ドイツの音楽

16世紀から、ポリフォニー、つまり複数の旋律が絡み合う音楽がドイツに伝わった。プロテスタントのコラールが主流となり、カトリック音楽とは対照的に、コラールは活気に満ち、エネルギッシュだった。作曲家には、ディートリヒ・ブクステフーデ、ハインリヒ・シュッツ、そしてプロテスタント宗教改革の指導者であるマルティン・ルターなどがいる。ルターは歌の賛美歌にリュートを伴奏として用いており、これは後にヴァルトツィターとして再現され、 20世紀にはドイツの国民楽器となった。 ^{[ 4 ]}

ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトの『魔笛』（1791年）は、一般的にドイツ・オペラの始まりとされている。しかし、ドイツ・オペラのより早い始まりは、ハインリヒ・シュッツの『ダフネ』 （1627年）かもしれない。シュッツは、ヨハン・セバスチャン・バッハ以前の最初の偉大なドイツ人作曲家と言われ、17世紀音楽における主要人物であった。

19世紀のドイツ・オペラにおいて、カール・マリア・フォン・ウェーバーとリヒャルト・ワーグナーという二人の人物が傑出した存在でした。ワーグナーは、重要な登場人物や思想を表すために繰り返し用いられる音楽的主題であるライトモチーフなどの手法を導入しました。ワーグナー（とウェーバー）は、ドイツの歴史や民話を題材にしたオペラを作曲し、中でも『ニーベルングの指環』（1874年）は特に有名です。20世紀に入ると、リヒャルト・シュトラウス（『ばらの騎士』）やエンゲルベルト・フンパーディンクといった作曲家が台頭し、若い観客向けのオペラを作曲しました。国境を越えたオーストリアでは、アルノルト・シェーンベルクが、伝統的な旋律や和音の代わりにリズムと不協和音を用いた十二音音楽の形式を革新し、クルト・ヴァイルとベルトルト・ブレヒトは、 『マハゴニー市の興亡』や『三文オペラ』など、ドイツ演劇の偉大な作品のいくつかを共同で制作しました。

戦後、カールハインツ・シュトックハウゼンやハンス・ヴェルナー・ヘンツェといったドイツの作曲家たちは、クラシック音楽に電子音を取り入れる実験を始めた。

ドイツは、ゼンパーオーパー、ミュンヘン州立劇場、バイロイト祝祭劇場など、多くの公的資金援助を受けたオペラハウスがあることでも非常に有名です。

現代的な意味で調性を用いた最初の音楽であるバロック音楽は、装飾や対位法の芸術的な使用でも知られています。16世紀末に北イタリアで生まれたこの様式は、初期バロック音楽の最も活発な中心地の1つであったドイツに急速に伝わりました。初期のドイツ・バロック作曲家には、ハインリヒ・シュッツ、ミヒャエル・プレトリウス、ヨハン・ヘルマン・シャイン、ザムエル・シャイトなどがいます。バロック時代の頂点は、間違いなく18世紀前半のヨハン・セバスチャン・バッハとゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの作品にあります。バッハは対位法、和声、動機構成の巧みな技巧によってドイツ様式を確立し、イタリアやフランスからリズム、形式、テクスチャを取り入れました。バッハは、前奏曲、カンタータ、フーガ、チェンバロ、ヴァイオリン、管楽器のための協奏曲、管弦楽組曲、ブランデンブルク協奏曲、マタイ受難曲、ヨハネ受難曲、クリスマス・オラトリオなど、数多くの作品を作曲しました。ヘンデルは、当時のほぼすべてのジャンルの音楽を作曲した国際的な作曲家でした。彼の最も有名な作品には、管弦楽組曲「水上の音楽」、「王家の花火のための音楽」、オラトリオ「メサイア」などがあります。もう1人の重要な作曲家は、歴史上最も多作な音楽家の1人であるゲオルク・フィリップ・テレマンです。

18世紀半ばまでに、ウィーン、ドレスデン、ベルリン、マンハイムの各都市は管弦楽の中心地となった。例えば、ウィーンのエステルハージ家は、弦楽四重奏曲、交響曲、ソナタといった古典的な形式を確立したオーストリアの作曲家、ヨーゼフ・ハイドンのパトロンであった。同世紀後半には、ウィーンのヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが登場し、ドイツとイタリアの伝統を融合させた独自のスタイルを確立した。モーツァルトは多作で影響力のある作曲家であり、600曲以上を作曲した。その多くは、交響曲、協奏曲、室内楽、オペラ、合唱曲の最高傑作として認められている。彼は最も人気のある古典派作曲家の一人であり、その後の西洋芸術音楽に与えた影響は計り知れない。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、モーツァルトの影響下で初期の作品を作曲した。

次の世紀には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンとフランツ・シューベルトという2人のドイツ人作曲家が早くから名声を得た。ウィーンでハイドンに師事したベートーヴェンは、非常に大胆な和声とリズムを用い、ピアノ、ヴァイオリン、交響曲、室内楽、弦楽四重奏曲、オペラなど数多くの作品を作曲した。シューベルトは、リートと呼ばれる芸術的でロマンティックな詩と音楽の分野を創り出した。彼の歌曲集には、『美しき水車小屋の娘』や『冬の旅』などがある。^{[ 5 ]}

フランツ・シューベルトは生涯を通じて非常に多作な作曲家でした。彼の作品は、600曲を超える世俗声楽曲（主に歌曲）、7つの交響曲全曲、宗教音楽、オペラ、劇中音楽、そして膨大な数の室内楽曲とピアノ曲から構成されています。彼は後期古典派から初期ロマン派にかけての最も偉大な作曲家の一人に数えられています。

19世紀初頭、リヒャルト・ワーグナーという作曲家が誕生した。彼は「未来の音楽家」と呼ばれ、厳格な伝統主義的な音楽様式を嫌っていた。彼のオペラには、単純な反復主題であるライトモチーフが用いられており、ワーグナーはその開発者として知られている。

カール・マリア・フォン・ウェーバーは作曲家、指揮者、ピアニスト、ギタリスト^{[ 6 ]}、評論家であり、ロマン派の初期の重要な作曲家の一人である。彼のオペラ『魔弾の射手』、『オイリアンテ』、『オベロン』は、ドイツにおけるロマン派オペラの発展に大きな影響を与えた。フェリックス・メンデルスゾーンは初期ロマン派の作曲家、ピアニスト、オルガニスト、指揮者であった。彼は作曲家、指揮者、ソリストとして特にイギリスで高く評価された。彼は交響曲、協奏曲、オラトリオ、ピアノ曲、室内楽曲を作曲した。ロベルト・シューマンは作曲家であり、影響力のある音楽評論家であった。彼はロマン派時代の最も偉大な作曲家の一人として広く認められている。シューマンの出版された作品は1840年まではピアノのみのために書かれたものであり、その後ピアノとオーケストラのための作品、多くの歌曲（声楽とピアノのための歌）、4つの交響曲、オペラを作曲した。その他、管弦楽曲、合唱曲、室内楽曲なども手掛けた。ヨハネス・ブラームスは、モーツァルトとベートーヴェンが開拓した音楽を尊重しつつ、自身の音楽をロマン派の様式へと発展させ、その過程で和声と旋律に対する大胆な新しいアプローチを生み出した。

19 世紀後半、ウィーンはヨーロッパのクラシック音楽における高い地位を維持し、ウィーンワルツの人気が爆発的に高まりました。これらはヨハン シュトラウス 2 世のような作曲家によって作曲されました。リヒャルト シュトラウスは後期ロマン派から初期近代にかけての代表的な作曲家でした。彼はオペラ(『ばらの騎士』や『サロメ』など)、歌曲(特に『4 つの最後の歌』 )、交響詩で知られています。シュトラウスはグスタフ マーラーとともに、リヒャルト ワーグナー以降のドイツ ロマン主義の後期の開花を代表する作曲家であり、先駆的なオーケストレーションの繊細さと高度な和声様式が融合しています。

20世紀前半は、ドイツ音楽とオーストリア音楽の分裂が見られた時代だった。ウィーンでは、アルノルト・シェーンベルクとその弟子であるアルバン・ベルクとアントン・ウェーベルンが、ますます前衛的な道を歩み、1909年に無調音楽、1923年に十二音音楽を開拓した。一方、ベルリンの作曲家たちは、クルト・ヴァイルのキャバレー風の社会主義オペラからパウル・ヒンデミットの実用音楽に至るまで、より大衆的な道を歩んだ。ミュンヘンには、フランス印象派の作曲家クロード・ドビュッシーの影響を受けたカール・オルフもいた。彼は、オーケストレーションにおいて、色彩豊かで斬新な楽器の組み合わせを用いるようになった。彼の最も有名な作品は「カルミナ・ブラーナ」である。

シェーンベルク、ヒンデミット、エーリヒ・コルンゴルトなど、多くの作曲家がナチ党の政権発足に伴いアメリカ合衆国へ移住した。この時期、ナチ党はドイツからいわゆる「退廃芸術」を一掃するキャンペーンを展開した。「退廃芸術」とは、ユダヤ人、共産主義者、ジャズなど、危険視されるあらゆるものに関連する音楽を指す包括的な用語となった。カール・アマデウス・ハルトマンのような作曲家は、ナチスの支配下にあった時代もドイツに留まり、自らの作品が当局によってどのように解釈されるかを常に警戒していた。

ナチス・ドイツの敗北後、音楽家たちも連合国の非ナチ化政策の対象となった。しかし、音楽の非政治的性質とされるものが、ヴィルヘルム・フルトヴェングラーやヘルベルト・フォン・カラヤン（実際には1933年にナチ党に入党していた）を含む多くの人々を免責することができた。彼らは二人とも、主に音楽に専念し、政治を無視したと主張したが、同時に「反抗のジェスチャー」を意図した方法で楽曲を指揮したとも主張した。^{[ 7 ]}

20世紀後半の西ドイツでは、ドイツとオーストリアの音楽は主に前衛音楽に支配されていた。60年代と70年代には、ダルムシュタット新音楽夏期講習会がヨーロッパ近代音楽の中心地となり、カールハインツ・シュトックハウゼンやハンス・ヴェルナー・ヘンツェといったドイツ人作曲家、ピエール・ブーレーズやルチアーノ・ベリオといったドイツ人以外の作曲家もそこで学んだ。対照的に、東ドイツの作曲家は前衛音楽を避け、社会主義リアリズムの原則に沿った音楽を作曲するように勧められていた。^{[ 8 ]}この様式で書かれた音楽は、党の政治を推進するとともに、より万人に親しみやすいものになるはずだった。^{[ 9 ]}ハンス・アイスラーとエルンスト・ヘルマン・マイヤーは、東ドイツの第一世代の作曲家の中で最も有名な人物の一人である。

近年では、ヘルムート・ラッヘンマンやオルガ・ノイヴィルトといった作曲家たちが、拡張奏法の可能性を幅広く探求してきた。ハンス・ヴェルナー・ヘンツェは、より叙情的なアプローチを好み、ダルムシュタット楽派から大きく距離を置いたが、おそらくドイツで最も高く評価されている現代作曲家と言えるだろう。彼は1950年代から2012年に亡くなるまで国外に住んでいたが、ドイツの音楽的伝統の影響を受け続けていた。

バイエルン民謡は、ドイツ国外で最もよく知られている民謡の一つと言えるでしょう。ヨーデルやシュープラットラーといったイメージは、ドイツの民俗生活を象徴する典型的なイメージですが、現在ではこれらは最南端の地域にしか見られません。バイエルン民謡はアルプス・ニューウェーブにも影響を与え、伝統的なバイエルンのサウンドと外国のスタイルを融合させた、先駆的なワールドミュージックグループを数多く生み出してきました。

20世紀初頭、ヨーロッパ全土、特にバイエルン地方では、多くの人々が文化的な伝統の喪失を懸念するようになりました。この考えは、地域固有のアイデンティティと境界を守ろうとする郷土保護運動（ハイマーツシュッツ）と結びついていました。現代ドイツでバイエルンの民謡とみなされているものは、20世紀初頭のバイエルンの民謡とは異なります。あらゆる民謡やポピュラー音楽と同様に、スタイルや伝統は時代とともに変化し、新たな音楽形態を生み出してきました。

バイエルン地方におけるフォルクスゼンガー（民衆歌手）の人気は1880年代に始まり、1920年代まで本格的に続いた。デュエット、アンサンブル、ユーモア、パロディなどで構成されるショーが人気だったが、第一次世界大戦後、その形式は大きく変化し始めた。 「シュナイツロイトの美人コンテスト優勝者」バリー・プレルはこの変化を象徴する存在だった。彼女はリート、シャンソン、オペラ、オペレッタを歌う魅力的なテノール歌手だった。

シュヴァーベン地方の民謡は、ザイテン・フェルやフィルレファンツといったグループ、そしてシンガーソングライター（兼ハーディガーディとギターの演奏家）のトーマス・フェルダーによって最もよく代表されている。

英語でよく知られているクリスマスキャロルの中には、ドイツのクリスマスソング（Weihnachtslieder）の翻訳版があります。牧歌的なWeihnachtsliederは、 Hirtenlieder （羊飼いの歌）と呼ばれることもあります。よく知られている例としては、エルンスト・アンシュッツが編曲したドイツ民謡の「 O Tannenbaum 」（「おおクリスマスの木」）、オーストリアのフランツ・クサヴァー・グルーバーとヨーゼフ・モールによる「きよしこの夜」（「静かな夜、聖なる夜」）、そしてザルツブルク地方のオーストリア民謡で、1819年のズュースのメロディーを基に、G.ゲッチュが時代と場所によって若干変更を加えたオリジナルの歌詞をつけた「 Still, still , still」があります。^{[ 10 ]}

ドイツのポップミュージックの最初の形態はキャバレー音楽だと言われており、これは1920年代のヴァイマル共和国時代に、深夜クラブの官能的な音楽として誕生した。マレーネ・ディートリッヒやマルゴ・リオンは、この時代の最も有名なパフォーマーであり、ユーモラスな風刺と自由主義的な思想の両方と結びついていた。

ナチス・ドイツにおけるヒトラーユーゲントを通じた厳格な青少年文化の統制は、いくつかの地下抗議運動の出現につながり、それを通して青少年たちはより効果的に独立性を発揮することができた。

その一つは主に上流中産階級の若者たちで構成されており、彼らは自分たちの音楽の好みに基づいて抗議し、党が宣伝していた民族音楽を拒否し、アメリカのジャズ、特にスウィングを選んだ。ロックンロールの歴史が示すように、音楽の好みは若者の反抗の特徴となることが多いが、ジャズ、特にスウィングはナチスの上層部にとって特に不快なものであった。それらは性的な放縦を助長するだけでなく、アメリカの敵、さらに悪いことに、彼らが劣等とみなしていたアフリカ人種と結びついていたからである。一方、ヨーゼフ・ゲッベルスは、ドイツや占領国から職を失った音楽家たちを集めて、 「チャーリー・アンド・ヒズ・オーケストラ」というビッグバンドを結成した。

シュラガーは、ドイツ語で歌われる感傷的なバラードの形式をとることが多い、ボーカルポップミュージックの一種で、1960年代にギッテ・ヘニングやレックス・ギルドなどの歌手によって人気を博したが、そのスタイル内にも幅広いバリエーションが存在する（モダン・シュラガー、シュラガー・ゴールド、フォルクスムジーク、または「フォルクスシュテュムリッヒャー・シュラガー」）。シュラガー／フォルクスムジークは、国際的なポップミュージックとは厳密に区別されており、特別なフォーマットのラジオ局でのみ放送される（国際的なオールディーズとミックスされることもある）。

シュラガーの重要な要素の一つに、フォルクスチュムリッヒェ・ムジーク（民謡）がある。これは、ドイツの伝統的な民謡をシュラガー風に解釈したもので、ドイツ語圏、特に高齢者層の間で非常に人気が高い。

シュラガーには幅広い種類があり、ハイノ、カティア・エプシュタイン、ヴォルフガング・ペトリー、ギルド・ホルン、ローランド・カイザー、ヘレン・フィッシャーなど、他の多くのスタイルのアーティストもいます。

リーデルマッハー（ソングライター）は、洗練された歌詞を持ち、アコースティックギターのみなど最小限の楽器編成で歌われます。中には非常に政治的な内容の曲もあります。これは、アメリカのフォーク／アメリカーナやフランスのシャンソンのスタイルと関連しています。

西ドイツの有名な歌曲家としては、ラインハルト・マイ、クラウス・ホフマン、ハンネス・ヴァーダー、コンスタンティン・ヴェッカーなどが挙げられます。有名な東ドイツの歌曲家はヴォルフ・ビアマンでした。オランダのヘルマン・ファン・フェーンはドイツでも非常に人気がありました。リーダーマッハーのアーティストの中には、子供向けの特別なアルバムを録音している人もいます。

アメリカ軍のラジオ局であるアメリカ軍放送網（AFN）は、ドイツの戦後文化に大きな影響を与えた。 1945年7月にミュンヘンに開設されたAFNミュンヘンは、ドイツのロックやジャズ文化の発展に決定的な役割を果たした。オハイオ州出身で、1953年にフランクフルトのAFNでシニアプロデューサーを務めていたビル・ラムジーは、後にドイツでジャズやシュラガー歌手として有名になった（一方、アメリカではほとんど知られていなかった）。

しかし、1960年代後半以前のドイツでは、ロック音楽はシュラガーというジャンルのごく一部を占めるに過ぎず、ピーター・クラウスやテッド・ヘロルドといった歌手がリトル・リチャードやビル・ヘイリーのロックンロールのスタンダード曲を、時にはドイツ語に翻訳して演奏していた。

真のドイツ・ロックが初めて登場したのは1968年頃で、ちょうどアメリカとイギリスでヒッピーのカウンターカルチャーがピークを迎えていた時期だった。当時、ドイツの音楽界の前衛は10年以上前から電子音楽を実験しており、最初のドイツのロックバンドは海外のサイケデリック・ロックと電子音を融合させた。その後数年間で、クラウトロックやコズミック・ミュージックと呼ばれるバンド群が結成された。その中には、後にワールドミュージックのパイオニアとなるアモン・デュール、タンジェリン・ドリーム、ポポル・ヴー、カン、ノイ！ 、ファウストなどが含まれる。

ノイエ・ドイチェ・ヴェレ（NDW）は、1970年代半ばから後半にかけて登場したイギリスのパンク・ロックとニュー・ウェーブの流れを汲む音楽ジャンルである。ドイツ独自のポップ・ミュージックとしては初めて成功を収めた形態と言えるが、そのスタイル上の特徴（ユーモラスな歌詞、シュールな構成と演出）には限界があった。1980年代にはドイツ国内で大成功を収めたものの、過剰な商業化が原因で長続きしなかった。ネーナ、トリオ、ファルコ（オーストリア出身）、ヨアヒム・ヴィットなど、国際的に有名になったアーティストもいる。

1980 年代と 1990 年代には、ドイツ語のポピュラー音楽のほとんどは男性のソロ アーティストによって歌われていました。非常に人気のある歌手は、ウド・ユルゲンス、ウド・リンデンベルグ、ヘルベルト・グレーネマイヤー、マリウス・ミュラー＝ウェスタンハーゲン、ピーター・マファイ、BAPなどです。

ウド・ユルゲンスは1960年代後半から根強い人気を誇り、2012年のコンサートでもサッカースタジアムを満員にした。グローネマイヤーも今日までその成功を維持している。マッファイはシュラガーからロックへと転向し、ファン層は大きいものの限定的で、ラジオで彼の曲が流れることはめったにない。故郷ケルンのケルン語で歌うBAPは、全国的な人気を博している。

ハンブルガー・シューレ（ハンブルク音楽学校）は、1980年代後半に始まり、1990年代半ば頃まで活動していたアンダーグラウンド音楽ムーブメントです。ノイエ・ドイチェ・ヴェレと同様の伝統を持ち、パンク、グランジ、実験的なポップミュージックを融合させた音楽スタイルが特徴です。ポストモダン理論や社会批判を取り入れた知的な歌詞も特徴です。代表的なアーティストとしては、Blumfeld、Die Sterne、Die Goldenen Zitronen、Tocotronicなどが挙げられます。

1970年代初頭までに、西ドイツの実験的なロック・スタイルは東ドイツに伝わり、オストロックと呼ばれる東ドイツのロック・ムーブメントの形成に影響を与えた。鉄のカーテンの向こう側では、これらのバンドは西側よりもスタイル的に保守的で、より控えめなエンジニアリングを用い、より古典的で伝統的な構造（ 1920年代のベルリン劇場の歌曲でクルト・ヴァイルとベルトルト・ブレヒトが発展させたものなど）を取り入れることが多かった。これらのグループは、間接的な二重の意味を込めた詩的な歌詞や、現状に対する深い哲学的挑戦を特徴とすることが多かった。そのため、これらはクラウトロックの一種であった。これらのバンドの中で最も有名なのは、ザ・プーディーズ、カラット、シティ、シュテルン・コンボ・マイセン、シリーである。

シティの「Am Fenster」やカラトの「Über sieben Brücken mußt Du geh'n」など、ごく一部の楽曲だけが東ドイツ国外で広く人気を博した。また、アンダーグラウンド・バンドも多種多様だった。このシーンから、後に国際的に成功を収めるバンド、ラムシュタインが誕生した。

1990年代には、ドイツ語圏のグループの人気は限られており、ラジオで曲が流れることができたアーティストはごくわずかで、例えばネーナ、ヘルベルト・グローネマイヤー、マリウス・ミュラー＝ヴェスターンハーゲン、ディー・エルツテ、ラムシュタイン、ローゼンシュトルツ、ディー・プリンツェンなどが挙げられる。

2000年代半ば、ドイツのバンド、Wir sind Heldenは、ドイツ語のポップロックという新しいスタイルで成功を収めた。この成功に続き、他の多くのバンドやアーティストも活躍し、ドイツ語音楽の新たなブームと、既存のドイツ語圏のレコーディングアーティストに対するより幅広い受容へとつながった。

1980年代後半（ドイツ再統一前）から1990年代にかけて、シンセポップとユーロダンスがドイツ全土で人気を博した。幅広い層の聴衆を惹きつけるため、これらのジャンルの間に様々なスタイルが融合されることも多かった。

ヒップホップは1980年代初頭にドイツに伝わり、グラフィティやブレイクダンスは、社会主義体制下の東ドイツでさえも急速に広まった。^{[ 11 ]}ドイツのヒップホップは、国境を越えた若者のサブカルチャーとして始まった。^{[ 12 ] [ 13 ]}商業的な成功は、1992 年にシュトゥットガルトのDie Fantastischen Vierのヒット曲「Die Da」で始まった。Rödelheim Hartreim Projekt は「ギャングスタ」ラップを確立しようとした。初期の影響力のあるグループは、Torchを含むAdvanced Chemistryだった。彼らは移民のために声を上げることへの関心を喚起し、ラップを自分たちを守る手段として使った。^{[ 14 ] [ 15 ]}ハンブルクのFettes Brot は結成当初から成功している。彼らは不倫や女性に対する腕前を自慢するなど、面白い話題について歌っている。ヒップホップは 21 世紀の最初の 10 年で成功のピークを迎えたが、ギャングスタ ラップはAggro Berlinの登場により 2004 年になってようやくドイツの音楽と若者文化の論争の的となった。

ドイツのパンク音楽には、長く多様な歴史がある。セックス・ピストルズやザ・クラッシュといったバンドが西ドイツで人気を博すと、多くのパンクバンドが結成され、ドイツのパンクシーンが誕生した。初期のバンドには、 1976年にデュッセルドルフで結成されたMale、西ベルリンのPVC、ハンブルクのBig Balls and the Great White Idiotなどがあった。初期のドイツのパンクグループはイギリスのバンドから大きな影響を受けており、歌詞は英語で書かれることが多かった。主な違いは、ドイツのパンクバンドはまだ政治的なメッセージを発信していなかったことである。

1970年代後半から1980年代初頭にかけて、ハンブルクのZickZack Recordsなどのレーベルに率いられたドイツのパンクシーンに新たな動きが生じた。この時期に、アルフレッド・ヒルズベルクによってNeue Deutsche Welle（ニュー・ジャーマン・ウェーブ）という用語が造語された。これらのバンドの多くは、シンセサイザーやコンピューターを多用した実験的なポストパンクを演奏した。その中には、ハンブルクのThe Nina Hagen Band 、 Fehlfarben、Abwärtsなどがある。両バンドとも、スタイルを何度か変えているものの、現在も活動している。他のバンドは、Ton Steine Scherben ^{[ 16 ]}のような初期の政治的ロックバンドの影響を受けた、明確な左翼的政治方向性を持つ、より攻撃的なスタイルのパンクロックを演奏した。Slime ^{[ 17 ]}、Toxoplasma、Vorkriegsjugend ^{[ 18 ] [ 19 ]} などのバンドは 、現在もドイツのパンクシーンで重要な存在である。地元でしか知られていない多くのインディーズバンドが、より大きく人気のあるグループ（しばしば「コマーツパンク」と呼ばれる）から距離を置いているシーンは今も存在している。^{[ 20 ]}

パンクロックは東ドイツで非合法化されていた。シュライム・カイムやラテンタットのようなバンドはシュタージに監視され迫害され、公の場で演奏することができなかった。^{[ 21 ]}音楽はアンダーグラウンドで制作され、テープで交換された。「シュライムカイム」と「ツヴィッチャーマシーネ」のスプリット・ヴァイナルをリリースする試みは、後者が政府機関によって価格が引き下げられたため失敗に終わった。^{[ 22 ]}

スキンヘッドも聴く非政治的なパンクロックはOi!と呼ばれている。テーマ的には、Oi!の曲はアルコール、人間関係、暴力について歌っていることが多い。LoikaemieのようなOi!バンドの中には反ファシストの歌を歌ったものもあるが、ネオナチの影響を受けたケースも多く、Oi!シーン内では右翼過激派ロックミュージック（「Rechtsrock」）との境界線が曖昧になっている。^{[ 23 ]}

ドイツ語圏で長期間成功を収めたバンドは少ない。最も有名なのはパンクバンドのDie ÄrzteとDie Toten Hosenである。どちらも1980年代初頭に結成されたが、パンクに対するアプローチは大きく異なっている。セールス数やアルバムの1位獲得数ではこの2つのバンドに匹敵するほどの成功を収めたが、右翼政治との関連から一般大衆にはあまり受け入れられず、ドイツのメディアでは通常放送されないものの、熱狂的なファンコミュニティを持つOi!バンドのBöhse Onkelzも存在する。^{[ 24 ]}

ドイツはヘヴィメタルにおいて長く力強い歴史を持つ国であり、ヨーロッパにおけるヘヴィメタルシーンへの貢献度も非常に高いと広く認識されている。このジャンルはドイツ国内で非常に人気が高く、主流となっている。初期のハードロック／ヘヴィメタルは、スコーピオンズやアクセプトの成功によってドイツにもたらされた。現在、ドイツはヴァッケン・オープン・エアやサマー・ブリーズ・オープン・エアといった大規模なメタルフェスティバルで知られている。

ドイツにはスピードメタルとパワーメタルの強い伝統があり、Helloweenは「パワーメタルの父」とみなされている。^{[ 25 ]}他の初期のスピードメタルバンドには、Running Wild、Grave Digger、Rage、そしてある程度はWarlockとStormwitchがある。ドイツで発展したヨーロッパスタイルのパワーメタルは、Blind Guardian、Gamma Ray、Freedom Call、Iron Savior、Avantasia、Edguy、Primal Fearなどのドイツのバンドによって普及し、国際的な認知を得た。多くの場合、これらのバンドは最初はスピードメタルを演奏していたが、後にパワーメタルに切り替えた。最近では、Masterplan、Orden Ogan、Kissin' Dynamite、Powerwolfなどのパワーメタルに影響を受けた新世代のバンドが、ドイツ国内外でますます人気を集めている。

ランニング・ワイルドは、1987年にリリースしたアルバム『アンダー・ジョリー・ロジャー』で、海賊をテーマにしたヘヴィメタル・アルバムの先駆けの一つとして、海賊メタルというジャンルのパイオニアとも考えられている。

ドイツには、メタルサブジャンルの3つの地域的なバリエーションが存在する。テュートニック・スラッシュメタルシーンは、 Kreator、Sodom、Destruction、Tankard、Exumerなどのグループによって代表される。メディーバルメタルは、ドイツの伝統音楽とインダストリアルメタルを融合させたものである。注目すべきバンドには、 Subway to Sally、In Extremo、Corvus Corax、Saltatio Mortis、Schandmaulなどがある（最後のバンドはドイツではフォークロックとみなされている）。

メタルコア

ドイツはポストハードコアやメタルコアシーンの主要な開催地であり、世界中からバンドが出演するさまざまなフェスティバルやツアーが開催されてきました。ドイツ出身のバンドには、Our Mirage、Annisokay、Rising Insane、Caliban、From Fall to Springなどがあります。Rock am Ringはラインラント＝プファルツ州ニュルブルクのニュルブルクリンク・サーキットで開催され、その対となるRock im Parkはバイエルン州ニュルンベルクのツェッペリンフェルトで開催されます。Full Force は、ザクセン州レーブニッツで6 月末から 7 月初めにかけて開催されるもう一つの大規模イベントです。ハンブルクでは、毎年Elbriotが開催され、クックスハーフェンでは、 7 月と 8 月にDeichbrand が開催されます。夏には、バイエルン州ディンケルスビュールでSummer Breeze Open Airフェスティバルが開催されます。シュレースヴィヒ＝ホルシュタイン州ヴァッケンでは、8月の最初の週末にヴァッケン・オープン・エア・フェスティバルが開催されます。ドイツはまた、春にヨーロッパ各地で開催されるヨーロッパ全土を巡るインペリコン・ネバー・セイ・ダイ！ツアーの発祥地でもあります。インペリコンはライプツィヒに直営店も構えていました。

ノイエ・ドイチェ・ヘルテ

ノイエ・ドイチェ・ヘルト（英語: 「ニュー・ジャーマン・ハードネス」）は、ドイツで非常に人気のあるインダストリアル・メタルの一種を指す言葉です。メタルの一般的なサウンドに、ゴシックやインダストリアル・ミュージックの要素、電子音のサンプルを組み合わせたもので、主にドイツ語で歌われます。陰鬱で挑発的な歌詞のテーマと、火、花火、スタント、その他の特殊効果を駆使した派手なステージショーで知られています。メタルシーンとゴスシーンの両方からファンを獲得しています。ラムシュタインやオムフ！などのバンドはメインストリームで成功を収めており、歌詞のほとんどがドイツ語であるにもかかわらず、ドイツ語圏以外の国でも成功を収めています。その他の有名なアーティストには、シュタールハンマー（オーストリア出身）、メガヘルツ、ウンハイリヒ、アイスブレッヒャー、タンツヴット、ヨアヒム・ヴィットなどがいます。

ドイツは活気あふれるゴスシーンの本拠地であり、ゴスミュージシャンとして知られる多様なジャンルのミュージシャンが数多く存在する。特に有名なアーティストとしては、Lacrimosa、Lacrimas Profundere、Xmal Deutschland、Das Ich、Deine Lakaien、Illuminate、Untoten、Erben der Schöpfung（リヒテンシュタイン出身）、No More、Girls Under Glass、Project Pitchforkなどが挙げられる。ライプツィヒでは、このサブカルチャーの世界最大規模のイベントであるWave-Gotik-Treffen（ WGT）が開催され、毎年2万5千人が参加する。WGTに次いで、ヒルデスハイムでは毎年M'era Lunaフェスティバルが開催される。

ノイエ・ドイチェ・トーデスクンスト（英語: 「ニュー・ジャーマン・デス・アート」）は、ドイツの死に執着するダークウェーブ・スタイルの音楽で、デスロック、ジャーマンロック、ゴシックロック、新古典音楽をドイツの哲学テキストや演劇的なステージショーと融合させたものです。1990年代初頭にDas Ich、Lacrimosa、Relatives Menschsein、Goethes Erbenなどのバンドからドイツ国内で出現し、その活動範囲はドイツに限られています。NDTのアーティストの多くは、古典ラテン語の使用で知られています。

ドイツは世界最大の電子音楽シーンを擁し、電子音楽のほぼすべてのジャンルにおいて長い伝統と影響力を持っています。バンドKraftwerk は、世界で初めて完全に電子機器で音楽を作ったバンドの 1 つです。また、バンドTangerine Dreamは、後にトランス音楽に影響を与えることになる電子音楽の「ベルリン スクール」の創始者および主要な影響者の 1 つとしてよく挙げられます。Liaisons Dangereuses、Deutsch Amerikanische Freundschaft、Die Kruppsなどの他のバンドは、後にエレクトロニック ボディ ミュージックと呼ばれるスタイルを作り出しました。最近では、 Monika Kruse、Marusha、Blümchen、MIAなどのエレクトロニカ アーティストがメインストリームで成功を収めています。ドイツ語のテクノの最先端を行くアーティストにはKleeなどがいます。アインシュテュルツェンデ・ノイバウテン（直訳すると「崩壊する新しい建物」）とKMFDM（直訳すると「多数派に同情なし」）は、多くのインダストリアル・ミュージックやエレクトロニック・ミュージックのファンから、それぞれのジャンルのゴッドファーザーとみなされている。彼らのサウンドは、NIN、マリリン・マンソン、ラムシュタイン、ニュー・オーダーといったグループの現代的なスタイルを発展させた。アインシュテュルツェンデ・ノイバウテンは、プリンス風のロゴで知られており、そのロゴは、ウィリアム・フリードキン監督、ハリー・コニック・ジュニア主演の映画『バグ』のタトゥーなど、アメリカの主流映画に潜在意識的に取り入れられている。KMFDMは英語の楽曲を多数リリースしており、アメリカや世界中の膨大なファンに親しみやすい存在となっている。

1990年代、ドイツはユーロダンスというジャンルに最も貢献した国の1つであり、 Real McCoy、Snap!、Culture Beat、La Bouche、Captain Jack、Captain Hollywood Project、Fun Factory、Masterboy 、 Haddawayといったドイツを拠点とする著名なアーティストが活躍した。

トランスミュージックは、ドイツ統一後の1980年代後半から1990年代初頭にかけてドイツで生まれたエレクトロニックミュージックのスタイルです。ドイツにおけるトランスミュージックの発展に伴い、多くのトランスジャンルがオリジナルのトランスミュージックから派生し、そのほとんどがドイツで発展しました。特に有名なのは、「アンセムトランス」（「アップリフティング」または「エピック」トランスとも呼ばれる）、プログレッシブトランス、そして「アンビエントトランス」です。

クレズマーは、主に器楽曲で構成されるユダヤ音楽のジャンルです。ドイツでは、1980年代半ばのベルリンの壁崩壊後、クレズマーは大きく拡大しました。^{[ 28 ]}クレズマーが拡大するにつれて、イディッシュ民謡運動も拡大し、この2つのジャンルはある程度絡み合うようになりました。1980年代、クレズマーが驚異的な成長を遂げる中、東ヨーロッパの多くのユダヤ人は、共産主義の背景を理解し、ホロコーストを経験した人々への追悼を示す手段としてクレズマーに目を向けました。 1980年代にクレズマーのグループがヨーロッパ以外でツアーを始めると、アメリカ人はすぐにこの音楽ジャンルに興味を持つようになりました。ヘンリー・サポズニックは、ヨーロッパ中をツアーしたカペリエとして知られる最初のアメリカ人クレズマーバンドを結成しました。^{[ 28 ]}アメリカ人がクレズマーを演奏するようになったことで、このジャンルに新しいトーンがもたらされ、多くの聴衆を魅了しました。クレズマーを演奏するアメリカのグループの多くは、演奏にアメリカンロックの要素を取り入れており、これは東ヨーロッパの伝統的なクレズマーのサウンドとは異なっていた。ドイツでは過去に起きたトラウマのため、多くのアメリカのクレズマーバンドにとって、ドイツで演奏することは当初は居心地の悪いものだった。しかし、ドイツのこうした背景にもかかわらず、クレズマーの人気を考えると、アメリカのクレズマーバンドはドイツで演奏しなければならない場所だと認識していた。時が経つにつれ、ドイツにおけるクレズマーの聴衆は拡大し、アメリカのクレズマーバンドも順応していった。

ギオラ・フェイドマンは、間違いなく最も影響力のあるクレズマー音楽家の一人である。フェイドマンはクレズマーに新たな視点をもたらし、この音楽ジャンルをどのように見て評価すべきかについて新たなイデオロギーを共有した。フェイドマンは、ホロコーストと彼自身および彼のスタイルを結びつけたミュージカル劇「ゲットー」での活動で大きな人気を得た。 ^{[ 28 ]}彼は、ホロコーストの記憶と、ホロコーストによって引き起こされたトラウマを「癒す」方法に焦点を当てたクレズマー音楽に新たなテーマをもたらした。フェイドマンはクレズマーを個人的な表現形式に変え、クレズマーを通してすべての人々（特にユダヤ人とドイツ人）とすべてのものを結びつけようとした。^{[ 28 ]}彼はクレズマーのイデオロギーを完全に変え、クレズマーがあらゆるものの中にあり、宗教に触れ、神とコミュニケーションをとる方法にさえなることを説明した。^{[ 28 ]}しかし、フェイドマンは自分のイデオロギーを行き過ぎてクレズマーを本来の目的とは異なるものに変えてしまったと考える人もいる。

1980年代にはクレズマー音楽は大きな変貌を遂げ、1990年代半ばから後半にかけては新たな変化の波に見舞われた。クレズマー音楽は、その起源から遠く離れた様々な潮流の名称となった。クレズマー音楽は、政治的な表明、癒しの方法、アマチュア音楽家が集まって演奏すること、失われた伝統と再び繋がる方法として知られるようになった。^{[ 28 ]}