シンガーソングライター

シンガーソングライターは、歌詞やメロディーを含む独自の楽曲を作詞、作曲、演奏するミュージシャンです。アメリカ合衆国では、このカテゴリーはギターを使ったフォークアコースティックの伝統に基づいていますが、^{[1]この役割は}ポピュラー音楽のさまざまな時代を通じて変化してきました。伝統的に、これらのミュージシャンは個人的に曲を書いて歌います。シンガーソングライターは、曲全体の唯一の伴奏を提供することがよくあります。ピアノも選択肢の楽器です。

21 世紀初頭、GarageBandやその他のソフトウェアプログラムなどのさまざまなデジタル制作ツールが、シンガーソングライターによって音楽を作曲したり、メディアを強化するオーディオ エンジニアとして働いたりするために使用され始めました。

「シンガーソングライター」（または「ソングライター/シンガー」^[2]）という呼称は、レコード会社や評論家が、自分で曲を書いて演奏するポピュラー音楽アーティストを定義するために使用している。多くの場合、アコースティックギターやピアノで伴奏する。^{[3]このようなアーティストは、}作曲家、作詞家、ボーカリスト、時には楽器奏者、そして多くの場合は自分でマネージャーを 務める。 ^[4] AllMusicによると、シンガーソングライターの歌詞は個人的な内容が多いが、手の込んだ比喩や漠然としたイメージで覆い隠されており、彼らの創作上の関心は、演奏よりも曲そのものに重点を置くことにある。このようなアーティストのレコードのほとんどは、同様に率直で簡素なサウンドで、曲そのものに重点が置かれている。^[5]

この用語は、ヘンリー・ラッセル（ 1812年 - 1900年）、アリスティド・ブリュアン（1851年 - 1925年）、ハンク・ウィリアムズ（ 1923年- 1953年）、バディ・ホリー（1936年 - 1959年）など、ロック、フォーク、カントリー、ポップミュージックのジャンルのソングライターにも当てはまる。1949年以降に録音された「シンガーソングライター」というフレーズ^{[6]は、1960年代以降[7]}に一般的に使用されるようになり、特に歌詞の内省、告白的な作詞、穏やかな編曲、控えめな演奏スタイルなど、特定のスタイルやテーマの慣習に従うソングライターを表すようになった。^[8]作家のラリー・デイヴィッド・スミスによると、シンガーソングライター現象の人気は、作曲家、作家、歌手の役割を融合させたため、ティン・パン・アレーの時代以降、アメリカのポピュラー音楽に中世の吟遊詩人の「有名人を起用した歌」の伝統を再導入した。^[9]アメリカのフォーク音楽復興期のシンガーソングライターの歌のテーマには、ウディ・ガスリー（1912年 - 1967年）やピート・シーガー（1919年 - 2014年）の場合のように、政治的抗議が含まれている。^[10]ポピュラー音楽研究ジャーナルによると、フォーク音楽復興期からポップミュージックに定着するまで、シンガーソングライターの役割には創造的アイデンティティのいくつかの次元が関わっている。

最初の美的層は、作詞家が自分の作品を歌い、演奏し、歌詞に自分の文体の趣を吹き込むことを奨励する。作詞家は、作品が完成した後も作品から独立しているわけではなく、むしろ、歌唱と演奏を通じて歌詞に入り込み、それを活性化し、認証する。最初の層では、必ずしも歌手が作詞家である必要はないが、2番目の社会学的層は、歌手と作詞家との関係に固執するだけでなく（この場合、シンガーソングライターは、歌手と作詞家の間にスラッシュを使用する代わりにハイフンでつながれることが多い）、編曲、ミキシング、プロデュース、コラボレーション、メディア管理など、歌唱と作詞以外のより社会学的な行為も求める。言い換えれば、シンガーソングライターは、文体のペルソナを演じること、他の声を集めること、他の社会学的スキルを調整することなど、2層の声が関わる厚みを増すプロセスを経る。この厚みを増すプロセスは、単一の作者のイメージの下にある流動的で多様な声を示しており、シンガーソングライターの作者の概念を複雑にしています。^[11]

シンガーソングライターという概念は、世界中にさまざまな形で存在してきた古代吟遊詩人の口承の伝統にまで遡ることができます。詩は、時にはハープなどの楽器を伴奏に、聖歌や歌として演奏されました。印刷の発明後、歌はバラッド売りによって書かれ、演奏されました。通常、これらは既存の曲調と歌詞のバージョンであり、常に進化していました。これが、民俗文化のシンガーソングライターの伝統へと発展しました。

ヨーロッパ全土に旅芸人がいた。民俗学者アナトール・ル・ブラスは、 19世紀後半にブルターニュ地方を旅しながら歌を書き、演奏し、印刷版を販売したヤン・アル・ミヌーズというバラード歌手について詳細に記述している。^[12]

大都市では公共の場で演奏して生計を立てることが可能であり、蓄音機の発明により、セオドア・ボトレル、ジョージ・M・コーハン、ハンク・ウィリアムズなどの初期のシンガーソングライターが有名人となり、ラジオによって彼らの認知度と人気はさらに高まりました。

1940年代から1960年代にかけて、アメリカのフォークミュージックの復興に刺激を受けて、伝統的なフォークミュージックに触発された若い演奏家や、アルマナック・シンガーズやウィーバーズなどのグループが、独自のオリジナル曲を書き、演奏し、独自の音楽アレンジを作り始めました。^[13]

21世紀初頭、デジタルオーディオワークステーションGarageBandは、多くの志望シンガーソングライターによって作曲や録音に利用されてきました。^[14] GarageBandを使用してプロとして音楽を作曲したシンガーソングライターには、エリカ・バドゥ（2008年のアルバムNew Amerykah Part One）^[15]やビラル（2010年のアルバムAirtight's Revenge）^{[16]などがいます。}

北米における「シンガーソングライター」という用語は、ブルースやフォークミュージックのスタイルで作品を制作した歌手にまで遡ることができます。20世紀初頭から中期のアメリカのシンガーソングライターには、リードベリー^[17] 、ジミー・ロジャース^[18]、 ブラインド・レモン・ジェファーソン^[19] 、Tボーン・ウォーカー^{[20]、ブラインド・ウィリー・マクテル[21]、ライトニン・ホプキンス[22]、サン・ハウス[23]、ロバート・ジョンソン[24]} などが^い ます。^[ 25 ] ¹⁹⁴⁰年代と1950年代^には、ハンク・ウィリアムズ[26]、ウディ・ガスリー^[27]、ピート・シーガー^[28]などのカントリー・シンガーソングライターがよく知られるようになりました。また、ロニー・ギルバート、リー・ヘイズ、ウィーヴァーズの他のメンバーも、時事的な作品をますます幅広い聴衆に向けて演奏しました。^[28]これらの初期のシンガーソングライターは、今日のシンガーソングライターほど、音楽や歌詞の純粋な独創性にこだわらず、ためらうことなく他の曲から一部を引用したりカバー曲を演奏したりした。時事的な歌 (その日の特定の問題に関する歌、たとえばリードベリーの「ジム・クロウ・ブルース」やガスリーの「デポルティー（ロス・ガトスの飛行機事故）」など) を書く伝統は、このグループのミュージシャンによって確立された。シーガーやガスリーのような歌手は労働組合の集会に出席し、労働者階級の生活や社会抗議に関する歌を多く書いた。ジョシュ・ホワイト、シスコ・ヒューストン、マルヴィナ・レイノルズ、アール・ロビンソン、ユアン・マッコール、ジョン・ジェイコブ・ナイルズ、ドック・ワトソンなどのフォークシンガーも同様であり、ジョンソンやホプキンスなどのブルース歌手は個人的な人生経験に関する歌を書いた。社会問題に焦点を当てることは、シンガーソングライターのジャンルに大きな影響を与えました。さらに、1930年代から1950年代にかけて、ホーギー・カーマイケル、ビリー・ホリデイ、レイ・チャールズ、ハリー・ギブソン、ペギー・リー、ニーナ・シモンなどのジャズやブルースのシンガーソングライターが登場し、ロックンロールのジャンルでは、ジェリー・リー・ルイス、バディ・ホリー、チャック・ベリー、ロイ・オービソンなどの影響力のあるシンガーソングライターが登場しました。サム・クック、リッチー・ヴァレンス、ポール・アンカなど。カントリーミュージックの分野では、ハンク・ウィリアムズ、パッツィー・クライン、タミー・ワイネット、ロレッタ・リン、ジョージ・ジョーンズ、マール・ハガード、ロジャー・ミラー、ビリー・エド・ウィーラーなどのシンガーソングライターが1940年代から1960年代にかけて登場し、恋愛関係やその他のテーマについて説得力のある曲を書くことが多かった。

英語圏の北米とイギリスでシンガーソングライターが初めて一般に認知されたのは、ブルース、フォーク、カントリーに影響を受けたミュージシャンが次々と台頭し人気を博した1960年代から1970年代初頭である。これらのシンガーソングライターには、ボブ・ディラン、ニール・ヤング、ジョン・レノン、ヴァン・モリソン、ウィリー・ネルソン、ポール・サイモン、レナード・コーエン、アルバート・ハモンド、ゴードン・ライトフット、ジョニ・ミッチェルなどがいる。主にソングライターだったアーティスト、特にキャロル・キング、タウンズ・ヴァン・ザント、ニール・ダイアモンドも、パフォーマーとして作品を発表し始めた。これまでのカントリーやフォークミュージックのストーリーテリングのアプローチとは対照的に、これらのパフォーマーは典型的には非常に個人的な（多くの場合一人称）内省的な視点から曲を書いた。 「告白的な」や「繊細な」という形容詞は、シンガーソングライターのスタイルを表現するのに（時には嘲笑的に）よく使われました。

ロックバンドの時代、メンバーは厳密にはソロ活動のシンガーソングライターではなかった。しかし、多くは他のバンドメンバーと一緒に曲を作ったシンガーソングライターだった。例としては、ポール・マッカートニー、ジョン・レノン、ジョージ・ハリスン、リンゴ・スター、ブライアン・ウィルソン、ミック・ジャガー、キース・リチャーズ、ジェリー・ガルシアとボブ・ウィアー、エルトン・ジョン（バーニー・トーピンと）、ジャスティン・ヘイワード、ジョン・ロッジ、ロビー・ロバートソン、イアン・アンダーソン、フィル・コリンズ、ピーター・ガブリエル、ピーター・フランプトン、ドン・ヘンリー、グレン・フライ、カントリー・ジョー・マクドナルド、バリー・メルトンなどが挙げられる。エリック・クラプトンなど他の多くの人も、後年シンガーソングライターとして成功した。

ウディ・ガスリーやピート・シーガーが先駆けとなったアメリカのフォーク音楽復興から生まれたこのシーンは、 1960年代初頭に一大ムーブメントに成長し、ジョーン・バエズとその弟子ボブ・ディランによって普及した。ボブ・ディランはヒット曲「風に吹かれて」（1963年）で主流の聴衆に届き始め、 「プロテスト・ソング」をより幅広い聴衆に届けた。^[29]相互影響の兆しはあったが、ロックとフォーク音楽は大部分が別々のジャンルのままであり、聴衆も異なることが多かった。^[30]フォークとロックの要素を融合させようとする初期の試みは、ロックンロールの楽器で録音されたフォークソング、アニマルズの「ハウス・オブ・ザ・ライジング・サン」（1964年）に顕著であった。^[31]

1960 年代半ばまでに、ボブ ディランはフォークとロックの融合を先導し、1965 年 7 月に、安っぽい都会のイメージに浸った革命的なロック サウンドの「ライク ア ローリング ストーン」をリリースし、その月の終わりにはニューポート フォーク フェスティバルで素晴らしいパフォーマンスを披露しました。ディランは、シンガー ソングライターの世界に全世代を巻き込みました。詩はロックのリズムとエレクトリック パワーで強調され、都会的な視点から書かれることが多く、フォークとロックを融合させたディランの手法により、新進気鋭のシンガー ソングライターは両方の伝統の要素を使って自分たちのストーリーを語れるようになりました。1960 年代半ばから後半にかけて、バンドやシンガー ソングライターがニューヨークのアンダーグラウンド アート/音楽シーンに急増し始めました。 1967年にリリースされた『ザ・ヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコ』は、シンガーソングライターのルー・リードとドイツの歌手でコラボレーターのニコをフィーチャーしており、2003年にローリングストーン誌によって「史上最も予言的なロックアルバム」と評された。 ^{[32] [33]}

60年代後半、女性シンガーソングライターの新波がポップスの枠を破り、アン・セクストンやシルヴィア・プラスのような詩人の告白的なスタイルで、都会の風景を歌詞のキャンバスとして使った。これらの先駆的な女性たちは、1969年7月のニューズウィーク誌の特集記事「少女たち：手放す：『ジョニ・ミッチェルやロッティ・ゴールデン、ローラ・ニーロ、メラニー、エリーゼ・ワインバーグに共通するのは、彼女たちが書く個人的な曲であり、それは自己発見の旅のようで、鋭い観察力に満ち、詩の影響力は驚くべきものだ。』」^[34]ガーディアン紙で、作家のローラ・バートンは主題の急激な変化について述べている。彼女たちは政治、恋愛、都会の風景、ドラッグ、失望、そして旅回りのパフォーマーの生活と孤独について歌った。^[35] ロッティ・ゴールデンは、アトランティックでのデビューアルバム「Motor-Cycle 」で、1960年代後半のカウンターカルチャー時代のニューヨークのイーストビレッジでの生活を描き、ジェンダーアイデンティティ（ザ・スペース・クイーンズの「Silky is Sad」）や過度の薬物使用（ゴナ・フェイの「Gonna Fay's」）といったテーマを取り上げている。1969年のニューズウィークの記事に登場する女性たちは、現代の女性シンガーソングライターの新時代の先駆けとなり、21世紀に至るまで何世代にもわたる女性シンガーソングライターに影響を与えてきた。 ^[35]ビヨンセの2016年のアルバム「Lemonade」は、詩人のウォーサン・シャイアの影響を受けたもの。^[36]

1970年代半ばから1980年代初めまでに、シンガーソングライターの最初の波は、より一般的なポップやソフトロックの形式に大部分吸収されましたが、シンガーソングライターの伝統を引き継ぐ新しいアーティスト（ビリー・ジョエル、スティーヴィー・ワンダー、ブルース・スプリングスティーン、トム・ペティ、ジャクソン・ブラウン、クリス・アイザック、ビクトリア・ウィリアムズ、ジョン・メレンキャンプ、ウォーレン・ジヴォンなど）が登場し続け、また、ピーター・ケース、ポール・コリンズ、ポール・ウェスターバーグなどのロックやパンクロックのアーティストがソロシンガーソングライターとしてのキャリアに移行しました。ケイト・ブッシュは、独特のスタイルで常に際立った存在であり続けました。

1980年代後半、この用語は、最初のアルバムが予想外に売れたスザンヌ・ヴェガに始まり、トレイシー・チャップマン、メリッサ・エスリッジ、ナンシー・グリフィス、kd・ラング、マライア・キャリー、シャナイア・トゥエイン、サラ・マクラクラン、ショーン・コルヴィン、シェリル・クロウ、リサ・ローブ、ジョーン・オズボーン、インディゴ・ガールズ、そしてトーリ・エイモスなどが、まずイギリスで、次いで母国市場で成功を収めた、主に女性であるアメリカのアーティストのグループに適用された。1990年代初頭には、コートニー・ラブやPJハーヴェイなど、女性アーティストも新しいスタイルで登場し始めた。1990年代半ば後半、この用語は、カナダのアラニス・モリセットと彼女の画期的なアルバム「Jagged Little Pill」の成功により、再び復活した。

また、1980年代と1990年代には、ボノ、ジ・エッジ、デイヴ・マシューズ、ジェフ・バックリィ、リチャード・バローニ、ダンカン・シェイク、エリオット・スミスなどのアーティストが、シンガーソングライターの伝統を借用して、新しいアコースティックベースのロックスタイルを生み出しました。2000年代には、ノラ・ジョーンズ、コナー・オバースト、スフィアン・スティーヴンス、デヴィッド・バザン、サウス・サン・ガブリエル、アイアン・アンド・ワイン、デヴィッド・グレイ、レイ・ラモンターニュ、メグ・ハッチンソン、ダーデン・スミス、ジョシュ・ラウズ、スティーヴ・ミラー、ジョリー・ホランド、パトリック・ダフ、リチャード・バックナー、ジュエル、ジャック・サヴォレッティ、リチャード・シンデル、ジョン・ゴルカ、アンチェ・デュベコットなどのアーティストによる、主に印象派的な歌詞を伴う、より静かなスタイルが登場しました。カート・コバーン、ノエル・ギャラガー、T・ボーン・バーネット、エディ・ヴェダー、ピート・ヨーンなど、新しいジャンルに進出し始めた者もいた。また、精神を変容させて創造性を高める手段として薬物を使用する者もいた。例えば、ホーリー・サンズのエミール・エイモスは16歳から毎日薬物を摂取し、1,000曲以上を書き、インディーズレーベルとレコード契約を結んだ。^[37]

1990 年代後半には、プロ仕様のシステムでの録音が個人でも手頃になりました。これにより、人々が自主的に音楽を録音して販売する機会が生まれました。このようなアーティストは、多くの場合は自主所有のレコード レーベル、またはレーベルを持たないレーベルでレコードをリリースするため、「インディーズ」と呼ばれます。さらに、インターネットはインディーズが自分の音楽をより幅広い聴衆に聴いてもらう手段を提供しました。

フランスの「シャンソン」は、中世以来の古い伝統に由来しています。フランス語のリズムによって動かされています。これは、1960 年代から今日までフランスで広まり始めた、アングロ アメリカン ロック ミュージックとロック バンド時代の文化的影響下にあるフランスの他の「ポップ」ミュージックやソフト ロック形式とは区別できます。

最初の現代フランス人シンガーソングライターは、1938年にソロ活動を始めたシャルル・トレネです。彼はシャンソンにジャズのリズムを取り入れた最初の人物です。第二次世界大戦後（1940年代半ばから1950年代）に新しい世代が創造的に開花するまで、彼は孤立した存在であり続けました。この時代には、レオ・フェレ、ジョルジュ・ブラッサンス、フェリックス・ルクレール（ケベック出身）、セルジュ・ゲンズブール、ジャック・ブレル（ベルギー出身）、アンリ・サルバドール（フランス領ギアナ出身）、シャルル・アズナブール、バルバラなど、対照的で豊かな想像力を持ったアーティストが登場しました。彼らのほとんどは、若い世代のフランス人アーティストから巨匠として認められており、特にフェレ（歌詞の豊かさ、旋律の天才性、社会問題に対する批評的な密度、作品全体の深遠さ）とゲンズブール（フランス語主導のリズムでポップやロックミュージックを明るく上品にアレンジした）が有名です。

1960 年代から 1970 年代にかけて、著名なシンガー ソングライターには、クロード ヌガロ、ジャン フェラ、ボビー ラポワント、フランソワーズ アルディ、フレデリック メイ、ミッシェル ポルナレフ、ニノ フェレール、クリストフ、ベルナール ラヴィリエ、ヴェロニク サンソン、ジャック イジェランなどが含まれます。

Cantautori（イタリア語の複数形、単数形はcantautore）は、英語のシンガーソングライターに相当するイタリア語の表現です。この単語は、cantante（歌手）とautore （作家）を組み合わせた造語です。

最初の国際的に有名なカンタウトーレは、 1958 年に大ベストセラーとなった「 Volare (Nel blu dipinto di blu)」という曲を書いたドメニコ・モドゥーニョでした。50 年代後半にキャリアを始めた他の初期のカンタウトリには、ジーノ・パオリ、ルイージ・テンコ、ウンベルト・ビンディ、ジョルジョ・ガベル、エンツォ・ヤンナッチがいます。

ファブリツィオ・デ・アンドレ、ルチョ・バティスティ、フランチェスコ・グッチーニは60年代にキャリアをスタートし、エドアルド・ベンナート、ルチョ・ダッラ、フランチェスコ・デ・グレゴリ、フランコ・バッティアート、リノ・ガエターノ、イヴァーノ・フォッサッティ、アントネッロ・ヴェンディッティ、クラウディオ・バリオーニ、ピノ・ダニエーレ、ロベルト・ヴェッキオーニ、アンジェロ・ブランドゥアルディ、エウジェニオ・フィナルディはすべて70年代に登場しました。彼らの曲は今日でも人気があり、疎外された人々（デ・アンドレ、グッチーニ、ダラ）や反抗的な人々（フィナルディ、デ・グレゴリ、ヴェンディッティ）、あるいは政治的背景を持つ人々（ヴェンディッティ、グッチーニ）の物語を歌っていることが多い。

ブランドゥアルディは中世やバロックの音楽スタイルに大きく影響を受けており、彼の歌詞は主に古代の寓話にインスピレーションを得ています。バッティアートは1970 年代にプログレッシブ ロックと洗練された音楽アーティストとしてスタートし、1980 年代にはポップ、エレクトロニック、ニュー ウェーブ、ワールド ミュージックを独自に融合したスタイルに移行しました。

ジェノヴァ市にゆかりのあるカヌータウトリ（デ・アンドレ、パオリ、ビンディ、テンコ、バッチーニなど）もジェノヴァ楽派の一員として言及されている。

ナポリの歌姫 ピノ・ダニエーレは、R&B、フュージョン、ブルース、ポップ、ジャズ、タランテラなど多様なジャンルを融合し、イタリア語、ナポリ語、英語などさまざまな言語で歌詞を記した独自のサウンドを生み出した。同様に、パオロ・コンテもしばしば歌姫と呼ばれたが、ジャズの伝統に傾倒していた。

1980年代、ヴァスコ・ロッシはブルース風のロック音楽とイタリアのメロディーを融合させた音楽で有名になった。彼はファンから「唯一のイタリア人ロックスター」（ l'unica rockstar italiana ）というニックネームで呼ばれた。 ^[38]

国際的なサウンドとイタリアの歌詞を融合させたブゴは、2000年代に彼のために作られた造語「ファンタウトーレ」となった。 ^[39]大きな名声を獲得したわけではないが、70年代の政治的な内容から脱却することを目指し、イタリアの作詞作曲の刷新の先駆者とみなされている。^[40]

過去 25 年間、この伝統は主にサムエレ ベルサーニ、カパレッツァ、そしていわゆる「第 2 ローマ流カントートリ」（マックス ガッツェ、ニッコロ ファビ、ダニエレ シルベストリ、シモーネ クリスティッキを含む）によって引き継がれてきました。

この単語は、スペイン語、ポルトガル語、カタロニア語の cantautor、フランス語のchantauteur、マルタ語の kantawtur、ルーマニア語の cantautor、スロベニア語の kantavtorなど、他の言語にも借用されています。

1960 年代から、1950 年代のイタリアのカンタウトリスタイル (ドメニコ モドゥーニョのスタイルなど) に倣って、多くのラテン アメリカ諸国で、さまざまなポピュラー スタイルの要素を取り入れたシンガーソングライターの伝統が生まれました。最初のそのような伝統は、1960 年代半ばに発明されたヌエバ カンシオンで、チリ、ペルー、アルゼンチン、ボリビアなどのアンデス諸国で定着しました。

同じ頃、ブラジルの人気音楽スタイルであるボサノバは、トロピカリスモと呼ばれる政治的な意味合いを持つシンガーソングライターの伝統へと進化しつつありました。ジルベルト・ジルとカエターノ・ヴェローゾという2人の演奏家は、トロピカリスモでの活動を通じてブラジル全土で最も有名な2人となりました。

第二次世界大戦後、イタリアでは非常に多作なシンガー・ソングライター（イタリア語ではカンタウトーレ）の伝統が発展し、当初はフランスのシャンソニエ楽派と結びつきましたが、最近では非常に多様に発展しました。通常、カンタウトーレという用語は歌詞に一貫した社会政治的内容を意味しますが、より包括的なシンガーソングライターの分類における注目に値する演奏家は次のとおりです:ドメニコ・モドゥーニョ、ルイージ・テンコ、ジーノ・パオリ、セルジオ・エンドリゴ、ファブリツィオ・デ・アンドレ、フランチェスコ・デ・グレゴリ、アントネッロ・ヴェンディッティ、ロベルト・ヴェッキオーニ、イヴァーノ・フォッサティ、ルシオ・ダラ、フランチェスコ・グッチーニ、フランコ・バッティアート。

隣国のマルタでは、ウォルター・ミカレフ、マンウェル・ミフスッド、ヴィンス・ファブリが主なシンガーソングライターです。彼らは全員マルタ語で演奏します。

スペインとポルトガルにもシンガーソングライターの伝統があり、ラテンの要素を取り入れていると言われることもあります。カタルーニャは、ジョアン・マヌエル・セラートやリュイス・ラッハに代表されるノヴァ・カンソの伝統で知られています。ポルトガルのフォーク/プロテストの歌手兼ソングライターのホセ・アフォンソは、ノバ・カンサオンと呼ばれる現代化された、より社会意識の高い形式のファドを含む、ポルトガルの民俗文化の復活を主導しました。 1974 年のポルトガルのカーネーション革命の後、ノヴァ カンサンはより政治化され、カント リーブルとして知られるようになりました。もう一人の重要なスペインのシンガーソングライターは、ホアキン・サビナ、ホセ・ルイス・ペラレス、ルイス・エドゥアルド・オーテです。

1960年代後半から1970年代にかけて、シルビオ・ロドリゲスやパブロ・ミラネスのような社会的、政治的意識の高いシンガーソングライターがキューバで登場し、ヌエバ・トローバと呼ばれるジャンルを生み出した。トローバというジャンルはラテンアメリカ全土に広範な影響を与えた。例えばメキシコでは、ユカタン半島のカンシオン・ユカテカやオアハカ州シエラ・フアレスのトローバ・セラーナは、どちらもトローバの地方版である。今日、グアテマラのリカルド・アルホナは、ラテンアメリカで最も商業的に成功しているシンガーソングライターと言える。彼の作品における社会政治的関与はまちまちだが、アルホナのより関与した作品は、彼をイタリアのカンタウトリの伝統に位置付けると考える人もいる。

1970 年代半ば、カント・ポピュラーと呼ばれるシンガーソングライターの伝統がウルグアイで生まれました。

トロピカリズモ、トラディショナルサンバ、ボサノバの影響を受けて、MPB ( Música popular brasileira )、つまりブラジルのポピュラー音楽は、シンガーソングライターを基盤とした音楽になりました。長年、ソロアーティストが、ジョビン風のロマンチックな皮肉や、チコ・ブアルケ風の潜在的な反政府メッセージを掲げて、ブラジルのポピュラー音楽を支配していました。ブラジルの軍事独裁政権が終わった後、ブラジルの音楽は、政治的、社会的に意識が低くなりました。検閲されたラウル・セイシャスやユーモラスなスピリチュアリスト、ホルヘ・ベンは、ファンク・カリオカ、アシェ音楽、ブラジルのディスコに徐々に影を潜めていきました。しかし近年、社会意識の高いブラジルのシンガーソングライターの新人達が、1980年代から支配してきたほぼダンスミュージック一色の勢いを打ち破り始めています ( 「ブラジル音楽」の「ブラジルのフォーク/フォークロック」サブ記事を参照)。

1960年代以降、ソ連の体制外で曲を書いた歌手は「吟遊詩人」として知られている。伝統的に吟遊詩人の歌と呼ばれている最初の曲は、1930年代後半から1940年代前半に書かれたと考えられており、このジャンルの存在自体が、伝統的にソ連の知識階級のアマチュア活動、すなわち1950年代と1960年代の大衆バックパッキング運動と学生歌運動に由来している。多くの吟遊詩人は、ロシアのギターを使って小グループで歌を披露し、他のミュージシャンや歌手の伴奏がつくことはほとんどなかった。しかし、ピアノやアコーディオンを使う吟遊詩人も知られている。人気者になった吟遊詩人は、ささやかなコンサートを開催した。全国的に有名な最初の吟遊詩人（1950年代にキャリアをスタート）は、伝統的にファースト・ファイブと呼ばれている。ミハイル・アンチャロフ、アレクサンダー・ゴロドニツキー、ノヴェッラ・マトヴェエワ、ブラート・オクジャワ、ユーリ・ヴィズボルである。 1960年代には、ウラジーミル・ヴィソツキー、ヴィクトル・ベルコフスキー、ユーリー・キム、その他多くの人物が加わりました。

1970年代には、クラシックな6弦ギターへの移行が起こり、現在では、ロシア製ギターは吟遊詩人にとって珍しい楽器となっている。同時期に、KSP（アマチュア歌謡ファンクラブ）運動が勃興し、吟遊詩人に高度な教養のある聴衆をもたらし、1980年代末まで彼らの主要な宣伝エンジンとなった。吟遊詩人が自分たちの音楽を録音することはめったに許されなかったが、その理由の一部には多くの歌が政治的な性質のものであったこと、また一部にはソ連の厳格に組織化された国家支援のショービジネス体制における吟遊詩人の地位が曖昧であったことが挙げられる。その結果、吟遊詩人の曲は、特に政治的な性質の歌については、口伝えで伝えられたり、コンサートで行われたアマチュア録音（マグニティズダットと呼ばれることもある）のコピーを通じて広まったりするのが一般的であった。吟遊詩人の詩が他の詩と異なるのは、主に、話されるのではなく、単純なギターのメロディーに合わせて歌われる点である。もう一つの違いは、この形式の詩はスタイルよりも意味に重点を置いているという点である。つまり、使用される文体上の工夫が少なく、詩は物語の形をとることが多い。吟遊詩人の詩を他の歌と区別するのは、音楽よりも歌詞がはるかに重要であるという事実である。コード進行はしばしば非常に単純で、吟遊詩人の歌から別の歌へと繰り返される傾向がある。一方、ソ連では、吟遊詩人を主に支持していたのは国家作曲家連合であり、吟遊詩人を主に嫌っていたのは国家作家連合であった。はるかに明白な違いは、このジャンルの商業的自由さである。歌は売るためではなく、歌われるために書かれた。シンガーソングライターが主流の同様のジャンルは、他の旧ソ連諸国では 歌われる詩として知られている。

ブルガリアでは、シンガーソングライターは「吟遊詩人」または「ギターを弾く詩人」という名前で人気があります。彼らの伝統は、伝統的な民俗モチーフ、20 世紀初頭の都市の民間伝承、および現代の影響が混ざり合ったものです。1960 年代、1970 年代、1980 年代には、この国の共産主義政権はブルガリアの「吟遊詩人」を容認し始め、通常はワンマンバンドによって演奏されるいわゆる「政治歌」を奨励しました。ブルガリアで共産主義の意味が強いシンボルである「アレン マク」(赤いケシ) というタイトルで、国民的な祭りの伝統が確立されました。同時に、アンヘル「ジェンデマ」アンゲロフ、ヤヴォル「ヤフカタ」リロフ、ヴェリザール「ヴァルデス」ヴァンコフなど、共産党の公式路線に反対する著名な地下組織も存在しました。

1989 年の共産主義崩壊後、シンガーソングライターの伝統が復活しました。現在、ブルガリアの「吟遊詩人」たちは、ハルマンリ市の PoKi フェスティバル (ギターと詩的な弦楽器を持つ詩人)、ロヴェチの Bardfest、ソフィアのシンガーソングライターの夕べなど、年間にいくつかのフェスティバル (国内および国際) を楽しんでいます。ブルガリアの伝統における主要人物は、ディミタール・タラレジコフ、アンヘル・ジェンデマ・アンジェロフ、ヤヴォル・ヤヴカタ・リロフ、ヴェリザール・ヴァルデス・ヴァンコフ、ディミタール・ドブレフ、アンドロ・シュトゥーベル、ブラニミール・バニー・ストイコフ、ドロテア・タバコワ、ミハイル・ベルチェフ、アッセン・マスラルスキー、グリシャ・トリフォノフ、プラメン・スタブレフ、ウラジミール・レフコフ、マルガリータ・ドルメワ、マリア・バッチヴァロワ、プラメン・シヴォフ、クラシミール・パルヴァノフ。^[要出典]

共産主義の孤立にもかかわらず、ルーマニアのシンガーソングライターの伝統は 1960 年代末から栄え、ルーマニアの 3 つの主なスタイルである民族フォーク、アメリカン スタイルのフォーク、リリカル (カルト) フォークとともにフォーク ミュージックの文脈に置かれました。これらの取り組みの多くは、必然的にイデオロギー的なタッチを伴う一連の大衆文化イベントであるCenaclul Flacăraという形で枠組みが作られました。それでも、ボブ ディラン、ジョーン バエズ、ウッドストック世代などの西洋アーティストの流用、ゴスペル風の音楽の公開演奏、大きな国際問題 (ポップ カルチャー、指導者の説明責任、意外にも中立的な立場での冷戦中の緊張の高まりなど) への切り開きなど、大きな開拓の取り組みを支援するというメリットがありました。全体として、ルーマニアのフォークは、一般的に、非同盟音楽と抗議音楽の中間にあるアンダーグラウンド文化運動として特徴付けられる可能性があります。^[要出典]

ヨーロッパのベンケルザング（ベンチで歌うこと）とモリタートの伝統に根ざしながらも、フランスのシャンソン界やアメリカのフォークミュージック復興から直接インスピレーションを得た、1960年代と1970年代には、ドイツ語で「ソングメーカー」と呼ばれる一世代のシンガーソングライターが登場した。その中には、西ドイツのハンネス・ヴァーダー、フランツ・ヨーゼフ・デゲンハルト、ラインハルト・マイ、コンスタンティン・ヴェッカー、東ドイツのヴォルフ・ビアマン、オーストリアのルートヴィヒ・ヒルシュやゲオルク・ダンツァーなどがいた。内容とスタイルに関して言えば、リーダーマッハーの範囲は、政治的なバラードから、むしろ観察的な物語やラブソングまで多岐にわたる。歌詞は社会的不正義、軍国主義、消費主義、環境問題、ドイツのナチスの過去の影響などのテーマを扱っており、テクノロジー懐疑主義や反体制的な見解を表現することが多い。^[41]

1960年代半ば、スウェーデンでは「トルバドゥール」、つまりスウェーデン版シンガーソングライターの復活が見られました。コルネリス・フリースウェイクとフレッド・オーカーストロムは、カール・マイケル・ベルマンやエバート・タウベなどのアーティストによって特徴づけられた「ヴィサ」という単純な連詩や歌を演奏する特定の方法の伝統と、バラードへの現代的なアプローチを融合させる取り組みで特に影響力がありました。^[42]

エーデ・スタール（ヴァルフム）（1941年 - 1986年）は、オランダ北部フローニンゲン州出身のシンガーソングライターで、主にオランダ語のフローニンゲン方言で歌っていました。

• ロックの殿堂入りリスト
• シンガーソングライター一覧
• アメリカの抗議歌
• アメリカのフォークミュージックの復活
• スウェーデンのバラードの伝統
• グリオ、西アフリカの作詞作曲の伝統

• アラリック、スコット、ディープ コミュニティ(2003)、ブラック ウルフ プレス。今ここ：「ディープ コミュニティ」スコット アラリック著 – 2003 年 5 月 12 日
• ホフマン、フランク、「シンガーソングライターの伝統」、アメリカのポピュラー音楽調査より（ロバート・バークラインがウェブ用に修正）
• デイヴィッド・ノップラー、シンガーソングライター：ジャンルの定義 – スタイルの定義
• ディマティーノ、デイブ『シンガーソングライター：AからZevonまでのポップミュージックの演奏家・作曲家』（1994年）、ビルボードブックス（ウェブ検索が必要）。
• ロジャース、ジェフリー・P.、「The Complete Singer-Songwriter: A Troubadour's Guide to Writing, Performing, Recording & Business」（2003年）Backbeat Books（ウェブ検索が必要）。
• ロック時代のシンガーソングライター(1996)、ハル・レナード (楽譜) (ウェブ検索が必要)。
• AllMusicの現代シンガーソングライター
• ウィリアムズ、ジャスティン A.、ウィリアムズ、キャサリン編 (2016)。『シンガーソングライターのためのケンブリッジガイド』ケンブリッジ：ケンブリッジ大学出版局。ISBN 978-1-107-06364-8。

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