キー（音楽）

音楽理論において、曲のキーとは、西洋のクラシック音楽、芸術音楽、ポップミュージックにおける楽曲の基礎となる音程のグループ、つまり音階のことです。

調性（「トニック」から）またはキー：特定の音階の音符を使用する音楽は、その音階のキーまたはその音階の調性であると言われます。^[1]

特定のキーには、主音 とそれに対応するコード（トニックまたはトニックコードとも呼ばれる）があり、主観的な到達と休止の感覚をもたらし、同じキーの他のピッチ、それに対応するコード、キー外のピッチやコードと独特の関係を持っています。^[2]曲中の主音以外の音とコードはさまざまな緊張感を生み出し、主音またはコードが戻ったときに 解消されます。

キーはメジャーまたはマイナーモードの場合がありますが、ミュージシャンは指定されていない場合はメジャーであると想定します。たとえば、「この曲は C です」は、曲のキーが C メジャーであることを意味します。一般的な慣習時代のポピュラー ソングやクラシック音楽は、通常、1 つのキーです。クラシックのレパートリーの長い曲には、対照的なキーのセクションがある場合があります。セクションまたは楽章内でのキーの変更は、転調と呼ばれます。

特定の楽曲の調性を確立する方法は、説明が複雑で、音楽の歴史を通じて変化することがあります。^[要出典]ただし、特定の調性の楽曲で最も頻繁に使用されるコードは、対応する音階の音を含むコードであり、これらのコードの従来の進行、特に終止符は、リスナーを主音を中心に方向付けます。

調号は、必ずしも書かれた曲の調の信頼できるガイドではありません。調号は長調とその相対的な短調を区別しません。曲は異なる調に転調することがあります。転調が短い場合は調号の変更を伴わず、代わりに臨時記号で示されます。ミクソリディアンやドリアンなどの旋法の曲は、主音に適した長調または短調の調号と、曲全体にわたる臨時記号で書かれることがあります。

長調や短調に対応しない旋法の楽曲は、トニック調であると言われることがあります。他のタイプのハーモニー(例えば A に解決する) を使用する楽曲は、A が楽曲の調性中心であることを示すために「in A」と説明されることがあります。

楽器の「調」は、その楽器にとって「自然」とみなされる音高を意味する無関係な用法です。たとえば、現代のトランペットは通常、 B ♭の調です。これは、バルブを使用せずに生成される音が、基本音高が B ♭である倍音列に対応するためです。(このような楽器は、表記された音がコンサート ピッチと異なる場合、移調楽器と呼ばれます。)

キーの関係とは、共通の音と五度圏の近さによって測定されるキー間の関係です。密接に関連するキーを参照してください。

調は通常、主音および/または和音を特定します。主音および/または長または短の 三和音は、楽曲の最後の休止点、またはセクションの焦点を表します。楽曲の調はタイトルで指定される場合 (例: 交響曲 ハ長調) や、調号から推測される場合がありますが、調の確立は機能的和音、1 つ以上の終止符につながる和音のシーケンス、および/または旋律の動き (導音から主音への動きなど) によってもたらされます。たとえば、G の調には、G、A、B、C、D、E、および F ♯のピッチが含まれ、対応する主音コードは G—B—D です。一般的に慣習が行われた期間の伝統的な楽曲の最初と最後には、ほとんどの場合、主音が (時には対応する主音コードとともに)、指定された調で楽曲を開始および終了します。調は長調の場合もあれば短調の場合もあります。音楽はドリアン旋法やフリギア旋法などで表現されるため、通常はキーではなく特定の旋法で表現されると考えられています。英語以外の言語では、他のキー命名システムが使用される場合があります。

人々は時々キーとスケールを混同します。スケールはキーで一般的に使用される音の順序付けられたセットであり、キーは特定のコード進行によって確立される「重心」です。^[3]

終止形は調を確立する上で特に重要です。半終止形や偽終止形など、主音や三和音を含まない終止形であっても、それらのコードシーケンスは独特の全音階のコンテキストを暗示するため、調を確立するのに役立ちます。

短い曲は最初から最後まで単一のキーのままである場合があります。単純な曲の典型的なパターンは次のようになります。1つのフレーズが主音の終止符で終わり、2 番目のフレーズが半終止符で終わり、最後の長いフレーズが主音の正終止符で終わります。

より複雑な曲では、主調を確立してから別の調、または一連の調に転調し、その後元の調に戻ることもあります。バロックでは、いったん確立された調でリトルネッロと呼ばれる音楽のフレーズ全体を繰り返すのが一般的でした。古典的なソナタ形式では、2 番目の調には通常、対照的なテーマが付けられていました。別の調が一時的な主音として扱われる場合があり、これを主音化と呼びます。

一般的な慣習である当時の作曲や、20 世紀の西洋のポピュラー音楽のほとんどでは、曲は常に同じ調で始まり、終わります。たとえ (一部のロマン派音楽のように) 最初は意図的に調があいまいなままにされていたとしてもです。しかし、ポピュラーソングのアレンジの中には、曲の途中で (多くの場合、最後のコーラスの繰り返しで) 転調し、異なる調で終わるものもあります。これは転調の一例です。

ロックやポピュラー音楽では、2 つのキーの間で切り替えたり、変調したりする曲があります。この例としては、フリートウッド マックの「Dreams」やローリング ストーンズの「Under My Thumb」などがあります。「この現象は、キーの複数の解釈を可能にする機能 (通常はピッチ ソースとしての全音階セット) に、各解釈の可能性を裏付けるより正確な証拠が伴う場合に発生します (たとえば、1 つの音符を最初のハーモニーのルートとして使用し、別の音符を各フレーズの旋律解決のピッチと最後のハーモニーのルートとして継続的に使用するなど)。」^[4]

楽器によっては、特定のキーで演奏したり、特定のキーで楽譜が書かれたりします。ハ長調でない楽器は移調楽器と呼ばれます。^[5]たとえば、最も一般的な種類のクラリネットは、B ♭長調で演奏すると言われています。つまり、楽譜にハ長調で書かれた音階は、B♭クラリネットで演奏すると、実際にはB ♭長調の音階として聞こえます。つまり、音は書かれた音よりも全音低く聞こえます。同様に、通常Fのキーであるホルンは、書かれた音よりも完全5度低い音を出します。

同様に、楽器の中には特定のキーで「作られる」ものもあります。たとえば、B ♭で作られた金管楽器は、B ♭の基本音を演奏し、バルブ、指穴、またはスライドを使用して振動する空気柱の長さを変えることなく、 B ♭から始まる倍音列の音を演奏できます。特定のキーで作られた楽器は、多くの場合、同じキーで書かれた音楽を使用しますが、常にそうとは限りません (例外についてはトロンボーンを参照)。ただし、全音階ハーモニカやハープなどの一部の楽器は、実際には一度に1つのキーでのみ演奏するように設計されており、臨時記号を演奏することは困難または不可能です。

ハイランドのバグパイプは B ♭メジャーで作られていますが、音楽は暗黙の臨時記号付きの D メジャーで書かれています。

西洋音楽の作曲では、曲の調がその作曲に重要な影響を及ぼします。

• 前述のように、特定の楽器は特定のキーに合わせて設計されており、そのキーで演奏すると物理的に楽になったり難くなったりします。したがって、オーケストラ用に作曲する場合、これらの要素を考慮する必要があるため、キーの選択は重要になります。
• たとえば、プロのクラリネット奏者の生活では、作曲家のニーズに対応するために、半音ずつ離れたチューニングの楽器（B ♭とA）を2つ持ち歩くのが一般的です。モーツァルトの有名なクラリネット協奏曲はA長調です。これをB ♭楽器で演奏するのは難しく、オーケストラのパートすべてをB ♭長調に書き直すのは大変な作業です。それでも、B ♭で出版された作品に、一般的なB ♭クラリネットの音域より半音（またはそれ以上）低い音が含まれることは珍しくありません。その場合、その曲はより珍しい楽器で演奏するか、手作業で（または見ながら）少し大きいAクラリネット用に移調する必要があります。より長いボアと追加のキーを備えた、音域が広いクラリネットもあります。
• ただし、これに加えて、ほとんどの楽器の音色は、その楽器で演奏されるすべての音に対してまったく同じではありません。このため、C 調の曲でも、A 調に移調すると、リスナーにとっては (ピッチが異なるだけでなく) 多少違って聞こえるか、「感じられる」場合があります。
• さらに、多くの作曲家が作曲中にピアノをよく使用していたため、選択したキーが作曲に影響を与える可能性があります。これは、キーごとに物理的な運指が異なるため、演奏の選択が容易になり、最終的に他の音符やコード進行と比較して特定の音符やコード進行が書かれる可能性があるためです。また、最終的な作品がピアノ用に意図されている場合は、運指をより効率的にするために意図的に行われる場合もあります。
• 平均律を使用しない音楽では、異なるキーで演奏されるコードは質的に異なります。

キーの色彩とは、単一の非平均律チューニングにおける異なるキーの 音程の差、および音程のチューニングによって作り出されるキーの全体的な音と「感触」のことです。

歴史的に不規則な音律では、通常、全音階の音符間の5度が最も狭く（「ナチュラル」）、より純粋な3度を生み出し、半音階の音符間の5度は広く（「シャープとフラット」）、各キーはわずかに異なるイントネーションを持ち、したがって、異なるキーは独特の特徴を持ちます。このような「キーの色付け」は、18世紀と19世紀の音楽の多くに不可欠な部分であり、その時代の論文で説明されています。

例えば、ウルフ5度調律では、5度音階の最低音のキーは他のキーとは大きく異なって聞こえます（そして、しばしば避けられます）。Cのピタゴラス調律（C、E+、G：4、5、6）では、Cの長三和音はちょうど良いのに対し、E ♯ +++（F ♮）の長三和音は明らかに調子が外れています（E ♯ +++、A+、C：4 ）。+1 ⁄ 8、5、6 ) は、 E ♯ +++ (521.44 セント) がF ♮と比較してピタゴラスコンマ(23.46 セント) 大きいシャープであるためです。

平均律を使用する音楽では、すべてのキーのイントネーションのパターンが同じで、ピッチのみが異なるため、キーの色付けがありません。

• イニング、レナーテ (1970)。Hugo Riemannの Harmonielehren のシステム機能が表示されます。デュッセルドルフ: Gesellschaft zur Förderung der systematischen Musikwissenschaft。
• ラーン、ジョン(1980)。『基礎無調理論』。ニューヨーク：ロングマン、ロンドンおよびトロント：プレンティス ホール インターナショナル。ISBN 0-02-873160-3。1987年再版、ニューヨーク：シルマー ブックス、ロンドン：コリアー マクミラン。 
• ステブリン、リタ(1983)。『18 世紀および 19 世紀初頭の重要な特徴の歴史』UMI リサーチ プレス、アナーバー。

• クリスチャン・シューバルトの「感情的主要特性」
• 音楽のキーの特徴 – さまざまな情報源から。
• キーカラー
• 歴史的調律 – 時代音楽の調性色を復元する