ボヘミアンラプソディ

「ボヘミアン・ラプソディ」は、イギリスのロックバンド、クイーンの楽曲で、4枚目のスタジオアルバム『オペラ座の夜』（1975年）からのリードシングルとしてリリースされた。クイーンのリードシンガー、フレディ・マーキュリーが作詞作曲したこの曲は、6分間の組曲であり^{[ 4 ]}、繰り返しのコーラスがなく、イントロ、バラード部分、オペラ風のパッセージ、ハードロックパート、そして内省的なコーダといういくつかのセクションで構成されている^{[ 5 ]}。 1970年代のプログレッシブ・ロックの楽曲の中で、主流の聴衆にも受け入れられた数少ない曲の一つである^{[ 6 ]。}

フレディ・マーキュリーは「ボヘミアン・ラプソディ」を、自身が書いた3曲を組み合わせた「パロディ・オペラ」と呼んだ。この曲はクイーンと共同プロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーによって1975年8月から9月にかけて5つのスタジオで録音された。当時の録音方法の都合上、バンドは24トラックテープを8世代にわたってバウンスする必要があり、オーバーダブには200トラック近くが必要だった。この曲は、大げさなコーラス、皮肉なレチタティーヴォ、歪んだイタリア語のオペラ風フレーズなど、オペラの要素をパロディ化している。歌詞にはスカラムーシュ、ファンダンゴ、ガリレオ・ガリレイ、フィガロ、ベルゼブブなどが引用され、「ビスミラ！」という叫び声も登場する。

当初は批評家の反応は賛否両論だったものの、後世のレビューでは「ボヘミアン・ラプソディ」は史上最高の曲の1つとして称賛され、バンドの代表曲とみなされることが多い。プロモーションビデオはミュージックビデオというメディアの発展に貢献したとされている。^{[ 7 ] [ 8 ]}この曲はポピュラー音楽史上最高の曲に関する数々の投票に登場しており、^{[ 9 ]}ローリングストーン誌の2021年版「史上最高の500曲」リストでは17位にランクインしている。^{[ 10 ]}ローリングストーン誌の読者投票では、この曲におけるマーキュリーのボーカルパフォーマンスがロック史上最高と評価された。^{[ 11 ]}

「ボヘミアン・ラプソディ」は、イギリスのシングルチャートで9週間（さらに1991年のフレディ・マーキュリーの死後5週間）1位を獲得し、イギリス史上3番目に売れたシングルとなった。また、カナダ（2週間1位）、オーストラリア、ニュージーランド、アイルランド、オランダなどの国々でもチャート1位を獲得し、全世界で600万枚以上を売り上げた。アメリカでは、1976年に9位まで上昇したが、1992年の映画「ウェインズ・ワールド」に登場した後、2位まで上昇した。2004年には、グラミー殿堂入りを果たした。^{[ 12 ]} 2018年の伝記映画「ボヘミアン・ラプソディ」の公開後、 20世紀で最もストリーミング再生された曲となった。 ^{[ 13 ]} 2021年には、デジタル販売とストリーミング再生の合計が1000万ユニットに達し、アメリカでダイヤモンド認定を受けた。 2022年、この作品は「文化的、歴史的、または美的に重要な作品」として、米国議会図書館の国立録音登録簿に登録された。

マーキュリーの友人であるクリス・スミス（スマイルのキーボード奏者）によると、マーキュリーは1960年代後半に「ボヘミアン・ラプソディ」の制作を始めた。マーキュリーは当時作曲していた曲の一部をピアノで演奏しており、彼の作品の一つである「ザ・カウボーイ・ソング」には、数年後の1975年に完成したバージョンに収録された歌詞、具体的には「ママ…男を殺した」が含まれていた。^{[ 15 ]} 1972年にクイーンと仕事をし始めたプロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーは、マーキュリーがかつて自分のアパートでピアノでオープニングのバラード部分を演奏してくれた時のことを語っている。

彼はピアノで曲の冒頭を弾き、そこで止めて「ここからオペラの部分が始まるんだ！」と言った。それから私たちは夕食を食べに出かけた。

ギタリストのブライアン・メイは、バンドはマーキュリーのこの曲の構想を「興味深く独創的で、取り組む価値がある」と考えていたと語った。^{[ 16 ]}メイによれば、クイーンの楽曲の多くはスタジオで書かれたが、この曲は制作開始前に「フレディの頭の中にすべてあった」という。^{[ 17 ]}

クイーンは1975年半ばにサリーのリッジ・ファーム・スタジオで1か月間リハーサルを行い、ドラマーのロジャー・テイラーは、バンドがそこで取り組んだ曲の1つが「ボヘミアン・ラプソディ」だったと回想している。^{[ 18 ]}レコーディングは、ヘレフォードシャー州キントン近郊のペンロス・コートでの3週間のリハーサルの後、1975年8月24日に南ウェールズのモンマス近郊のロックフィールド・スタジオ1で始まった。この曲の制作中、ラウンドハウス、サーム・スタジオ、スコーピオ・サウンド、ウェセックス・サウンド・スタジオの4つのスタジオが使用された。^{[ 19 ]}バンドメンバーの一部によると、マーキュリーは事前に曲を頭の中で準備し、バンドをずっと指揮していたという。^{[ 17 ]} 

マーキュリーは、プロモーションビデオやイギリスツアーで演奏したC.ベヒシュタインのコンサートグランドピアノを使用した。曲の複雑な性質のため、さまざまなセクションに分けて録音された。^{[ 20 ]}このピアノは、ポール・マッカートニーがビートルズの曲「ヘイ・ジュード」を録音したのと同じものだったと言われており、^{[ 4 ]}また、リック・ウェイクマンがデヴィッド・ボウイの1971年のアルバム「ハンキー・ドリー」で使用したのと同じものだったとも言われている。^{[ 21 ]}

ベイカーは1999年にこう回想した。

「ボヘミアン・ラプソディ」は完全にクレイジーだったけど、その一瞬一瞬を楽しんだよ。基本的には冗談だったけど、成功した冗談だったんだ。[笑] 3つの別々のユニットに分けて録音しなければならなかった。最初の部分、真ん中の部分、そして最後の部分を録音したんだ。完全に狂気だったよ。真ん中の部分は最初はほんの数秒だったんだけど、フレディが「ガリレオ」をどんどん追加して、オペラの部分をどんどん追加していって、どんどん大きくなっていったんだ。笑いが止まらなかったよ…最初はバラードだったけど、最後は重苦しい感じだった。^{[ 22 ]}

メイ、マーキュリー、テイラーは、 1日に10～12時間、ボーカルパートを歌い続けたと伝えられている。^{[ 17 ]}作品全体の録音には3週間かかり、一部のセクションでは180回のオーバーダブが行われた。^{[ 20 ]}複数のインタビューで、メイはマーキュリーのボーカルオーバーダブがいかに精緻で、自然な位相効果を生み出したかを回想している。^{[ 23 ] [ 24 ]}

当時のスタジオでは24トラックのアナログテープしか提供されていなかったため、3人は何度もオーバーダビングを行い、それらを連続するサブミックスに「バウンス」する必要があった。最終的には、第8世代のテープが使用された。^{[ 19 ]}目的のサブミックスを含むテープのさまざまなセクションをスプライス（正しい順序でカットして組み立てる）する必要があった。メイは、テープが何度も使用されていたため、テープを光の前に置き、透けて見えるようになったことを回想している。^{[ 25 ]}

1977年、テイラーはアルバム『Queen II』に収録された「The March of The Black Queen」の入念なオーバーダブとサブミックスについて、同様の話を語っている。当時、バンドは16トラックの機材を使用していた。^{[ 26 ]}

プロデューサーのベイカーは、メイのソロは複数のトラックを録音するのではなく、1つのトラックだけで録音されたことを回想している。メイは「メインメロディーの対となるような小さな曲を作曲したかった。ただメロディーを演奏したかったわけではない」と述べた。ギタリストは、演奏する前に曲を考えるというこの作業方法から、より良い作品が生まれると語った。「脳に導かれない限り、指の動きは予測可能になりがちだ」^{[ 17 ]}ベイカーによると、

...曲の終わりは、オートメーションを使ってミックスされた最初の曲の1つだったため、はるかに重厚なサウンドになっています...よく聴いてみると、バラードは最初はクリアな音で始まり、オペラの部分がどんどん大きくなるにつれて、ボーカルはどんどん歪んでいきます。これはCDでも聞き取れます。明らかに歪んでいます。^{[ 22 ]}

2023年5月、友人メアリー・オースティンの計らいでマーキュリーの所有品オークションから発掘された初期の手書きの草稿により、マーキュリーが当初この曲のタイトルを「モンゴリアン・ラプソディ」と考えていたことが明らかになった。彼は1974年に、廃業したブリティッシュ・ミッドランド航空の便箋にタイトルと歌詞を書いたが、「モンゴリアン」という単語を消して「ボヘミアン」に書き換えたと説明されている。^{[ 27 ]} 1962年には、ボヘミアの作曲家ベドルジヒ・スメタナとアントニン・ドヴォルザークの音楽を収録した同名のデッカ・レコードのアルバムが存在する。^{[ 28 ]}

「ボヘミアン・ラプソディ」は、プログレッシブ・ロック（シンフォニック・ロックと呼ばれることもある） ^{[ 6 ] [ 29 ] [ 30 ]}、ハード・ロック^{[ 31 ] [ 32 ]} 、アート・ロック^{[ 33 ]}、プログレッシブ・ポップ^{[ 34 ]}といったジャンルに分類されている。この曲は、コーラスがなく、異質な音楽スタイルを組み合わせ、従来の恋愛物語を避け、殺人やニヒリズムを暗示する歌詞を含んでいる点で、人気シングルとしては非常に珍しい。^{[ 5 ]}

音楽学者のシーラ・ホワイトリーは、 「このタイトルは、現代ロックのイデオロギー、ボヘミアンな芸術家の世界の個人主義、そしてアートロックのロマンチックな理想を肯定するラプソディを強く反映している」と示唆している。^{[ 35 ]}ボヘミアン主義について、ジュディス・ペライノは次のように述べている。

マーキュリーはこの曲を「擬似オペラ」、つまりロックソングの常識から外れたものにしようとしたが、確かにオペラ的な論理に従っている。多重録音されたコーラスとアリアのようなソロが交互に現れ、感情表現は過剰で、筋書きは混乱している。^{[ 36 ]}

「ボヘミアン・ラプソディ」はイントロダクションで始まり、ピアノバラードへと続き、ギターソロを経てオペラ風の間奏へと至る。その後ハードロックパートが続き、コーダで終わる。この曲はB ♭メジャー、E ♭メジャー、Aメジャー、Fメジャーのキーで、主に4/4拍子である^。曲を組曲として作曲し、スタイル、トーン、テンポを変化させるこの音楽形式は、主流のポップやロック音楽ではあまり一般的ではなかったが、プログレッシブ・ロックでは一般的だった。このジャンルは、ジェスロ_・タル、イエス、ジェネシス、エマーソン・レイク＆パーマー、ジェントル・ジャイアント、ヴァン・ダー・グラフ・ジェネレーター、カーブド・エアなどのイギリスのバンドの音楽で、1970年から1975年の間に芸術的にも商業的にも頂点に達した。^{[ 37 ]}プログレッシブ・ロックの音楽は、劇的な対比、テンポやリズム特性の頻繁な変化によって特徴づけられていました。^{[ 38 ]}このジャンルのバンドは、構造的特徴、作曲方法、楽器編成などを含め、ロックとクラシック音楽を融合させました。^{[ 39 ]}クイーンは、多様な影響の一つとしてプログレッシブ・ロックを取り入れていました。^{[ 40 ]}

「ボヘミアン・ラプソディ」は、大げさなコーラス、皮肉なレチタティーヴォ、歪んだイタリアのオペラのフレーズを用いることで、オペラのさまざまな要素をパロディ化している。^{[ 41 ]}このスタイルの萌芽は、すでにマーキュリーがバンドの「マイ・フェアリー・キング」（1973年）と「ザ・マーチ・オブ・ザ・ブラック・クイーン」（1974年）のために作曲した初期の作品で使用されていた。

ニューヨーク・タイムズ紙は「この曲の最も際立った特徴は、宿命論的な歌詞だ」と評した。マーキュリーは、この曲は人間関係についてのものだと述べる以外に作曲について説明を拒否し、バンドは今もこの曲の秘密を守っている。 ^{[ 16 ]}ブライアン・メイは、この曲にはマーキュリーの個人的なトラウマを暗示する部分が含まれているという見方を支持している。彼は「フレディは非常に複雑な人物だった。表面的には軽薄で面白かったが、幼少期と自分の人生を折り合わせることへの不安や問題を隠していた。彼は歌詞について決して説明しなかったが、この曲には彼自身の多くを込めたと思う」と回想している。 ^{[ 44 ]}しかしメイは、歌詞の核心は作曲家にとって個人的な問題であるという点でバンドは合意していたと述べている。 ^{[ 16 ]} 「ボヘミアン・ラプソディ」の制作に関するBBC Threeのドキュメンタリーで、ロジャー・テイラーは、この曲の真の意味は「途中に少しナンセンスな部分があるだけで、かなり自明である」と主張している。 ^{[ 17 ]}

それにもかかわらず、ジャーナリストや学者など批評家たちは、この歌の歌詞に込められた意味について様々な憶測を巡らせてきた。歌詞は悪魔に取り憑かれた自殺願望のある殺人犯を描いている、あるいは処刑直前の出来事を描写していると考える者もいる。後者の解釈では、アルベール・カミュの小説『異邦人』がインスピレーションの源泉である可能性が高いと指摘している。この小説では、若い男が衝動的に殺人を犯したことを告白し、処刑される直前に悟りを開く。

他の批評家は、この歌詞をマーキュリーが個人的な問題に対処する方法だと解釈した。^{[ 16 ]}音楽学者のシーラ・ホワイトリーは、マーキュリーが「ボヘミアン・ラプソディ」を書いた年に私生活で転換期を迎えたと指摘している。^{[ 35 ]}彼はメアリー・オースティンと7年間同棲していたが、男性との最初の恋愛を始めたばかりだった。彼女は、この曲は当時のマーキュリーの感情状態、つまり「メアリー（マザー・メアリーの「ママ」 ）と暮らし、別れたい（「ママ・ミア、私を行かせて」）という気持ちを垣間見せてくれると示唆している。 ^{[ 43 ]}また、この曲はカミングアウトと当時のソドミー法の影響に対処することを暗示していると示唆する人もいる。 ^{[ 46 ]}さらに、この曲は死刑囚の視点から、自分の人生を振り返り、最期の瞬間に備えていると解釈することもできる。

また、歌詞は音楽に合わせるためだけに書かれたもので、意図的な意味はなかったと考える人もいる。キャピタル・ラジオのラジオ番組でこのシングルを普及させる上で影響力のある役割を果たしたDJ、テレビタレント、コメディアンのケニー・エヴェレットは、マーキュリーが歌詞は単なる「ランダムな韻を踏んだナンセンス」だと主張したと引用している。^{[ 44 ]}

バンドが1975年にシングルをリリースしようとしたとき、様々な幹部が、5 分55 秒という長さのため長すぎてヒットしないだろうと彼らに提案した。^{[ 47 ]}マーキュリーはこの曲の長さについて次のようにコメントしている。

非常に大きなリスク要因がありました。ラジオ局は最初、長すぎるという理由であまり気に入ってくれず、レコード会社はそんな売り方はできないと言いました。私が3曲をほぼ繋ぎ合わせた後、彼らはそれをさらに細かく分割するように求めてきたので、私は断りました。彼らは誰もかけないだろう、長すぎると言いましたが、私は「全部出すか、全く出さないかのどちらかだ」と言いました。だから大きなリスクで、誰もかけなくて大失敗するか、何かが起こって幸運にも大ヒットするかのどちらかでした。^{[ 48 ]}

その曲は他のミュージシャンにも聴かせたところ、バンドはラジオで流れる見込みは全くないとコメントした。^{[ 17 ]}ベイカーによると、彼とバンドはエヴェレットにその曲を聴かせることで、この企業側の評価を回避したという。

「リールテープのコピーはあったのですが、再生しないと約束してくれるなら渡してもいいと言いました。『再生はしませんよ』と彼はウインクしながら言いました …」^{[ 19 ]}

この作戦は功を奏し、エヴェレットは曲の一部だけを流してリスナーを焦らした。エヴェレットが 2 日間で番組で曲全体を14回流すと、リスナーの要望は高まった。^{[ 16 ]}翌月曜日、大勢のファンがシングルを購入しようとしたが、レコード店ではまだ発売されていないと告げられた。^{[ 19 ]}同じ週末、アメリカのRKO General局を運営していたポール・ドリューは、ロンドンのエヴェレットの番組でこの曲を耳にした。ドリューはテープのコピーを入手し、アメリカで流し始めたため、クイーンのアメリカのレーベルであるエレクトラ・レコードは対応を迫られた。サウンド・オン・サウンド誌のインタビューで、ベイカーは「レコード会社が絶対に放送されないと言っていた曲が、大西洋の両岸のラジオでヒットしているというのは奇妙な状況だった」と述べている。^{[ 19 ]}

最終的に未編集のシングルがリリースされ、B面には「I'm in Love with My Car」が収録された。1975年10月のエヴェレットの騒動の後 、レコードプロモーターのエリック・ホールは、平日のラジオ1番組でかけるために、デヴィッド・“ディディ”・ハミルトンにコピーを渡した。ホールは「モンスター、モンスター！これはヒットするかもしれない！」と述べた。^{[ 49 ]}

この曲は1975年のイギリスのクリスマス・ナンバーワンとなり、9週間トップの座を維持した。^{[ 43 ]}「ボヘミアン・ラプソディ」は、同じバージョンでイギリスで2度ナンバーワンになった最初の曲であり、^{[ 50 ]}また、同じバージョンでクリスマス・ナンバーワンになった唯一のシングルでもある。2度目は、フレディ・マーキュリーの死後、1991年に再リリースされた時（「These Are the Days of Our Lives」とのダブルA面シングルとして）で、5週間ナンバーワンの座を維持した。^{[ 51 ]}再リリースされたバージョンは、1991年にイギリスで673,000枚を売り上げた。^{[ 52 ]}

アメリカでもこのシングルはヒットしたが、当初はイギリスほどの成功ではなかった。1975年12月にリリースされたこのシングルは、ビルボードホット100 で9位にランクインし、アメリカレコード協会から100万枚の売り上げでゴールド認定を受けた。 ^{[ 53 ]}

ローリングストーン誌のアンソニー・デカーティスは回顧記事の中で、この曲がアメリカのチャートでそれほどヒットしなかった理由を「アメリカではあまり受け入れられない典型的な例」だと説明している。^{[ 17 ]}しかし、24週間チャートインしたことで、ビルボードの年間チャートでは18位となり、その年の1位の曲よりも上位になった。^{[ 54 ]}カナダのレコード購入者の間では、このシングルはより好調で、1976年5月1日までの週のRPM全国シングルチャートで1位を獲得した。 ^{[ 55 ]}    

アメリカでは、「ボヘミアン・ラプソディ」はフレディ・マーキュリーの死から2か月後の1992年1月に「ザ・ショー・マスト・ゴー・オン」とのダブルA面カセットシングルとして再リリースされ、収益はマジック・ジョンソン財団のエイズ研究に寄付された。この曲は16年ぶりにビルボード・ホット100チャートに再登場し、2位（クリス・クロスの「ジャンプ」に次ぐ）に達し、17週間チャートインした。^{[ 56 ]}この曲と同じタイトルのクイーンの伝記映画が公開された後、この曲は3度目のチャートインを果たし、33位にランクインした。これは最後にチャートインしてから26年ぶりのことだった。^{[ 57 ]}     

2021年3月、デジタル販売とストリーミング再生を合わせた合計が1000万ユニットに達したとして、米国でダイヤモンド（プラチナの10倍）認定を受けた。 ^{[ 58 ]} 2017年9月時点で、 米国でのデジタルコピー販売数は440万枚だった。 [ ^{59 ]} 2025年9月現在、Spotifyだけで28億回以上再生され、20世紀で最もストリーミング再生された曲となっている^{。[ 60 ]}

アーティストの中には、楽曲に合わせてビデオクリップを制作していた者もいた（クイーン自身もその一人であり、例えば、初期のシングル「 Keep Yourself Alive」、「Liar」、「Seven Seas of Rhye」、「Kill​​er Queen」には、当時「ポッププロモーション」と呼ばれていたものが既に存在していた）が、レコード会社がアーティストのシングルリリース用にプロモーションビデオを制作することが一般的になったのは、「ボヘミアン・ラプソディ」の成功後になってからのことだった。^{[ 61 ]}ガーディアン紙は、「ビデオは今後、音楽のマーケティングにおいて必須のツールとなることが確実になった」と述べている。^{[ 8 ]}これらのビデオは、アーティスト本人が出演する必要なく、 BBCの「Top of the Pops」など世界中のテレビ番組で放映できるようになった。プロモーションビデオによって、アーティストは、Pan's Peopleのようなダンサーではなく、自分で選んだ映像とともに音楽を放送できるようになった。メイによると、このビデオは、バンドが複雑な曲に合わせて口パクをすると不自然に見えてしまうため、トップ・オブ・ザ・ポップスで口パクをするのを避けるために制作されたとのことである。 ^{[ 44 ]}また、バンドはツアーでダンディーのケアド・ホールに出演する予定で、その日程が番組と重なっていたため、プロモーションビデオで問題を解決できると考えたとも述べている。^{[ 17 ]}このビデオは、 MTV時代の幕開けとして称賛されている。^{[ 17 ] [ 62 ]}

バンドは、かつてのマネジメント会社でありレコーディングスタジオでもあったトライデント・スタジオの子会社であるトリリオンを利用した。彼らはトラックを1台借りて、ツアーのリハーサルを行っていたハートフォードシャーのエルストリー・スタジオに持ち込んだ。ビデオの監督はブルース・ゴワーズで、彼は1974年にロンドンのレインボー・シアターで行われたバンドのパフォーマンスのビデオも監督していた。撮影はカメラマンのバリー・ドッドとアシスタントディレクター兼フロアマネージャーのジム・マカッチョンが担当した。ビデオは1975年11月10日にわずか4時間で撮影され、費用は4,500ポンドだった。^{[ 20 ]}ゴワーズは、バンドがビデオの話し合いと結果に関与し、「その点では協力的だったが、リーダーは1人だけだった」と報告している。^{[ 17 ]}

ビデオは、4人のバンドメンバーがダイヤモンド型に並び、頭を後ろに傾け、ほぼ暗闇の中でアカペラパートを歌っているショットで始まる。^{[ 64 ]}ライトが徐々に明るくなり、ショットはクロスフェードしてマーキュリーのクローズアップになる。このショットの構図は、ミック・ロックがセカンドアルバム『Queen II』のジャケット写真で撮影したものと同じである。女優マレーネ・ディートリッヒの写真に触発されたこの写真は、バンドメンバーのお気に入りのイメージだった。^{[ 17 ]}その後、ビデオは彼らが楽器を演奏するシーンへとフェードインする。ビデオのオペラ部分では、シーンは『Queen II』の立ち姿に戻り、その後、ハードロック部分で再びステージで演奏する。ビデオの最後の数秒では、ロジャー・テイラーが上半身裸で、ランク・オーガニゼーションの『ゴングマン』のトレードマークであるタムタムを叩いている様子が描かれている。これは、イギリスではランクのすべての映画作品のオープニングとして知られている。^{[ 65 ]}

特殊効果はすべて、編集ではなく録音中に実現されました。フレディ・マーキュリーの顔が滝のように流れ落ちる視覚効果（「Magnifico」と「Let me go」のエコーがかかった部分）は、カメラをモニターに向けて視覚的なフィードバック、つまり音声フィードバックに似たグレアを与えることで実現されました。ハニカムの錯覚は、形状レンズを使用して作成されました。ビデオは、撮影された週と同じ週に放送される予定だったため、5時間以内に編集されました。ビデオは完成後すぐにBBCに送られ、 1975年11月にTop of the Popsで初めて放送されました。^{[ 17 ]}

この曲はポピュラー音楽史上最も高く評価されている曲の一つとなったが、^{[ 66 ]}当初の批評家の反応は賛否両論だった。イギリスの音楽紙は、この曲が独創的で技術的に優れていることは認めつつも、ほとんど無関心なままで、困惑した反応を示した。NMEのピート・アースキンは、「ラジオで全曲が流れるかどうか興味深い。演奏は非常に優れているが、それは何よりもプロダクションの面でのことだ…誰かがどこかで、この少年たちの次のリリースは『壮大な』サウンドでなければならないと決めたのだろう。そして、その通りだ。彼らは非常に自己重要的に聞こえる。」と述べている。^{[ 67 ]}

メロディ・メーカー誌のアラン・ジョーンズは、この曲に感銘を受けず、「表面上は印象的な、不釣り合いな音楽スタイルの寄せ集め」であり、クイーンは「ペンザンスの海賊を上演するバルハム・アマチュア・オペラ協会の狂気じみた激しさを再現しようとした」と評し、「『ボヘミアン・ラプソディ』はドラマ、情熱、ロマンスに満ちており、ピート・タウンゼントがザ・フーのアルバムの最後に付け足していたミニ・オペラのようなものだ」と述べ、最後に「この曲の意義は全く理解できないが、恐ろしく魅力的であることは認めざるを得ない。長さにもかかわらず、とてつもないヒット曲になるだろう」と締めくくった。^{[ 68 ]} Record Mirrorのレイ・フォックス＝カミングも動じず、「すぐに売れるポイントがまったくない。多くの部分があるが、メロディーのかけらもほとんどなく、ましてや心に響くフレーズなどない。オペラのハーモニーの断片からSparksやDavid Cassidy のような断片まで、あらゆるものを包含する、悪魔的に巧妙な作品であることは否定できないが、結局のところ、全体は部分の総和よりも劣る」と述べた。しかし、ヒットしないのは「考えられない」とも言った。^{[ 69 ]}最も肯定的なレビューはSoundsからで、この曲を「信じられないほどまとまりがなく複雑だが、フレディ・マーキュリーの熱狂的な心から生まれた、目もくらむほど巧妙な叙事詩」と評した。^{[ 70 ]} Cash Box は、この曲を「堅苦しいやり方から抜け出す見込みへの、優しく歌われた頌歌」で、「歌唱もプロダクションも優れている」と評した。^{[ 71 ]}レコード・ワールドはそれを「オペラ級の壮大な歌唱パフォーマンス」と評した。^{[ 72 ]}

アカペラのオープニングはライブで演奏するには複雑すぎたため、マーキュリーは曲の導入にさまざまな方法を試した。「ムスタファ」がライブで人気になると、マーキュリーはしばしばその曲のアカペラのオープニングを代わりに演奏した。これは声部が1つだけなのでライブで再現しやすかった。この組み合わせは、1979年のライブアルバム『Live Killers』に収録されている。^{[ 114 ]} 1982年のホットスペースツアー中、そして時折他の時にも、マーキュリーはピアノの即興演奏（通常は「Death on Two Legs」のイントロ）を行い、曲の最初の音で終わった。多くの場合、前の曲が終わると、マーキュリーはピアノの前に座り、一言言ってからバラード部分を演奏し始めた。 「ボヘミアン・ラプソディ」がオープニング曲だったライブエイドでは、マーキュリーはバラード部分から演奏を始めた。^{[ 115 ]}

曲のリリース直後、オペラ風の中間部がバンドにとって問題となった。多重録音が多用されたため、ステージで演奏することができなかった。^{[ 116 ]}バンドは「 Sheer Heart Attack」ツアーと「A Night at the Opera」ツアーの間に十分な休みがなかったため、ライブで演奏する方法を見つけられず、曲を3つのセクションに分割して夜通し演奏した。ショーの冒頭では、アルバムのオペラ風のセクションがテープから再生され、セットリストの導入となった。この再生中、フレディ・マーキュリーが白い布の後ろにシルエットで立ち、「I see a little silhouetto of a man」という歌詞をライブで歌うために短時間登場した。^{[ 117 ]}曲がハードロックのセクションに移行すると、バンドは煙で満たされたステージに登場した。この時点で再生は終了し、ハードロックのセクションがライブで演奏され（セットの後半に登場する最後のバラードセクションは除く）、次の曲「Ogre Battle」へと移行した。この部分全体は、バンドが1975年のクリスマスイブにハマースミス・オデオンで行った放送では省略され、代わりに「Now I'm Here」が演奏された。オープニングとエンディングのバラードはメドレーの一部として演奏され、オペラ風とハードロックのセクションの代わりに「Kill​​er Queen」と「March of the Black Queen」が演奏された。同じメドレーが演奏されたバンドの短い「Summer of '76」ツアーでは、その直前に「You're My Best Friend」が演奏された。

1977年の「 A Day at the Races Tour 」から、バンドはこの曲をライブで演奏する現在のスタイルを採用した。オープニングのバラードがステージで演奏され、メイのギターソロの後、照明が落とされ、バンドはステージを去り、オペラの部分はテープから再生され、色とりどりのステージライトがオペラの部分の歌声に合わせたライトショーを演出した。^{[ 116 ]}テープからオペラの部分を再生する際には、A Day At The Races Tourの終盤のアールズ・コート公演で見られたように、曲のオペラの部分に使用された映像を含むミュージックビデオの一部が添えられることが多かった。テイラーが最後の「for me」で高音を出した後、花火が爆発し、ハードロックの部分と最後のバラードのためにバンドが戻ってくることを告げた。クイーンは1986年のマジックツアーを通してこの曲をこの形で演奏した。このスタイルはフレディ・マーキュリー追悼コンサートでも使用され、エルトン・ジョンがオープニングのバラードを歌い、録音されたオペラセクションの後、アクセル・ローズがハードロックセクションを歌った。ジョンとローズは最後のバラード部分をデュエットで一緒に歌った。^{[ 118 ]}

「ボヘミアン・ラプソディ」はクイーン＋ポール・ロジャースがツアー中ずっと演奏し、フレディ・マーキュリーのビデオが添えられた。 ^{[ 119 ]} 2005～06年のツアーでは「Live at Wembley '86」の映像が、ロック・ザ・コスモス・ツアーでは1981年のモントリオール公演の映像が使用された。クイーンのツアーと同様に、バンドはオペラ風のセクションでは舞台裏に下がり、フレディ・マーキュリーへのビデオによるトリビュートが添えられた。ハードロックのセクションが始まると、照明が再び点灯し、ロジャースを含むバンド全員がステージに登場し、リードボーカルを引き継いだ。ロジャースは「アウトロ」セクションでマーキュリーの録音とデュエットし、観客が最後の「Nothing really matters to me」を歌う間、録音されたマーキュリーは観客に一礼した。その後、ロジャースがそのフレーズを繰り返し、最後のフレーズ（「Any way the wind blows」）は、観客に微笑むマーキュリーの最後のショットとともに届けられた。この演出についてブライアン・メイは、「フレディを正当な場所に配置しつつ、ポールを貶めるようなことは決してしないという難題に立ち向かわなければならなかった。また、過去を意識し、誇りに思いながらも、論理的にそうあるべきであるように、ライブ感と『存在感』を保つことができた」と述べている。^{[ 16 ]}

2012年以来、メイとテイラーは元アメリカン・アイドル出場者のアダム・ランバートと共にクイーン＋アダム・ランバートという名義でツアーを行っており（2009年と2011年に2回単発の共演を行った後）、セットリストの最後には必ず「ボヘミアン・ラプソディ」が演奏される。^{[ 120 ] [ 121 ]}

私はずっとオペラ的なものを作りたかったんです。冒頭で雰囲気を盛り上げるような曲を作り、ロック調の曲から始まり、そこから完全にオペラパートへと展開し、衝撃的なひねりを加えて、またテーマに戻る、そんな曲を作りたかったんです。私自身はオペラについて何も知らないんです。いくつかの曲を知っているくらいです。クイーンならできるだろうと思うものを作りたかったんです。本物ではありません…絶対に違います。魔笛をパクったようなものでもありません。私の限られた能力でできる限りのことをしたんです。^{[ 236 ]}

これからいくつか幻想を打ち砕くことになるが、これはアルバムのために書いた曲の一つに過ぎない。ただ、自分の曲の束を書いていただけなんだ。初期の段階ではほとんど却下しようと思ったが、その後、曲が膨らんでいった。半分くらい経った頃にシングルにするかどうかを決め始めた。候補はいくつかあった。一時は「The Prophet's Song」も考えていたが、最終的に「Bohemian Rhapsody」に決まった。他のメンバーが少し短くしたいと言った時期もあったが、私は拒否した。リリースするなら、完全な形でリリースするつもりだった。非常にリスクが高いことは分かっていたが、この曲には絶大な自信を持っていた。少なくとも私はそうだった。根底では、成功すれば多くの人から尊敬されるだろうと思っていた。みんなは「冗談だろ、絶対に放送されないよ、最初の数小節しか聴けない、あとはフェードアウトするだけだよ」と言っていた。何度も言い争いになった。EMIはショックを受けていた。「6分のシングル？冗談だろ！」アメリカでも同じだ――ああ、イギリスではうまくいっただけだった。^{[ 237 ]}

アルバム『オペラ座の夜』が完成した時、まずイギリスでシングルとしてリリースしようと考えていたのがこの曲でした。イギリスでリリースした時、アメリカでリリースするとは思っていませんでした。というのも、アメリカでもAMラジオのリスナーの好みはもっと厳しいと分かっていたからです。とにかく、イギリスでも、もしかしたら編集して短くしようかと考えたこともありましたが、何度も聴き返してみて、編集できるような曲ではないと分かりました。いくつかアイデアを試してみましたが、編集すると必ず曲のどこかが失われてしまうので、そのままにしておくしかありませんでした。幸運なことに、それでもヒットしました。^{[ 238 ]}

ボーカルハーモニーは最初からやりたかったことで、僕たちはいつもそういうことをやりたがっていたんです。ハードロックのヘヴィさも表現できるグループでありながら、ハーモニーがあちこちに飛び交うようなグループになりたかったんです。その組み合わせには、本当に力強さと感情が込められていると思いました。ギターソロはほぼ即興でしたが、あれについてはじっくり考える時間があったと思います。他の作業が行われている間、スタジオでしばらくギターソロに合わせて演奏していたのを覚えています。どんなメロディーを弾きたいかは分かっていました。^{[ 239 ]}

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• フレディ・マーキュリー– リードボーカル、バックコーラス、ピアノ、オペラティックボーカル（中音域）
• ブライアン・メイ– エレキギター、オペラティックなボーカル（低音域）
• ロジャー・テイラー– ドラム、ティンパニ、ゴング、オペラティック・ボーカル（高音域）
• ジョン・ディーコン– ベースギター

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