チェンバーポップ(バロックポップ[ 7 ] [ 8 ]とも呼ばれ、オーケストラポップやシンフォニックポップ[ 1 ]と混同されることもある)は、ロック音楽[ 1 ]と、弦楽器、管楽器、ピアノ、ボーカルハーモニーの複雑な使用、および1960年代のオーケストラポップやラウンジポップから取り入れたその他の要素を組み合わせた音楽ジャンルで、メロディーとテクスチャーが強調されている。
チェンバーポップが1960年代に登場した当初、プロデューサーにはジェリー・リーバーとマイク・ストーラー、バート・バカラック、リー・ヘイズルウッドなどがいた。このジャンルに多大な影響を与え、形成期を支えた他のミュージシャンとしては、ビートルズの「イエスタデイ」やビーチ・ボーイズのブライアン・ウィルソンが挙げられる。ウィルソンがプロデュースしたビーチ・ボーイズのアルバム「ペット・サウンズ」と「スマイル」は、このジャンルに特に大きな影響を与えたとされている。このジャンルで影響力のあるもう一人のアーティストはヴァン・ダイク・パークスで、ブライアン・ウィルソンと「スマイル」で共演し、1968年には自身のアルバム「ソング・サイクル」をリリースした。
1970年代初頭から1990年代初頭にかけて、ほとんどのチェンバーポップ・アーティストは主流の音楽シーンでほとんど成功を収めることができなかった。このジャンルの衰退は、ツアーやレコーディングにかかる費用、そしてレコード会社がアーティストのアルバムに弦楽器、管楽器、キーボードなどの楽器を使用するための資金提供に消極的だったことに起因するとされている。
1990年代半ば、チェンバーポップはインディーロック[ 4 ]またはインディーポップ[ 5 ]のサブジャンルとして発展し、ミュージシャンたちは当時のオルタナティブや「モダンロック」グループに共通する歪んだギター、ローファイな美学、シンプルなアレンジメントに反対した。日本では、このムーブメントは渋谷系と並行して展開し、同じような影響を基盤として形成された別のインディージャンルとなった。2000年代には、「チェンバーポップ」という用語は、ペット・サウンズと比較される作品を生み出した様々なバンドに一貫性なく適用されるようになった。

弦楽器セクションとロック音楽の組み合わせは、「シンフォニック・ポップ」、「チェンバー・ポップ」、オーケストラ・ポップ(略して「オルク・ポップ」)と呼ばれてきた。[ 1 ] R&Bやロック音楽で弦楽器が初めて使われたのは、1959年のザ・ドリフターズの「ゼア・ゴーズ・マイ・ベイビー」で、ジェリー・リーバーとマイク・ストーラーがプロデュースし、スタン・アップルバウムが弦楽器のアレンジを担当した。翌年、キャロル・キングが作詞作曲し、弦楽器セクションをフィーチャーしたシャイレルズの「ウィル・ユー・ラブ・ミー・トゥモロー」がリリースされ、批評家から絶賛され、ビルボード誌のホット100チャートで1位を獲得した。ビートルズは、1965年の「イエスタデイ」を皮切りに、音楽に弦楽器のアレンジを取り入れ始め、1966年のアルバム「リボルバー」ではホーンと弦楽器の使用をさらに拡大した。[ 9 ]ビーチ・ボーイズは、ビートルズの1965年のアルバム『ラバー・ソウル』への応答として、1966年のスタジオ・アルバム『ペット・サウンズ』を発表し、ロック音楽における弦楽器の使用をさらに探求し、バロック・ポップというジャンルを確立した。
オーク・ポップとは、ハイ・ラマズやエレファント6コレクティブのバンドなど、ペット・サウンズ・アルバムに親近感を抱いていたアンダーグラウンド・ロック・ミュージシャンの一派を指す。[ 10 ] CMJのデイヴィッド・ジャーマンによれば、この名前はロック評論家が作ったもので、「ビーチ・ボーイズのファンからバカラックやマンシーニのファンまで、あらゆる人を包含している」という。[ 11 ]チェンバー・ポップは、スタイル的に多様である。[ 6 ] AllMusicは、このジャンルが1960年代のバロック・ポップの「精神」を受け継いでいると述べているが、[ 12 ]文化評論家のジョセフ・フィッシャーとブライアン・フロタは、これをバロック・ポップの「後継者」と呼んでいる。 [ 13 ] [注1 ]バート・バカラック、ブライアン・ウィルソン、リー・ヘイズルウッドの豊かなオーケストレーションに強く影響を受けたチェンバー・ポップのアーティストは、再びメロディーとテクスチャーに焦点を当てた。[ 3 ]もう一つの大きな影響源は、歌手のスコット・ウォーカーだった。[ 6 ]ニューヨーク・デイリー・ニュースのジム・ファーバーはこのジャンルを「ドノヴァンとバート・バカラックを合わせたようなもの」と要約している。[ 15 ] [ nb 2 ]
ニューズメーカーズは、ビーチ・ボーイズの『ペット・サウンズ』が、チェンバー・ポップを「ロックの壮大さを持ちながらもブルースの騒々しさのない、親密で緻密にアレンジされた楽曲」として定義するのに役立ったと考えている。 [ 19 ] [ nb 3 ]このアルバムに続いて、ブライアン・ウィルソンと作詞家のヴァン・ダイク・パークスのコラボレーションによる未完成の1966~67年の作品『スマイル』が、このジャンルに大きな影響を与えた。[ 6 ]ハイ・ラマズのショーン・オヘイガンによれば、『ペット・サウンズ』は「偉大なポップ実験の始まりだった。しかし、ロックンロールがすべてを掌握して止めてしまったため、継続することは許されなかった。ポップが再び勢いを取り戻したのは、この10年間(1990年代)になってからだ」という。[ 21 ]著者のカール・ウィルソン(血縁関係はない)は、ブライアンの「痛々しいほどの脆弱さ」、「型破りな楽器の使用」、「複雑なハーモニー」、そして「『スマイル』の物語そのもの」が、チェンバー・ポップ・バンドの共通の参照点になったと述べている。[ 22 ] [ nb 4 ]オークポップのアーティストたちはウィルソンへの愛を共有していたのと同様に、互いの作品にも敬意を抱いていた。[ 24 ]
この新興ジャンルを説明するために「チェンバーポップ」という用語が初めて使用されたのは1980年代半ばで、[ 25 ]ポップと室内楽という用語を組み合わせたもので、後者はフルオーケストラではなく少数の演奏家によって演奏されるクラシック音楽を指す。1980年代後半には、ルイ・フィリップがél Recordsのために制作した作品の大部分も、チェンバーポップのスタイルを体現し定義するオーケストラと声楽を巧みに用いていた。[ 26 ] [注5 ]
Chamber pop was part of a larger trend which involved musicians who rejected traditional rock conventions, such as Tortoise and Stereolab, although those specific bands are not considered ork-pop.[24][nb 6] The genre's orchestration is typically more complex than rock music,[6] making extensive use of brass and strings.[3][6] It drew from the 1990s lounge music revival but avoided any influence from other contemporary styles like grunge, electronica, or alternative music, particularly the lo-fi hiss and distortion of the last.[3] Although modern rock groups like Smashing Pumpkins, the Verve, Oasis, and R.E.M. occasionally used strings, their approach was considerably less intricate.[24] The High Llamas were one of the first to anticipate the easy-listening fad with their 1993 album Gideon Gaye.[29] O'Hagan felt that "There is this whole misconception that American college rock with twisted baseball hats and checked shirts is adventurous, but it's the most conformist, corporate thing out there." with Eric Matthews adding "All these bands sound like Nirvana and Pearl Jam. It's a shame that it couldn't be discovered from the get-go for what it is. A lot of it is just very simple dumb-guy rock."[24]
Bored by the three-chord simplicity of grunge and neo-punk, a new breed of popsmiths is going back to such inspirations as Brian Wilson, Burt Bacharach, and Phil Spector in the quest for building the perfect orchestrated pop masterpiece. [...] their music offers an alternative for those who have grown tired of distorted guitars and angst-ridden vocals.
フィッシャーとフロタは、チェンバーポップの起源を「少なくとも」1990年代半ばまで遡る。[ 13 ]音楽販売店ニューベリー・コミックスのナタリー・ワリエクによれば、当時の「サイケデリアへの関心の高まり」と「カクテル/ラウンジミュージックとの重なり(その音楽にもオーケストレーションがあるから)」が、おそらくオーケストポップ・アルバムの売上に貢献したが、アーティストの商業的成功は中程度にとどまった。ミュージシャンの大多数は20代前半を過ぎており、多くは現代のロックに比べて、小売やラジオでの大きな成功を収めるのに苦労した。[ 24 ]過去には、レコード会社がアーティストのアルバムで弦楽器、管楽器、キーボードなどの楽器の資金を提供することで、大規模なマルチ楽器バンドの活動を支援していたが、これは時が経つにつれて稀になった。[ 30 ]フル編成の弦楽器や金管楽器のアンサンブルでツアーを行うことも一部のアーティストにとっては困難であることが判明し、これもこのジャンルが主流になるのを阻む要因となった。[ 24 ]
日本では、遠い類似例として渋谷系の発展があり、これもまたアレンジで弦楽器や管楽器を前面に出す傾向を再び取り上げた。[ 4 ]このジャンルは西洋のクラシック・ポップ・ミュージック[ 31 ] 、特にバート・バカラック、ブライアン・ウィルソン、フィル・スペクター、セルジュ・ゲンスブールが占めていたオーケストラの領域に影響を受けている。[ 32 ]他の日本の音楽シーンとは異なり、その聴衆は必ずしもアニメファン層にまで及んだわけではなく、むしろインディー・ポップ愛好家であった。これは、そのバンドの多くがマタドールやグランド・ロイヤルといった大手インディー・レーベルを通じて米国で流通していたことが一因である。[ 33 ] [注7 ]渋谷系は最終的に1990年代後半にピークを迎え、主要メンバーが他の音楽スタイルに移行し始めたことで衰退した。[ 35 ]
1996年のオークポップの特集記事で、クレイグ・ローゼンは、ヤムヤム、ハイ・ラマズ、リチャード・デイヴィス、エリック・マシューズ、スプーキー・ルーベン、ウィッチ・ヘイゼル、リアム・ヘイズ(プラッシュ)などを例として挙げている。[ 24 ]デイヴィスとデュオ「カーディナル」を組んだマシューズは、オークポップの主要人物とみなされていた。[ 37 ] Popmattersのマリア・シュールは、カーディナルの1994年のデビューアルバムの回顧レビューで、「一部のサークルでは、このアルバムはグランジ時代の『ペット・サウンズ』への回答と呼ばれており、ビーチ・ボーイズの名盤ほど広く引用されてはいないものの、予想以上に多くの型破りなインディーポップスターに影響を与えたことは間違いない」と書いている。[ 38 ]音楽ジャーナリストのジム・デロガティスは、オークポップやチェンバーポップのムーブメントを、ヤムヤム、カーディナル、ラムチョップといったバンドと関連付けている。[ 2 ] [ nb 8 ]
2009 年までに、「チェンバー ポップ」という用語は一般的に誤用されるようになり、ソングライター/作家のスコット ミラーは、「その後この用語が適用されるのを見た他のバンドよりも、フリート フォクシーズに適用する方が理にかなっている」と述べている。 [ 39 ]また、彼はPet Sounds が比較対象としてどこにでもあるようになったことにも言及し、「もし人々がそれを喜んでいるなら、私は自分の頬をつねって、そんな日が来るとは思ってもみなかったことを振り返る必要がある」と述べている。[ 39 ] Treblezineのブライアン ロスターは、グリズリー ベアのアルバムVeckatimestは「2009 年のポップの変化する風景を画期的に探求した」ものであり、「チェンバー ポップの初期の頃の短縮版の結論のようなものを作ろうとした試み」を表していると書いている。[ 6 ]