芸術に関する分類論争

美術史家や芸術哲学者は、特定の文化形態や作品が芸術として分類されるべきかどうかについて、長い間、芸術に関する分類論争を繰り広げてきました。何が芸術であり何が芸術ではないかについての論争は今日でも続いています。^[1]

芸術を定義するのは難しい場合があります。美学者と芸術哲学者は、芸術をどのように定義するかについてしばしば論争を繰り広げます。その本来の最も広い定義によれば、芸術(ラテン語の arsに由来し、「スキル」または「工芸」を意味します) は、一連のスキルを使用して、一連の知識を効果的に適用した成果またはプロセスです。この意味は、「リベラル アーツ」や「マーシャル アーツ」などのフレーズに残っています。ただし、1750 年以降に顕著になったこの単語の現代的な使用法では、「芸術」は一般的に、美的結果を生み出すために使用されるスキルであると理解されています(Hatcher、1999)。

Britannica Online では、芸術を「他者と共有できる美的対象、環境、または体験を創造するための技能または想像力の使用」と定義しています。 ^[2]しかし、今日では「芸術」という用語をどう定義するのが最善かは、多くの論争の的となっています。「芸術」という用語が意味する基本的な事柄についてさえも議論する書籍や雑誌記事が数多く出版されています (Davies、1991 年、Carroll、2000 年)。テオドール・アドルノは1969 年に「芸術に関することはもはや自明ではないことは自明である」と主張しました。芸術を定義する権利が誰にあるかは明らかではありません。芸術家、哲学者、人類学者、心理学者は、それぞれがそれぞれの分野で芸術という概念を使用し、互いにあまり似ていない操作上の定義を与えています。

2 つ目の、より狭義で、より最近の「アート」という言葉の意味は、クリエイティブ アートまたは「ファイン アート」の略語としての意味です。ここでは、スキルがアーティストの創造性を表現するため、または観客の美的感覚を刺激するために使用されていることを意味します。多くの場合、スキルが、芸術作品として以外に実用的な機能を持たない絵画や彫刻ではなく、実用的な用途のあるオブジェクトを作成するために使用されている場合は、ファイン アートではなく、装飾芸術、応用芸術、工芸などの分類に該当すると見なされます。同様に、スキルが商業的または産業的に使用されている場合は、アートではなくデザインと見なされます。一部の思想家は、ファイン アートと応用芸術の違いは、明確な定義の違いよりも、アートに関する価値判断に関係していると主張しています (Novitz、1992)。現代の区別は、中世美術などの古い時代にはうまく当てはまりません。中世美術では、当時最も高く評価されていた芸術媒体は、金属細工、彫刻された宝石、織物、その他の「応用芸術」であることが多く、芸術作品の認識価値は、芸術家の創造的な投入と同じくらい、材料のコストと作品の制作に費やされた時間の量を反映していることが多かったからです。

古代中国の周王朝では、君子（孔子などの哲学者が定義した「完璧な君子」）には、六芸（六つの芸術）に優れていることが求められていました。これらの芸術は、生活の民間と軍事の両方の側面にまたがっていたため、6つすべてに優れているには、学者は非常に多才で博識である必要がありました。六芸とは次の通りです。

• 儀式（しき）
• 音楽（樂）
• アーチェリー（射）
• 馬車と馬術（御）
• 書道​
• 数学（數）

帝国中国の歴史の後期には、六芸は削減され、学者・官僚階級が学び従う べき4つの芸の同様のシステムが作られました。

• 音楽を代表する楽器「琴」
• 軍事戦略を表現するボードゲーム「Qí （棋）」
• 書（しゅう）、または中国の書道、識字能力を表す
• 視覚芸術を代表する中国絵画である畫（Huà）

芸術を古代の分野の集まりとして体系的に定義しようとするもう一つの試みは、古代ギリシャの ムーサによって代表される。標準的な 9 人のムーサはそれぞれ、ギリシャ人がテクネーと呼んだ 9 つの分野の 1 つを象徴し、体現していた。テクネーとは、おおよそ「芸術」を意味するが、「工芸」や「職人技」とも訳され、その言葉の定義にはより科学的な分野も含まれていた。これらの 9 つの伝統的な分野は以下のとおりである。

• カリオペが体現した叙事詩
• クリオが体現する歴史
• エウテルペーが体現した音楽と抒情詩
• エラトが体現する愛の詩
• メルポメネが体現する悲劇
• ポリヒムニアが体現する賛美歌とパントマイム
• テルプシコーレによるダンスとコーラス
• タリアが体現する喜劇と牧歌的な詩
• ウラニアに体現された天文学

中世キリスト教ヨーロッパでは、大学ではボエティウスやヨークのアルクィンなどの中世初期の哲学者によって定義され、哲学を中心とした 7 つの自由芸術の標準的なセットが教えられました。これらの科目の定義とその実践は、ギリシャとローマの教育システムに大きく基づいていました。これらの 7 つの芸術自体は、2 つのカテゴリに分けられました。

• トリヴィウムは知識の基礎と考えられており、哲学の3つの基本要素である文法、論理、修辞学で構成されています。
• 音楽、算術、幾何学、天文学からなる四分学。

当時、そしてルネッサンス後も、英語の「アート」という言葉や、他の言語の同義語はまだ現代的な意味を獲得していませんでした。今日私たちが理解している枠組みでアートについて議論した最初の哲学者の一人は、ゲオルク・ヴィルヘルム・フリードリヒ・ヘーゲルです。彼は『美学講義』の中で、最も物質的なものから最も表現的なものまでの五大芸術の順位付け を説明しています。

1. 建築
2. 彫刻
3. 絵画
4. 音楽
5. 詩

ヘーゲルの芸術一覧は特にフランスで人気を博し、継続的な修正を経ながらも、21世紀に至るまでフランス文化において重要な意味を持ち、議論の対象となっている。この分類は、 1923年に「第七芸術宣言」を著した初期の映画学者、リッチョット・カヌードによって普及した。一覧の配置によって各分野に与えられた形容詞は、特に映画を「第七芸術」と呼ぶなど、パラフレーズで各分野を指すためによく使用される。フランス文化省は、「新しい」芸術を定義するための意思決定にしばしば関与している。^[3] 10の芸術は、一般的に次のように示される。

1. 建築
2. 彫刻
3. 絵画
4. 音楽
5. 詩や散文を含む文学
6. ダンスや演劇を含む舞台芸術
7. 映画と映画館
8. 「メディア芸術」（ラジオ、テレビ、写真を含む）
9. 漫画
10. ビデオゲーム、またはより一般的にはデジタルアート形式^[4]

次なる芸術形態は何であるべきかという論争は、1世紀以上にわたって続いている。現在、第11次芸術の候補は多岐にわたるが、その多くは、その実践者が自らの媒体が芸術として過小評価されていると感じている古い分野である。第11次芸術として特に人気のある候補はマルチメディアであり、これは、カヌードが映画を最初の6つの芸術の集大成であると主張したのと同様に、10の芸術をまとめることを意図している。舞台芸術とは別に、パフォーマンスアートは、第12芸術、つまり「第12」芸術と呼ばれている。 ^[5]

ルネッサンス以来の伝統的な西洋の分類は、古代世界に遡る芸術理論を用いて、作品が芸術家の想像力をどの程度表現しているかに基づくジャンルの階層の変形であった。このような考え方は、ロマン主義の美学によってある程度後押しされた。同様の理論的枠組みが中国の伝統芸術にも適用されており、例えば、西洋と極東の風景画の伝統（文人画を参照）では、想像上の風景は、実際の風景の写実的な描写よりも高い地位を与えられており、西洋では「地形図」に分類されている。

芸術や美を定義しようとするのは間違いであり、本質がないので定義することはできないと多くの人が主張している。芸術は単一の概念ではなく、関連する概念の集まりであるとよく言われる。このアプローチの例には、モリス・ワイツとベリース・ガウトがいる。ワイツはルートヴィヒ・ヴィトゲンシュタインを参考にして、芸術は「開かれた概念」であり、その構成要素と包含基準は時間とともに変化する可能性があると主張した。^[6]また、彼は芸術という用語の純粋に「記述的」な用法と「評価的」な用法を区別しようとした。^[7]

もう 1 つのアプローチは、「芸術」は基本的に社会学的なカテゴリであり、正式な定義に関係なく、芸術学校や美術館、アーティストが何をしても芸術と見なされるというものです。この芸術の制度理論は、ジョージ ディッキーによって支持されています。ほとんどの人は、マルセル デュシャンとアンディ ウォーホル(それぞれ) が店で購入した小便器やブリロ ボックスの彫刻を芸術とは見なしませんでした。その後、これらのオブジェクトと芸術を定義する価値との関連が アート ギャラリーで示されました。

手続き主義者は、芸術作品を芸術たらしめるのは、作品が創作されたり鑑賞されたりする過程であって、対象物の固有の特徴や、それが社会全体に紹介された後に芸術界の機関からどれだけ受け入れられたかではないとしばしば主張する。例えば、ジョン・デューイにとって、作家が作品を詩にしようと意図していた場合、他の詩人がそれを認めるかどうかに関係なく、それは詩である。一方、ジャーナリストがまったく同じ言葉を、後でより長い記事を書くための速記として意図して書いた場合、それは詩ではないだろう。

一方、レフ・トルストイは、その代表作『芸術とは何か』^{の中で、何かを芸術にするか否かは、作者の意図ではなく、観客がそれをどのように経験するかによって決まると主張している。 [8]}モンロー・ビアズリーのような機能主義者は、作品が芸術として数えられるかどうかは、特定の文脈でどのような機能を果たすかによって決まると主張する。たとえば、同じギリシャの花瓶が、ある文脈では非芸術的な機能（ワインを運ぶ）を果たし、別の文脈では芸術的な機能（人物の美しさを理解するのに役立つ）を果たすことがある。

哲学者のデイビッド・ノヴィッツは、芸術の定義に関する意見の相違が問題の核心であることはめったになく、「人間が社会生活に抱く情熱的な関心や関心」が「芸術に関するあらゆる分類論争の大きな部分を占めている」と主張しています (ノヴィッツ、1996 年)。ノヴィッツによると、分類論争は理論そのものに関する論争というよりも、私たちの価値観や社会で目指す方向に関する論争であることが多いそうです。

一方、ティエリー・ド・デューヴ^[9]は、芸術の定義に関する論争は、マルセル・デュシャンがレディメイドを芸術作品として提示したことの必然的な結果であると主張している。1996年の著書『デュシャン以後のカント』では、カントの判断力批判を再解釈し、「これは美しい」というフレーズを「これは芸術である」と置き換え、カント美学を用いてポスト・デュシャン芸術を論じている。

1910年代から1920年代にかけてのフランス人芸術家マルセル・デュシャンの作品は、コンセプチュアル・アーティストたちに、それまでの分類を覆すような原型的なコンセプチュアル作品（例えばレディメイド）の例を提供し、道を切り開きました。コンセプチュアル・アートは1960年代に運動として出現しました。「コンセプチュアル・アート」運動の第一波は、およそ1967年から1978年まで続きました。ヘンリー・フリント、ロバート・モリス、レイ・ジョンソンなどの初期の「コンセプト」アーティストは、ダン・グラハム、ハンス・ハーケ、ダグラス・ヒューブラーなどの、後に広く受け入れられるコンセプチュアル・アーティストの運動に影響を与えました。

最近では、ダミアン・ハースト率いる「ヤング・ブリティッシュ・アーティスト」（YBA）が1990 年代に台頭し、その作品は、インパクトを与えるために美術品に大きく依存しているにもかかわらず、コンセプチュアルであるとみなされています。この用語は、その対象が芸術作品ではない、または制作に芸術的スキルを必要としない発見物であることが多いという理由で、彼らに関連して使用されています。トレイシー・エミンは、自身がコンセプチュアル・アーティストであることを否定し、個人的な感情表現を強調しているにもかかわらず、YBA のリーダーでありコンセプチュアル・アーティストであるとみなされています。

チャールズ・サーチがダミアン・ハーストに資金提供。翌年、サーチギャラリーはガラスケースに入ったホルマリン漬けのサメをモチーフにしたハーストの作品「生きている者の心の中の死の物理的不可能性」を展示。

ヴァネッサ・ビークロフトはイタリアのミラノでパフォーマンスを開催。ここでは、若い女の子たちが彼女の食事日記の展示の第二の観客として登場します。

トレイシー・エミンはターナー賞にノミネートされた。彼女の作品「マイ・ベッド」は、コンドーム、血の付いた下着、ボトル、寝室用のスリッパなどの残骸に囲まれた、乱れたベッドで構成されている。

マーティン・クリードは、空っぽの部屋で照明がついたり消えたりするという正確なタイトルの作品『 The Lights Going On and Off』でターナー賞を受賞した。 ^[10]

ミルトス・マネタスはWhitneybiennial.comでホイットニー・ビエンナーレに対抗している。^[11]

サイモン・スターリングが『シェドボートシェッド』でターナー賞を受賞。スターリングは木造の小屋をボートに改造し、ライン川に流し、その後小屋に作り直した作品を発表した。^[12]

1999年に設立されたスタッキスト芸術家グループは、自らを「主に概念の欠如を理由に、概念芸術に反対し、アイデアを伴う現代的な具象絵画を支持する」と宣言した。彼らはまた、概念芸術を「気取った、平凡で退屈な」ものと呼び、2002年7月25日には、ホワイトキューブギャラリーの外に「概念芸術の死」と書かれた棺を置いた。 ^{[13] [14]} 2003年、スタッキスト国際ギャラリーは「死んだサメは芸術ではない」というタイトルで保存されたサメを展示したが、これは明らかにダミアン・ハーストの作品（上記の論争を参照）を参照していた。^[15]

1999年10月19日のBBC2ニュースナイト番組で、ジェレミー・パックスマンが司会を務め、チャールズ・トムソンがその年のターナー賞を攻撃し、アーティストのブラッド・ロコアがそれを擁護したが、トムソンはスタッキストの絵画を展示し、ロコアは段ボールの台座にプラスチックの洗剤ボトルを載せて持参していた。ある場面でロコアは「人々が芸術だと言うなら、それは芸術だ」と述べた。パックスマンは「それでは、何でも芸術だと言えるのか？」と尋ね、ロコアは「すべてが芸術だと言えるだろう…」と答えた。この時点で、画面外のトムソンが「私の靴は芸術か？」と言うのが聞こえ、同時に彼の靴がロコアの前に現れ、「あなたがそう言うなら。私はその言葉で判断しなければならない」と観察する。トムソンは「私は人生でこれほどばかげたことを聞いたことがない」と答えた。^[16]

2002年、現代美術研究所の会長イヴァン・マソウは、コンセプチュアルアートを「気取った、自己満足的な、技巧のないつまらないもの」と評し、「テート美術館のニコラス・セロータ卿のような文化の皇帝に率いられて、自ら尻に潜り込んで消滅する危険がある」と述べた。^[17]マソウは結果的に辞任を余儀なくされた。その年の終わりには、美術学校出身の文化大臣キム・ハウエルズがターナー賞を「冷たく、機械的で、概念的な戯言」と非難した。^[18]

2004年10月、サーチギャラリーはメディアに対し、「絵画はアーティストがコミュニケーションをとるために選ぶ最も重要かつ重要な手段であり続けている」と語った。^[19]これに続いて、チャールズ・サーチはYBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）コレクションの著名な作品を販売し始めた。

コンピュータ ゲームの歴史は 1947 年にまで遡りますが、1970 年代まではあまり普及しませんでした。コンピュータ ゲームやビデオ ゲームに多くの種類のアートが含まれていることを否定するのは困難で奇妙なことです (もちろん、「アート」という概念自体が、前述のようにさまざまな定義に開かれていることを念頭に置いてください)。ビデオ ゲームのグラフィックは、デジタル アート、グラフィック アート、そしておそらくビデオ アートを構成します。ビデオ ゲームのオリジナル サウンドトラックは明らかに音楽です。ただし、ビデオ ゲーム全体を何らかのアート作品、おそらくインタラクティブ アートや参加型アートの形式と見なすべきかどうかは議論の余地があります。

例えば、映画評論家のロジャー・エバートは、ビデオゲームは芸術ではなく、構造上の理由から常に映画より劣ると主張したが、その後、「読むべき良い本や見るべき良い映画があるときには、決してゲームをプレイしない」と断言して、この分野における自分の知識不足を認めた。^[20]ビデオゲームデザイナーの小島秀夫は、ビデオゲームをすることは芸術ではないと主張しているが、ゲームには芸術的なスタイルがあり、芸術が組み込まれている。^{[21] [22] [23]}ビデオゲームデザイナーのクリス・クロフォードは、ビデオゲームは芸術であると主張している。^[24] エスクァイアのコラムニスト、チャック・クロスターマンも、ビデオゲームは芸術であると主張している。^[25]

非代替性トークン（NFT）は芸術そのものとみなされるのか、それとも単に芸術作品の表現とみなされるのかという議論が起こっています。 ^{[26]これに関連して、}現存する芸術家による最も高価な芸術作品のリストに関するWikipediaのトークページでの議論が引用されています。^[27]

• 反芸術と反反芸術
• 美術評論
• 美術史
• 美しさ
• 現代アート
• 音楽の定義
• 退廃芸術
• 形式主義（芸術）
• 総合芸術、複数の芸術のクラスの統合
• イデアセシア
• ロック主義とポピュリズム、ポピュラー音楽批評のイデオロギー

• ノエル・キャロル『現代アートの理論』 2000年
• ティエリー・ド・デュヴ、デュシャン後のカント。 1996年
• エヴリン・ハッチャー編『文化としての芸術：芸術人類学入門』 1999年
• デイヴィッド・ノヴィッツ、「芸術をめぐる論争」『美学と芸術批評ジャーナル』 54:2、1996年春
• ニーナ・フェルシン編『しかしそれは芸術か?』 1995年
• デイヴィッド・ノヴィッツ『芸術の境界』 1992年
• スティーブン・デイヴィス『芸術の定義』 1991年
• レフ・トルストイ『芸術とは何か？』