絵画

絵画は視覚芸術であり、絵の具、顔料、色、またはその他の媒体を固体表面（「マトリックス」^[1]または「支持体」と呼ばれる）に塗布する行為を特徴とする。^[2]媒体は通常、ブラシでベースに塗布されますが、ナイフ、スポンジ、エアブラシなどの他の道具が使用されることもあります。絵画を制作する人は画家と呼ばれます。

芸術において、「絵画」という用語は、行為とその行為の結果の両方を表します（最終的な作品は「絵画」と呼ばれます）。絵画の支持体には、壁、紙、キャンバス、木材、ガラス、漆、陶器、葉、銅、コンクリートなどの表面が含まれ、絵画には砂、粘土、紙、石膏、金箔、さらには物体全体を含む複数の他の材料が組み込まれることもあります。

絵画は視覚芸術の重要な形式であり、デッサン、構成、身振り、物語、抽象化などの要素を取り入れています。^[3]絵画には、自然主義的で具象的なもの（静物画や風景画など）、写真的なもの、抽象的、物語的なもの、象徴的なもの（象徴主義芸術など）、感情的なもの（表現主義など）、政治的なもの（芸術主義など）などがあります。

東洋と西洋の絵画史の一部は、宗教芸術によって占められています。この種の絵画の例には、陶器に描かれた神話の人物、システィーナ礼拝堂の天井にある聖書の場面、仏陀の生涯の場面（または東洋の宗教に由来するその他のイメージ）などがあります。

知られている最古の壁画はおよそ4万年前のもので、西ヨーロッパのフランコ・カンタブリア地方と、インドネシアのスラウェシ島マロス地区の洞窟で発見されている。しかし2018年11月、科学者らはインドネシアのボルネオ島（カリマンタン島）のルバン・ジェリジ・サレ洞窟で、未知の動物を描いた4万年以上（おそらく5万2千年）前の、当時知られている最古の具象芸術の壁画が発見されたと報告した。 ^{[4] [5]} 2019年12月、スラウェシ島のマロス・パンケップ・カルストで豚狩りを描いた具象洞窟壁画がさらに古く、少なくとも4万3900年前のものであると推定された。この発見は「世界最古の物語の絵画記録であり、最古の具象芸術作品」と評された。^{[6] [7]}最近では、2021年にインドネシアの島で45,500年以上前の豚の洞窟壁画が発見されたと報告されています。^{[8] [9]}しかし、絵画行為の最古の証拠は、オーストラリア北部のアーネムランドの2つの岩陰で発見されています。これらの遺跡の最下層の物質には、推定6万年前の使用済みの黄土の破片があります。考古学者はまた、オーストラリア北西部のキンバリー地域の石灰岩の岩陰に保存されていた、4万年前の岩絵の断片を発見しました。 ^[10]洞窟壁画の例は、インドネシア、フランス、スペイン、ポルトガル、イタリア、中国、インド、オーストラリア、メキシコなど世界中に存在します。^[11]西洋文化では、油絵と水彩画は、スタイルと主題において豊かで複雑な伝統を持っています。東洋では、インクとカラーインクが歴史的に主流の媒体であり、同様に豊かで複雑な伝統があります。

写真の発明は絵画に大きな影響を与えた。1829年に最初の写真が作られてから数十年の間に、写真撮影のプロセスは改善され、より広く行われるようになり、観察可能な世界の正確な記録を提供するという絵画の歴史的な目的の多くを失ってしまった。19世紀後半から20世紀初頭にかけての一連の芸術運動、特に印象派、ポスト印象派、フォーヴィスム、表現主義、キュビズム、ダダイズムは、ルネッサンスの世界観に挑戦した。しかし、東洋とアフリカの絵画は、様式化の長い歴史を続け、同時に同等の変革を経験することはなかった。^[要出典]

近代美術と現代美術は、概念を優先し、技術と記録の歴史的価値から離れてきました。しかし、現存する大多数の画家は、作品全体または一部として絵画制作を続けることを止めていません。21 世紀の絵画の活力と多様性は、絵画の終焉を告げる以前の「宣言」に反しています。多元主義の考えが特徴の時代では、時代を代表するスタイルについてのコンセンサスはありません。アーティストは、さまざまなスタイルと美的気質で重要な芸術作品を作り続けています。その価値は、一般の人々と市場に判断されることになります。

フェミニスト芸術運動^[12]は、1960年代の第二波フェミニズムの時代に始まりました。この運動は、国際的に女性アーティストの平等な権利と平等な機会の獲得を目指しました。

色は、色相、彩度、明度で構成され、表面全体に広がることが絵画の本質であり、音程とリズムが音楽の本質であるのと同じです。色は非常に主観的ですが、観察可能な心理的効果があり、文化によって異なります。西洋では黒は喪に関連付けられますが、東洋では白は喪に関連付けられます。ゲーテ[13]、カンディンスキー[14]、ニュートン^[ 15 ]を^含む一部の^画家、理論家、作家、科学者は、独自の色彩理論を著しています。

さらに、言語の使用は、色に相当するものの抽象化にすぎません。たとえば、 「赤」という単語は、可視光線のスペクトルの純粋な赤から幅広いバリエーションをカバーできます。音楽のFやC ♯などのさまざまな音符に合意があるように、さまざまな色を形式化して登録することはできません。画家にとって、色は単純に基本色 (原色) と派生色 (補色または混合色) (赤、青、緑、茶色など) に分けられるわけではありません。

画家は実際には顔料を扱っているので、^[16]画家にとっての「青」は、フタロシアニンブルー、プルシアンブルー、インディゴ、コバルトブルー、ウルトラマリンなど、どの青でもかまいません。色の心理的および象徴的な意味は、厳密に言えば、絵画の手段ではありません。色は意味の潜在的な派生的な文脈に追加されるだけであり、このため、絵画の認識は非常に主観的です。音楽との類似性は非常に明確です。音楽の音（C音など）は絵画の「光」に類似しており、「陰影」は強弱に類似しており、「色彩」は絵画に類似しており、楽器の特定の音色が音楽に類似しているのと同じです。これらの要素は、必ずしもそれ自体で（音楽の）メロディーを形成するわけではなく、むしろ、メロディーにさまざまな文脈を追加することができます。

現代の芸術家は絵画の技法をかなり拡張しており、その一例として、キュビズムから始まったコラージュが挙げられるが、これは厳密な意味での絵画ではない。現代の画家の中には、質感を出すために金属、プラスチック、砂、セメント、わら、葉、木などさまざまな素材を取り入れる人もいる。その例としては、ジャン・デュビュッフェやアンゼルム・キーファーの作品が挙げられる。Adobe Photoshop、Corel Painterなどのプログラムを使用して、コンピューターでデジタル「キャンバス」に色を「塗る」芸術家のコミュニティが増えている。これらの画像は、必要に応じて従来のキャンバスに印刷できる。

ジャン・メッツィンガーのモザイクのような分割主義の技法は文学にも類似点があり、象徴主義の作家と新印象派の芸術家 との連携の特徴となっています。

私は、光の客観的な表現ではなく、まだ絵画には馴染みのない虹彩や色彩の特定の側面を、筆遣いの分割によって表現することを求めている。私は一種の色彩の韻文をつくり、音節には、自然が呼び起こす多様な感情を表現することを目的とした絵画的表現法のリズムを変えずには大きさを変えることのできない、さまざまな量の筆使いを使っている。（ジャン・メッツィンガー、 1907年頃）^[17]

^ピエト・モンドリアンのような芸術家にとって、リズムは^音楽と同様に絵画においても重要である。リズムを「一連の流れに組み込まれた休止」と定義するならば、絵画にもリズムがあると言える。これらの休止によって創造力が介入し、新たな創造物、つまり形態、旋律、色彩が加えられる。形態やあらゆる種類の情報の配分は、特定の芸術作品において極めて重要であり、その作品の美的価値に直接影響する。これは、美的価値が機能性に依存しているためである。つまり、知覚の自由（動き）が美として認識される。芸術だけでなく他の形態の「テクネ」においても、エネルギーの自由な流れが美的価値に直接寄与する。^[18]

音楽は抽象芸術の誕生に重要な役割を果たした。音楽は本質的に抽象的であり、外界を表現しようとはせず、魂の内なる感情を直接的に表現するからである。ワシリー・カンディンスキーは、自分の作品を識別するために音楽用語を頻繁に使用した。彼は、最も自発的な絵画を「即興」と呼び、より精巧な作品を「作曲」と表現した。カンディンスキーは「音楽は究極の教師である」という理論を立て、^{[20]その後、10 の}作曲のうち最初の 7 つに着手した。カンディンスキーは、絵を描きながら音色や和音を聞き、(たとえば) 黄色は金管楽器のトランペットの中央のCの色であり、黒は閉鎖と物事の終わりの色であり、色の組み合わせはピアノで演奏される和音に似た振動周波数を生み出すという理論を立てた。1871 年、若きカンディンスキーはピアノとチェロの演奏を学んだ。^{[21] [22]}ムソルグスキーの『展覧会の絵』の公演のためのカンディンスキーの舞台デザインは、形、色彩、音楽の音が普遍的に一致するという彼の「共感覚」の概念を示している。^[23]

音楽はモダニズムの抽象絵画の多くを特徴づけている。ジャクソン・ポロックは1950年の絵画「秋のリズム（ナンバー30）」でその関心を強調している。^[24]

美学は芸術と美の研究であり、カントやヘーゲルなどの18世紀と19世紀の哲学者にとって重要な問題でした。プラトンやアリストテレスなどの古典哲学者も、特に芸術と絵画について理論化しました。プラトンは彼の哲学体系において画家（および彫刻家）を無視しました。絵画は真実を描写することはできないと彼は主張しました。絵画は現実のコピー（イデアの世界の影）であり、靴作りや鋳鉄に似た工芸品にすぎません。 ^[25]レオナルドの時代までには、絵画は古代ギリシャの絵画よりも真実をより正確に表現するものになりました。レオナルド・ダ・ヴィンチは逆に、「イタリア語：La Pittura è cosa mentale（絵画は心のものである）」と言いました。^{[26]カントは}美と崇高を区別し、明らかに前者を優先する言葉で区別しました。 ^[要出典]彼は特に絵画については言及しなかったが、この概念はJMW ターナーやカスパー・ダーヴィト・フリードリヒなどの画家によって取り上げられた。

ヘーゲルは、普遍的な美の概念に到達することの失敗を認識し、美学論文の中で、絵画は象徴的で高度に知的な目的のために、詩と音楽とともに3つの「ロマン主義的」芸術の1つであると書いた。 ^{[27] [28]}絵画に関する理論的著作を書いた画家には、カンディンスキーとパウル・クレーがいる。^{[29] [30]}カンディンスキーは、その論文の中で、絵画には精神的な価値があると主張し、ゲーテや他の作家がすでに試みていたように、本質的な感情や概念に原色を結び付けている。

図像学は絵画のスタイルではなく、その内容を研究する学問である。エルヴィン・パノフスキーや他の美術史家は、まず描かれたものを理解し、その後、当時の鑑賞者にとっての意味を検討し、最後にそのより広い文化的、宗教的、社会的意味を分析した。^[31]

1890年、パリの画家モーリス・ドニは有名な言葉を残している。「絵画は、軍馬や裸の女性、あるいは何らかの物語である前に、本質的には一定の順序で集められた色で覆われた平面であるということを思い出しなさい。」 ^{[32]したがって、}キュビズムなど20世紀の絵画の発展の多くは、それまで中心的主題であった外界、つまり自然ではなく、絵画の手段に関する考察であった。絵画についての考察に最近貢献したのは、画家で作家のジュリアン・ベルである。ベルは著書『絵画とは何か』で、絵画が感情や考えを表現できるという概念が歴史を通じてどのように発展してきたかを論じている。^[33] 『世界の鏡』でベルは次のように書いている。

芸術作品は読者の注意を引き付け、それを固定させようとします。一方、芸術の歴史は読者の注意を促し、想像力の家を突き抜ける高速道路をブルドーザーで開通させます。^[34]

異なるタイプの塗料は通常、顔料が懸濁または埋め込まれている媒体によって識別され、粘度、混和性、溶解性、乾燥時間などの塗料の一般的な動作特性が決まります。

エンカウスティック画は、ホットワックス画とも呼ばれ、加熱した蜜蝋に有色の顔料を加えて描く技法です。この液体/ペーストを表面に塗ります。表面は通常は木材ですが、キャンバスやその他の素材もよく使われます。最も単純なエンカウスティック混合物は蜜蝋に顔料を加えて作ることができますが、他にもいくつかのレシピがあり、他の種類のワックス、ダマー樹脂、亜麻仁油、その他の成分を含むものもあります。純粋な粉末顔料を購入して使うこともできますが、油絵の具や他の形態の顔料を使った混合物もあります。塗料が冷える前に金属製の道具や特殊なブラシを使って形を整えたり、ワックスが表面で冷えてから加熱した金属製の道具を使ってワックスを加工したりできます。他の素材を表面に包み込んだりコラージュしたり、エンカウスティック媒体を使って表面に接着させて層状にしたりすることもできます。

この技法は古代ギリシャやローマの板絵では一般的なものであり、東方正教会のアイコンの伝統にも使われ続けました。

水彩画は、水溶性の媒体に顔料を懸濁させて絵の具を作る絵画技法です。水彩画の伝統的かつ最も一般的な支持体は紙です。その他の支持体には、パピルス、樹皮紙、プラスチック、上質紙または革、布、木材、キャンバスなどがあります。東アジアでは、インクを使用した水彩画は筆絵または巻物絵と呼ばれています。中国、韓国、日本の絵画では、黒または茶色の単色で描かれることが多い、主要な媒体となっています。インド、エチオピア、その他の国にも長い伝統があります。水彩絵の具を使ったフィンガーペインティングは中国で始まりました。アーティストが使用する水彩絵の具には様々な種類があります。例としては、パン水彩絵の具、液体水彩絵の具、水彩筆ペン、水彩色鉛筆などがあります。水彩色鉛筆（水溶性色鉛筆）は、濡れた状態でも乾いた状態でも使用できます。

グアッシュは、不透明な絵画技法で使用するために設計された顔料とその他の材料からなる水性塗料です。グアッシュは、粒子が大きく、顔料と水の比率がはるかに高く、チョークなどの不活性な白色顔料も含まれている点で水彩画と異なります。これにより、グアッシュはより重く、より不透明で、反射性が高くなっています。すべての水性媒体と同様に、水で薄められます。^[35] グアッシュはエジプト人が使用した人気の塗料で、^[36]フランソワ・ブーシェなどの画家がこの媒体を使用しました。この塗料は、セーブルのブラシで塗るのが最適です。

陶器用釉薬 釉薬は、一般に、あらかじめ溶かした液体ガラスとして知られています。この釉薬は、浸したり、ブラシで塗ることができます。この釉薬は白亜質のように見え、最初と完成した結果には大きな違いがあります。釉薬をかけた陶器を活性化するには、窯に入れて焼く必要があります。これにより、釉薬内のシリカガラスが溶け、鮮やかな光沢のあるバージョンに変わります。^{[37] [38]}

水墨画は、顔料や染料を含む液体で描かれ、表面に色をつけて画像、文字、またはデザインを描きます。インクは、ペン、ブラシ、または羽ペンで描くために使用されます。インクは、溶剤、顔料、染料、樹脂、潤滑剤、可溶化剤、界面活性剤、粒子状物質、蛍光剤、およびその他の材料で構成される複雑な媒体です。インクの成分は多くの目的に役立ちます。インクのキャリア、着色剤、およびその他の添加剤は、インクの流れと厚さ、および乾燥時の外観を制御します。

エナメルは、通常は金属である基質に粉末ガラスを塗って作られ、着色酸化物と呼ばれる鉱物が色を付ける。750～850℃（1380～1560°F）の温度で焼成すると、ガラスと金属が融合した積層体になる。ほとんどの塗装技法とは異なり、表面を扱ったり濡らしたりすることができる。エナメルは伝統的に貴重品の装飾に使用されてきたが、^[39]他の目的にも使用されてきた。リモージュエナメルはルネッサンスエナメル絵画の中心地であり、装飾された周囲に宗教的および神話的な小さな場面が描かれ、プレートや塩や小箱などの物体に描かれていた。18世紀には、エナメル絵画はヨーロッパで流行し、特に肖像画のミニチュアの媒体として使われた。^[40] 20世紀後半には、金属に磁器エナメルを塗る技法が屋外壁画の耐久性のある媒体として使用されている。^[41]

テンペラは卵テンペラとも呼ばれ、着色顔料と水溶性結合剤（通常は卵黄などの粘着性のある物質か、他のサイズ剤）を混ぜて作られた、耐久性があり速乾性の絵画媒体です。テンペラは、この媒体で描かれた絵画も指します。テンペラ画は非常に長持ちし、紀元後1世紀からの作品が今も残っています。卵テンペラは、1500年以降、油絵の発明に取って代わられるまで、主要な絵画技法でした。顔料と糊サイズ剤からなる、一般にテンペラと呼ばれる絵の具（テンペラではありませんが）が一般的に使用され、アメリカの一部のメーカーはこれをポスター ペイントと呼んでいます。

フレスコ画は、壁や天井の漆喰の上に描かれる、関連するいくつかの壁画の種類のいずれかです。フレスコという言葉は、イタリア語のaffresco [afˈfresːko]に由来し、これはラテン語の新鮮なという言葉に由来しています。フレスコ画は、ルネッサンス時代やその他の初期の時代によく作られました。 ブオンフレスコ技法は、水で混ぜた顔料で、湿った新鮮な石灰モルタルまたは漆喰の薄い層の上に描くもので、イタリア語で漆喰を意味するintonacoが使用されています。対照的に、セッコ画は乾いた漆喰の上に描かれます（イタリア語で「乾いた」を意味するsecco ）。顔料を壁に付着させるには、 卵（テンペラ）、接着剤、油などの結合媒体が必要です。

油絵は、近世ヨーロッパで広く使用されていた亜麻仁油やケシ油などの乾性油を媒体として顔料を結合させて描く技法です。油は松脂や乳香などの樹脂と一緒に煮沸されることがよくありました。これらは「ワニス」と呼ばれ、その粘りと光沢が高く評価されていました。油絵の具の利点が広く知られるようになると、やがて油絵の具は芸術作品を作成するための主要な媒体となりました。この移行は北ヨーロッパの初期フランドル絵画から始まり、ルネッサンスの最盛期までには、ヨーロッパの大部分で油絵の具技法がテンペラ絵の具にほぼ完全に取って代わっていました。

パステルは棒状の絵画媒体で、純粋な粉末顔料と結合剤からなる。^{[42]パステルに使用される顔料は、}油絵具を含むすべての色の芸術媒体の製造に使用されるものと同じであり、結合剤は中間色で彩度が低い。パステルの色彩効果は、他のどの方法よりも天然の乾燥顔料に近い。^[43]パステル画の表面は壊れやすく汚れやすいため、保存にはガラスで額装するなどの保護手段が必要である。また、定着剤を吹き付けることもある。とはいえ、永久顔料を使用して適切に手入れすれば、パステル画は何世紀にもわたって変化なく保存される可能性がある。パステルは、流動性のある媒体で作成された絵画とは異なり、乾燥時に媒体の色、不透明度、または寸法が変化することによって生じるひび割れや変色の影響を受けにくい。

アクリル絵の具は、アクリルポリマーエマルジョンに顔料を懸濁させた速乾性の絵の具です。アクリル絵の具は水で薄めることができますが、乾くと耐水性になります。絵の具を（水で）どれだけ薄めるか、またはアクリルゲル、メディウム、またはペーストでどれだけ修正するかによって、完成したアクリル画は水彩画や油絵に似たものになるか、または他のメディウムでは達成できない独自の特徴を持つようになります。ほとんどのアクリル絵の具と油絵の具の主な実用的な違いは、乾燥時間です。^[44]油絵の具では、色を混ぜたり、下絵の上に釉薬を塗ったりするのに時間がかかります。油絵の具のこの乾燥が遅い特徴は、特定の技法では利点とみなすことができますが、アーティストが迅速に作業する能力を妨げる可能性もあります。もう1つの違いは、水彩画は多孔質の表面、主に水彩紙に描く必要があることです。アクリル絵の具は、さまざまな表面に使用できます。^{[44] [45]}アクリルと水彩画はどちらも水で簡単に掃除できます。アクリル絵の具は、使用後すぐに石鹸と水で掃除する必要があります。水彩絵の具は水だけで洗浄できる。^{[46] [47] [48]}

1946年から1949年にかけて、レナード・ボクールとサム・ゴールデンは、マグナペイントというブランド名で溶液アクリル塗料を発明した。これらはミネラルスピリットベースの塗料であった。水性アクリル塗料はその後、ラテックスハウスペイントとして販売された。^{[49] 1963年、ジョージ・ロウニー（1983年より}ダレル・ロウニーに所属）は、ヨーロッパで初めてアーティスト用アクリル塗料を「クリラ」というブランド名で導入したメーカーとなった。^{[50]アクリルは、このタイプの塗料の出現とともに使われ始めたシュルレアリスムの技法である}グラタージュで最もよく使われる塗料である。アクリルがこの目的で使用されるのは、表面から簡単に削り取ったり剥がれたりするからである。^[51]

エアゾール塗料（スプレー塗料とも呼ばれる）^[52]は、密閉された加圧容器に入っており、バルブボタンを押すと細かい霧状に噴射される塗料の一種です。スプレー塗装の一種であるエアゾール塗料は、滑らかで均一な塗装面を残します。標準サイズの缶は持ち運びに便利で、安価で保管も簡単です。エアゾールプライマーは、むき出しの金属や多くのプラスチックに直接塗布できます。

スピード、携帯性、耐久性もあって、エアゾール塗料は一般的なグラフィティ媒体となっています。1970 年代後半には、ストリート グラフィティ ライターの署名や壁画はより精巧になり、エアゾール媒体と違法な作業に必要なスピードという要素から、独自のスタイルが生まれました。現在では、グラフィティやストリート アートは独自の芸術形式であると多くの人が認識しており、グラフィティ アーティスト向けに特別に製造されたエアゾール塗料も販売されています。ステンシルは、ペイントする特定の形状を除いて表面を保護します。ステンシルは、移動可能な文字として購入することも、プロがカットしたロゴとして注文することも、アーティストが手でカットすること もできます。

水混和性油絵具（「水溶性」または「水混和性」とも呼ばれる）は、テレピン油などの化学薬品を使用する代わりに、水で薄めて洗浄できるように設計された現代の油絵具の一種である。 ^{[53] [54]}従来の油性塗料と同じ技術を使用して混合して塗布することができるが、まだ湿っている間に、通常の石鹸と水でブラシ、パレット、ぼろ布から効果的に除去することができる。水溶性は、分子の一端が溶液のように水分子と緩く結合するように変更された油媒体を使用することによって得られる。

サンドペインティングは、色のついた砂、鉱物や結晶から作った粉末顔料、あるいは他の天然または合成の原料から作った顔料を表面に注ぎ、固定または固定されていない砂絵を描く芸術です。

デジタルペインティングとは、デジタルでアート作品（絵画）を作成する方法、またはコンピュータ上でデジタルアートを作成する技術です。アート作品を作成する方法としては、アクリル絵の具、油絵の具、インク、水彩絵の具などの伝統的な絵画媒体を採用し、産業用ロボットまたは事務機器（プリンター）を駆動するソフトウェアを使用して、織られたキャンバス布、紙、ポリエステルなどの伝統的なキャリアに顔料を塗布します。技術としては、仮想キャンバスとブラシ、色、その他の備品の仮想ペイントボックスを使用するコンピュータグラフィックスソフトウェアプログラムを指します。仮想ボックスには、コンピュータの外部には存在しない多くの機器が含まれており、デジタルアート作品に従来の方法で作成されたアート作品とは異なる外観と感触を与えます。さらに、デジタルペインティングは、コンピュータが何らかの数学的計算を使用して画面上に画像を自動的に作成するわけではないため、「コンピュータ生成」アートではありません。一方、アーティストは独自のペイント技術を使用して、コンピュータ上で特定の作品を作成します。^[55]

その他 - 手に負えない絵画技法。絵画は特定の技法に限定されるものではありません。アンディ・ウォーホルなどの芸術家は絵画の限界を探求しました。アンディ・ウォーホルは地面に広げたキャンバスに絵を描く際に酸化^[56]を利用しました。そしてアシスタントや友人にまだ乾いていない絵の具に小便をさせ^[57]、目に見える変化を目撃させました。

月経絵画 他にも興味深い絵画媒体は、女性や月経中の人々が自分の身体に対する自由と解放を得るのに役立っています。月経の血は、何世紀にもわたって世界中で絵画を描くために使用されてきました。 ^[58]現代美術家のサラ・メイプルは、月経のテーマに関するタブーを払拭するために、月経の血を使って肖像画を制作しました。

スタイルは2 つの意味で使用されます。個々のアーティストの作品を特徴づける独特の視覚的要素、技法、方法を指す場合があります。また、アーティストが関係する運動や流派を指す場合もあります。これは、アーティストが意識的に関わっていた実際のグループに由来する場合もあれば、美術史家が画家を分類したカテゴリである場合もあります。後者の意味での「スタイル」という言葉は、現代絵画に関する学術的な議論では好まれなくなっていますが、一般的な文脈では引き続き使用されています。このような運動や分類には、次のものがあります。

モダニズムとは、19世紀後半から20世紀初頭にかけて西洋社会に起こった大規模で広範囲な変化から生まれた一連の文化傾向と、それに関連する一連の文化運動の両方を指す。モダニズムは、リアリズムの保守的な価値観に対する反乱だった。^{[59] [60]}この用語は、完全に工業化された世界の出現による新しい経済的、社会的、政治的状況において、芸術、建築、文学、宗教的信仰、社会組織、日常生活の「伝統的な」形態が時代遅れになりつつあると感じた人々の活動と成果を包括する。モダニズムの顕著な特徴は自己意識である。これはしばしば、形態の実験や、使用されるプロセスや材料（およびさらなる抽象化の傾向）に注目を集める作品につながった。^[61]

絵画におけるモダニズムの最初の例は印象派であり、当初はスタジオではなく屋外 ( en plein air ) での作業に重点を置いていた絵画の流派でした。印象派の絵画は、人間は物体を見るのではなく、光自体を見ていることを示しました。この流派は、指導的な実践者の間で内部分裂があったにもかかわらず支持者を集め、ますます影響力を増していきました。当初は当時の最も重要な商業展示会である政府主催のパリのサロンから拒否された印象派は、1870年代と1880年代には公式のサロンと時期を合わせて、商業施設で毎年グループ展を開催しました。1863年の重要な出来事は、パリのサロンで拒否されたすべての絵画を展示するためにナポレオン3世によって設立された落選展でした。

抽象絵画は、形、色、線の視覚言語を使用して、世界の視覚的参照からある程度独立して存在する可能性のある構成を作成します。^{[62] [63]} 抽象表現主義は、ドイツ 表現主義の感情の激しさと自己否定と、未来派、バウハウス、キュビズムなどのヨーロッパの抽象派の反具象的な美学、そして反抗的、無政府主義的、非常に特異で、一部の人々が感じるニヒリズムのイメージを組み合わせた、第二次世界大戦後のアメリカの芸術運動でした。[ 64 ^]

アクション・ペインティングは、ジェスチャー抽象とも呼ばれ、絵の具を注意深く塗るのではなく、キャンバスに自然に垂らしたり、はねたり、塗りつけたりして描く絵画スタイルである。^[65]結果として得られる作品は、完成作品の重要な側面、またはアーティストの関心事として、絵を描くという物理的な行為自体を強調することが多い。このスタイルは1940年代から1960年代初頭まで広く普及し、抽象表現主義と密接に関連している（一部の批評家は「アクション・ペインティング」と「抽象表現主義」という用語を同じ意味で使用している）。

その他のモダニズムスタイルには以下のものがあります。

• カラーフィールド
• 叙情的な抽象
• ハードエッジペインティング
• ポップアート

アウトサイダーアートという用語は、1972年に美術評論家のロジャー・カーディナルによって造られた造語で、アール・ブリュット（フランス語: [aʁ bʁyt]、「生の芸術」または「粗野な芸術」）の英語の同義語である。アール・ブリュットは、フランスの 芸術家 ジャン・デュビュッフェが、公式文化の境界の外で創作された芸術を説明するために作った用語であり、デュビュッフェは特に精神病院の受刑者による芸術に焦点を当てていた。^[66]アウトサイダーアートは、成功した芸術マーケティングのカテゴリーとして浮上してきた（1992年以来、毎年ニューヨークでアウトサイダーアートフェアが開催されている）。この用語は、状況や作品の内容に関係なく、主流の「芸術界」の外にいる人々によって創作された芸術に対する包括的なマーケティングラベルとして誤って適用されることがある。

フォトリアリズムは、カメラや写真を使用して情報を収集し、その情報から写真のように非常にリアルに見える絵画を作成するという絵画のジャンルです。この用語は、主に1960年代後半から1970年代初頭に始まった米国の芸術運動の絵画に適用されます。本格的な芸術運動として、フォトリアリズムはポップアート^{[67] [68] [69]から進化し、}抽象表現主義へのカウンターとして発展しました。

ハイパーリアリズムは、高解像度の写真に似た絵画や彫刻のジャンルです。ハイパーリアリズムは本格的な芸術の流派であり、絵画や彫刻を作成するために使用される手法によってフォトリアリズムの進歩と見なすことができます。この用語は、主に2000年代初頭から発展してきた米国とヨーロッパの独立した芸術運動と芸術スタイルに適用されます。^[70]

シュルレアリスムは 1920 年代初頭に始まった文化運動であり、シュルレアリスム運動に所属する人々の芸術的および文学的作品で最もよく知られています。シュルレアリスムの作品は、驚き、不気味さ、無意識、予期せぬ並置、非論理的な要素を特徴としています。しかし、多くのシュルレアリスムの芸術家や作家は、作品は工芸品であるものの、何よりもまず哲学的運動の表現であるとみなしています。指導者のアンドレ・ブルトンは、シュルレアリスムは何よりもまず革命的な運動であると明確に主張しました。

シュルレアリスムは第一次世界大戦中のダダ運動から発展し、その運動の最も重要な中心地はパリでした。1920年代以降、その運動は世界中に広がり、最終的には多くの国の視覚芸術、文学、映画、音楽、さらには政治思想や実践、哲学、社会理論にも影響を与えました。

• 

  

  中国語
  • 唐代
  • 明代
  • 山水
  • 水墨画
  • 華鳥
  • サザンスクール
    • 浙江学校
    • 呉学校
  • コンテンポラリー
• 日本語
  • 大和絵
  • 琳派
  • 絵巻物
  • 狩野派
  • 四条流
  • スーパーフラット
• 韓国語

• インドネシア語

• アラビアのミニチュア
• オスマン帝国のミニチュア
• ペルシャのミニチュア
• 書道

ミニチュア絵画は、植民地時代以前のインドにおける主要な絵画形式でした。これらは、鉱物や天然の顔料を使用して、ワスリと呼ばれる特殊な紙に描かれました。ミニチュア絵画は 1 つのスタイルではなく、ムガール、パハリ、ラージャスターン、カンパニー スタイルなどのいくつかの絵画流派のスタイルの集合体です。

ムガル細密画は、南アジア、特に北インド（より具体的には現代のインドとパキスタン）の特定のスタイルであり、本の挿絵として、またはアルバム（ムラッカ）に収められる単独の作品として細密画に限定された絵画である。 ^[71]ペルシアの細密画（それ自体が部分的に中国起源）から生まれ、16世紀から18世紀のムガル帝国の宮廷で発展した。ムガル絵画はすぐに、ペルシアの細密画に典型的であったよりもはるかに現実的な肖像画に大きな関心を寄せるようになった。動物や植物は、アルバム用の多くの細密画の主な主題であり、より現実的に描かれていた。 ^{[72] [73] [74]}

ラージャスターン絵画は、主に17世紀に北インドのラージプターナ^[75]の王宮で発展し、繁栄した。ムガル帝国のミニアチュールの伝統を学ん

カングラ絵画は、ムガル帝国の宮廷で人気を博し、サンスクリット叙事詩、マハーバーラタ、ラーマーヤナなど、地元の絵画の伝統からも影響を受けた様式を発展させた。主題は多様であったが、狩猟や日常の活動に従事していることが多い統治家族の肖像画が一般的に人気があり、叙事詩やヒンドゥー神話の物語の場面、風景や人物を描いた風俗画も同様であった。[ 76 ^{] [77]} パンジャブ丘陵絵画またはパハリ絵画で、カングラ、ギュラー、バショリが主要なサブスタイルであった。カングラ絵画はカングラの絵画芸術であり、この芸術を後援したかつての藩王国、ヒマーチャル・プラデーシュ州のカングラにちなんで名付けられた。18世紀半ばにバソリ絵画派が衰退するとともに普及した。 ^{[78] [79]}カングラ絵画の中心的なテーマはシュリンガル（エロティックな感情）である。カングラ絵画に見られる主題は、当時の社会の趣味やライフスタイルの特徴を表しています。^[80]芸術家たちは、バクティを原動力としてラーダーとクリシュナの愛を熱狂的に書いたジャヤデーヴァとケーシャヴ・ダスの愛の詩からテーマを採用しました。 ^{[81] [82]}

カンパニー様式とは、インドで制作されたインド・ヨーロッパ混合様式の絵画を指す用語で、インド人芸術家の多くは18世紀から19世紀にかけてイギリス東インド会社やその他の外国会社のヨーロッパ人パトロンのために働いていた。 ^[83]カンパニー絵画の3つの異なる様式は、イギリスの3つの権力中心地であるデリー、カルカッタ、マドラスで生まれた。西洋のパトロンのために制作されたカンパニー絵画の主題は、想像力に富むというよりは記録的なものが多く、その結果、インドの芸術家は伝統的に普通だったよりも自然主義的な絵画アプローチを採用する必要があった。^{[84] [85]}

シク様式とデカン様式は、インドの他の著名なミニチュア絵画のスタイルです。

ピチワイ画は布地に描かれた絵画で、通常はクリシュナ神の生涯の物語を描いています。^[86]これらは大きな版で作られ、寺院や家庭の主な偶像の背景としてよく使われました。ピチワイ画は主にインドのラジャスタンで作られ、現在も作られています。しかし、デカン地方で作られたものは非常に少なく、非常に珍しいものです。ピチワイの目的は、芸術的な魅力以外に、読み書きのできない人々にクリシュナの物語を語ることです。寺院にはさまざまなイメージのセットがあり、神を祝う祭りのカレンダーに従って変更されます。^[87]

パタチトラは、インド東部のオリッサ州と西ベンガル州を拠点とする、布を素材とした伝統的な巻物絵画の総称です。^[88]パタチトラ絵画の伝統は、オリッサ州のジャガンナート神への崇拝と密接に結びついています。 ^[89]パタチトラの主題は宗教的なテーマに限定されています。パタチトラの芸術形式は、その複雑な詳細と、そこに刻まれた神話の物語や民話で知られています。絵画に使用されている色はすべて天然色で、絵画はチトラカラ、つまりオリッサの画家によって完全に古い伝統的な方法で描かれています。パタチトラ様式の絵画は、オリッサで最も古く、最も人気のある芸術形式の1つです。パタチトラは古代ベンガルの物語芸術の構成要素であり、もともとは歌の演奏中に視覚的な装置として機能していました。^{[90] [91] [92]}

マドゥバニ美術はインド絵画のスタイルで、インドとネパールのミティラー地方で実践されています。このスタイルは複雑な幾何学模様が特徴で、これらの絵画は祭りや宗教儀式などの特別な機会に使用される儀式的な内容を表現することで有名です。^[93]

ワルリはインドのもう一つの民族芸術です。

ベンガル派^[94]は、ベンガル、主にコルカタとシャンティニケタンで生まれ、20世紀初頭のイギリス領時代にインド亜大陸全土で栄えたインド絵画の芸術運動およびスタイルである。 ^[95]ベンガル派は、ラージャ・ラヴィ・ヴァルマなどのインド人芸術家やイギリスの美術学校によって以前にインドで推進されていたアカデミックな芸術スタイルに反発する前衛的で民族主義的な運動として発生した。同派は、土着の文化遺産を称える独特のインドスタイルを確立しようとした。アバニンドラナート・タゴールは、植民地時代の美学を拒否する試みとして、汎アジア的な美学を推進する目的で中国と日本にも目を向け、日本の水彩画技法などの極東芸術の要素を取り入れた。^{[96] [97] [98]}

• マイソール絵画は、カルナータカ州のマイソール市とその周辺で生まれ、マイソール王朝の統治者によって奨励され、育まれた南インドの古典絵画の重要な形式である。マイソール絵画は、その優雅さ、落ち着いた色彩、細部へのこだわりで知られている。これらの絵画のほとんどのテーマは、ヒンドゥー教の神々や女神、ヒンドゥー教の神話の場面である。^[99]
• サミクシャバド
• タンジョール
• ケーララの壁画

• ティンガティンガ

寓話は、文字通りの意味以外の意味を伝える比喩的な表現 方法です。寓話は、象徴的な人物、行動、または象徴的な表現によってメッセージを伝えます。寓話は一般的に修辞法の表現として扱われますが、寓話は言語で表現される必要はなく、視覚に訴えるものでもよく、写実的な絵画によく見られます。単純な視覚的寓話の例としては、死神のイメージがあります。見る人は、死神のイメージが死の象徴的な表現であることを理解します。

スペイン美術において、ボデゴンとは、食料、狩猟肉、飲み物などの食料貯蔵室の品物を描いた静物画であり、多くの場合、単純な石板の上に配置されたものである。また、1人以上の人物が描かれているが、重要な静物要素が描かれ、通常は台所や居酒屋が舞台となっている絵画でもある。バロック時代から、このような絵画は17世紀の第2四半期にスペインで人気となった。静物画の伝統は、南ヨーロッパよりも同時代のネーデルラント連邦共和国、今日のベルギーとオランダ（当時はフランドル人とオランダ人の芸術家）で始まり、はるかに人気があったようである。北方の静物画には多くのサブジャンルがあり、朝食の作品はトロンプ・ルイユ、花束、ヴァニタスによって補完された。スペインでは、この種のもののパトロンはかなり少なかったが、テーブルの上にいくつかの食べ物と食器を置いたタイプの朝食の作品が人気となった。

人物画は、衣服を着ていても裸でも人物を主な主題とする、あらゆる絵画媒体で描かれた芸術作品である。人物画は、そのような作品を制作する活動を指すこともある。人物は、最初の石器時代の洞窟壁画以来、芸術の対照的な主題の1つであり、歴史を通じてさまざまなスタイルで再解釈されてきました。^[100]人物画でよく知られている芸術家としては、ピーテル・パウル・ルーベンス、エドガー・ドガ、エドゥアール・マネなどがいます。

イラストレーション絵画は、書籍、雑誌、劇場や映画のポスター、漫画本の挿絵として使用される絵画です。今日では、オリジナルの芸術作品を収集し、鑑賞することへの関心が高まっています。さまざまな博物館の展示会、雑誌、美術館が、過去のイラストレーターにスペースを割いてきました。視覚芸術の世界では、イラストレーターは、美術家やグラフィックデザイナーと比較して重要性が低いと見なされることがありました。しかし、コンピューターゲームと漫画産業の成長の結果、特に韓国、日本、香港、米国 では、他の2つよりも広い市場を獲得できる人気のある収益性の高い芸術作品としてイラストレーションが評価されるようになっています。

中世の写本に描かれた挿絵はイルミネーションと呼ばれ、一つ一つ手描きで彩色されていた。15世紀に印刷機が発明されると、書籍はより広く流通するようになり、木版画で挿絵が描かれることも多かった。^{[101] [102]}アメリカでは、これが1880年代以前から20世紀初頭まで「挿絵の黄金時代」をもたらした。少数のイラストレーターが大成功を収め、彼らの描いた絵は当時のアメリカ人の願望を描いた肖像画とみなされた。^[103]その時代の最も有名なイラストレーターには、ブランディワイン派のNCワイエスとハワード・パイル、ジェームズ・モンゴメリー・フラッグ、エリザベス・シッペン・グリーン、JCライエンデッカー、バイオレット・オークリー、マックスフィールド・パリッシュ、ジェシー・ウィルコックス・スミス、ジョン・リア・ニールがいる。1905年、フランスでは現代図書協会がポール・ジューヴにラドヤード・キプリングの『ジャングル・ブック』の挿絵を依頼した。ポール・ジューヴは10年かけてこの本の130点の挿絵を描き、愛書家の傑作の一つとして残ることになる。^[104]

風景画は、山、谷、樹木、川、湖、森林などの自然の風景の描写、特に広い景色を主題とし、その要素が一貫した構成に配置されている芸術を指す用語です。他の作品では、人物の風景の背景が依然として作品の重要な部分を形成することがあります。空はほぼ常に景色に含まれており、天気はしばしば構成の要素です。詳細な風景を明確な主題として描くことは、すべての芸術的伝統に見られるわけではなく、他の主題を表現する洗練された伝統がすでに存在する場合に発展します。2つの主要な伝統は、西洋絵画と中国美術に端を発しており、どちらも千年以上前に遡ります。

肖像画は人物の表現であり、顔とその表情が主である。肖像画の目的は、人物の似姿、性格、さらには気分を表現することである。肖像画の芸術は古代ギリシャ、特にローマの彫刻で栄え、そこではモデルは個性的で写実的な肖像画、たとえ見栄えの悪いものであっても、を要求した。西洋世界で最もよく知られている肖像画の1つは、レオナルド・ダ・ヴィンチの絵画「モナ・リザ」で、フランチェスコ・デル・ジョコンドの妻リザ・ゲラルディーニの肖像画であると考えられている。^[107]

ウォーホルは20世紀で最も多作な肖像画家の一人である。マリリン・モンローを描いた『オレンジ・ショット・マリリン』は1960年代のウォーホルの初期の代表作であり、ポップシンガーのプリンスを描いた『オレンジ・プリンス』（1984年）はその後の代表作であり、どちらもウォーホルの独特のグラフィックスタイルの肖像画を示している。^{[108] [109] [110]}

静物画は、主に無生物の主題、典型的にはありふれた物、つまり自然のもの（食べ物、花、植物、岩、貝殻）または人間の作ったもの（コップ、本、花瓶、宝石、コイン、パイプなど）を描いた芸術作品です。中世および古代ギリシャ/ローマ美術に起源を持つ静物画では、風景画や肖像画など他の種類の主題の絵画よりも、構図内のデザイン要素の配置に芸術家がより多くの自由度を与えられます。特に1700年以前の静物画には、描かれた物に関連する宗教的および寓意的な象徴が含まれていることが多かった。現代の静物画の中には、2次元の壁を打ち破り、3次元の混合メディアを採用し、ファウンドオブジェクト、写真、コンピューターグラフィックス、さらにはビデオとサウンドを使用するものもあります。

ヴェドゥータとは、都市の景観やその他の景観を描いた、非常に詳細で通常は大規模な絵画である。この風景画のジャンルはフランドルで始まり、ポール・ブリルなどの芸術家は16世紀にはすでにヴェドゥータを描いていた。グランドツアーの旅程がある程度標準化されると、フォロ・ロマーノや大運河などの馴染みのある風景を描いたヴェドゥータは、イギリス貴族の大陸への初期の冒険を思い起こさせるものとなった。19世紀後半には、都市の景観に対するより個人的な印象が地形の正確さへの欲求に取って代わり、代わりにパノラマ画が満たされた。

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• ハワード・ダニエル (1971)。『絵画のテーマと主題の百科事典: 神話、聖書、歴史、文学、寓話、および時事』ニューヨーク: ハリー・N・エイブラムス社。
• W. スタンレー タフト ジュニアとジェームズ W. メイヤー (2000)。『絵画の科学』。シュプリンガー出版。