スペイン美術

スペインでは、ロマネスク時代の美術は、それ以前のプレロマネスク様式やモサラベ様式からスムーズに移行したものでした。当時ヨーロッパ各地で発見された、現存するロマネスク様式の教会フレスコ画の最高傑作の多くはカタルーニャ地方のもので、ヴァル・デ・ボイ地域の教会には優れた例が見られます。これらの多くは20世紀になって初めて発見されました。^{[ 13 ]}最高傑作のいくつかは美術館に移され、特にバルセロナのカタルーニャ国立美術館には、タウルのサン・クリメントの有名な中央後陣とシヘナのフレスコ画があります。カスティーリャ・ロマネスク様式のフレスコ画の最高傑作は、レオンのサン・イシドロ教会、サン・バウデリオ・デ・ベルランガの絵画（現在はニューヨークのメトロポリタン美術館など様々な美術館に所蔵） 、セゴビアのサンタ・クルス・デ・マデルエロ教会のフレスコ画と考えられています。^{[ 14 ]}木に描かれた祭壇正面画やその他の初期の板絵 も数多く存在する。

スペインのゴシック美術は、それまでのロマネスク様式から徐々に発展したもので、最初はフランス、その後イタリアからの外部モデルに導かれた。もう一つの特徴は、ムデハル様式の要素を取り入れたことである。最終的には、ビザンチン様式の技法と図像を伝えたイタリアの影響が、当初のフランコ・ゴシック様式を完全に置き換えた^{[ 15 ]。} カタルーニャは繁栄を続け、多くの素晴らしい祭壇画を残したが、アメリカ植民地が開かれて貿易の重点が大西洋に移った後、この地域は衰退し、ルネサンスやバロック様式の教会改修のための資金がなかったため、中世の遺構が数多く残っている理由の一つとなっている。

15世紀半ば以降、スペインとフランドルの間には重要な経済的・政治的な結びつきがあったため、スペインの初期ルネサンスはネーデルラント絵画の影響を強く受け、ヒスパノ・フランドル派と呼ばれる画家集団が形成された。その代表的な画家には、フェルナンド・ガジェゴ、バルトロメ・ベルメホ、ペドロ・ベルゲテ、フアン・デ・フランデスなどが挙げられる。

スペインでは、フランドルとイタリアの影響が混ざり合い、地域的な違いもあるため、ルネサンスとその後のマニエリスム様式を分類するのは難しい。^{[ 16 ]}

イタリア・ルネサンスの影響がスペインに伝わった主な中心地は、イタリアとの近さと密接な繋がりからバレンシアであった。この影響は、ピオンボの絵画4点やラファエロの版画多数を含む美術品の輸入、イタリア・ルネサンスの画家パオロ・デ・サン・レオカディオの到来^{[ 17 ]}、そしてそこで制作や修業に時間を費やしたスペイン人画家たちによってもたらされた。そうした画家には、フェルナンド・ヤニェス・デ・ラ・アルメディナ（1475年- 1540年）やフェルナンド・リャノスなどがおり、彼らの作品には、繊細で憂鬱な表情や、顔の特徴をスフマートで表現するなど、レオナド風の特徴が見られる^{[ 18 ]}。

スペインの他の地域では、イタリア・ルネサンスの影響はそれほど純粋ではなく、比較的表面的な技法の使用にとどまり、先行するフランドルの慣習と組み合わされ、イタリア美術がすでにマニエリスム的であった後の比較的遅い時期にイタリアからの例が取り入れられたため、マニエリスムの特徴が取り入れられた。 ^{[ 19 ]}技術的な側面とは別に、ルネサンスのテーマと精神はスペインの文化と宗教的環境に合わせて修正された。その結果、古典的な主題や女性の裸体はほとんど描かれず、作品には敬虔な献身と宗教的な熱意が頻繁に表れており、これらの特徴は17世紀以降、対抗宗教改革期のスペインの多くの芸術において支配的であり続けた。芸術家には、ビセンテ・フアン・マシップ（1475 - 1550）とその息子フアン・デ・フアネス（1510 - 1579）、画家兼建築家のペドロ・マチュカ（1490 - 1550）、フアン・コレア・デ・ビバル（1510 - 1566）などがいる。しかし、17世紀初頭に最も人気のあるスペインの画家は、ルイス・デ・モラレス（1510年頃～1586年）で、彼の絵画の宗教的な激しさから同時代の人々から「神」と呼ばれた。^{[ 20 ]}ルネサンス期から彼はスフマート技法やシンプルな構図を頻繁に用いたが、フランドル様式の細部への精緻さと組み合わせていた。彼の主題には、聖母子像を含む多くの宗教的なイメージが含まれていた。

スペイン黄金時代は、スペインの政治的隆盛とその後の衰退の時代であり、スペインでは芸術が大きく発展した。^{[ 21 ]}この時代は一般的に1492年以降のある時点で始まり、 1659年のピレネー条約で終わると考えられているが、芸術においては、その始まりはフェリペ3世の治世（1598～1621年）まで、あるいはその直前まで、終わりも1660年代以降まで遅れている。このように、この様式は芸術におけるより広範なバロック時代の一部を形成しているが、カラヴァッジョや後期のルーベンスといった偉大なバロックの巨匠からの大きな影響に加え、この時代の芸術の独特な性質には、典型的なバロックの特徴を修正する影響も含まれていた。^{[ 22 ]}これらには、同時代のオランダ黄金時代の絵画やスペイン固有の伝統 からの影響が含まれており、この時代の芸術の多くに自然主義への関心と、多くのバロック芸術の壮大さの回避をもたらしている。初期の重要な貢献者には、スペインに新しい自然主義様式をもたらしたフアン・バウティスタ・マイノ（1569–1649） ^{[ 23 ]} 、フランシスコ・リバルタ（1565–1628）^{[ 24 ]} 、そして影響力のある静物画家サンチェス・コタン（1560–1627）^{[ 25 ]などがいる。}

エル・グレコ（1541年 - 1614年）は、当時の画家の中でも最も個性的な画家の一人であり、ビザンチン後のクレタ派にルーツを持ち、セビリア、マドリード、スペイン各地で当時主流だった自然主義的なアプローチとは対照的に、マニエリスム様式を強く発展させた。^{[ 26 ]}彼の作品の多くは、ティツィアーノなどのヴェネツィア派の画家の銀灰色と鮮やかな色彩を反映しているが、人物の奇妙な引き伸ばし、独特な照明、遠近法の排除、そして画面を非常に目立つ表現力豊かな筆致で埋め尽くすといった特徴も併せ持っている。^{[ 27 ]}

ホセ・デ・リベラ（1591-1652）は主にイタリア、特にナポリで活動したが、自身をスペイン人と考えており、彼の作風は対抗宗教改革期のスペイン美術の極端な例として挙げられることもある。彼の作品は（主に彼の素描や版画がヨーロッパ中に流通したことを通じて）非常に大きな影響力があり、そのキャリアを通じて大きく発展した。^{[ 28 ]}

新世界への玄関口であったセビリアは、16世紀にはスペインの文化の中心地となり、拡大する帝国や裕福な都市の数多くの修道院からの依頼に惹かれて、ヨーロッパ各地から芸術家を引き寄せた。^{[ 29 ]}フランシスコ・パチェコ（1564–1644）の作品に見られるように、細密で滑らかな筆致という強いフランドル派の伝統から始まり、時を経て、フアン・デ・ロエラス（1560年頃–1624年）やフランシスコ・エレーラ（父）（1590–1654）の影響を受けて、より自然主義的なアプローチが発展した。カラヴァッジョの影響を受けたこのより自然主義的なアプローチはセビリアで主流となり、黄金時代の3人の巨匠、カノ、スルバラン、ベラスケスの訓練の背景となった。^{[ 30 ]}

フランシスコ・デ・スルバラン（1598年 - 1664年）は、宗教画や静物画における明暗対比の力強く写実的な使用で知られています。彼の作風は発展途上であり、複雑な場面を扱うのに苦労していたとされていますが、スルバランの宗教的な感情を喚起する優れた能力は、保守的な対抗宗教改革のセビリアで多くの依頼を受けることに成功しました。^{[ 31 ]}

ベラスケスと同じ絵画の師であるフランシスコ・パチェコに師事したアロンソ・カノ（1660年 - 1667年）は、彫刻や建築の分野でも活躍した。彼の作風は初期の自然主義から、より繊細で理想主義的なアプローチへと変化し、ヴェネツィア派やヴァン・ダイクの影響が見られるようになった。^{[ 32 ]}

ディエゴ・ベラスケス（1599年 - 1660年）は、フェリペ4世の宮廷で最も優れた画家でした。歴史的、文化的に重要な場面を数多く描いたほか、スペイン王室、その他の著名なヨーロッパ人、そして庶民の肖像画も数多く制作しました。多くの肖像画において、ベラスケスは乞食や小人といった社会的に恵まれない人々にも威厳を与えています。これらの肖像画とは対照的に、ベラスケスの描く神々は、神性を持たない庶民として描かれる傾向があります。ベラスケスはフェリペ4世の肖像画を40点描いたほか、王子、王女、王妃など、他の王室メンバーの肖像画も制作しました。^{[ 33 ]}

後期のバロック様式は、ルーベンスのスペイン訪問や、スペインとスペイン領ナポリおよびスペイン領ネーデルラント間の芸術家やパトロンの往来を通じて、外国の影響として導入された。この新しい様式を取り入れた重要なスペイン人画家には、フアン・カレーニョ・デ・ミランダ（1614–1685）、フランシスコ・リジ（1614–1685 ）、そしてセビリア派の自然主義的強調の先駆者であるフランシスコ・デ・エレーラ（父）の息子であるフランシスコ・デ・エレーラ（子）（1627–1685）がいる。その他の著名なバロック画家には、クラウディオ・コエーリョ（ 1642–1693）、アントニオ・デ・ペレダ（1611–1678）、マテオ・セレソ（1637–1666）、フアン・デ・バルデス・レアル（1622–1690）がいる。^{[ 34 ]}

当時の最も傑出した画家であり、19世紀にベラスケス、スルバラン、エル・グレコが評価される以前のスペインで最も有名な画家は、バルトロメ・エステバン・ムリーリョ（1617-1682）であった。^{[ 35 ]}キャリアのほとんどをセビリアで過ごした彼の初期の作品は、カラヴァッジョの自然主義を反映しており、落ち着いた茶色のパレット、シンプルだが厳しくない照明、そして彼の「小鳥のいる聖家族」（1650年頃）のように自然または家庭的な設定で描かれた宗教的主題を使用している。^{[ 36 ]}後に彼はルーベンスやヴァン・ダイクのフランドル・バロックの要素を取り入れた。「無原罪の御宿り」では、より明るく輝く色彩が使用され、渦巻く天使たちが聖母にすべての焦点を当て、天を仰ぐ聖母の視線と拡散して温かく輝く光輪が、彼の作品の重要な要素である効果的な信仰のイメージとなっている。聖母マリアの無原罪懐胎というテーマだけでも、ムリーリョは約20回描​​いている。^{[ 37 ]}

フェリペ5世によるスペインのブルボン王朝の始まりは、芸術の庇護に大きな変化をもたらし、フランス志向の新しい宮廷はブルボン朝フランスの様式と芸術家を好んだ。宮廷に雇われたスペイン人画家は少なく、ミゲル・ハシント・メレンデス（1679-1734）は数少ない例外で、スペインの画家が新しいロココ様式 や新古典主義様式に適応するまでにはしばらく時間がかかった。ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロやアントン・ラファエル・メングスなどのヨーロッパを代表する画家たちは活発に活動し、影響力を持っていた。^{[ 38 ]}

王室の支援を受けられなかったため、多くのスペイン人画家は宗教画においてバロック様式を継続した。これは熟練したフレスコ画家フランシスコ・バジェウ・イ・スビアス（1734-1795）とマリアーノ・サルバドール・マエラ（1739-1819）にも当てはまり、両者ともメンスの厳格な新古典主義の方向へと発展した。^{[ 39 ]}スペイン人芸術家にとってもう一つの重要な道は肖像画であり、これはアントニオ・ゴンサレス・ベラスケス（1723-1794）、ホアキン・インサ（1736-1811）、アグスティン・エステベ（1753-1820）にとって活発な分野であった。 ^{[ 40 ]}しかし、静物画のジャンルにおいても、宮廷画家バルトロメ・モンタルボ（1769–1846）^{[ 41 ]}やルイス・エヒディオ・メレンデス（1716–1780）などの芸術家の作品に王室の庇護が成功裏に見出された。

サンチェス・コタンやスルバランのスペイン静物画の伝統を受け継ぎ、メレンデスはアストゥリアス公（後の国王カルロス4世）の依頼で、スペインのあらゆる食用食品を描いた一連のキャビネット絵画を制作した。単なる自然史の形式的な研究ではなく、彼は厳しい照明、低い視点、厳格な構図を用いて主題を劇的に表現した。彼は、反射、質感、ハイライト（例えば、『オレンジ、瓶、お菓子の箱のある静物』の模様のある花瓶のハイライト）の細部に大きな関心と注意を払い、啓蒙時代の新しい精神を反映した。^{[ 42 ]}

ゴヤ

フランシスコ・ゴヤはスペイン王室の肖像画家兼宮廷画家であり、歴史の記録者であり、非公式の作品においては革命家であり先見の明のある人物でした。ゴヤはスペイン王カルロス4世やフェルナンド7世を含むスペイン王室を描きました。彼のテーマは、タペストリーのための陽気な祭りや下絵から、戦争、戦闘、死体の場面まで多岐にわたります。初期の頃は、タペストリーのテンプレートとして下絵を描き、鮮やかな色彩で日常生活の場面に焦点を当てていました。生涯を通じて、ゴヤは社会の退廃や戦争の恐怖を描いたグラバドス（エッチング）のシリーズもいくつか制作しました。彼の最も有名な絵画シリーズは、晩年に描かれた「黒い絵」です。このシリーズは、色彩と意味の両方において曖昧な作品で構成されており、不安と衝撃を与えます。

彼は18世紀末から19世紀初頭にかけて最も重要なスペイン人画家とされており、その長いキャリアを通して、時代の評論家であり記録者でもあった。生前、非常に大きな成功を収めたゴヤは、しばしば「最後の巨匠」であり「最初の近代画家」と称される。

19世紀のさまざまな芸術運動は、スペインの芸術家たちに大きな影響を与えたが、それは主に彼らが外国の首都、特にパリとローマで訓練を受けたことによる。このようにして、新古典主義、ロマン主義、写実主義、印象主義が重要な潮流となった。しかし、抑圧的な政府やカルリスタ戦争の悲劇など、現地の状況によって、それらはしばしば遅れたり、変容したりした。^{[ 43 ]}肖像画や歴史画は人気があり、過去の芸術、特にベラスケスの様式や技法は重要であった。

初期の頃は、ビセンテ・ロペス（1772 - 1850）のアカデミズムが主流であり、その後、影響力のある芸術家や画廊経営者の系譜の創始者であるホセ・デ・マドラソ（1781 - 1859）の作品に見られるように、フランスの画家ジャック＝ルイ・ダヴィッドの新古典主義が主流となった。彼の息子フェデリコ・デ・マドラソ（1781 - 1859）は、レオナルド・アレンサ（1807 - 1845）、バレリアーノ・ベッケル、アントニオ・マリア・エスキベルとともに、スペイン・ロマン主義の主要人物であった。^{[ 44 ]}

19世紀後半には、アントニオ・ギスベルト（1834 - 1901）、エドゥアルド・ロサレス（1836 - 1873）、フランシスコ・プラディージャ（1848 - 1921）などの作品に見られるように、歴史画においてロマン主義が強く表れた時代がありました。これらの作品では、写実主義の技法がロマン主義的な主題によく用いられました。これは、プラディージャの初期の有名な作品である「狂女ジャンヌ」に明確に見られます。構図、表情、嵐の空は、場面の劇的な感情を反映していますが、正確な衣服、泥の質感、その他の細部は、画家の姿勢とスタイルにおける写実主義の素晴らしさを示しています。^{[ 45 ]}マリアーノ・フォルトゥーニ（1838 - 1874）もまた、以前はフランスのロマン派のウジェーヌ・ドラクロワの影響を受けていましたが、写実主義の強いスタイルを発展させ、19世紀のスペインの有名な画家となりました。^{[ 46 ]}

ホアキン・ソローリャ（1863年- 1923年）は、故郷の太陽の下で人々や風景を巧みに表現することに長けており、多くの絵画、特に有名な海辺の絵画に印象派の精神を反映させている。 「浜辺の子供たち」では、水面と肌の反射、影、光沢を真の主題としている。構図は非常に大胆で、地平線は省略され、少年の一人は画面から切れており、強い対角線が作品の左上のコントラストと彩度の増加につながっている。^{[ 47 ]}

20世紀前半、多くのスペイン人芸術家がパリで活動し、モダニズム芸術運動の発展に貢献し、時には主導した。^{[ 48 ]}おそらく最も重要な例として、ピカソはフランス人芸術家ブラックと共同でキュビスムの概念を生み出し、総合的キュビスムというサブムーブメントは、マドリード生まれのフアン・グリスの絵画やコラージュで最も純粋な表現を見出したと評価されている。^{[ 49 ]}同様に、サルバドール・ダリはパリのシュルレアリスム運動の中心人物となり、ジョアン・ミロは抽象芸術に影響を与えた。

ピカソの青の時代（1901～1904年）は、陰鬱な青みがかった絵画で構成されており、スペイン旅行の影響を受けています。バルセロナのピカソ美術館には、ピカソがスペインに住んでいた頃に制作された初期の作品の多くと、バルセロナ時代からの親友で、長年ピカソの個人秘書を務めたハイメ・サバルテスの膨大なコレクションが展示されています。若い頃に父親の指導の下で制作された、精緻で詳細な人物習作が多数あるほか、晩年の滅多に見られない作品もあり、ピカソの古典的な技法への確固たる基礎が明確に示されています。ピカソは1957年にベラスケスへの最も永続的なオマージュとして、彼特有のキュビスムの形式で「ラス・メニーナス」を再制作しました。ピカソは、ベラスケスの絵を模写すると、単なるコピーと見なされ、独自の表現とはみなされないのではないかと心配していたが、実際に模写に取りかかり、 1937年のゲルニカ以来最大の作品となったこの巨大な作品は、スペイン美術史において重要な地位を獲得した。ピカソの生誕地であるマラガには、重要なコレクションを所蔵する2つの美術館、ピカソ美術館マラガと生誕地博物館がある。

サルバドール・ダリはパリのシュルレアリスム運動の中心的芸術家でした。ダリはフランコ政権に迎合したとして批判されましたが、シュルレアリスムの指導者であり詩人でもあるアンドレ・ブルトンは、シュルレアリスム40周年を記念する1959年の「シュルレアリスムへのオマージュ展」でスペイン代表として参加するようダリに依頼しました。シュルレアリスム運動の目標に沿って、ダリは自身の芸術的目標は「想像の世界と具体的な非合理性の世界が、外界の世界と同じくらい客観的に明らかになること」であると述べており^{[ 50 ]} 、この目標は彼の最も有名な絵画の1つである『記憶の固執』^{[ 51 ]} に見ることができます。ここでは、オランダやスペインの巨匠の研究に基づいた、正確で写実的なスタイルで描かれているが、^{[ 52 ]}有機的なものと機械的なものの境界を曖昧にする主題を扱っており、オランダの画家ヒエロニムス・ボスの悪夢のような場面により近い。ボスの「快楽の園」は、ダリの作品の中心となる眠っている人物のモデルとなった。

ジョアン・ミロはパリのシュルレアリストたちとも密接な関係があり、彼らは特に、無意識を露わにするために考案された、構図と制作におけるオートマティズムの使用を高く評価していた。 ^{[ 53 ]}後期のより人気のある絵画は洗練されていて、気まぐれで、一見すると苦労を感じさせないものだが、影響力のあった1920年代と1930年代の作品は、性的な象徴とイメージにおいて挑発的で、サンドペーパー、未加工のキャンバス、コラージュなどの粗く実験的な素材を使用していた。^{[ 54 ]}成熟期の絵画『スキーのレッスン』では、より質感のある絵画的な背景に対して、記号、人物、黒い線状の形態という彼の特徴的な言語が明らかである。

イグナシオ・スロアガとホセ・グティエレス・ソラナは、 20世紀前半の重要な画家であった。

戦後、カタルーニャの芸術家アントニ・タピエスは、非常に厚みのあるテクスチャーや非標準的な素材やオブジェを取り入れた抽象作品で有名になった。タピエスは作品で数々の国際的な賞を受賞している。^{[ 55 ]}