伝統は、エジプトのコプト教の図像学という地元の伝統を含む、古典後世界のビザンチンおよび西洋の伝統に引き継がれた。

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  ファイユームのミイラの肖像画はエジプト文化とローマ文化の出会いを象徴しています。
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  男性のミイラのマスク。紀元後 1 世紀初頭。漆喰、金箔、彩色。51.5 x 33 x 20 cm。ブルックリン美術館(ニューヨーク市)
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  赤い服を着た若い女性の肖像。90～120年頃。ライムウッドに金箔を施したエンカウスティック画。高さ38cm（15インチ）。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  アヌビス像、100–138年、大理石、高さ1.5m、幅50cm、ティヴォリ（ローマ）、バチカン美術館（バチカン市国）^[79]
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  ホルス皇帝像、2 世紀、ブロンズ、高さ 26.5 cm、ルーブル美術館
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  ミイラの男性の肖像画。1 世紀後半。木に描かれたエンカウスティック画。ウォルターズ美術館(米国メリーランド州ボルチモア)
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  赤ん坊のホルスに乳を与えるイシス（左足のみが保存されている）。紀元1世紀。シルト岩（ベース：石灰岩）。高さ：33.9cm。マタナ・エル・アスフ出身。エジプト美術館(ミュンヘン、ドイツ)

エジプト美術は、レリーフと絵画の両方で主要な人物像に用いられる独特の人物描写の慣習で知られている。脚は開いており（座っていない場合）、頭は横から見たように描かれているが、胴体は正面から見たように描かれている。人物像には標準的な比率があり、地面から額の生え際までの長さは「拳」18個分である。^{[80]これは第1王朝の}ナルメルパレットに早くも見られるが、この理想化された人物描写の慣習は、捕虜や死体など、何らかの活動に従事している脇役の人物像を描写する際には用いられていない。^[81]他の慣習では、男性の彫像は女性の彫像よりも暗い色になっている。非常に慣習化された肖像彫像は、第2王朝（紀元前2780年以前）の頃から現れており、^[82]アフケナテンのアマルナ時代^[83]や第12王朝などの他の時代の美術を除けば、統治者の理想化された特徴は、他のエジプト美術慣習と同様、ギリシャ人の征服までほとんど変化がなかった。 ^[84]エジプト美術では、人物の大きさがその相対的な重要性を示す階層的な比率が用いられている。神々や神聖なファラオは、通常他の人物よりも大きく、高官や墓の所有者の人物は、通常より小さく、最も小さいスケールには、召使、芸能人、動物、木、建築の細部などがある。^[85]

古代エジプトの芸術家は、ほとんど名前を残しませんでした。エジプトの芸術作品が匿名なのは、ほとんどの場合、集団で制作されていたためでもあります。エジプトを旅して暮らしたシチリアのディオドロスは、次のように書いています。「職人たちは彫像の高さを決めた後、皆家に帰って、選んだ部分を作るのです」（I, 98）。^[86]

象徴主義はエジプト美術に浸透し、秩序感覚を確立する上で重要な役割を果たした。例えば、ファラオの王冠は秩序を維持する彼の力を象徴していた。動物もまたエジプト美術において非常に象徴的な存在であった。いくつかの色彩は表現力豊かであった。^[87]

古代エジプト語には、 kem（黒）、hedj（白/銀）、wadj（緑/青）、desher （赤/オレンジ/黄）という4つの基本的な色彩用語があった。例えば、青は豊穣、誕生、そしてナイル川の生命を与える水を象徴していた。^{[88] [検証失敗]}青と緑は植物の色であり、したがって若返りの色であった。オシリスは緑色の肌で表現されることもあり、第26王朝では、再生を助けるために棺の顔が緑色に塗られることが多かった。^[89]

この色の象徴性は、葬儀の道具としてトルコ石やファイアンス焼きが人気だった理由を説明しています。王族の像に黒色を使用することは、エジプトが生まれたナイル川の肥沃な沖積土^{[87]を表現し、豊穣と再生の意味合いを持っていました。そのため、}オシリス王の像では、彼の肌は黒く描かれることが多かったです。黒は来世とも関連付けられており、アヌビスなどの葬儀の神の色でもありました。

金は、その不自然な外観と貴重な素材との関連から、神性を示していた。^[87]さらに、古代エジプト人は金を「神の肉」とみなしていた。 [ ⁹⁰ ]エジプト人が「白い金」と呼んでいた銀は、同様に「神の骨」と呼ばれていた。^[90]

赤、オレンジ、黄色は相反する色です。これらは当然、太陽と関連付けられていました。珪岩などの赤い石は、王権の太陽の側面を強調する王家の彫像に好まれました。カーネリアンは、ジュエリーにおいて同様の象徴的な関連があります。パピルス文書に重要な名前を書くために、赤いインクが使用されました。赤は砂漠の色でもあり、したがってセトと関連付けられていました。

エジプトのファイアンスは、石英砂（または砕いた石英）、少量の石灰、植物の灰またはナトロンから作られた陶器である。材料を混ぜ合わせ、釉薬をかけて焼成すると、硬くて光沢のある仕上がりになる。ファイアンスは、先王朝時代からイスラム時代まで、象嵌や小物、特にウシャブティに広く使用されていた。より正確には「釉薬をかけた組成物」と呼ばれるエジプトのファイアンスは、中世イタリアの錫釉陶器（もともとファエンツァで生産された）に表面的に似ていることから、初期のエジプト学者によってそのように名付けられた。エジプト語でファイアンスは「まばゆい」を意味するtjehenetであり、おそらく何よりも、トルコ石やラピスラズリなどのより高価な材料の安価な代用品として使用されたと思われる。実際、ファイアンスは青緑色の色合いで最も一般的に生産されたが、幅広い色が可能であった。^[91]

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  ウィリアム1世 ファイアンス焼きのカバ; 紀元前1961年～1878年; ファイアンス焼き; 11.2 × 7.5 cm;メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  ウシャブティ; 紀元前1294-1279年; ファイアンス焼き; 高さ: 28.1 cm、幅: 9.2 cm;ルーブル美術館
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  イシスとホルスの小像; 紀元前332-30年; ファイアンス焼き; 高さ: 17 cm、幅: 5.1 cm、奥行き: 7.7 cm; メトロポリタン美術館
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  ボウル; 紀元前200～150年; ファイアンス焼き; 4.8 × 16.9 cm; メトロポリタン美術館

ガラス質のファイアンス焼きやエジプシャンブルーはエジプトで早くから製造されていたが、ガラス製造技術そのものが完成したのは第18王朝初期になってからである。エジプト語で「ガラス」を意味する言葉は外来語であるため、ガラスはおそらくレバントから輸入されたものである。アメンホテプ2世の副葬品には多くのガラス工芸品が含まれており、さまざまな技術が使われていることがわかる。この時期、ガラスは高価で希少であり、王家の独占物だった可能性がある。しかし、第18王朝の終わりまでには、エジプトは東地中海の他の地域にガラスを輸出できるだけの量を生産していたと思われる。アマルナとピラメセスではガラス工房が発掘されている。原材料であるシリカ、アルカリ、石灰はエジプトで容易に入手できたが、既製の青いガラスの塊もレバントから輸入されており、トルコ南岸沖で難破したウルブルン号の積荷から発見されている。^[92]

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  ヤシの柱の形をしたコール花瓶、紀元前1550～1086年、ガラス、高さ8.9cm、ウォルターズ美術館（米国ボルチモア）
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  ボトル; 紀元前1353～1336年; ガラス; 高さ: 8.1 cm;メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  ボトル; 紀元前1295～1070年; ガラス; 高さ: 10 cm (3.9 in); メトロポリタン美術館
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  小型アンフォリスコ、紀元前664～332年、ガラス製、高さ7cm（2.8インチ）、メトロポリタン美術館

エジプシャンブルーは、ファイアンス焼きやガラスと関連があるが、異なる素材である。別名「フリット」とも呼ばれるエジプシャンブルーは、石英、アルカリ、石灰、および 1 つ以上の着色剤 (通常は銅化合物) から作られる。これらを一緒に加熱して融合させ、均一な色の結晶塊にする (ファイアンス焼きでは、中心と表面層の色が異なる)。エジプシャンブルーは、手で加工したり、型に押し込んで小像やその他の小さな物体を作ったりすることができる。また、粉砕して顔料を作ることもできる。エジプシャンブルーは、第 4 王朝で初めて確認されているが、プトレマイオス朝時代とローマ時代に特に人気を博し、当時はカエルレウムと呼ばれていた。^[93]

青色は第4王朝の終わりまでほとんど使われておらず、第1王朝時代に建設されたサッカラの墓の敷物の模様に青色が使われているのが発見された。この発見まで、青色はエジプト美術では知られていなかった。^[94]

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  エジプシャンブルーの粉末
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  アンフォラ、いわゆる「エジプトの青」の陶器の一例。紀元前 1380 ～ 1300 年。高さ: 12.6 cm (5.0 インチ)。ウォルターズ美術館(米国ボルチモア)

古代エジプトは冶金学の主要な中心地ではなかったものの、国内および近隣諸国で見つかった金属を抽出し加工する技術を開発しました。

銅はエジプトで最初に採掘された金属です。バダリア人の墓からは小さなビーズが発見されていますが、より大型の品は、鋳型鋳造、焼きなまし、冷間鍛造の組み合わせによって、後期先王朝時代に生産されました。銅工芸品の生産は、ピラミッドの石材を切り出すために大量の銅ノミが製造された古王国時代にピークを迎えました。ヒエラコンポリスで発見されたペピ1世とメレンラーの銅像は、大規模な金属加工の痕跡を今に伝える貴重な遺物です。

ツタンカーメンの黄金の財宝は、古代エジプトの富を象徴するようになり、ファラオ文化における金の重要性を物語っています。王家の墓の埋葬室は「黄金の家」と呼ばれていました。エジプトの宗教によると、神々の肉体は金で作られていました。決して変色しない輝く金属は、神々の崇拝の像、王室の葬儀の装備、オベリスクの頂上に輝きを加えるのに理想的な素材でした。宝石として広く使用され、忠誠心に対する報酬として役人に配られました（「名誉の金」）。

銀はレヴァントから輸入する必要があり、その希少性から当初は金（エレクトラム同様、エジプトとヌビアの国境内で容易に入手可能）よりも価値が高かった。銀細工の初期の例としては、ヘテプヘレスの腕輪などがある。中王国時代になると、銀は金よりも価値が下がったようで、これは中東との貿易が増加したためかもしれない。エル・トッドの財宝は、おそらくエーゲ海で作られた銀製品の宝庫であり、第12王朝の王族の女性のために作られた銀製の宝飾品は、ダハシュールとラフンで発見された。エジプトの宗教では、神々の骨は銀で作られていると言われていた。^[95]

鉄はエジプト人が大規模に利用した最後の金属である。バダリアン朝時代から隕石鉄がビーズの製造に使われていた。しかし、鉄を精錬するのに必要な高度な技術がエジプトに導入されたのは末期エジプト時代になってからである。それ以前は鉄製品は輸入されており、その希少性ゆえに高く評価されていた。アマルナ文書は近東の支配者、特にヒッタイト人がアメンホテプ3世とアクエンアテンに送った鉄の外交贈り物について言及している。鉄製の道具や武器がエジプトで一般的になったのはローマ時代になってからである。

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  アメン・ラー像、紀元前1069-664年、銀と金、24 × 6 × 8.5 cm、0.7 kg、大英博物館（ロンドン）
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  アメン神の小像; 紀元前945-715年; 金; 17.5 × 4.7 cm;メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  エジプトの王冠をかぶったハヤブサの神としてのホルスの置物。紀元前500年頃。銀とエレクトラム。高さ：26.9cm。エジプト美術館(ミュンヘン、ドイツ)
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  イシスとホルスの像、紀元前305～30年、青銅鋳造、4.8×10.3 cm、クリーブランド美術館（米国オハイオ州クリーブランド）

考古学的文脈での木材の残存が比較的乏しいため、古代エジプトの遺物に木材が特に多く見られることはない。しかし、木工は初期から高い水準で行われていたことは明らかである。在来樹木にはナツメヤシやドムヤシがあり、幹は建物の梁として、または割って板材に使用できた。タマリスク、アカシア、プラタナスは家具製造に使用され、トネリコはより柔軟性が求められる場合（ボウルの製造など）に使用された。しかし、これらの在来材はいずれも比較的品質が悪く、より良質の品種は特にレバント地方から輸入しなければならなかった。^[96]

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  奉納行列の模型。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  食料を運ぶ女性召使の像。紀元前1981～1975年。木とジェッソで彩色。112 × 17 cm。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  帆船の模型。紀元前 1981～1975 年。塗装された木材、石膏、麻ひも、麻布。長さ 145 cm。メトロポリタン美術館
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  アヒルの形をした箱。紀元前16～11世紀。木と象牙。ルーブル美術館
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  イシスの像、プトレマイオス朝、木と漆喰で彩色、高さ 40.5 cm、レーマー・ウント・ペリツェウス美術館ヒルデスハイム(ヒルデスハイム、ドイツ)

ラピスラズリは、天界との象徴的な関連から古代エジプト人に高く評価された濃い青色の半貴石である。北東アフガニスタンの山岳地帯から長距離の貿易ルートで輸入され、金と銀を除く他のすべての素材よりも優れていると考えられていた。色付きガラスやファイアンス焼きは安価な模造品であった。ラピスラズリは先王朝時代に初めて確認されている。第二王朝と第三王朝の間に一時的に供給が途絶えたことは、おそらく古代近東の政治的変化を反映している。その後、ラピスラズリはジュエリー、小さな置物、お守りに広く使用された。^[97]

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  スカラベの指輪、紀元前1850～1750年、直径2.5cm、スカラベ：1.8cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  プタハの祭祀像；紀元前945～600年；像の高さ：5.2 cm、台座の高さ：0.4 cm；メトロポリタン美術館
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  ファルコムのお守り、紀元前664～332年、高さ2.2cm、メトロポリタン美術館
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  子神（ハルポクラテス？）のお守り。紀元前664～30年。高さ：4.3 cm、幅：1.2 cm、奥行き：1.6 cm。メトロポリタン美術館

• ジャスパーとは、赤、緑、黄色の縞模様や斑点のある、不純な玉髄のことです。生命と宇宙の肯定的な側面の象徴である赤いジャスパーは、主にお守りを作るのに使われました。 『死者の書』の呪文 156 に指定されているように、ティットのお守りやティエット(イシスの結び目としても知られています) などの特定のお守りは、赤いジャスパーで作るのが最適です。あまり使われない緑のジャスパーは、特にスカラベ、特にハート型のスカラベを作るのに使われました。
• 蛇紋石はマグネシウムの水和ケイ酸塩の総称です。主に東部砂漠で採掘され、淡い緑から黒に近い濃い色まで、さまざまな色合いがあります。古代から使用され、特にハート型のスカラベを作るために求められていました。
• ステアタイト（ソープストーンとも呼ばれる）は緑泥石族の鉱物で、加工が非常に容易であるという大きな利点があります。ステアタイトのお守りは先王朝時代以降の文脈で発見されていますが、その後の時代には通常、薄いファイアンス焼きの層で覆われ、多数のスカラベの製造に使用されました。
• トルコ石は、空色から青緑色の不透明な石です。微量の銅によって青色に着色された天然のリン酸アルミニウムです。女神ハトホルと密接な関係があり、主にシナイ半島（セラビト・エル・カディム）の鉱山から採掘されました。エジプト人は、ダイナミズムと活力ある再生の象徴である緑がかった色合いを特に好みました。末期王朝時代、トルコ石は（ラピスラズリと同様に）喜びと歓喜の代名詞でした。

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  ペンダント、紀元前1069年頃、金とトルコ石、全体：5.1 x 2.3 cm、クリーブランド美術館（米国クリーブランド）
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  ハトネフェルのハート型スカラベ。紀元前 1492-1473 年。蛇紋石 (スカラベ) と金。5.3 × 2.8 cm。鎖の長さ: 77.5 cm。メトロポリタン美術館
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  スプーンからとった泳ぐ少女の頭部。紀元前1390～1353年。トラバーチン（頭部）とステアタイト（髪）。2.8 × 2.7 cm。メトロポリタン美術館
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  護符、紀元前1295～1070年、赤い碧玉、2.3×1.2cm、メトロポリタン美術館

古代エジプトの寺院や墓の記念碑的な彫刻はよく知られているが^[98]、洗練され繊細な小作品ははるかに多く存在する。エジプト人は沈み彫りの技法を使用していたが、これは日光の下で輪郭と形が影によって強調されるため、最もよく見える。彫像が前を向き、片足をもう一方の前に出す独特のポーズは、作品のバランスと強度に役立った。この特異なポーズはエジプト美術の歴史の初期からプトレマイオス朝時代まで使用されていたが、座像も一般的であった。

エジプトのファラオは常に神とみなされていたが、他の神々が大きな彫像で描かれることはあまり一般的ではない。ただし、ファラオを別の神として表す場合は別である。しかし、他の神々は絵画やレリーフで頻繁に描かれている。アブ・シンベルの主要な神殿の外にある有名な4体の巨大彫像の列は、それぞれラムセス2世を表しており、典型的な図式であるが、ここでは例外的に大きい。^[99]大型の彫刻のほとんどはエジプトの寺院や墓から残されたものであり、神々やファラオとその女王を表す巨大な彫像が、通常は寺院の内外の空きスペースに建てられた。ギザの非常に初期の巨大なスフィンクスが再び作られたことはなかったが、スフィンクスや他の動物を含む非常に大きな彫像が並ぶ通りが、多くの寺院群の一部を形成していた。神殿で最も神聖な神の像は、通常、本堂に置かれ、神の像を載せた比較的小さな船や小舟の形をしており、どうやら通常は貴金属でできていたようですが、これらはどれも現存していないことが知られています。

第4王朝（紀元前2680年 - 2565年）までに、カー像の観念がしっかりと確立されました。これらは、魂のカーの部分を休める場所として墓に置かれ、裕福な行政官とその妻のあまり慣習化されていない像が多数存在し、エジプトは数千年にわたって木材が保存できる気候が世界でも数少ない場所の1つであるため、その多くは木製であり、ブロック像も多数あります。いわゆる予備頭部、つまり毛のないシンプルな頭部は特に自然主義的ですが、古代エジプトに実際の肖像画がどの程度あったかについては依然として議論されています。

Early tombs also contained small models of the slaves, animals, buildings and objects such as boats (and later ushabti figures) necessary for the deceased to continue his lifestyle in the afterlife.^[100] However, the great majority of wooden sculpture have been lost to decay, or probably used as fuel. Small figures of deities, or their animal personifications, are very common, and found in popular materials such as pottery. There were also large numbers of small carved objects, from figures of the gods to toys and carved utensils. Alabaster was used for expensive versions of these, though painted wood was the most common material, and was normal for the small models of animals, slaves and possessions placed in tombs to provide for the afterlife.

Very strict conventions were followed while crafting statues, and specific rules governed the appearance of every Egyptian god. For example, the sky god (Horus) was to be represented with a falcon's head, the god of funeral rites (Anubis) was to be shown with a jackal's head. Artistic works were ranked according to their compliance with these conventions, and the conventions were followed so strictly that, over three thousand years, the appearance of statues changed very little. These conventions were intended to convey the timeless and non-ageing quality of the figure's ka.^{[citation needed]}

A common relief in ancient Egyptian sculpture was the difference between the representation of men and women. Women were often represented in an idealistic form, young and pretty, and rarely shown in an older maturity. Men were shown in either an idealistic manner or a more realistic depiction.^[49] Sculptures of men often showed men that aged, since the regeneration of ageing was a positive thing for them whereas women are shown as perpetually young.^[101]

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  Both sides of the Narmer Palette; c. 3100 BC; greywacke; height: 63 cm; from Hierakonpolis (Egypt); Egyptian Museum (Cairo). This very old palette shows the canonical Egyptian profile view and proportions of the figure
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  The Seated Scribe; 2613–2494 BC; painted limestone and inlaid quartz; height: 53.7 cm; Louvre
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  Portrait statue of Henka, administrator of the two pyramids of pharaoh Snofru; 2500–2350 BC; limestone; height: 40 cm; Egyptian Museum of Berlin (Germany)
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  The Ka statue of Awibre Hor, which provided a physical place for the ka to manifest; c. 1700 BC; wood, rock crystal, quartz, plaster, traces of gold; height: 1.7 m; from Dahshur; Egyptian Museum (Cairo)
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  Kneeling portrait statue of Amenemhat holding a stele with an inscription; circa 1500 BC; limestone; Egyptian Museum of Berlin
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  Portrait head of pharaoh Hatshepsut or Thutmose III; 1480–1425 BC; most probably granite; height: 16.5 cm; Egyptian Museum of Berlin
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  Amenhotep III; 1390–1352 BC; quartzite; height: 2.49 m; Luxor Museum (Luxor, Egypt)^[102]
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  Portrait statuette of Taitai; 1380–1300 BC; greywacke; height: height: 27.5 cm; Egyptian Museum of Berlin
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  The Anubis Shrine; 1336–1327 BC; painted wood and gold; 1.1 × 2.7 × 0.52 m; from the Valley of the Kings; Egyptian Museum (Cairo)
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  Osiris on a lapis lazuli pillar in the middle, flanked by Horus on the left, and Isis on the right; 875–850 BC; gold and lapis lazuli; 9 cm; Louvre
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  Four cats; 664–332 BC; wood; height: 14 cm, width: 27 cm; Louvre
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  Statuette of Anubis; 332–30 BC; plastered and painted wood; 42.3 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

A stele is an upright tablet of stone or wood, often with a curved top, painted and carved with text and pictures. Numerous examples were produced throughout Egyptian history for a variety of purposes, including funerary, votive and commemorative. Funerary stelae, attested from the early 1st Dynasty, typically bore the name and titles of the deceased. This basic form, which served to identify the tomb owner, evolved into a key component of the funerary equipment with a magical function. Hence, from the 2nd Dynasty onward, the owner was usually shown seated before an offering table piled with food and drink; in the Middle Kingdom, the offering formula was generally inscribed along the top of the stele. Both were designed to ensure a perpetual supply of offerings in the afterlife. Votive stelae, inscribed with prayers to deities, were dedicated by worshipers seeking a favorable outcome to a particular situation. In the Middle Kingdom, many hundreds were set up by pilgrims on the "terrace of the great god" at Abydos, so that they might participate in the annual procession of Osiris. One particular variety of votive stele common in the New Kingdom was the ear stele, inscribed with images of human ears to encourage the deity to listen to the prayer or request.

Commemorative stelae were produced to proclaim notable achievements (for example, the stela of Horwerra, recording a mining expedition to Serabit el-Khadim, and the Restoration Stela of Tutankhamun, celebrating the restoration of the traditional cults at the end of the Amarna period); to celebrate military victories (for instance, the Merneptah Stele); and to establish frontiers (for example the Semna stele of Senusret III and the boundary stelae around Amarna).^[103]

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  Kamose stela; circa 1550 BC; limestone; height: 2.3 m, width: 1.1 m, depth: 28.5 cm; from the Karnak Temple (Egypt); Luxor Museum (Luxor, Egypt)^[104]
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  The Bentresh stela; 1069–715 BC; sandstone; 227 x 106 x 14 cm; Louvre
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  Stela of Pepi, chief of the potters; 8th century BC; painted limestone; Hermitage (Sankt Petersburg, Russia)
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  Stela of Nacht-Mahes-eru; 664–610 BC; polychromy on wood; 42 × 31.5 × 3.5 cm; National Museum in Warsaw (Poland)

A pyramidion is a capstone at the top of a pyramid. Called benbenet in ancient Egyptian language, it associated the pyramid as a whole with the sacred Benben stone. Pyramidia may have been covered in gold leaf to reflect the rays of the sun; in the Middle Kingdom, they were often inscribed with royal titles and religious symbols.^[105]

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  Fragment of a pyramidion; c. 1600 BC; from Thebes; British Museum (London)
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  Pyramidion from the pyramid of Nebamun; circa 1380 BC; painted limestone; height: 23 cm; Staatliche Sammlung für Ägyptische Kunst (Munich, Germany)
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  Pyramidion from the tomb of the priest Rer in Abydos, Egypt. Hermitage Museum
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  Pyramidion of Iufaa; 664–525 BC; painted limestone; height: 36 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

Not all Egyptian reliefs were painted, and less-prestigious works in tombs, temples and palaces were merely painted on a flat surface. Stone surfaces were prepared by whitewash, or if rough, a layer of coarse mud plaster, with a smoother gesso layer above; some finer limestones could take paint directly. Pigments were mostly mineral, chosen to withstand strong sunlight without fading. The binding medium used in painting remains unclear: egg tempera and various gums and resins have been suggested. It is clear that true fresco, painted into a thin layer of wet plaster, was not used. Instead, the paint was applied to dried plaster, in what is called fresco a secco in Italian. After painting, a varnish or resin was usually applied as a protective coating, and many paintings with some exposure to the elements have survived remarkably well, although those on fully exposed walls rarely have.^[106] Small objects including wooden statuettes were often painted using similar techniques.

Many ancient Egyptian paintings have survived in tombs, and sometimes temples, due to Egypt's extremely dry climate. The paintings were often made with the intent of making a pleasant afterlife for the deceased. The themes included journeys through the afterworld or protective deities introducing the deceased to the gods of the underworld (such as Osiris). Some tomb paintings show activities that the deceased were involved in when they were alive and wished to carry on doing for eternity.^{[citation needed]}

From the New Kingdom period and afterwards, the Book of the Dead was buried with the entombed person. It was considered important for an introduction to the afterlife.^[107]

Egyptian paintings are painted in such a way to show a side view and a front view of the animal or person at the same time. For example, the painting to the right shows the head from a profile view and the body from a frontal view. Their main colors were red, blue, green, gold, black and yellow.^{[citation needed]}

Paintings showing scenes of hunting and fishing can have lively close-up landscape backgrounds of reeds and water, but in general Egyptian painting did not develop a sense of depth, and neither landscapes nor a sense of visual perspective are found, the figures rather varying in size with their importance rather than their location.^{[citation needed]}

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  Block from a relief depicting a battle; 1427–1400 BC; painted sandstone; height: 61.5 cm (24.2 in); Metropolitan Museum of Art (US)
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  Fresco which depicts Nebamun hunting birds; 1350 BC; paint on plaster; 98 × 83 cm (2 ft 9 in) × 2 ft 8.7 in); British Museum (London)
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  Fresco which depicts the pool in Nebamun's estate garden; c. 1350 BC; painted plaster; height: 64 cm; British Museum
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  Frescos in the Tomb of Nefertari, in which appear Khepri sitting on a very colourful square-shaped throne
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  Wall painting from Tutankhamun's tomb depicting Ay performing the Opening of the Mouth ceremony
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  Scene from the tomb of Tutankhamun in which appears Osiris
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  Picture of the wall painting from the tomb of Sennedjem in which Anubis attends the mummy of the deceased
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  The Book of the Dead of Hunefer; c. 1275 BC; ink and pigments on papyrus; 45 × 90.5 cm; British Museum (London)

Ancient Egyptian architects used sun-dried and kiln-baked bricks, fine sandstone, limestone and granite. Architects carefully planned all their work. The stones had to fit precisely together, since no mud or mortar was used. When creating the pyramids it is unknown how the workers or stones reached the top of them as no records were kept of their construction. When the top of the structure was completed, the artists decorated from the top down, removing ramp sand as they went down. Exterior walls of structures like the pyramids contained only a few small openings. Hieroglyphic and pictorial carvings in brilliant colors were abundantly used to decorate Egyptian structures, including many motifs, like the scarab, sacred beetle, the solar disk, and the vulture. They described the changes the Pharaoh would go through to become a god.^[109]

As early as 2600 BC the architect Imhotep made use of stone columns whose surface was carved to reflect the organic form of bundled reeds, like papyrus, lotus and palm; in later Egyptian architecture faceted cylinders were also common. Their form is thought to derive from archaic reed-built shrines. Carved from stone, the columns were highly decorated with carved and painted hieroglyphs, texts, ritual imagery and natural motifs. One of the most important types are the papyriform columns. The origin of these columns goes back to the 5th Dynasty. They are composed of lotus (papyrus) stems which are drawn together into a bundle decorated with bands: the capital, instead of opening out into the shape of a bellflower, swells out and then narrows again like a flower in bud. The base, which tapers to take the shape of a half-sphere like the stem of the lotus, has a continuously recurring decoration of stipules. At the Luxor Temple, the columns are reminiscent of papyrus bundles, perhaps symbolic of the marsh from which the ancient Egyptians believed the creation of the world to have unfolded.

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  Pair of obelisks of Nebsen; 2323–2100 BC; limestone; (the one from left) height: 52.7 cm, (the one from right) height: 51.1 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Model of a house; 1750–1700 BC; pottery; 27 x 27 x 17 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Ceiling painting from the palace of Amenhotep III; circa 1390–1353 BC; dried mud, mud plaster and paint Gesso; 140 x 140 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Window grill from a palace of Ramesses III; 1184–1153 BC; painted sandstone; height: 103.5 cm, width: 102.9 cm, depth: 14.6 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Column with Hathor-emblem capital and names of Nectanebo I on the shaft; 380–362 BC; limestone; height: 102 cm, width: 34.3 cm; Metropolitan Museum of Art
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  The Temple of Dendur; completed by 10 BC; aeolian sandstone; temple proper: height: 6.4 m, width: 6.4 m; length: 12.5 m; Metropolitan Museum of Art
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  A view of the pyramids at Giza. From left to right, the three largest are: the Pyramid of Menkaure, the Pyramid of Khafre and the Great Pyramid of Khufu
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  The well preserved Temple of Isis from Philae (Egypt) is an example of Egyptian architecture and architectural sculpture
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  The Great Temple of Ramesses II from Abu Simbel, founded in circa 1264 BC, in the Aswan Governorate (Egypt)
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  Relief from the Dendera Temple complex (Egypt)
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  Illustrations of various types of capitals, drawn by the Egyptologist Karl Richard Lepsius
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  Illustrations with two types of columns from the hall of the Ramses II Temple, drawn in 1849

The ancient Egyptians exhibited a love of ornament and personal decoration from earliest Predynastic times. Badarian burials often contained strings of beads made from glazed steatite, shell and ivory. Jewelry in gold, silver, copper and faience is also attested in the early Predynastic period; more varied materials were introduced in the centuries preceding the 1st Dynasty. By the Old Kingdom, the combination of carnelian, turquoise and lapis lazuli had been established for royal jewelry, and this was to become standard in the Middle Kingdom. Less sophisticated pieces might use bone, mother-of-pearl or cowrie shells.

The particular choice of materials depended upon practical, aesthetical and symbolic considerations. Some types of jewelry remained perennially popular, while others went in and out of fashion. In the first category were bead necklaces, bracelets, armlets and girdles. Bead aprons are first attested in the 1st Dynasty, while usekh broad collars became a standard type from the early Old Kingdom. In the Middle Kingdom, they had fallen from favor, to be replaced by finger-rings and ear ornaments (rings and plugs). New Kingdom jewelry is generally more elaborate and garish than that of earlier periods, and was influenced by styles from the Ancient Greece and the Levant. Many fine examples were found in the tomb of Tutankhamun. Jewelry, both royal and private, was replete with religious symbolism. It was also used to display the wealth and rank of the wearer. Royal jewels were always the most elaborate, as exemplified by the pieces found at Dahshur and Lahun, made for princesses of the 18th Dynasty, favored courtiers were rewarded with the "gold of honor" as a sign of royal favor.

The techniques of jewelry-making can be reconstructed from surviving artifacts and from tomb decoration. A jeweler's workshop is shown in the tomb of Mereruka; several New Kingdom tombs at Thebes contain similar scenes.^[110]

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  Broad collar of Wah; 1981–1975 BC; faience and linen thread; height: 34.5 cm, width: 39 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Pectoral and necklace of Princess Sithathoriunet; 1887–1813 BC; gold, carnelian, lapis lazuli, turquoise, garnet & feldspar; height of the pectoral: 4.5 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Broad collar of Senebtisi; 1850–1775 BC; faience, gold, carnelian and turquoise; outside diameter: 25 cm, maxim width: 7.5 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Pectoral (chest jewellery) of Tutankhamun; 1336–1327 BC (Reign of Tutankhamun); gold, silver and meteoric glass; height: 14.9 cm; Egyptian Museum (Cairo)
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  Pectoral of Horus with sundisk; circa 1325 BC; gold with gemstones; width: 12.6 cm; Egyptian Museum (Cairo)
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  Signet ring; 664–525 BC; gold; diameter 3 cm, length: 3.4 cm (bezel); British Museum (London)
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  Illustration of jewelry from the tomb of princess Merit

An amulet is a small charm worn to afford its owner magical protection, or to convey certain qualities (for example, a lion amulet might convey strength, or a set-square amulet might convey rectitude). Attested from the Badarian period onward, amulets were produced both for the living and the dead. Particular amulets were placed at specific places in the mummy wrappings. The heart scarab was a specialized form of amulet to protect the heart of the deceased in the afterlife. Amulets were made from a wide variety of materials, including faience, glass, and precious stones – with color often playing an important symbolic role – and in a wide variety of forms. They might depict sacred objects (such as the Djed pillar, Tyet girdle or Wedjad eye); animals (bull's head amulets were particularly common in the late Predynastic period); or hieroglyphs (for example, Ankh or Sa). From the New Kingdom onward, deities – especially household deities such as Bes and Taweret – were popular subjects for amulets.^[111]

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  Amulet in the form of Heryshaf seated on a lotus; 1069–332 BC; gold; height: 11.5 cm, width: 3.4 cm; Louvre
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  Amulet that depicts Thoth as a baboon holding the Eye of Horus; 664–332 BC; Egyptian faience with light green glaze; height: 3.9 cm, width: 2.4 cm, depth: 2.5 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)
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  Amulet which depicts a triad of Isis, Horus and Nephthys; 664–332 BC; faience; height: 4.5 cm, width: 3 cm, depth: 2.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Amulet depicting Taweret; 664–332 BC; faience; height: 9.7 cm; Metropolitan Museum of Art

The protective amulet for the heart was in the form of the scarab beetle, the manifestation of the creator and solar deity Khepri. It was a symbol of new life and resurrection. The scarab beetle was seen to push a ball of dung along the ground, and from this came the idea of the beetle rolling the sun across the sky. Subsequently, the young beetles were observed to hatch from their eggs inside the ball, hence the idea of creation: life springs forth from primordial mud.

The heart scarab was a large scarab amulet which was wrapped in the mummy bandaging over the deceased's heart. It was made from a range of green and dark-colored materials, including faience, glass, glazed steatite, schist, feldspar, hematite and obsidian.^[112] Black was also associated with the afterlife, while blue and green were associated with the birth and the life-giving waters of the Nile.

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  Heart scarab of the singer of Amun Iakai; 1550–1186 BC; glass; length: 4.8 cm, width: 3.5 cm, height: 1.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  The back of a heart scarab of the singer of Amun Iakai; 1550–1186 BC; glass; length: 4.8 cm, width: 3.5 cm, height: 1.5 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Commemorative scarab of Amenhotep III, recording a lion hunt; 1390–1352 BC; blue-glazed steatite; length: 8 cm; Metropolitan Museum of Art
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  The back of a commemorative scarab of Amenhotep III, recording a lion hunt; 1390–1352 BC; blue glazed steatite; length: 8 cm; Metropolitan Museum of Art

Different types of pottery items were deposited in tombs of the dead. Some such pottery items represented interior parts of the body, such as the lungs, the liver and smaller intestines, which were removed before embalming. A large number of smaller objects in enamel pottery were also deposited with the dead. It was customary for the tomb walls to be crafted with cones of pottery, about 15 to 25 cm (6 to 10 in) tall, on which were engraved or impressed legends relating to the dead occupants of the tombs. These cones usually contained the names of the deceased, their titles, offices which they held, and some expressions appropriate to funeral purposes.

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  Blue-painted jar from Malqata; 1390–1353 BC; painted pottery; height: 69 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Hathor-shaped jar; 1390–1353 BC; painted pottery; height: 24.5 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Cup ornated with papyrus flowers; 653–640 BC; terracotta; Louvre
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  Goblet ornated with uraeuses; 653–640 BC; terracotta; Louvre

Egyptian writing remained a remarkably conservative system, and the preserve of a tiny literate minority, while the spoken language underwent considerable change. Egyptian stelas are decorated with finely carved hieroglyphs.

The use of hieroglyphic writing arose from proto-literate symbol systems in the Early Bronze Age, around the 32nd century BC (Naqada III), with the first decipherable sentence written in the Egyptian language dating to the Second Dynasty (28th century BC). Egyptian hieroglyphs developed into a mature writing system used for monumental inscription in the classical language of the Middle Kingdom period; during this period, the system made use of about 900 distinct signs. The use of this writing system continued through the New Kingdom and Late Period, and on into the Persian and Ptolemaic periods. Late use of hieroglyphics are found in the Roman period, extending into the 4th century AD.

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  Relief with hieroglyphs from the Edfu Temple (Edfu, Egypt)
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  Hieroglyphs on the Stele Minnakht from c. 1321 BC, in the Louvre
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  Detail from the side of a sarcophagus, circa 530 BC, in the British Museum (London)
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  Hieroglyphs from the tomb of Seti I

Although, by modern standards, ancient Egyptian houses would have been very sparsely furnished, woodworking and cabinet-making were highly developed crafts. All the main types of furniture are attested, either as surviving examples or in tomb decoration. Chairs were only for the wealthy; most people would have used low stools. Beds consisted of a wooden frame, with matting or leather webbing to provide support; the most elaborate beds also had a canopy, hung with netting, to provide extra privacy and protection from insects. The feet of chairs, stools and beds were often modeled to resemble bull hooves or, in later periods, lion feet or duck heads. Wooden furniture was often coated with a layer of plaster and painted.

Royal furniture was more elaborate, making use of inlays, veneers and marquetry. Funerary objects from the tomb of Tutankhamun include tables, boxes and chests, a gilded throne, and ritual beds shaped like elongated hippos and cattle. The burial equipment of Hetepheres included a set of travelling furniture, light and easy to dismantle. Such furniture must have been used on military campaigns and other royal journeys.^[113] Egyptian furniture has highly influenced the development of Greco-Roman furniture. It also was one of the principal sources of inspiration of a style known as Empire.^[114] The main motifs used are: palm and lotus leaves, flowers, lion heads and claws, bull hooves, bird heads, and geometric combinations. Everything is sober and with a monumental character.^[115]

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  Furniture leg in shape of bull's leg; 2960–2770 BC; hippopotamus ivory; height: 17 cm, width: 3.4 cm, depth: 5.8 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Stool with woven seat; 1991–1450 BC; wood & reed; height: 13 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Inlaid box for cosmetic vessels of Sithathoryunet; 1887–1813 BC; ebony, inlaid with ivory and red wood (restored) and gold trim; height: 25.2 cm, length: 36.4 cm, depth: 25.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Headrest; 1539–1190 BC; wood; 17.8 x 28.6 x 7.6 cm; Brooklyn Museum (New York City)
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  Chair of Hatnefer; 1492–1473 BC; boxwood, cypress, ebony & linen cord; height: 53 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Chair of Reniseneb; 1450 BC; wood, ebony & ivory; height: 86.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  The Throne of Tutankhamun; 1336–1327 BC; wood covered with sheets of gold, silver, semi-precious and other stones, faience, glass and bronze; height: 1 m; Egyptian Museum (Cairo)
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  Armchair of Tutankhamun; 1336–1326 BC; wood, ebony, ivory and gold leaf; height: 71 cm; Exposition of Tutankhamun Treasure in Paris (2019)

Artistic representations, supplemented by surviving garments, are the main sources of evidence for ancient Egyptian fashion. The two sources are not always in agreement, however, and it seems that representations were more concerned with highlighting certain attributes of the person depicted than with accurately recordings their true appearance. For example, women were often shown with restrictive, tight-fitting dresses, perhaps to emphasize their figures.

As in most societies, fashions in Egypt changed over time; different clothes were worn in different seasons of the year, and by different sections of society. Particular office-holders, especially priests and the king, had their own special garments.

For the general population, clothing was simple, predominantly of linen, and probably white or off-white in color. It would have shown the dirt easily, and professional launderers are known to have been attached to the New Kingdom workmen's village at Deir el-Medina. Men would have worn a simple loin-cloth or short kilt (known as shendyt), supplemented in winter by a heavier tunic. High-status individuals could express their status through their clothing, and were more susceptible to changes in fashion.

Longer, more voluminous clothing made an appearance in the Middle Kingdom; flowing, elaborately pleated, diaphanous robes for men and women were particularly popular in the late 18th Dynasty and the Ramesside period. Decorated textiles also became more common in the New Kingdom. In all periods, women's dresses may have been enhanced by colorful bead netting worn over the top. In the Roman Period, Egypt became known for the manufacture of fine clothing. Coiled sewn sandals or sandals of leather are the most commonly attested types of footwear. Examples of these, together with linen shirts and other clothing, were discovered in the tomb of Tutankhamun.^[116]

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  Pair of sandals; 1390–1352 BC; grass, reed and papyrus; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Illustration from the book Ancient Egyptian, Assyrian, and Persian costumes and decorations
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  Illustration of a goddess from Ancient Egyptian, Assyrian, and Persian costumes and decorations
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  Statue of Tjahapimu wearing a shendyt, Metropolitan Museum of Art

Use of makeup, especially around the eyes, was a characteristic feature of ancient Egyptian culture from Predynastic times. Black kohl (eye-paint) was applied to protect the eyes, as well as for aesthetic reasons. It was usually made of galena, giving a silvery-black color; during the Old Kingdom, green eye-paint was also used, made from malachite. Egyptian women painted their lips and cheeks, using rouge made from red ochre. Henna was applied as a dye for hair, fingernails and toenails, and perhaps also nipples. Creams and unguents to condition the skin were popular, and were made from various plant extracts.^[117]

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  Cosmetic Box of the Royal Butler Kemeni; 1814–1805 BC; cedar with ebony, ivory veneer and silver mounting; height: 20.3 cm (8.0 in); Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Cosmetic dish in the shape of a tilapia fish; 1479–1425 BC; glazed steatite; 8.6 cm × 18.1 cm (3.4 in × 7.1 in); Metropolitan Museum of Art
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  Cosmetic box in the shape of an Egyptian composite capital, its cap being in the left side; 664–300 BC; glassy faience; 8.5 cm × 9 cm (3.3 in × 3.5 in); Metropolitan Museum of Art
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  Perfume vase in shape of an amphoriskos; 664–630 BC; glass: 8 cm × 4 cm (3.1 in × 1.6 in); Metropolitan Museum of Art
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  An 18th Dynasty ancient Egyptian kohl container inscribed for Queen Tiye (1410–1372 BC)

On secular and religious occasions, music played an important part in celebrations. Musicians, playing instruments such as the castanets and flute, are depicted on objects from the Predynastic Period. A wide range of percussions, wind and string instruments were known to the ancient Egyptian. They include rattles, clappers, drums, tambourines and the sistrum; pipes, flutes and trumpets; and harps (particularly popular at feasts). The lyre and lute were introduced from the Levant. Musical notation is not attested until the early Ptolemaic Period. Groups of musicians, either mixed gender or female only, are known from the Old Kingdom. Women singers and sistrum-players had an important role in temple cults, especially those of Hathor and Isis. Tomb decoration from all periods indicates that, as today, groups of workers sang to generate a sense of solidarity and to maintain their enthusiasm.^[118]

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  A blind harpist from a mural of the 15th century BC
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  Arched Harp (shoulder harp); 1390–1295 BC; wood; length of sound box: 36 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Head of Hathor from a clapper; 1295–664 BC; possibly boxwood; 12 × 6.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Detail of a frieze from TT52 in which are depicted three musicians
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  Illustration of a harper playing in front of god Shu

A sistrum (plural: sistra) is a rattle used in religious ceremonies, especially temple rituals, and usually played by women. Called a "seshsehet" in Egyptian, the name imitates the swishing sound the small metal disks made when the instrument was shaken. It was closely associated with Hathor in her role as "lady of music", and the handle was often decorated with a Hathor head. Two kinds of sistrum are attested, naos-shaped and hoop-shaped; the latter became the more common.^[119]

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  Sistrum decorated with a Hathor face; 664–332 BC; faience; length: 15.5 cm, width: 6.4 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Sistrum inscribed with the name of Ptolemy I; 305–282 BC; faience; 26.7 × 7.5 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Sistrum with the face of the goddess Hathor depicted with cow ears; 380–250 BC; bronze; 36.3 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)
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  1st–2nd century AD; bronze or copper alloy; 20.6 × 14 cm; Metropolitan Museum of Art

The earliest purpose-built funerary containers for bodies were simple rectangular wooden boxes, attested in the 1st Dynasty. A coffin swiftly became an essential part of the burial equipment. Known euphemistically as the "lord of life", its primary function was to provide a home for the Ka and to protect the physical body from harm. In the 4th Dynasty, the development of longer coffins allowed the body to be buried fully extended (rather than curled up on its side in a foetal position). At the end of the Old Kingdom, it became customary once more for the body to be laid on its side. The side of the coffin that faced east in the tomb was decorated with a pair of eyes so that the deceased could look out towards the rising sun with its promise of daily rebirth. Coffins also began to be decorated on the outside with bands of funerary texts, while pictures of food and drink offerings were painted on the inside to provide a magical substitute for the real provisions placed in the tomb.^{[citation needed]}

In the First Intermediate Period, decorated coffins became a substitute for tomb decoration; in the Middle Kingdom, coffin texts made their first appearance, sometimes accompanied by detailed maps of the underworld. Middle Kingdom coffins show a number of distinct regional styles, echoing the cultural fragmentation of the preceding period. In the 17th and early 18th Dynasties, the Theban area produced characteristic anthropoid rishi (feathered) coffins. These were replaced (except for kings) by other styles of anthropoid coffins which became the standard form throughout the country for the remainder of Egyptian history. The predominance of decorated tombs in the New Kingdom removed the need of object friezes, so coffins were generally undecorated on the inside. However, this situation was reversed again in the Third Intermediate Period when new types of coffin decoration focused on the Osiris myth and extracts from the Book of the Dead, to aid the resurrection of the deceased. In the Ptolemaic and Roman periods, a cartonnage mask was often fixed directly onto the mummy wrappings as a substitute for a coffin.^{[citation needed]}

Coffins were generally made of wood; those of high-status individuals used fine quality, imported cedar. From the Middle Kingdom onward, wealthy individuals were often provided with a set of two or three nested coffins. The most sumptuous coffins might be inlaid with glass or precious stones, while royal coffins were often made from gold or silver.^[120]

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  Coffin of the estate manager Khnumhotep; 1981–1802 BC; painted wood (ficus sycomorus); height: 81.3 cm (32.0 in); Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Coffin of Nesykhonsu; c. 976 BC; gessoed and painted sycamore fig; overall: 70 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)
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  Inner coffin of Amenemopet; 975–909 BC; painted wood & gesso; length: 195 cm (77 in); Metropolitan Museum of Art
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  Coffin of Irtirutja; 332–250 BC; plastered, painted and gilded wood; length: 198.8 cm (78.3 in); Metropolitan Museum of Art

Canopic jars are vessels which were used for storing the internal organs removed during mummification. These were named after the human-headed jars that were worshiped as personifications of Kanops (the helmsman of Menelaus in Greek mythology) by the inhabitants of ancient Canopus. The practice of evisceration is first attested in the burial of Hetepheres^{[clarification needed]} in the early 4th Dynasty. Her organs were stored in a travertine canopic chest divided into four compartments. Later, each organ – the liver, lungs, stomach and intestines – was provided with a separate jar, of stone or pottery, and placed under the symbolic protection of one of the Four sons of Horus. During the First Intermediate Period, the stoppers of canopic jars began to be modeled in the form of human heads. From the late 18th Dynasty, they were more commonly modelled to resemble the heads of the protecting genii (baboon, jackal, falcon and human). This became the standard for canopic equipment in the 19th Dynasty. In the Third Intermediate Period, the mummified organs were generally returned to the body, but wealthy burials could still include a dummy set of jars. The last known royal set of canopic jars were made of Apries. The manufacture of canopic equipment continued into the Ptolemaic Period but ceased by Roman times.^[121]

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  Canopic jars of Ruiu; 1504–1447 BC; painted pottery; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Canopic jars of Tutankhamun; 1333–1323 BC; alabaster; total height: 85.5 cm; Egyptian Museum (Cairo)
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  Complete set of canopic jars; 900–800 BC; painted limestone; Walters Art Museum (Baltimore, US)
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  Complete set of canopic jars decorated with hieroglyphics; 744–656 BC; painted sycomore fig wood; various heights; British Museum (London)

Funerary masks have been used at all periods. Examples range from the gold masks of Tutankhamun and Psusennes I to the Roman "mummy portraits" from Hawara and the Fayum. Whether in a funerary or religious context, the purpose of a mask was the same: to transform the wearer from a mortal to a divine state.^[122]

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  Mask of Sitdjehuti; c. 1500 BC; linen, plaster, gold and paint; height: 61 cm (24 in); British Museum (London)
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  Mask of Tjuyu; c. 1387–1350 BC; gold, past of glass, alabaster and other materials; height: 40 cm; Egyptian Museum (Cairo)
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  The Mask of Tutankhamun; c. 1327 BC; gold, glass and semi-precious stones; height: 54 cm (21 in); Egyptian Museum
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  Mummy portrait of a young woman; 100–150 AD; cedar wood, encaustic painting and gold; height: 42 cm, width: 24 cm; Louvre

Ushabtis (a.k.a. shawabti or shabti) are funerary figurines. Their purpose was to act as a substitute for the deceased when he was called upon to perform agricultural work or corvée labor in the afterlife. Ushabtis evolved in the Middle Kingdom from the servant statues included among grave goods. The earliest examples were crude statuettes in wax, clay or wood; later, they were fashioned as mummiform figures and, from the end of the 12th Dynasty, they were customarily inscribed with the "ushabti text" (chapter 6 of the Book of the dead which specifies the ushabti's duties).^[123]

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  Shabti of Paser, the vizier of Seti I and Ramesses II; 1294–1213 BC; faience; height: 15 cm, width: 4.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Shabti of Sennedjem; 1279–1213 BC; painted limestone; height: 27 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Four ushabtis of Khabekhnet and their box; 1279–1213 BC; painted limestone; height of the ushabtis: 16.7 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Ushabti; 360–343 BC; ceramic and enamel; 26.7 × 7.1 cm; from Saqqara; Museum of Art and History (Geneva, Switzerland)

Ancient Egypt shared a long and complex history with the Nile Valley to the south, the region called Nubia (modern Sudan). Beginning with the Kerma culture and continuing with the Kingdom of Kush based at Napata and then Meroë, Nubian culture absorbed Egyptian influences at various times, for both political and religious reasons. The result is a rich and complex visual culture.

The artistic production of Meroë reflects a range of influences. First, it was an indigenous African culture with roots stretching back thousands of years. To this is added the fact that the wealth of Meroë was based on trade with Egypt when it was ruled by the Ptolemaic dynasty (332–330 BC) and the Romans (30 BC – 395 AD), so Hellenistic and Roman objects and ideas were imported, as well as Egyptian influences.

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  Votive plaque of king Tanyidamani; c. 100 BC; siltstone; 18.5 × 9.5 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)
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  Votive plaque of king Tanyidamani; c. 100 BC; siltstone; 18.5 × 9.5 cm Walters Art Museum
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  Pot from Faras; 300 BC – 350 AD; terracotta; height: 18 cm; Egyptian Museum of Berlin (Germany)
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  Beaker; 300 BC – 350 BAD; terracotta; height: 10.5 cm; Egyptian Museum of Berlin

Egyptian Revival art is a style in Western art, mainly of the early nineteenth century, in which Egyptian motifs were applied to a wide variety of decorative arts objects. It was underground in American decorative arts throughout the nineteenth century, continuing into the 1920s. The major motifs of Egyptian art, such as obelisks, hieroglyphs, the sphinx, and pyramids, were used in various artistic media, including architecture, furniture, ceramics, and silver. Egyptian motifs provided an exotic alternative to the more traditional styles of the day. Over the course of the nineteenth century, American tastes evolved from a highly ornamented aesthetic to a simpler, sparer sense of decoration; the vocabulary of ancient Egyptian art would be interpreted and adapted in different ways depending on the standards and motivations of the time.^[124]

Enthusiasm for the artistic style of Ancient Egypt is generally attributed to the excitement over Napoleon's conquest of Egypt and, in Britain, to Admiral Nelson's defeat of Napoleon at the Battle of the Nile in 1798. Napoleon took a scientific expedition with him to Egypt. Publication of the expedition's work, the Description de l'Égypte, began in 1809 and came out in a series though 1826, inspiring everything from sofas with sphinxes for legs, to tea sets painted with the pyramids. It was the popularity of the style that was new, Egyptianizing works of art had appeared in scattered European settings from the time of the Renaissance.

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  The Egyptian Revival portico of the Hôtel Beauharnais from Paris
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  Coin cabinet; by François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter; 1809–1819; mahogany with silver; 90.2 x 50.2 x 37.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  1862 lithograph of the Aegyptischer Hof (English: Egyptian court), from the Neues Museum (Berlin)
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  Center table; 1870–1875; rosewood, walnut and marble; 79.4 x 119.4 x 78.7 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Side chair and armchair; 1870–1875; rosewood and prickly juniper veneer; various dimensions; Metropolitan Museum of Art
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  Pitcher; circa 1872; silver; overall: 28.6 x 15.6 x 21.9 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Design for a costume of Princess Amnéris; by Henri de Montaut; 1879; pencil and watercolor paint; unknown dimensions; in a temporary exhibition called "L'aventure Champollion" at the Site François-Mitterrand, part of the Bibliothèque nationale de France, Paris
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  Clock; by Tiffany & Co.; circa 1885; marble & bronze; 46 x 51.1 x 19.7 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Interior of the Temple maçonnique des Amis philanthropes in Brussels (Belgium), an example of an Egyptian Revival interior
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  The Supreme Constitutional Court of Egypt.

• History of art
• Ancient art

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